No cabe duda que esta ha sido una semana para celebrar, por lo menos en lo que respecta a Pedro Almodóvar. En el momento en que acudía en Madrid a la presentación de un libro con una retrospectiva de toda su carrera se enteraba de que su última película, La piel que habito, había sido nominada por la asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Qué mejor momento para continuar con mi análisis personal hacia la obra del universal cineasta manchego que comenzara con la revisión de su etapa con Carmen Maura.

Reivindicando el estilo almodovariano

Todavía es pronto para valorar con coherencia la trayectoria completa del cineasta, más que nada porque no ha concluido y le queda mucho por decir, pero me atrevo a adelantar que la evolución de su filmografía se desarrolla de manera paralela a la evolución de la sociedad española. Si en el primer bloque, el de Carmen Maura, podíamos diferenciar dos etapas que coinciden con dos períodos políticos concretos de España correspondientes, el primero, con la transición democrática y, el segundo, desarrollándose a lo largo de la administración socialista. Podríamos decir que con la década de los noventa su cine parece querer decir al mundo que no sólo se habían acabado los oscuros años del franquismo, sino que España se había incorporado con rapidez y eficacia al ritmo que marcaba Europa.

Quizás por eso a partir de Mujeres al borde de un ataque de nervios su cine parece más un escaparate, apuntado ya con Matador, de la modernidad de la sociedad española, capaz de soportar que en un mismo año Madrid sea la capital cultural europea, que Sevilla albergue la Expo y que Barcelona se convierta en el escaparate mundial por obra y gracia de los Juegos Olímpicos. Incluso hasta las señoras de derechas abrazan sus extravagancias con cariño y lo que antaño se llamaban situaciones esperpénticas se rebautizan ahora como almodovarianas.

Con la seguridad que ofrece un reconocimiento internacional de la magnitud del que le otorga Mujeres al borde de un ataque de nervios, Pedro Almodóvar inicia esta segunda gran etapa en la que, tras cardar la lana, parece dispuesto a llevarse toda la fama a través, precisamente, de la reivindicación de ese universo almodovariano en el que se mezclan travestis, drogadictos, homosexuales y prostitutas con personajes de lo más castizo y cañí, ubicados ahora en un contexto que ya poco, o nada, tiene que ver con la realidad, de la que se irá alejando progresivamente, igual que la sociedad española.

Por que yo lo valgo: Victoria Abril

• Átame! (1990)
• Tacones lejanos (1991)
• Kika (1993)

Tras la caída del muro de Berlín, Pedro Almodóvar, aprovechando que coinciden en la IV gala de los Goya, intenta el acercamiento con Carmen Maura. Ella era la presentadora de la gala y él acudía para entregar el Goya al mejor la mejor dirección, luego todos estábamos esperando el inevitable encuentro. Saltándose el guión y ante la expectación de todos los televidentes, Pedro le regala un fragmento del derribado muro de Berlín con la intención de derrumbar el que a ellos les separa. Carmen lo acepta con estupor y educación, pero sin perdón (su cara fue todo un poema). Ese mismo año Almodóvar presenta la que sería su primera película sin ella: Átame, en la que convierte a Victoria Abril en su primera musa post-Maura.

A mitad de camino entre Bus Stop (1956, Joshua Logan) y The collector (1965, William Wyler), Átame es también la primera reflexión verdaderamente metacinematográfica que encontraremos en su cine. En títulos previos ya había personajes que vinculados al munod profesional audiovisual, pero aquí propone una reflexión sobre el acto creativo a través de ese director que encarna Paco Rabal en silla de ruedas (¿así de invalido se sentía Pedro sin Carmen?), que enamorado de su heroína decide cambiar el final de su película en el último momento. Quizás se estaría disculpando ante el final de su propia película que en la época no fue comprendido por muchos.

Sin duda Antonio Banderas consigue el mejor de sus personajes, no ya en una película de Pedro Almodóvar, sino de toda su carrera. Lo que no impide que Victoria Abril logre una interpretación mucho más convincente y acertada transmitiendo mucho más que su compañero de reparto. Mención especial para Loles León, que tras irrumpir en el cine con un pequeño papel en Mujeres al borde de un ataque de nervios, demostraba aquí que era una actriz como la copa de un pino, hasta meando.

