A pesar de haber estado nominada a Mejor Drama este año en los Globo de Oro, premio que no sé porqué me inspira un tanto más de respeto que los de la Academia, War Horse es una película de la que no tenía altas expectativas. Es que sepan disculpar mi mediocridad cinéfila si comento que toda película que tenga un animal como protagonista me resulta un tanto pesada salvo, claro, que esté extraordinariamente hecha, que tenga un guión firme o que por lo menos sea realmente entretenida. Y a pesar de que muchos vean últimamente en Steven Spielberg un director demasiado quedado en lo clasicista no puedo negar que siempre lo defendí como alguien que sabe muy bien cómo contar una historia por más tópica que fuere y que es innegable cuánto conoce su oficio.

Sin embargo, este caballo de guerra es una historia que destaca sobretodo por la extraordinaria fotografía, aplausos para Janusz Kaminski en este sentido, pero que sin ánimos de entrar en disputas me atrevería a decir que es la más floja que ha hecho este director oriundo de Ohio.

Si uno ha visto al menos unas cinco o seis de sus películas, sabe qué elementos son infaltables en las historias de Spieldberg: niños protagonistas, animales o extraterrestres,escenas de confraternidad, primeros planos emotivos, la famosa ‘mirada’ Spieldberg, etc. Pues es en War Horse donde no sólo se repiten estos elementos sino que además se dan con un estilo narrativo bastante manipulador. Más allá de tratarse de una adaptación de la novela infantil de Michael Morpurgo, posteriormente llevada al teatro en una pieza recreada con marionetas, el guión es un verdadero catálogo que enlista escenas hechas para que el espectador tenga que soltar las lágrimas.

Pero este no es un factor que arruine la película enteramente, es algo que muchos le han estado achacando al director en varias de sus últimas entregas, recursos que después de todo dependerá de cada espectador que resulten o fastidien. El problema real surge de la propia historia en que siendo básicamente, o al menos eso nos prometían, la amistad entre un muchacho y su caballo, la proliferación de otros personajes que se meten en la historia como ‘posibles dueños’ también y la relación ulterior que mantienen con el animal provoca que la historia se parta, se diluya y se vuelva a rearmar hacia el final.

El guión carece de solidez desde que se intenta contar un recorrido ineficazmente lineal desde el nacimiento del caballo, su relación con su dueño, su posterior participación en la guerra y el reencuentro de una manera totalmente dispersa que impide que el espectador logre identificar con Albert (Jeremy Irvine) o con Joey.

War Horse es una película que pretende ser varias películas donde finalmente entonces podemos obtener un recorte de varias de las historias de Spieldberg en una sola, con sus consabidos buenos y malos, sus felicidades e infortunios, pero sin la posibilidad al menos de defenderla como un auto homenaje. Así, el reparto de esta cinta con nombres tan elocuentes como el de Emily Watson o Peter Mullan, aquí los padres de Albert, se destiñen por completo aun cuando hacen inmensos esfuerzos por no quedar por debajo de lo que siempre saben ofrecer. Más que personajes terminan todos siendo estereotipos. Y si la gran lucidez del director fue siempre encontrar un niño o muchacho revelación para contar sus historias, es evidente lo mucho que lamentablemente le falta a Irvine para entrar en la lista de grandes pequeños actores con los que Spieldberg nos ha sabido emocionar aun cuando sus carreras posteriores se hubiesen diluido en el tiempo.

Pero ¿podría culpársele al joven Irvine de mal actor?, ciertamente no. El problema, insisto, es justamente el poco espacio que la historia da a un personaje que teóricamente es el centro junto al caballo en cuestión. No me atrevo a dar ejemplos detallados de los incontables baches que me hacen asegurar esta falencia por no arruinar con spoilers la trama, pero para que se den una idea si era poco un muchacho en los tópicos Spieldbergianos (si cabe un término semejante) en War Horse terminamos teniendo un total de cuatro de ellos, cada uno como intermitente dueño de turno del sufrido Joey con su correspondiente historia. Así, el espectador se queda con ganas de varias de las historias que se truncan en pos del final, predecible por otra parte y un tanto abrupto, en las ya por entonces extensivas dos horas y cuarto que dura el film.

A cara de los próximos premios de la Academia es indudable que la mayor apuesta de Steven Spieldberg fue justamente realizar una película de las llamadas ‘oscarizables’; no puede negarse que tiene todo lo que la Academia adora en un film de estas características y es más que probable que se haga con una estatuilla a mejor fotografía o banda de sonido, pero sería verdaderamente triste que derrotara como mejor films a otras un tanto más sencillas pero mucho mejor contadas.

Así y todo, a no desmoralizarse si aun no la vieron. War Horse no deja de ser una muy buena opción familiar pues aunque se toque el tema de la guerra, esta no está vista desde los ojos más crueles o a través de los golpes más bajos. Es un film que a los más jóvenes puede gustar y que ya por su apartado visual bien vale un visionado en pantalla grande.

Unos días que sí, otros días que no. Así es como nos llegan las noticias de la cuarta entrega de Jurassic Park, de la que ya no sabemos si se llegará a rodar algún día o simplemente se convertirá en un nuevo proyecto cuya producción no terminará nunca. Hace un mes que conocimos las últimas novedades sobre la cinta, donde el propio Steven Spielberg se encargaba de confirmar que Jurassic Park 4 se encontraba en su lista de proyectos inmediatos, una vez terminara tantos otros que tiene en cartera.

Todo parecía cerrado: el director volvía a la saga después de ausentarse en la tercera entrega y quién mejor que él para repetir el éxito que tuvo la cinta original. Sin embargo, en unas declaraciones del director, todo vuelve a cambiar y afirma que no se encargará de ninguna manera de dirigirla:

Te puedo asegurar que no dirigiré, pero sí produciré el film

Es decir, que Jurassic Park 4 finalmente se asemejará más a la tercera entrega que a la primera, puesto que será realmente difícil encontrar un director que pueda realizar una obra comparable con una hecha por Spielberg. Sin embargo, aún tendremos que guardar un poco de esperanza ya que Spielberg intentará que la obra final esté a la altura de la franquicia.

Pero en esta entrevista no sólo habló de sus proyectos sobre dinosaurios, sino que también tuvo tiempo para hacer algunas menciones a otras producciones en las que se encuentra trabajando y a otras con las que se pondrá manos a la obra en seguida. Tras terminar el rodaje de Lincoln, cambiará completamente de estilo y planea adaptar el libro de Daniel Wilson Robopocalypse, producción que comenzará en septiembre de este año. Tras ella, llega el momento de ponerse a trabajar en la secuela de Tintín, aunque antes Peter Jackson tiene que hacer su parte:

No voy a decir qué historias han sido elegidas para la secuela de Peter Jackson, ya que ambos coincidimos en no hacerlo público todavía. El guión está siendo escrito. Se basa en más de un libro, pero no son tres, lo que significa que serán dos. Peter comenzará a trabajar en la película este año. Cuando termine su labor con El Hobbit comenzará la captura de movimiento con los actores, avanzado ya el 2012. Estoy muy contengo por ello, y por supuesto espero ser capaz de dirigir una tercera. Es algo que me encantaría porque fue muy divertido hacer la primera

Vamos, que proyectos no le faltan, y por lo tanto no creo que acepte más si no está convencido de que el resultado final merecerá la pena. Lo bueno es que a todos los que nos gusta su cine estamos de enhorabuena en que le guste tanto su trabajo.

A pesar de que Steven Spielberg sigue siendo uno de los cineastas que más interés despiertan, últimamente, tanto el público como la crítica, se encuentra dividido ante sus obras, que ya no cosechan aquellos grandes éxitos de los tiempos de Raiders of the Lost Ark, E.T.: the Extra-Terrestrial, The Schlinder List o Saving Private Ryan. Ni sus incursiones de la última década en el género que le diera fama y notoriedad, la ciencia-ficción, a través de títulos como Artificial Intelligence: AI, Minority Report o The War of the Worlds, cumplieron las expectativas creadas, ni el cine “más serio” con el que las alterna desde que “se hiciera mayor”, como Catch me if you Can o The Terminal, consiguieron encandilar ni al público ni a la crítica. Si debe a Munich su última nominación al Oscar, lo cierto es que su valiente y reflexiva película fue recibida con algo de condescendencia por parte del público. Pero todo parece indicar que este año la cosa va a cambiar porque si muchos dan por seguro que competirá en la carrera por el Oscar a la mejor película de animación, también tiene muchas probabilidades de contar con un caballo para correr por las principales categorías con War Horse.

También podremos a recuperar para el gran público, gracias a War Horse, a una estupenda actriz como Emily Watson, que a pesar de que no ha dejado de trabajar desde que comenzara su carrera de la mano de Lars von Trier en Breaking the Waves, ha pasado un tanto desapercibida en los últimos años. En una entrevista junto a Jeremy Irvine, la actriz inglesa revela cómo se involucró en el proyecto, cómo fue su primer encuentro y cómo es trabajar con Steven Spielberg, además de comentar algunas de las secuencias eliminadas de la película.