En su siguiente película, Tacones lejanos, que bebe de las fuentes de Höstsonaten (Sonata de otoño, 1978) de Ingmar Bergman, citada descaradamente en la película, y en la que aunque recurre a la presencia de una incondicional como Marisa Paredes, el peso de la acción vuelve a recaer en la todoterreno Victoria Abril. Si Átame no supuso más que un ligero bache para muchos de sus seguidores, la brecha comenzaba a abrirse en este título que aunque simpático parecía querer inclinarse más hacía el drama y lo trágico que hacia la comedia. Muchos no entendieron (entendimos) lo que quiso decir con la película (todavía me pregunto lo de Miguel Bosé).

La renovación de esta etapa también se produce en parte de su equipo técnico. Ya en Mujeres al borde de un ataque de nervios había sido “infiel” a Ángel Luis Fernández, que fuera director de fotografía de casi toda su etapa con Carmen Maura y al que probablemente había incorporado a su cine a propósito de Arrebato, pero que ahora cambiaba por el más reconocido y reputado José Luis Alcaine, que volvería a ser su director de fotografía en Átame. En esta línea también se despoja del que fuera compositor de todas sus bandas sonoras previas, Bernardo Bonezzi, recurriendo a compositores internacionales como Ennio Morricone que pasa totalmente desapercibido en la banda sonora de Átame, por lo que en Tacones lejanos prefiere aliarse con Ryuichi Sakamoto, que le sale rana y con el que tendrá grandes (e irreparables) discrepancias, lo que le lleva a prescindir de compositor en Kika.

No creo que muchos me vayan a llevar la contraria si considero Kika como el punto más bajo de toda su carrera cinematográfica. A mitad de camino entre Barton Fink (1991, Joel & Ethan Coen) y Bitter moon (1992, Roman Polanski) -no lo digo yo, es lo que él mismo manifiesta en una entrevista publicada en la revista Fotogramas, por aquella época todavía dedicada al cine y no al cotilleo cinematográfico (desde luego no encontré ni rastro de Barton Fink)-, lo que le anima para contratar a Peter Coyote, quien se cogería un tremendo rebote después de aprender español para que luego le doblaran.

También supuso la ruptura TOTAL con Victoria Abril. ¿Torturada con los modelitos creados por Jean-Paul Gaultier? ¿Sometida a una interpretación completamente artificial y alejada de su registro habitual? Lo cierto es que nunca han trascendido los motivos de la ruptura, pero la evidencia es que ella nunca ha vuelto a aparecer (hasta la fecha) en una película de Pedro Almodóvar, ni siquiera en un cameo como el que ya hiciera en La ley del deseo.

No creo que haga falta explicar los motivos que me llevan a escoger de esta etapa átame como su película más interesante que, en cualquier caso, no llegará a satisfacerme por completo. En su siguiente período veremos como Pedro Almodóvar se embarca en una búsqueda de una nueva musa que tras recuperar antiguas chicas Almodóvar como Marisa Paredes, Verónica Forqué o Cecilia Roth, le conducirá definitivamente hasta Penélope Cruz.

Hay cineastas que dejan tal huella con su obra que determinadas situaciones de la vida real pueden describirse perfectamente utilizando su nombre. Recuerden si no, expresiones como felliniano o berlanguiano, que conviven desde hace mucho tiempo con nosotros para describir o bien situaciones surrealistas, haciendo referencia al cine de Federico Fellini, o grotescas, haciendo referencia al de Luis García Berlanga. Desde los años ochenta, al menos en España, la expresión almodovariano ha ido instalándose en el lenguaje cotidiano, tanto de los defensores como los detractores del cine de Pedro Almodóvar, para describir, precisamente, aquellas situaciones que superan a las mencionadas anteriormente, con el distintivo de que sean, además, castizas.

Pedro Almodóvar es el cineasta español más internacional, después de Luis Buñuel, como reza en IMDb. Ninguna duda al respecto, por mucho que le pese a Alejandro Amenábar. Sin embargo, y como le sucediera ya desde los inicios de su carrera profesional, podemos decir que Pedro Almodóvar no es profeta en su tierra. Cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) reconoce y rinde tributo a su trayectoria artística o el Festival del Instituto de Cine De Estados Unidos (AFI) le nombra director artístico encargándole un ciclo con las películas le inspiraron en su trayectora cinematográfica; en España el público se divide irremediablemente entre admiradores y detractores de su última obra: La piel que habito. Algo que viene pasando casi sistemáticamente desde sus inicios profesionales. Curiosamente, hoy mismo premian en el Festival Europeo de Cine la trayectoria de su productora, El Deseo, que fundara junto con su hermano Agustín Almodóvar, aunque no la suya propia.