A pesar de que ha participado en títulos recientes como Oranges and sunshine, Within the Whirlwind, Cold Souls o Synecdoche, New York, todas estas eran películas independientes que, en muchos casos o no se estrenaron fuera de las fronteras estadounidenses, o lo hicieron de manera muy limitada. Por otro lado, si ha participado en títulos de corte más comercial como Fireflies in the Garden, The Water Horse o Miss Potter, también ha pasado un tanto desapercibida al afrontar personajes secundarios, no mermando por ello su excelente capacidad interpretativa que me dispongo a resaltar en cuatro de sus mejores interpretaciones:

Breaking the Waves

¿Quién no quedó conmovido con su interpretación de Bess McNeill en la película de Lars von trier con la que iniciaba su trilogía de las santas, que continuaría después con Idioterne y Dancer in the Dark? Si en Breaking the Waves también se daba a conocer internacionalmente Stellan Skarsgard, que volvería a trabajar con el cineasta danés en Melancholia, la actriz conseguía con su primera película su primera nominación a los premios Oscar como actriz protagonista.

Hilary and Jackie

Resulta tremendamente difícil escoger entre Rachel Griffiths y Emily watson, hermanas en la ficción de la película que dirigía Anand Tucker en 1998, y que, basada en una historia real, relata la controvertida y trágica relación que mantuvieran las hermanas Du Pré, entre ellas y con la música. La academia se inclinaría por Watson, nominándola por segunda vez como actriz protagonista.

Gosford Park

Una de las películas más destacadas de 2001 fuera sin duda esta espléndida obra coral dirigida por Robert Altman. Helen Mirren, Maggie Smith, Michael Gambon, Kristin Scott Thomas o Charles Dance integraban en Gosford Park un fabuloso reparto en el que que Emily Watson se integraba interpretando a una sirvienta con aspiraciones a convertirse en actriz.

Red Dragon

De todas las películas inspiradas en el universo creado por Thomas Harris a partir del tan fascinante como repugnante Hannibal Lecter, destaca la que fuera precuela de The Silence of the Lambs y que dirigiera Brett Ratner en el año 2002. En Red Dragon Emily Watson interpretaba a Reba McClane, una joven ciega que conseguía impresionar con su sencillez a Francis Dolarhyde, un perturbado, a la altura de nuestro sociópata favorito, que respondía a los rasgos de Ralph Fiennes.

Sinceramente, no sé cómo tomarme esta noticia. Por que es verdad que ha sido el propio Steven Spielberg el que se ha encargado de confirmar durante una entrevista mientras promocionaba su adaptación sobre Tintín, que finalmente será él el encargado de dirigir la cuarta entrega de Jurassic Park. Sin embargo, hace ya muchos años que llevamos hablando sobre este proyecto, del que hasta ahora sólo habíamos conocido rumores que apuntaban a que saldría adelante cuando al final todo quedaba en nada. Por eso, aunque la fuente es completamente fiable, puesto que es el propio director el que lo ha afirmado, debemos tomarlo con cautela.

¿Y qué es lo que ha llevado a Spielberg a tomar la decisión de anunciarlo ahora? Y no sólo eso, sino por qué ahora y no antes quiere volver a tratar el tema de los dinosaurios cuando renunció a dirigir la tercera entrega de hace ya diez años. Pues mejor que se explique él mismo con sus propias palabras:

He tenido aparcado el proyecto en el último año porque estuve muy ocupado, obviamente con War Horse, Tintín y ahora Lincoln. Pero en mi calendario ya está fijada otra entrega de Jurassic Park

Lo cierto es que las declaraciones del director no pueden ser más escuetas, aunque también sean realmente reveladoras. Pero creo que algo se nos escapa en todo esto, una noticia tan repentina y que puede mover a tantos espectadores al cine y hacía ya tiempo que no se conocían rumores al respecto. Lo que estaba claro es que la cuarta entrega se realizaría, aunque por ahora el director mejor posicionado para dirigirla era Joe Johnston, que también se hizo cargo de la tercera.

Pero una vez salvadas estas curiosidades, lo interesante es que Spielberg se hará cargo del proyecto una vez termine de rodar Lincoln, aunque en teoría antes tendría que comenzar con el proyecto de Robopocalypse. Cuando le preguntaron sobre la relación que tendría esta cuarta parte con las tres anteriores, se limitó a afirmar:

Eso es un secreto muy aburrido

Vamos, que por ahora no van a soltar prenda sobre lo que nos podremos esperar. Igualmente, con todos los proyectos que acumula el espectador, tendremos unos cuantos años para ir conociendo detalles sobre la película, y estoy seguro de que dentro de poco tendremos todos los que queramos.

Según las últimas informaciones sería muy posible una nueva película que complete la saga de Indiana Jones. Estos dos últimos días se ha entrevistado tanto Steven Spielberg como a Harrison Ford y ambos han mantenido que les gustó tanto el resultado de la última de las películas, Indiana Jones, Kingdom Of The Crystal Skull, que está en sus mentes poder realizar otra nueva parte.

Harrison Ford se pondría entonces con 70 años para interpretar al aventurero, ya que en la actualidad, el actor cuenta con 69 años, aunque bastante bien llevados físicamente. Algunos comentan que quizá Indiana Jones estaría muy mayor, pero recordemos que Sean Connery apareció en la tercera de las películas, con mucho éxito.

Al parecer, George Lucas ya estaría trabajando en el guión, según la revista Empire, así que podríamos pensar que para el año que viene podría estar comenzando la producción de la película.

Harrison Ford ya ha hablado al respecto, y ha mantenido que está dispuesto a seguir interpretando a Indiana Jones mientras esté vivo. Recordemos que cuando el actor comenzó a interpretar a su personaje más famoso, en el año 1981, ya contaba con 39 años.

Por otro lado, Steven Spielberg también está encantado con su participación en la obra de George Lucas:

Estoy realmente orgulloso de la película. Me encantó traer de vuelta a Marion. Me encanta que Indy ahora tenga un hijo. Es una película de acción familiar, y adoro ese concepto. Es público que George y Harrison dieron el golpe con el género y el concepto. Siempre he contado las historias de George. Mi gran contribución fue añadir al padre en la tercera película. Esa era mi idea, el añadir a Sean Connery como padre de Harrison. Soy muy amigo de George y me ciño a las historias que él escribe. Lucharé si incluye cosas con las que no esté de acuerdo pero si George quiere darle un toque diferente, haré mi trabajo de la mejor manera posible para adaptar la idea de George para que se sienta orgulloso

He de reconocer que soy una seguidora acérrima de la saga del arqueólogo más famoso, así que ya estoy deseando ver la próxima película.

Vaya tres nombres para un mismo proyecto: Abraham Lincoln como el personaje central, Daniel Day-Lewis como protagonista absoluto, y todo ello dirigido por Steven Spielberg. Con estas credenciales pocos datos necesitamos ya para saber que Lincoln va a ser una de las mejores apuestas que veremos en 2012, que tendrá calidad tanto en el aspecto interpretativo como en el técnico y que por lo tanto será una de las indispensables del año que viene.

Lo mejor de todo es que, aunque Spielberg acabe de estrenar The Adventures of Tintin, aún tiene que llegar a las salas War Horse, que lo hará el próximo 25 de diciembre. Tras ella tendremos que esperar un año entero, hasta diciembre de 2012, para que podamos ver Lincoln en la gran pantalla, puesto que aún se encuentran en fase de rodaje.

Sin embargo, para que la espera no se haga tan larga, ya ha aparecido en la red la primera imagen no oficial de la producción, donde podemos ver a Daniel Day-Lewis ataviado como el decimosexto presidente de los Estados Unidos. Lo único que hemos podido saber sobre la foto es que se ha producido durante un descanso del rodaje, donde el actor aprovechaba para almorzar algo. Sin embargo, afortunadamente, no se deshizo del maquillaje y la barba para hacerlo, por lo que ya nos podemos hacer una idea muy clara de cómo será.

Lo que está claro es que Spielberg quiere realizar un biopic lo más verosímil posible, centrándose en la historia real de Lincoln. Para ello el guión estará basado en el libro Team of Rivals del premio Pulitzer Doris Kearns Goodwin. El encargado de adaptarlo a la gran pantalla será Tony Kushner, que ya trabajó con Spielberg en el guión de Munich, y se centrará en la lucha que mantuvo el famoso presidente con el resto de los hombres de su gabinete para conseguir el final de la Guerra Civil.