Por todos es conocida la relación de amor-odio entre el cineasta manchego y la academia de cine española. Si la primera de sus películas que estuviera nominada a los premios Goya, Mujeres al borde de un ataque de nervios, consiguiera el de la mejor película, no obtenía Almodóvar el del mejor director, teniendo que conformarse con el del mejor guión. Como si hubiera un paralelismo con la academia de Hollywood tendría que esperar hasta Todo sobre mi madre para conseguir el Goya al mejor director, que volvería a recoger con Volver. También es cierto que no es el único cineasta español en activo y que tampoco se va a premiar sistemáticamente todas y cada una de sus películas. Quizás por ese motivo a más de uno le resultan un tanto infantiles esas rabietas que se pilla. Aunque no dudo de que debe haber mucho mamoneo entre bastidores, tampoco es para ponerse así.

Personalmente, me encuentro entre aquellos espectadores que, si bien le seguían a pies juntitas en su etapa de los años ochenta, quedara desencantado a partir de Átame por un cineasta que, como se atribuiría a sí mismo en La mala educación, seguiría haciendo cine con pasión, pero por un camino ligeramente diferente al de su cine precedente. Esto no impide que pueda valorar y admirar algunas de sus obras posteriores, pero desde luego, no me encuentro entre ese grupo de seguidores entregados que alaban sistemáticamente todas y cada una de sus obras. Desde mi punto de vista, no es una cuestión de calidad cinematográfica, sus obras siempre son de calidad, sino de contenido, o más bien de estilo. Pero este análisis lo dejaremos para cuando hablemos de esa etapa.

En cualquier caso encuentro fascinante ese fenómeno fan en torno a las obras de Almodóvar. Parece que para los admiradores incondicionales tiene que gustarte La piel que habito, pero puedes detestar La mala educación; debes adorar Todo sobre mi madre, pero no importa si no te gusta Hable con ella; te tiene que gustar Volver, aunque prefieras Los abrazos rotos. Lo curioso es que yo prefiero, precisamente aquellos títulos que ellos no tienen reparos en rechazar (y lo hacen), pero aún así, a mi se me tilda como detractor de Almodóvar, aunque sepa valorar otros títulos suyos.

Muchas veces me pregunto cómo y por qué llegan a producirse este tipo de fenómenos con la obra de determinados cineastas. Lo cual me lleva a analizar el progreso y evolución de Pedro Almodóvar a lo largo de su filmografía. Siguiendo el ejemplo de cineastas como Tim Burton, Woody Allen o Steven Spielberg, de los que, desde mi punto de vista, podemos distinguir diferentes etapas creativas en función de la influencia que sus parejas sentimentales han tenido en su filmografía, es difícil establecer esta misma división en el caso del director de La Ley del deseo. Pocos datos se conocen de su vida privada, más que los que él mismo deja que se intuyan en sus propias películas. Pero sí que es cierto que podemos dividir su filmografía en función de las protagonistas de sus películas, diferenciando dos grandes etapas: su cine con Carmen Maura y su cine sin Carmen Maura. A partir de ahí podemos hacer otras subdivisiones, que son las que trataré de explicar y defender.

Si entre sus chicas favoritas además de Carmen Maura, destacan Victoria Abril y Penélope Cruz, a lo largo de su filmografía quizás destaquen también aquellas otras chicas Almodóvar que participan en personajes secundarios pero que, no lo pueden negar, lograban personajes deliciosos, entrañables e inolvidables. Actrices como Rossy De Palma, Kitty Manver, Chus Lampreave, Mariola Fuentes, Bibi Anderssen, Julieta Serrano, Ángela Molina, Antonia San Juan, Lola Dueñas o Verónica Forqué han ido colándose en sus diferentes etapas, dejando su huella en el espectador. Mención aparte merece el caso de Marisa Paredes, presente a lo largo de las diferentes etapas de su filmografía, así como Francisca Caballero, su madre.