Como datos curiosos hay que aclarar que, aunque Daniel Day-Lewis es una gran elección para interpretar el papel, no fue la primera opción que barajó Spielberg. El primer candidato fue Liam Neeson, que ante los continuos retrasos que estaba sufriendo la producción decidió rechazar definitivamente el papel, por lo que luego cayó en manos de Day-Lewis. Personalmente me gusta mucho Neeson como actor, pero creo que con la segunda opción la película no va a desmerecer en nada.

Muy larga promete ser la espera hasta que en diciembre podamos ver este biopic en la gran pantalla, sobre todo porque aún no se ha puesto una fecha determinada al estreno. Esperemos que pronto podamos conocer más detalles.

Hay una secuencia en The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn que refleja a la perfección la manera en la que un servidor ha tenido que soportar la adaptación del cómic de Hergé por parte de Steven Spielberg: la del ruiseñor milanés. Igual de insoportables que resulta para el capitán Haddock el timbre de voz de Bianca Castafiore, resulta para un servidor el visionado de una película que no sólo no he entendido, sino que me ha resultado insoportablemente aburrida, tremendamente soporífera y que seguro será capaz de provocar la muerte en seres extraterrestres de la misma manera que la música country lo hacía en Mars Attacks!.

No voy a entrar en comparaciones con el cómic, ni en si los personajes reflejan o no el espíritu de Hergé, porque Hergé no es el responsable de la película. Tampoco voy a entrar en comparaciones con otras películas de animación, ni con otros cineastas que se hayan embarcado, tras una trayectoria haciendo cine con imagen real, en una película de estas características. Tan sólo recordaré el fabuloso trabajo de Wes Anderson con Fantastic Mr. Fox, para que quede clara la nula capacidad de Spielberg al abordar un filme de animación. Y no me refiero a la técnica en sí, al fin y al cabo él no habrá realizado un dibujo en su vida, me estoy refiriendo a la fabulosa capacidad de Anderson para aprovechar visualmente las posibilidades de la animación y que Spielberg desaprovecha, o parece desconocer por completo.

Cierto que la dirige como si fuera una aventura de Indiana Jones, pero no me parece una virtud, sino un defecto porque ni la película está protagonizada por Harrison Ford, ni el personaje comparte la misma edad, más bien estaríamos hablando de un eterno adolescente, que debe ser lo que en principio interesara a Spielberg. Y es que el cineasta de Cincinatti ha demostrado sobradamente lo viejo y mayor que está. Véase el resultado de Hook, de la que todos pensamos que íbamos a disfrutar con la adaptación definitiva de la novela de J.M. Barrie, puesto que estaba abordada por quien se decía que padecía el síndrome de Peter Pan, como consecuencia del cine que había desarrollado en su magnífica primera etapa. Sin embargo el resultado fue la obra de un señor mayor que clamaba por recuperar aquello que había perdido irremediablemente con la adquisición de las responsabilidades de la edad adulta. Sin ir más lejos, sucedía lo mismo cuando abordaba la cuarta entrega de su héroe particular, Indiana Jones, mostrando a un héroe decrépito y decadente que habría sido mucho mejor se hubiera quedado en el asilo. Por lo que de entrada, me parece que The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn es el enésimo intento de este anciano de Cincinatti por atrapar el elixir de la juventud, delatando más, si cabe, lo viejo que está.

A pesar de que se venda como una película en la onda de Indiana Jones, lo cierto es que encuentro más de un punto en común con una de las películas de aventuras más estupendas de Alfred Hitchcock. Me estoy refiriendo a The 39 Steps en la que también se confunden policías con espías, también hay armas secretas inusuales y también se salta de una secuencia a la siguiente sin esclarecer demasiado cómo se ha resuelto la situación. Pero cuando Hitchcock utilizaba recursos sencillos como elipsis y un inteligente humor negro, Steven Spielberg utiliza acción desenfrenada y unas bromas en tono slapstick de lo más desafortunadas, a esto tenemos que añadir un débil planteamiento de de la historia -se ve que Tintin no tiene nunca nada que hacer y siempre está disponible para cualqueir tipo de aventura, siempre que no sea sexual- y la inclusión de algunos personajes inútiles y totalmente anecdóticos -como el carterista. Me aburren los giros de guión, que se me antojan bastante aleatorios, la cura del capitán Haddock es demasiado precipitada, la obsesión de Ivanovich Sakharine excesivamente desproporcionada e injustificada, etc. etc. Aparte de la responsabilidad que podamos atribuir a los tres guionistas que han realizado la adaptación, Edgar Wright, Steven Moffat y Joe Cornish, o lo que pueda haber aportado Peter Jackson como uno de los productores, junto a Kathleen Kennedy; el responsable último es, sin lugar a dudas, Steven Spielberg.

Y lo más curioso de todo es que un cineasta que se ha volcado siempre con el cine familiar y ha realizado obras asexuadas, es decir, sin sexo o en el que éste tenía bien poco que aportar al argumento principal, me sorprende que aborde una obra que se me antoja estuviera más situada en la acera de enfrente que en ningún otro sitio. Si ya sobre el cómic planeara siempre la sombra de la homosexualidad, permítanme hacerles notar que no sólo no hay un sólo personaje femenino en la película -Blanca Castafiore no llega a ser un personaje, de hecho es un objeto, un arma-, sino que encuentro bastante sospechoso que ningún personaje tenga vinculación alguna con una mujer. ¿Acabarán Tintín y el capitán Haddock teniendo la típica relación pederasta de los tiempos romanos? ¿A qué jugarán Hernández y Fernández en la intimidad? Sin duda todas estas dudas no serán resueltas en las sucesivas aventuras de este periodista, que un servidor no está dispuesto a ir a ver. Lástima que no hubieran hecho una versión con Jimmy Somerville haciendo de Tintín.

No puedo dejar de mencionar lo insoportables que me resultaron las notas musicales de John Williams en una partitura que parece hiciera con la más absoluta desgana. Sin duda, muchos de ustedes no compartirán en absoluto mi punto de vista y estarán más cercanos a la opinión de mi compañera Rebeca Sánchez, que quedó completamente entusiasmada con el secreto del unicornio. Qué duda cabe que, como suele pasar en muchas otras ocasiones, siempre habrá opiniones para todos los gustos. ¿Cómo te posiciones tú, a favor o en contra? ¿Tienes tu opinión propia?

Pareciera que salvo con la excepción de la irrupción de “The Adventures of Tintín: The Secret of the Unicorn”, el universo femenino de películas como “Another Year”, “Melancholia”, “Pina” o “The Help” se hubiera apoderado de nuestro ranking mensual. Asimismo parece haber un equilibrio entre cine comercial con aquel otro con más vocación de autor. En cualquier caso, salvo con la excepción de Tate Taylor, los directores de los demás títulos incluidos en nuestra recomendación sobre las mejores películas de octubre son de sobra conocidos, siendo sólo uno de ellos estadounidense, Steven Spielberg, y europeos los otros tres, Wim Wenders, Mike Leigh y Lars von Trier. Ahora tan sólo falta desvelar el orden en el que se han posicionado nuestras recomendaciones de lo mejor del mes de octubre.

5. “The Help”

Si ya comentábamos que “The Help” era uno de los estrenos más esperados de la temporada, sin duda, la segunda película como director de Tate Taylor no ha defraudado en absoluto. Protagonizada por un magnífico elenco de actrices que incluye a Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Viola Dais, Octavia Spencer, Allison Janney, Sissy Spacek y Mary Streenburgen, que seguro harán las delicias de cualquier espectador. La integración racial y la emancipación de la mujer son temas que se desarrollan en una película que parece denunciar que en el profundo Sur las cosas no cambiaran desde los tiempos de “Gone with the Wind”.

4. “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn”

Con fuerza ha entrado también la última película dirigida por Steven Spielberg, adaptación del popular cómic de Hergé, de cuya adaptación se han encargado plumas tan estimulantes como las de Edgar Wright, Joe Cornish o Steven Moffat “logrando crear una película entretenida, sólida, cargada de humor, inteligente y muy emocionante”, según palabras de mi compañera Rebeca Sánchez. Imprescidible ver la película en su versión original para tener la oportunidad de disfrutar de las voces de actores como Jamie Bell, Daniel Craig, Simon Pegg, Andy Serkins o Toby Jones. Cine para disfrutar en familia.

3. “Another Year”

Caprichos de la distribución internacional hacen que se estrene ahora en algunas latitudes la, hasta la fecha, última película dirigida por Mike Leigh, que fuera nominada al mejor guión en la última edición de los premios Oscar. El reparto de la película cuenta con habituales de su cine como Imelda Staunton, Ruth Sheen y Lesley Manville, además de alguna nueva incorporación como la de Jim Broadbent. Una película que si bien se instala en el tono de películas como “High Hopes” y “Secrets and Lies”, sin duda recoge de su anterior película, “Happy-Go-Lucky”, un cariz optimista que “deja una ventana abierta, no llegando a ser, ni siquiera, una película triste”.

2. “Melancholia”

Controvertido y polémico, pero nunca indiferente, aterriza “Melancholia” tras su turbulento paso por Cannes donde se llevara el premio a la mejor actriz para Kirsten Dunst. Junto a ella presencias tan de agradecer como las de Charlotte Gainsbourg, John Hurt, Charlotte Rampling, Kiefer Sutherland o Udo Kier. Un título menos emocional e intenso que su película precedente, y que es al cine de Luis Buñuel, particularmente a “El ángel exterminador”, lo que “Anticrhist” era al cine de Andrey Tarkovski, particularmente a “El sacrificio”. Si Buñuel arremetía en su película contra las convenciones sociales, el cineasta danés va mucho más lejos, consumando la aniquilación del mundo conocido. Una devastación que casi es contemplada como un final feliz.

1. “Pina”

Y en el número uno se cuela un título tan sorprendente como pueda serlo una película documental rodada en formato estroboscopio con al que la academia alemana aspira a colarse entre las películas extranjeras nominadas al Oscar. Wim Wenders desarrolla “un ejercicio deíctico en el que Pina Bausch es la total y única protagonista, aunque no aparezca más que en alguno de los vídeos que de ella se conservan. Conoceremos a Pina a través de cada uno de los miembros de su compañía. Resulta un gran acierto que cada uno hable en su idioma de origen, enfatizando así la universalidad, no ya sólo de las creaciones de Pina Bausch, sino de la danza en general”. Sin duda una propuesta arriesgada que nos da la oportunidad de indagar sobre el proceso creativo de una artista de la magnitud de la coreógrafo alemana.

Tintín es un icono europeo, un personaje que ha marcado la infancia de millones de personas, el arquetipo de héroe aventurero que todos querríamos ser. Joven, reportero, pelirrojo, inseparable de su perro Milú y del capitán Haddock, al que conocerá en esta película. El personaje creado por Hergé en 1929 necesitaba una adaptación como esta.

La adaptación hollywoodiense, en manos de Steven Spielberg como director y Peter Jackson como productor, ha generado ríos de tinta, mucha expectación y especulaciones varias. Spielberg es el niño de oro, a sus más de sesenta años, de la industria; Jackson podría considerarse su más aventajado aprendiz. Entre los dos y con un guión escrito por Steven Moffat, Edgar Wrigh y Joe Cornish. han logrado crear una película entretenida, sólida, cargada de humor, inteligente y muy emocionante. El guión se basa en tres cómics: El Cangrejo de las Pinzas de Oro, El Secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham el Rojo escritos por Hergé.

“The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” está realizada con la técnica de capture motion, es todo un acierto el uso de la misma ya que la gran parte de las escenas serían irrealizables o no serían tan espectaculares si se usase imagen real. Hay tres escenas en particular que resultan visualmente impresionantes: la batalla del navío Unicornio contra los piratas, la persecución en moto por el puerto de la ciudad marroquí y la lucha de grúas. Hago un inciso para recomendar, si es que podéis, ver la película en versión original para disfrutar de las voces de Jamie Bell, Daniel Craig, Simon Pegg, Andy Serkis o Toby Jones. Volviendo a la técnica de animación creo que está muy lograda y resulta muy realista en algunos momentos como la mano de Tintín en el mar o el rostro de Ivanovich Sakharine o la ciudad donde vive Tintín. Incluso cosas pequeñas como las gotas de agua, el polvo, la arena del desierto parecen de verdad.

Las secuencias de acción son espectaculares, son muy elaboradas y complejas y el director hace buen provecho de las posibilidades de la animación, sin resultar demasiado imposibles, hay un punto más allá del límite en todas ellas. La capture motion, aún no es perfecta pero se está acercando; los movimientos, las texturas y la expresividad de los personajes ha mejorado notablemente y ya no resulta extraño verlos en acción.

Los créditos iniciales, toda una delicia para los fans de Tintín, dan paso a una obra repleta de acción. La historia empieza cuando Tintín (Jamie Bell) compra la maqueta de un barco, El Unicornio, que le sitúa en el centro de la venganza de Ivan Ivanovitch Sakharine (Daniel Craig). En el barco se encuentra la clave para encontrar el fabuloso tesoro del pirata Rackham el Rojo. Acompañado de Milú, el reportero inicia la investigación sobre el barco y la familia Haddock. Más adelante conocerá al borrachín y bravucón capitán Haddock (Andy Serkis) que también está en el punto de mira de Sakharine. El protagonista y sus dos inseparables amigos viajarán por medio mundo para descubrir donde se encuentra el tesoro.

Todos los personajes son como deben ser, Tintín es inteligente y valiente; Haddock bravo, un poco loco y borracho pero con un punto de melancolía en el fondo de la botella de whisky; Milú es ágil y proporciona algunos de los momentos más divertidos de la cinta; los policías Hernández y Fernández tan cómicos como torpes tan entrañables como cargantes. Haddock y Tintín funcionan juntos de manera cuasi perfecta. Hay mucha naturalidad entre ellos, en la forma en la que conectan tras conocerse en circunstancias poco propicias, ambos viven juntos situaciones de peligro que los unirán para bien o para mal, su escapada en la barca, su viaje en avión, su persecución en sidecar; escenas magníficas que me recordaron, sobre todo la última, a Indiana Jones. Haddock es todo un personaje, divertido, osado y auténtico.

Una buena adaptación de los cómics de Hergé, la historia fluye sin pausa, sin darnos tiempo a recuperar el aliento, los personajes pasan de barcos a desiertos, de ciudades a puertos, de robos a persecuciones; todo ello con naturalidad, con brío narrativo y entretejiendo una historia de piratas y venganza que desborda credibilidad e imaginación. Creo que tanto los fans de Tintín como los no tan fans estarán más que satisfechos con el resultado.

La gran aventura de Tintín recuerda, por momentos, a las películas de Indiana Jones, tiene ese toque intrépido, inteligente y divertido. Te deja la misma sensación de haber pasado un buen rato, quieres más y espero que la película funcione en taquilla para que la prometida trilogía sea una realidad. La única pega que le pongo a la película es la duración, creo que es excesiva, le sobran unos diez o quince minutos porque las secuencias de acción, no todas, se dilatan demasiado resultando, en algunos casos, algo repetitivas. Por lo demás, todo me parece perfecto.

Dos horas de película que valen la pena, así que id al cine o multicine más cercano y dadle una oportunidad a este joven pelirrojo, su fiel amigo Milú y al blasfemo capitán Haddock. Eso sí la película es un producto típico Spielberg, para toda la familia pero disfrutable igualmente por pequeños y grandes; y eso no debería ser algo negativo, es muy difícil hacer ese tipo de cine para todos. Y lo cierto es que cuando Spìelberg se pone a ello, lo borda.

“The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” se ha convertido en una de las películas más esperadas para este fin de año. En Europa se estrena este fin de semana; mientras tanto, aquellos que nos encontramos del otro lado del charco, la tendremos que esperar hasta diciembre o, en algunos casos, hasta enero. A partir de ahora recibiremos un mar de críticas y opiniones acerca de esta animación en motion capture (mocap) dirigida por Steven Spielberg y producida por Peter Jackson; vaya combo de genios.

Con este título, Spielberg regresa a la dirección después de “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” (2008). Aunque anteriormente ha producido animaciones, este título significa su primera experiencia dirigiendo una animación. Pero no se trata de una animación cualquiera pues, como lo comentan los mismos actores, esta producción requirió bastante acción y movimiento por parte del reparto.

“The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn”

La película rescata a los personajes creados por el autor belga George Prosper Remi Hergé, conocidos a nivel internacional. Cuenta la historia de Tintin (Jamie Bell) y su primer encuentro con el Capitán Haddock (Andy Serkis), cuando ambos descubren las pistas a un misterio: el barco hundido El Unicornio; esta embarcación guarda el tesoro de su ancestro, Sir Francis Haddock. La búsqueda se convierte en una carrera contra el tiempo cuando se dan cuenta que no son los únicos que tratan de obtener el tesoro; como los detectives Thompson (Simon Pegg) y Thomson (Nick Frost). Una aventura que nos llevará por mar, desierto, grandes ciudades.

De entrada, la sinopsis suena una película con la marca distintiva de Steven Spielberg. De hecho, en los tráilers se percibe esta esencia de un joven Indiana Jones. Otro punto que ha llamado la atención es la elección de la animación en mocap para contar esta historia. La técnica ha sido empleada por Robert Zemeckis, sin buenos resultados; recordemos “The Pollar Express” y “A Christmas Carol”. Pero, obvio, la tecnología ha avanzado lo suficiente, como lo ha demostrado “Avatar” y, más reciente, “Rise of the Planet of the Apes”.

¿Qué dice la crítica?