La edad de oro: Carmen Maura

Quisiera hacer notar una característica interesante en esta primera etapa global como es la presencia de personajes no queridos por sus progenitores, como sucedía con Sexilia (Cecilia Roth) en Laberinto de pasiones, quien el rechazo de su padre le convierte en ninfómana; Vanessa (Sonia Anabela Holimann), la niña telequinética de ¿Qué he hecho yo para merecer esto!!, que sólo encuentra consuelo con sus extravagantes vecinas; la encantadora Ada (Manuela Velasco), con la que Almodóvar supera las leyes de la naturaleza convirtiendo a una transexual en su madre, Bibi Andersen, y haciendo de su madre adoptiva una mujer que pretende ser un hombre que se ha cambiado de sexo, Carmen Maura; o el mismo personaje interpretado por Antonio Banderas en Mujeres al borde de un ataque de nervios, cuyo rechazo parece estar detrás de su tartamudez. Desconozco a que se debe la repetición de este patrón, pero no me negarán que es un dato interesante, que no se repetirá en películas posteriores.

1. De la transición a la movida

• Folle… follé… fólleme Tim! (1978)
• Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)
• Laberinto de pasiones (1982)

Si en esta primera etapa no podemos dejar de mencionar la influencia del cine trash que popularizara John Waters, es obligatorio mencionar las grandes influencias de Félix Rotaeta e Iván Zulueta. Si el primero era el protagonista de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, anteriormente había estado vinculado a las primeras películas de Fernando Colomo, como Qué hace una chica como tu en un sitio como este, que también comparte gran parte de su reparto con las primeras películas de Pedro Almodóvar, además de estar protagonizada por Carmen Maura.

El propio Pedro Almodóvar ha comentado en ocasiones la gran influencia que una película tan fascinante como Arrebato ha tenido en su obra, siendo Zulueta el creador de muchos de los carteles de las películas de Almodóvar en su etapa siguiente. Si Cecilia Roth protagonizaba Laberinto de pasiones, posteriormente Eusebio Poncela protagonizaría La ley del deseo, así como los actores de reparto de la película irían integrándose en los repartos de sus primeras películas, sobre todo en Laberinto de pasiones, además de asimilar también gran parte de su equipo técnico, como el director de fotografía Ángel Luis Fernández con el que trabajaría en ocho de sus películas.

A veces pienso que los espectadores que se enfrenten a las películas de esta primera subetapa, deben quedarse perplejos ante un cine tan poco profesional, al menos aparentemente. Pero no me cabe ninguna duda que siempre quedarán rendidos ante la frescura y espontaneidad de unas situaciones tan hilarantes como auténticas y reales.

2. De amateur a profesional

• Entre tinieblas (1984)
• ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! (1984)
• Matador (1986)
• La ley del deseo (1987)
• Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

El cineasta Rainer Werner Fassbinder se convertiría en el faro que guiaría los pasos artísticos del manchego que, si ya tiene un público entregado, busca ahora un reconocimiento crítico que le aporte credibilidad. Más que el cine de Fassbiender en general, sería su película de 1978, In einem Jahr mit 13 Monden, la que podemos encontrar detrás de filmes como Entre tinieblas o La ley del deseo. Si el cine de Almodóvar ha sido siempre indiscutiblemente posmoderno, en muchas ocasiones sus homenajes cinematográficos rayan el plagio, pero si posteriormente las citas a otras películas serían mucho más discutidas, Almodóvar logra aprehender las situaciones y personajes de este gran título de Fassbinder para hacerlos suyos.

Es difícil escoger una película de esta etapa, todas y cada una de ellas tienen algo que las hace destacar. Quizás Entre tinieblas hubiera sido más redonda si no la hubiera protagonizado Cristina San Pascual, protagonista impuesta por cuestiones de producción. Aún así, el ateo más convencido queda rendido ante este nada convencional rebaño de monjas y ovejas descarriadas. Muchos años después, desde Hollywood le llegaría una oferta para dirigir Sister Act, que el director español rechazaría.

La película más floja de esta etapa podría ser Matador. Primer (y único) título en el que colabora con otro guionista, el escritor Jesús Ferrero, por aquel entonces muy popular debido a novelas como Bélver Yin y Opium. Aunque estéticamente la película puede resultar muy estimulante, su arriesgada propuesta de vincular la moda española con tradición castiza y sexo con tauromaquia, no acaban de convencer del todo. Casi podríamos decir que Matador sería un avance estético de lo que nos depararía la obra de Almodóvar a partir de los años noventa.

Sin duda ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! y La ley del deseo constituyen lo mejor de esta etapa y, si me permiten, casi de toda su carrera cinematográfica por razones que no creo sea necesario explicar. Si con la primera Carmen Maura logra una de sus interpretaciones más emotivas, con ella Pedro Almodóvar comienza a ser tenido en muy buena consideración por la crítica cinematográfica, así como abrazado plenamente por el público. Una película imperfecta, que abunda en personajes innecesarios que no aportan nada a la trama principal, pero que forman un conjunto de entrañables personajes entre los que destacan la maravillosa abuela diabética que hace Chus Lampreave y la fascinante prostituta de lujo aspirante a estrella de Las Vegas que hace Verónica Forqué.