De acuerdo con Rotten Tomatoes, la guía de máxima de la crítica, “The Adventures of Tintin” ha recibido un promedio de 7.3 sobre 10, con 30 reseñas hasta el momento; en su mayoría, goza de buenas críticas. En total presume de un 83% de tomates frescos, lo que nos deja un pronóstico positivo.

La crítica de Estados Unidos ha llegado a decir que “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” se llevará el premio Oscar a Mejor Película Animada, el próximo año. Además, en aquel país, tiene una fecha de estreno envidiable, justo para las fiestas decembrinas. Antes de ver el resultado de la película, ya se habla de una secuela, que tiene el guión listo y será dirigida por Peter Jackson; será su siguiente proyecto al terminar “The Hobbit”.

• Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter. «Si la técnica mocap cae en algún punto entre live-action y cinematografía animada, lo mismo ocurre aquí con las actuaciones, que son del todo fluidas pero a veces —en especial en ciertas secuencias con diálogos pesados— da la impresión de ver un video juego muy realista, con el volumen hasta arriba. Serkis (“King Kong”, “The Lord of the Rings”) logra convertir a Haddock en en lo que será el personaje más memorable de la trilogía, mientras que Bell (“Billy Elliot”) hace un Tintín tan interesante como puede ser, que a veces es menos que su perro.»

• Chris Tilly, IGN Movies UK. «La decisión de usar animación por computadora ha sido un éxito, a pesar de que esas persecuciones espectaculares se siente como si la película podría haber sido filmada en locaciones, alejada de las pantallas verdes y evitando ese extraño submundo entre la acción real y la animación. Spielberg, sin embargo, parece entender el proceso, dando energía y entusiasmo a los procedimientos que ha pasado por alto en sus producciones recientes […] Aunque no es una perfecta adaptación de Tintín, es sin duda una adaptación divertida. Una película que honra el encanto y el espíritu del cómic, que puede agradar a fanáticos y a aquellos que apenas lo conocen».

• Leslie Felperin, Variety. «Spielberg ha diseñado un emocionante viaje, que es en gran parte fiel a todo el espíritu de su fuente original pero, a su vez, resulta todavía atractivo para las audiencias más jóvenes de Tintín».

• MaryAnn Johanson, Flick Filosopher. «Se rehizo “Raiders of the Lost Ark”. En realidad no, por supuesto, debido a que “Raiders of the Lost Ark” era rápida y sucia. “Raiders…” tenía a Harrison Ford sonriendo, haciendo gestos todo el camino. “Raiders…” tenía personalidad. “Raiders…” tenía alma. Tintin tiene motion capture CGI, lo que elimina toda personalidad, toda alma. La tecnología ha avanzado desde el horror de “The Polar Express”, pero no lo suficiente. […] Siento que Spielberg trata de recuperar la magia de la cinematografía del pasado en lugar de tratar de crear nueva magia.»

¿Qué esperar de “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn”?

Steven Spielberg y Peter Jackson son unos grandes cineastas. Cada uno ha aportado grandes historias al cine. Spielberg tiene en su haber películas como la saga de Indiana Jones, “Jaws”, otras menores como “Catch Me If You Can”, donde presenta este juego del gato y el ratón. Por otro lado Jackson ha demostrado lo que es capaz con la trilogía de “The Lord of the Rings”; anterior a esto, con “Braindead” y “Forgotten Silver”.

Ahora ambos toman la obra de Hergé para llevarla contar una aventura, donde el personaje es querido por fanáticos de europa y de todo el mundo. La elección del mocap seguirá dando de que hablar, positiva y negativamente. Podría haber sido mejor realizarla en acción real, puesto que Spielberg está bien familiarizado contando historias bajo esta técnica, o ¿estaría en su zona de confort? O, ¿por qué no, animación CGI regular? Ya tendremos la oportunidad de comentar por nuestro propio punto de vista.

¿Verán “The Adventures of Tintin”? Aquellos que ya hayan tenido la oportunidad de verla, ¿qué piensan de la película?

Tintín (con la voz del actor Jamie Bell) es un joven periodista, curioso, intrépido y con facilidad para estar en el momento adecuado en el lugar acertado. Siempre le acompaña Milú, su inseparable perro. En esta primera aventura trasladada a la gran pantalla conocerá al capitán Haddock (Andy Serkis) quien está relacionado con el misterio del navío Unicornio, un barco que oculta un fabuloso secreto que muchos desean poseer. Estamos ante una historia de aventuras, cine dirigido por Steven Spielberg y co-producido por Peter Jackson. Entre los dos esperan traer el espíritu de las clásicas aventuras de nuevo a nuestras salas de cine. Visitaremos desiertos, ciudades, barcos, veremos naufragios, persecuciones, accidentes y veremos a Tintín y Haddock vivir peligrosas y exóticas aventuras que nos dejarán, de eso estoy segura, con ganas de más.

“The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” sigue con su mastodónica campaña de promoción, aunque la película se estrenará antes en Europa que en Estados Unidos, la expectación a ambos lados del Atlántico es máxima. Para mantener la expectación han lanzado un nuevo tráiler de dos minutos y medio de duración que sirve para dar a conocer pinceladas de la trama y conocer al villano de la historia.

A mayores del tráiler están apareciendo diversos pósters de la película que dan cuenta de la aventura a la que se tendrán que enfrentar nuestros protagonistas. Admito que veré la película, tengo muchas ganas de ver a Milú, siempre me ha gustado ese perro y su manera de ver y hacer las cosas. él es uno de los grandes aciertos del universo creado por Hergé.

En unos cuantos días, “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” se estrenará en Europa. Dirigida por Steven Spielberg —su primera película bajo este crédito después de “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull” (2008)—, rescata a este entrañable personaje creado por Georges Remi Hergé con la colaboración de Peter Jackson, como productor, además de otros grandes elementos detrás de cámaras.

Sin haber visto la película, mucho se ha comentado sobre el estilo de animación en “Tintin”, para la cual Spielberg recurre al motion capture (mocap). Hasta la fecha, el trabajo más impresionante bajo esta técnica es “Avatar”, película para la cual James Cameron recurre a un equilibrio con el live action y nuevas técnicas en post-producción; de argumento y demás, no hay mucho que rescatar. Ahora bien, si pensamos en películas animadas en mocap —en especial esas dirigidas a toda la familia— pensamos en producciones como “The Pollar Express” o “A Christmas Carol”, ambas de Robert Zemeckis. En estos casos, la animación es la estrella, sin embargo, su técnica no resulta tan efectiva.

Todo esto nos hace preguntarnos: Spielberg, ¿habrá elegido la técnica correcta para narrar esta aventura?, ¿no hubiera sido mejor un live action?, ¿cuál será ese extra que nos dejará el director?

En estos momentos, las primeras críticas de “The Adventures of Tintin” llegan a la red. En general, se traducen en buenos comentarios, lo cual genera aún más expectación para aquellos que nos encontramos en el continente Americano. Sin entrar a muchos detalles, a continuación, directo de Empire vía The Playlist, rescatamos algunos detalles de la producción que pudieron ser clave para el buen recibimiento de esta aventura de Spielberg, la primera en 3D.

Tintin de Hergé, Tintin de Spielberg

Para el guión de “The Adventures of Tintin”, Spielberg trabajó con los guionistas Steven Moffat (Doctor Who), Edgar Wright (“Scott Pilgrim vs. the World”) y Joe Cornish (“Attack the Block”). Entre los tres guionistas, Spielberg y Peter Jackson recurrieron a la esencia de Hergé para relatar una aventura ahora en la pantalla grande. Para ello, rescataron los elementos cinematográficos que encontraron en la obra original del autor.

Todos adoptaron la voz de Hergé y, en particular, trataron de no usar humor contemporáneo. No hay humor barato en Tintin. Queríamos mantener el humor germano de la era de Hergé, lo cual es más cercano a las payasadas del cine mudo que a los apuntes o la sátira verbal.

En “The Adventures of Tintin” veremos influencias del Hollywood clásico, de producciones de la década de los veinte a los cuarenta. De acuerdo con Jackson, tendremos ese humor muy al estilo de Buster Keaton y Charlie Chaplin. Por los tráilers recibidos al momento, es evidente ese tono de aventura muy al estilo Indiana Jones pero, como comenta Steven Spielberg, la narrativa de Tintin tendrá tonos de film noir. La clave de esta aventura es el misterio que está detrás de ella.

De acuerdo con Kathleen Kennedy, productora, Spielberg lleva sus conocimientos y experiencia como cineasta a mocap.

La razón por la cual Steven Spielberg dirige Tintin es porque quieres que ese estilo que Steven Spielberg lleva a sus películas. Quieres coreografía, escenas de acción, diseño de tomas.

Spielberg y su manera de hacer mocap

Esta es la primera vez que Spielberg trabaja en una película animada con captura de movimiento; en total, se trata de 85% de animación y 15% de acción real. Además, es su primer largometraje en 3D. Cuando se trabaja con animación, aunque sea mocap, el proceso tiende a ser tardado.

Tradicionalmente en mocap, los actores son llevados a WETA —a un estudio conocido como The Volume, para realizar las capturas—. En post-producción se eligen las tomas y los ángulos, para lo cual debes confiar que todo haya salido de maravilla. En el caso de “Tintin”, Steven Spielberg cambió la dinámica. En lugar de esperar el resultado de la captura, el director decidió estar presente en el proceso:

No quería esperar 31 días para poner en cámara la experiencia de dirigir actores […] No sé cómo trabajar de esa manera. Así que hice algo que nunca se había hecho antes: llevé la cámara al estudio y obtuve mi toma perfecta cada vez.

Por lo que comenta el cineasta, el proceso se aproxima a lo realizado por James Cameron para “Avatar” (los Na’vi) o por Peter Jackson en “The Lord of the Rings” (Gollum). Aunque, en este caso, “The Adventures of Tintin” fue realizada en The Volume, Spielberg tuvo la oportunidad de dirigir a sus actores en el estudio, algo que no ocurre las películas de Zemeckis; en dicho caso se realiza la captura y el director trabaja sobre post-producción.

Después de la captura del movimiento, se requiere el trabajo de los animadores de WETA. Para animar cada personaje —interpretado por Jamie Bell, Andy Serkins, Daniel Craig, Nick Frost—, toma un tiempo 5 horas por cuadro. En el caso Snowy, el simpático perrito de Tintin es creado 100% digital, lo cual representa mucho más trabajo de animación.

Si hacemos caso a las palabras de Steven Spielberg, el cambio en el proceso de la animación se verá reflejado en el producto final; más que en la animación, en la narrativa de la película. Spielberg y Jackson tienen en sus manos una animación que bien puede significar ese siguiente paso que tanto necesitaba el mocap. Algunos tenemos que esperar, todavía, un par de meses para comprobarlo. Mientras tanto, “The Adventures of Tintin” llega a Francia y Bélgica el 26 de octubre; España lo recibirá dos días después.

Después de tres años, Steven Spielberg estrenará dos películas como director; considerando que su última película bajo este crédito fue “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull”. Ambas son historias de corte familiar, una más conocida que la otra. Primero será “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn”, animación mocap basada en el famoso cómic homónimo. Cuatro días después, justo como estreno de Navidad, “War Horse” llegará a salas estadounidenses. Y, les digo, lo mejor llegará para fin de año.

Dreamworks lanza el segundo tráiler de “War Horse”. Y qué puedo decir. Si el primer vistazo me pareció sencillamente hermoso, este nuevo montaje de dos minutos y medio resulta impresionante.

“War Horse” cuenta la historia de un caballa llamado Joey, quien demuestra que el poder de la amistad vence cualquier obstáculo. Siendo un joven potrillo, Joey conoce a Albert, un chico que lo doma y entrena. Ambos tienen un vínculo muy especial. Con el paso del tiempo, Joey se convierte en un caballo fuerte, hermoso. Un buen día, el caballo es vendido a la caballería inglesa, que se dirige al frente de guerra. Así comienza su viaje y, en su recorrido, cambiará la vida de varias personas: parte de la caballería británica, soldados alemanes, la familia de una granja. Pero, antes de partir, queda la promesa de un reencuentro.

En este nuevo tráiler, vemos a Joey en medio de la guerra, entre explosiones. Los soldados que lo encuentran dicen que es un caballo milagroso; pues ese milagro radica en la fuerza de la amistad. A lo largo del montaje vemos, el inicio de esta hermosa amistad inexplicable, entre un muchachito y su caballo. Para apoyar toda esta magia, tenemos las notas musicales de John Williams, las cuales se perciben como una caricia al alma —al menos para mi—. También tenemos una muestra más extensa de la fotografía de Janusz Kaminski (“Le scaphandre et le papillon”), quien promete paisajes inolvidables.

Hay que reconocer que la película promete y tiene lo suyo; con colaboradores así, como no lograr una hermosa película. Además, Steven Spielberg ha demostrado ser un excelente narrador visual, en especial cuando se trata de filmes bélicos y de historias dirigidas a toda la familia. Spielberg sabe como ponernos en contacto con ese niño interno, al cual le dedica este tipo de producciones. Seguramente nos hará reír, nos hará llorar y nos dejará un mensaje de amistad invaluable.

“War Horse”, protagonizada por Jeremy Irvine, es acompañado por Tom Hiddleston, Emily Watson, Niels Arestrup, Benedict Cumberbatch, entre otros. Estará en carteleras estadounidenses el 25 de diciembre, de este año.

Puede que ahora mismo tenga en marcha cuatro proyectos para dirigir: “War Horse ” y “The Adventures of Tintin” ya completadas, y “Lincoln” y “Robopocalypse” en proceso de preproducción. Pero lo cierto es que Steven Spielberg ha estado espaciando sus películas como director en la última década y se ha entretenido produciendo, entre otras películas, algunas como “Flags of Our Fathers” y “Letters from Iwo Jima”, la franquicia iniciada con “Transformers”, “Cowboys & Aliens” o “Super 8”, que muchos incluso piensan que está dirigida por él mismo. Podría ser que el ganador del oscar por “Schindler’s List” y “Saving Private Ryan”, estuviera recuperando de nuevo el gusanillo por contar historias él mismo, o al menos es lo que están tratando que suceda desde Warner Bros, donde están intentando seducirle con un nuevo proyecto como director: “Gods and Kings”.

Se trataría de una película épica a gran escala sobre la vida de Moisés cuyo guión ya está en manos del cineasta. Un guión escrito por Michael Green, responsable del guión y producción de “Green Lantern” -lo que no ofrece muchas garantías-, y Stuart Hazeldine, responsables de guiones más interesantes como los de “Exam” y “Paradise Lost”. No estamos hablando de una nueva versión de “The Ten Commandments”, la película que dirigiera en dos ocasiones Cecil B. de Mille, sino de un nuevo acercamiento a las sagradas escrituras, concretamente al Libro del Exodo y otras historias del Viejo Testamento.

La historia cubriría la vida del profeta judío desde su nacimiento hasta su muerte, mostrando episodios como el despertar de los esclavos hebreos, la lucha de Moisés contra el Faraón por su libertad en Egipto, las diez plagas, la zarza ardiente, la fuga a través del Mar Rojo, el recibimiento de los Diez Mandamientos, etc., etc. Sin duda un tema idóneo para el cineasta de Cincinnati (Ohio), no ya porque se centre en los orígenes de la comunidad judía sino porque se trata de una de las más fascinantes historias de ciencia ficción jamás creadas por la pluma del hombre.

De hecho, sería maravilloso y tremendamente divertido que, dado que últimamente proliferan las películas que no se ciñen a la realidad histórica, nos encontráramos con un faraón interpretado por Liam Neeson en un guiño a “Schindler’s List”, las diez plagas salieran de la boca de Whoopi Goldberg caracterizada como Celie en “The Color Purple”, la zarza ardiendo fuera una de las naves espaciales de “Close Encounters of the Third Kind”, que la fuga a través del Mar Rojo estuviera en la línea de la primera secuencia de “Raiders of the Lost Ark”, que las tablas de los Diez Mandamientos le fueran entregadas por “E.T.: the Extra-Terrestrial”, o que Israel fuera el mundo postapocalíptico de “A.I.: Artificial Intelligence”. ¡Voto a favor!

Pero no sólo mis elucubraciones corren el peligro de caer en saco roto, sino que quizás no estaríamos hablando de un proyecto de tal envergadura si Steven Spielberg no decide sumarse al proyecto definitivamente. Es cierto que las dos películas dirigidas por Cecil B. Demented De Mille en 1923 y 1956, fueran auténticos fenómenos en la taquilla, pero la versión animada que se estrenara en 2007 pasó con más pena que gloria (¿alguien la vio?), lo que me lleva a preguntarme: ¿interesaría al público de hoy en día una película de estas características? Ustedes qué preferirían ¿una reconstrucción histórica de manual, o una versión distópica como la que propongo?

Fotos: International Film Guide

El próximo 28 de octubre llegará a nuestras carteleras “The Adventures of Tintin” o, como se titulará en España, “Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio”. Para aquellos que aún no lo sepáis, Steven Spielberg es el encargado de dirigir esta adaptación del famoso cómic de Georges Remi mejor conocido como Hergé. Peter Jackson ha colaborado como productor de la película y el guión ha sido escrito por gente a la que admiro mucho: Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornish. La banda sonora es de John Williams. Con tanto talento involucrado creo que podemos esperar grandes cosas de este proyecto.