La ley del deseo sería la primera película de la productora fundada con su hermano, Agustín Almodóvar. Una apuesta valiente y arriesgada que recoge sus frutos por todas partes siendo alabada por la crítica como la mejor película del año, logrando prodigiosas interpretaciones de Eusebio Poncela y Carmen Maura, y sirviendo como germen para su siguiente proyecto, Mujeres al borde de un ataque de nervios, culminación del estilo almodovariano y de las carreras artísticas de ese matrimonio de conveniencia formado por Pedro y Carmen.

El filme recorre las carteleras del mundo entero. Premio de la Academia europea a la mejor película joven, así como para la interpretación de Carmen Maura, quien también se lleva el Goya. Además del Goya a mejor película también se lleva los de montaje e interpretación secundaria para María Barranco. Pero el colofón llegaría con su primera nominación de la Academia de Hollywood a la mejor película en lengua extranjera. Reconocimiento, aplausos, propuestas para remakes, contratos millonarios, proyectos para rodar en los Estados Unidos de América y una puerta abierta al cine internacional para los integrantes de su reparto, que tan sólo aprovecharon Antonio Banderas, Carmen Maura y Rossy De Palma.

La noche de los Oscar prometía emoción y tensión. No hubo Oscar, pero los más atrevidos terminaron en la fiesta de la película de Pedro Almodóvar. Nunca una fiesta de perdedores de la preciada estatuilla había sido tan animada como la de la comitiva española, como atestiguara Martin Scorsese. Pero no todo era diversión. En la gala se había producido una ruptura de reparación imposible (o muy difícil). Por lo visto, la academia sólo proporcionaba tres entradas en el patio de butacas para asistir a la gala a los nominados por una película en lengua extranjera. Obviamente una entrada era para el propio Pedro Almodóvar, repartiendo las otras dos entre Carlos García Gambero (su pareja en aquel entonces y hasta la fecha -o al menos también aparecía en Los abrazos rotos) y, en lugar de reservar su tercera butaca a su actriz protagonista, prefiere cedérsela a su amiga transexual, Bibi Andersen, relegando a una airada Carmen Maura al gallinero.

Se que podría pecar de frívolo al relatarlo de esta manera, pero no. Esta acción supone la ruptura total entre actriz y director que no hace otra cosa que desestabilizar el peculiar universo artístico del cineasta manchego inaugurando la etapa sin Carmen Maura, que además y precisamente gracias a este título, comienza a popularizarse la expresión “chicas Almodóvar”, para referirse al grupo de actrices con las que se rodea el cineasta español.

Por si alguien no se ha enterado aún (supongo que no habrá leído Extracine esta semana) el domingo se entregan los Premios Goya. Por eso quiero aprovechar esta oportunidad para repasar los 24 años de estos premios con algunos datos curiosos.

Por ejemplo, la película con más premios es Mar Adentro, que en 2004 le arrebató el récord a “¡Ay, Carmela!. El biopic de Ramón Sampedro se llevó 14 premios. Si nos ponemos en el supuesto de que este domingo “Celda 211” haga pleno, le arrebataría el record, pero lo dudo. En cambio la película que más candidaturas ha obtenido a lo largo de la historia ha sido “Días Contados” que obtuvo nada menos que 19 candidaturas de las que, curiosamente, solo se llevó 8. Pero la versión española de “El color Púrpura” (obtuvo 11 nominaciones a los Oscars pero no se llevó ni uno), es “Los girasoles ciegos” que tiene el dudoso mérito de haberse llevado tan solo un goya de los 15 a los que optaba. Y porque estaba Azcona de por medio que si no… ¿Seguimos viendo más curiosidades?

Alejandro Amenábar podría convertirse este año en la persona con más cabezones en su casa. Actualmente está empatado a ocho con Reyes Abades y Gilles Ortion. Si se llevara este año el de Mejor Director se pondría en la cabeza con 9, ya que ninguno de los otros dos está nominado. Curiosamente “Tesis” y “El bola” son las dos únicas óperas primas que han obtenido el premio a Mejor Película.

En cuanto a los actores, el más galardonado ha sido Javier Bardem que tiene cuatro preciosos pisapapeles en su casa, superando a enormes actores como Fernán Gómez o Juan Diego, que ha sido el actor que más veces ha estado nominado (ocho en total).