Además, la lista de actores que han doblado a los personajes y que han servido de modelo para sus movimientos no tiene desperdicio: Jamie Bell, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Cary Elwes, Andy Serkis, Toby Jones, Tony Curran y Mackenzie Cook. La película se estrenará primero en Europa y casi dos meses después, a finales de año, lo hara en los Estados Unidos.

La historia sigue los pasos de Tintin (Jamie Bell), un joven reportero que, sin pretenderlo, se ve envuelto en la búsqueda del tesoro del pirata Rackham el Rojo. Tintin descubre dentro de la maqueta de un barco parte de un mapa. Ayudado por su inseparable perro Milú, por su gran amigo el capitán Haddock (Andy Serkis) y por los detectives Hernández y Fernández (Simon Pegg y Nick Frost), este curioso aventurero recorrerá e mundo buscando el enorme tesoro que descansa en El Unicornio, el barco del pirata. Le perseguirá incansable el malvado Ivanovitch Sakharine.

Si la película funciona, que creo que lo hará, no tendremos que esperar mucho para ver la secuela. A mi me parece que será uno de los grandes estrenos de este año y una película candidata a algunos Oscars, sobretodo los técnicos. Tengo mucha fe en el trabajo de los guionistas. Lo mejor sería ver en V.O para disfrutar de las voces originales de los actores por muy bueno que sea el doblaje no creo que se pueda comparar.

Foto: Stars Page

Para finales de año, Steven Spielberg tiene preparada una película que, seguramente, conmoverá a toda la familia — a niños y adultos por igual —. La historia nos transporta a Europa, durante la Primera Guerra Mundial. Bajo este contexto social e histórico, una curiosa y fuerte amistad se pondrá a prueba, a través de la distancia, el tiempo y una devastadora batalla. DreamWorks y Touchstone Pictures continúa el marketing de “War Horse”, con el lanzamiento de su primer cartel.

La aventura épica firmada por Spielberg cuenta la historia de una amistad, entre un caballo de nombre Joey y un chico llamado Albert. Después de domarlo y entrenarlo, ganándose su confianza, el caballo es vendido para formar parte de la caballería británica que se dirige rumbo a las trincheras de la guerra. A lo largo de la película seguiremos el extraordinario viaje de Joey, un caballo valiente que va inspirando y cambiando la vida de aquellos que le conocen — entre ellos, la caballería británica, soldados alemanes, una familia francesa —, mientras se dirige al territorio en conflicto.

Una odisea de alegría y de tristeza, apasionada amistad y gran aventura. “War Horse” es una de las más grandes historias de amistad y guerra.

En su momento el tráiler nos adelantó una hermosa estética, donde resalta la fotografía de Janusz Kaminski y la banda sonora del maestro John Williams. El cartel refuerza esa estética vista en el metraje. En primer plano tenemos a Albert, interpretado por Jeremy Irvine, acompañado de Joey. Resaltan las tonalidades cálidas, tonalidades tierra que van desde el café hasta el ámbar del atardecer. En el fondo se hace referencia al recorrido que harán estos dos personajes, al demostrar que su amistad es más fuerte que cualquier distancia o combate.

“War Horse” es adaptación de una novela infantil escrita por Michael Morpurgo. Esta historia familiar tiene muchas posibilidades de destacar y ser considerada para la próxima entrega de premios Oscar — con lo poco que hemos visto, estoy esperando una nominación (otra más) para John Williams —. Por otro lado, resulta agradable contar con este tipo de historias que sensibilizan a los más pequeños, en especial por el trato a los animales.

El joven Irvine será acompañado por Tom Hiddleston, Emily Watson, Jeremy Irvine, Niels Arestrup, Benedict Cumberbatch. “War Horse” llegará a cartelera en Estados Unidos, para las fiestas decembrinas.

A principios de este mes, George Lucas dio de qué hablar al mostrar las “mejoras” que presentará la saga “Star Wars” en su relanzamiento en Blu-ray — que, por cierto, sale a la venta mañana —. Esta restauración, en alta definición, modifica momentos y elementos característicos en toda la saga; algunos de ellos, como lo comentamos, son los ojos CGI de los Ewoks, en “Star Wars: Episode VI: Return of the Jedi”; y, para mi el peor, cambiar a al Yoda de “Star Wars: Episode I - The Phantom Menace” por una versión CGI; como si no fuera suficiente con lo que hizo en 2004, con el final de “Return of the Jedi”.

Y lo repito, si hay algo que me molesta son las restauraciones que modifican la obra original; justo hace una semana les comentaba al respecto. Ahora, para nuestra sorpresa (y para alimentar esa relación amor/odio con el director), Steven Spielberg recapacita y reconoce que se arrepiente de haber alterado “E.T.: The Extra-terrestrial” para su edición del 20 aniversario, misma que llegó a cines y fue lanzada en DVD atrás en 2002. Por tal motivo, Spielberg ha decidido regalarnos una nueva edición para su 30 aniversario, en alta definición, directo a Blu-ray… con el corte original tal como se estrenó en 1982.

Por mi parte, traté (cambiar la película) una vez y viví para lamentarlo. No por el escándalo de los fanáticos, sino porque estaba decepcionado conmigo mismo. Quedé demasiado sensible ante (algunas reacciones con) “E.T.”, y pensé que si la tecnología evolucionaba, (podría cambiar algunas cosas)… Estuvo bien por un tiempo, pero me di cuenta de que lo que hice, que había robado a las personas que amaban “E.T.”, ese recuerdo de “E.T.” (…) Si pongo un sólo corte de “E.T.” en Blu-ray y sería la versión de 1982, ¿alguien se opondría a eso? Bueno, que así sea.

Recordemos que en 2002, “E.T.: The Extra-terrestrial” fue lanzada por primera vez en DVD con una edición especial que contenía la película original de 1982 y la edición restaurada, con nuevos efectos especiales, escenas agregadas y la modificación de los walkie-talkies. Al menos ofreció a los fanáticos la opción de elegir cual ver en casa, cuando en cine sólo se reestrenó la edición restaurada.

La declaración fue hecha durante una presentación de “Raiders of the Lost Ark”, en su versión digital, la cual se lanzará en Blu-ray con motivo de su 30 aniversario. Spielberg reconoce que en su versión en DVD, de 2003, realizó algunos retoques digitales, pero en esta ocasión el Blu-ray contará con la edición original.

Yo creo que es lo mejor que he visto, porque en la preparación de un eventual lanzamiento a Blu-ray, tuvimos que corregir la impresión de nuevo y sacamos la impresión original de las minas de sal, y después tuvimos que hacer las separaciones y básicamente los archivos, lo cual fue asombroso con toda la tecnología de hoy en día, sin cambiar nada de la película de manera material, no quitamos nada, no hemos añadido CGI, no hay mejoras digitales. Es simplemente la película que algunos de ustedes recuerdan de 1981.

Ya ves, Lucas, sí se puede. Seguro muchas personas estarían interesadas con la versión original de ambas trilogías en Blu-ray, con el títere de Yoda original, con el grito de Obi-Wan Kenobi original, con el final de “Return of Jedi” original, donde vemos a Sebastian Shaw en lugar de Hayden Christensen o ¿ustedes que dicen? Esperemos que un poquito del arrepentimiento de Spielberg le llegue a George Lucas y que, también, sirva como ejemplo a otros cineastas, a otras compañías que nada más maquillan las obras que se hicieron clásicos tal cual como se estrenaron. Ustedes, ¿qué opinan? Mientras, mi admiración y respeto hacia Spielberg se gana un punto extra.

Foto: Britannica

Lo malo que tiene relacionar nombres como el de Steven Spielberg para cualquier proyecto es que se trata de un director que le encanta acumular producciones. Afortunadamente para todos sus fans no deja de trabajar, le encanta estar metido en distintos proyectos ya sea como director, productor o simplemente como mente creativa, pero esto también tiene un lado negativo. Y es que Spielberg no deja de ser una persona como cualquier de nosotros, y por lo tanto algunos de los tantos proyectos con los que se le relaciona tiene que desecharlos para ocuparse de otros.

Pero esta vez no es el caso, puesto que ya se ha confirmado que “Robopocalypse” ya cuenta con una fecha de estreno definitiva: el 3 de julio de 2013. Aunque ya conocimos que Spielberg se encargaría finalmente de dirigirla, estos proyectos se pueden alargar indefinidamente si el realizador se encuentra enfrascado en otras producciones, por lo que es una gran noticia que ya se le haya dado una fecha de estreno, lo que significa que tarde o temprano llegará a la salas.

Sin embargo tendremos que esperar bastante, como mínimo hasta mediados de 2013, porque Spielberg aún tiene unos cuantos proyectos en cartera que debe finalizar primero. Una vez concluidas las post-producciones de “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” y “War Horse”, que llegarán a los cines por ese orden, todavía le queda un rodaje que concluir. Se trata de la película que prepara sobre el decimosexto presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln, al que dará vida Daniel Day-Lewis. Una vez que termine el rodaje de esta película, cambiaría completamente de tercio y comenzaría el de “Robopocalypse”.