Nuestra Meryl Streep particular no podía ser otra que Victoria Abril. Es la actriz más nominada: ha sido candidata en nueve ocasiones, aunque solo se ha llevado un cabezón, por “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto”. Porque la que se ha llevado más Goyas a casa es Carmen Maura, que iguala a Bardem con cuatro.

Entre los grandes nombres del cine español que jamás han conseguido una estatuilla sorprende encontrar nombres como los de Montxo Armendáriz, Imanol Arias, Ana Belén, o Jordi Mollàquién podría quitarse la espinita este año gracias a “El cónsul de Sodoma”

En fin, está claro que los Goya no son los Óscars. Pero pese al desigual nivel del cine español, y pese a que la gala es un tostón año tras año (esperemos que Buenafuente lo haga como él sabe este año), no me negaréis que tienen su encanto.

Via: Wikipedia | Foto:El Mundo

La película española de los 90

Quizá los logros, los triunfos de la imaginación brillen más en un océano gris o directamente negro como boca de lobo. Tal era la situación en los años 90 en España cuando se estrenaron dos películas: la maravillosa El día de la bestia y la inolvidable Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Feliz conjunción de dos títulos memorables que contradecían con su sola presencia la anodina condición perpetua del cine español, con un cine de género barroco y desacomplejado en el primer caso, y con un melodrama sórdido y de gran nobleza en el segundo.

Pero quizá los logros brillen más cuando tienen competencia, y es que tiene mucho mérito eclipsar en fuerza expresiva a la audacia visual del mejor de la Iglesia que en el mundo ha habido. Nadie hablará… consigue eso y mucho más: mezclar Scorsese, con Peckimpah, con Coppola y con Dreyer. Ahí queda eso. Y lo hace fácil, sin el menor énfasis, con una gran humildad tras la cámara, sin marcar las cartas y con una convicción asombrosa. Díaz-Yanes (antes del desastre de Alatriste) pasa de guionista a director y más que sólido, se mostró procaz maestro del oficio de narrar en imágenes.

Pocas películas muestran a tan expertos intérpretes en la plenitud de su oficio, y permiten a estos artistas, después de darles alas con un guión espléndido, sin concesiones y muy sólido, lucirse con confianza, pues el director elude aquí cualquier tipo de divismo y se entrega con pasión a los rostros irrepetibles de Victoria Abril (que mezcla su atractivo innegable con una madurez y un dominio de la técnica envidiables), Federico Luppi (en perfecto estado de forma, casi desconocido como asesino en busca de redención) y Pilar Bardem (en el que con seguridad es el mejor papel de toda su carrera).

Este trío de actores, y el ramillete de secundarios que les acompaña, eleva este relato de complejas y atormentadas y solitarias mujeres al limbo de lo más noble y emocionante que se ha hecho en este triste país de cine en mucho tiempo.

El gran reto, y la gran virtud, de esta notable película es que mezcla el género de cine negro con un acercamiento al cine social y comprometido, y sin perder en la operación fuerza por ninguno de sus recovecos de doloroso, íntimo y sincero retrato de una pareja (suegra y nuera) de personajes maltratados por la vida pero dueñas de una poderosa dignidad y de una gran fuerza mental para salir adelante y no cejar en su empeño de seguir vivas.

Pero por supuesto también tenemos la búsqueda improductiva de un gángster que tiene problemas con Dios y que hace un viaje de Mexico a España, pero que efectúa un viaje espiritual mucho más grande al interior de la desesperación y la humildad más absoluta, mientras intenta encontrar a la prostituta que le ha cambiado la vida, y nadie sabe qué hará cuando la encuentre.

Esta película nos habla del machismo incurable de la sociedad española, de la soledad de las mujeres fuertes e inteligentes, de la fragilidad del amor, de la precariedad laboral, del infierno de los alcohólicos, del infierno de cuidar a un discapacitado, de la vejez, de la liberación de la muerte, de la fé loca y sin esperanza, del humor de Dios, del horror de la violencia por la violencia, de la duro que es levantarte por las mañanas a trabajar o a buscar trabajo…y de muchas cosas más.

¿Qué película española estrenada los últimos 36 meses habla de eso y con esta fuerza narrativa? Sólo la secuencia (con un gran montaje) del intento de acceso frustrado al piso inferior vale más que el 99 % de todo lo estrenado por un director español en demasiado tiempo.