¿Y de qué tratará la película? De lo poco que sabemos por ahora es que estará basada en un relato fantástico de Daniel H. Wilson que nos sitúa en un futuro distópico donde los robots se han sublevado contra los humanos y se ha producido una guerra global. La premisa es muy parecida a la de “World War Z” (aunque en ésta sean zombies), de la que también se está preparando la adaptación cinematográfica con Brad Pitt a la cabeza. La historia se narrará a partir de supuestas declaraciones reales de personas que vivieron esa guerra y que servirán como hilo conductor de todo el argumento.

Por ahora no se ha hablado sobre un posible reparto, ni siquiera han surgido los típicos rumores que sitúen a algún intérprete en la producción, pero será cuestión de tiempo que se confirmen nombres una vez confirmada la fecha de estreno. De momento nos tendremos que contentar con eso, que ya es suficiente.

Foto: Ocioseando

10. “Poltergeist” (1982)

En un tranquilo suburbio, donde todas las casas son iguales — cual “sueño americano” — viven los Freeling, una familia de cinco: Steven, el padre agente inmobiliario, Diane, la madre quien cuida a sus tres hijos, Dana, Robbie y la pequeña Carol Anne. Una noche, mientras todos están dormidos, la niña se levanta, se dirige a la televisión y habla con una presencia; la gente de la televisión que le llama. ¿Qué es esta presencia?, ¿por qué quieren a la niña? Una historia de terror que ha causado controversia, no sólo por la supuesta maldición que gira en su entorno, sino por su proceso creativo.

“Poltergeist” llegó a cartelera en el verano de 1982, mejor conocido como el verano de Spielberg. Para ese año el cineasta se encontraba comprometido con Universal — estudio que una semana después estrenó “E.T.: The Extra-Terrestrial”. Por esta limitante, MGM confió la dirección a Tobe Hooper, aunque todo el desarrollo de la historia y los storyboards en general corrió a cargo de Spielberg. Hasta se ha llegado a cuestionar el trabajo de Hooper y su crédito como director, pues Spielberg estuvo involucrado en cada paso del proceso — asistió al rodaje todos los días, con excepción de seis —. Es uno de esos casos donde el productor gana peso sobre las decisiones de la película y, aquí se nota: la historia gira entorno a una familia, la hija más pequeña es el catalizador, los miedos básicos salen a relucir.

9. “Who Framed Roger Rabbit” (1988)

La fantasía, la comedia y la animación van de la mando de manera natural. Agreguen live action y elementos del film noir, tendrán como resultado una de las películas más emblemáticas de los ochenta. El protagonista de la historia es Roger Rabbit, una ascendente estrella de Maroon Cartoons, quien es implicado en la muerte de Marvin Acme, dueño de la compañía Acme y la ciudad de los dibujos animados. El único que puede ayudar al conejo es Eddie Valiant — interpretado por Bob Hoskins —, un detective alcohólico que odia las caricaturas. Así debe limpiar el nombre de Roger, antes de que sea llevado a la justicia.

“Who Framed Roger Rabbit” fue realizada en colaboración con distintos estudios, cineastas y animadores. Dirigida por Robert Zemeckis, recibió financiamiento de Walt Disney Pictures, quienes se acercaron a Amblin Entertainment y Steven Spielberg para fortalecer la producción. Gracias a Spielberg, Warner accedió a prestar a sus personajes para aparecer en la película, donde vemos a Donald y Daffy, Mickey y Bugs, compartiendo escenas; también aparecen Dumbo, Betty Boop, Droopy, Minnie Mouse, Woody Woodprecker, entre otros. Para la animación se contó con la colaboración del británico Richard Williams y, para los efectos especiales, Industrial Light & Magic de George Lucas.

8. “Gremlins” (1984)

Oh, los mogwai… Fascinantes criaturas. En especial este pequeño, tierno y valiente Gizmo. “Gremlins” es una comedia oscura, con tintes de terror. Todo inicia en una Navidad, cuando Billy (Zach Galligan) recibe como regalo esta misteriosa “mascota”, que su madre compró en una tienda de antigüedades en Chinatown. Para tener un mogwai se debe considerar tres reglas básicas: nunca exponerlo a la luz, en especial al sol porque lo mataría; nunca mojarlo y nunca darle de comer después de media noche. Pero un pequeño accidente, comienza un caos que se sale de control.

En 1984 “Gremlins” fue todo un éxito comercial, además de ser bien recibida por la crítica. Steven Spielberg hace posible que está película ocurra; Chris Columbus enseñó la historia a Spielberg, quien se interesó en el proyecto desde ese momento. Compró los derechos sobre la historia y buscó al director ideal para ponerlo a cargo — en un momento consideró a Tim Burton, pero quedó descartado porque en ese momento no había realizado largometrajes —. Su elección fue Joe Dante, pues admiraba su trabajo en “The Howling”. Warner Bros y Amblin Entertainment financiaron el filme. “Gremlins”, a lado de “Indiana Jones and the Temple of Doom”, influyeron en el sistema de clasificación de las películas en Estados Unidos; gracias a esto nació el PG-13.

7. “The Color Purple” (1985)

Nominada en once categorías de los premios Oscar — incluido Mejor Director —, “The Color Purple” es una adaptación de la novela homónima escrita por Alice Walker, con la cual gana el premio Pulitzer. Sigue la vida de Celie Harris (Whoopi Goldberg), durante tres décadas; desde inicios de 1900 hasta los treinta. Celie es una mujer pobre, que es abusada por su propio padre. Siendo todavía una adolescente, es obligada a casarse con un viudo, conocido como Mister (Danny Glover). A lo largo de su vida, a lado de este hombre que la maltrata y la trata como esclava, conoce a personas que cambian su vida, mientras sufre el distanciamiento de su hermana.

Este es el primer drama que dirige Spielberg después de su racha de blockbusters; me refiero a títulos como “Jaws” (1975), “Raiders of the Lost Ark” (1981) y “E-T.: The Extra-Terrestrial” (1982). Además de sus nominaciones al Oscar, fue reconocido el trabajo de Whoopi Goldberg con un Globo de Oro. Una película que dio de qué hablar, ya sea por la adaptación o por tratarse de una visión de los afroamericanos en aquella época, bajo la visión de un cineasta ajeno a dicho entorno. Lo cierto es que Spielberg logra contar una historia que cuenta con personajes bien trazados y estupendas actuaciones.

6. “Back to the Future” (1985)

La colaboración más significativa entre Robert Zemeckis y Steven Spielberg es la franquicia “Back to the Future”; en específico, la primera entrega. La historia es por todos conocida. Seguimos a Marty McFly en una aventura única que envuelve a un DeLorean modificado, un científico excéntrico Doc Emmett Brown y un viaje por el tiempo. De manera accidental, Marty McFly llega a 1955, donde sus padres son jóvenes. Su presencia modifica la historia de sus padres, poniendo en peligro su existencia y la de sus hermanos. Con ayuda de un Doc más jóven, Marty debe hacer que sus padres se enamoren antes de que sea demasiado tarde. Una película icónica entre los filmes de ciencia ficción.

“Back to the Future” fue escrita por Robert Zemeckis Bob Gale en 1980. Por falta de apoyo por parte de distintos estudios — incluyendo Columbia y Disney —, el proyecto se detuvo por cuatro años. Zemeckis tenía pensado acudir con Steven Spielberg a buscar apoyo, sin embargo, sus anteriores películas juntos habían sido un total fracaso; no sentía que era el momento adecuado para tener un acercamiento. Después vino “Romancing the Stone” y, animado por el éxito de este título, contactó a Spielberg para presentarle el libreto de “Back to the Future”. Tuvieron una reunión con Universal, firmaron y el resto es historia. La banda sonora tan reconocida es de Alan Silvestri, mientras que el tema principal The Power of Love, corrió a cargo de Huey Lewis & The News.

5. “E.T.: The Extra-Terrestrial” (1982)

Steven Spielberg maravilló a chicos y grandes con un filme muy personal, un viaje a su niñez, recordando a un amigo imaginario que se convertiría en el extraterrestre más querido en el mundo del cine. “E.T.: The Extra-Terrestrial” nos presenta una aventura desde el punto de vista de un niño, quien crea un lazo especial con este «hombre del espacio». ET es el secreto de Elliot y sus hermanos, Michael y la pequeña Gertie (el debut de Drew Barrymore). Entre los tres cuidan a ET, le enseñan a comunicarse, crean un plan para que este regrese a casa. La película tiene una de las secuencias más conocidas para quienes la hayan visto o no: el vuelo de ET y Elliot en bicicleta. También recordamos la escena en clase de ciencias, en paralelo con ET tomando cerveza.

“E.T.: The Extra-Terrestrial” destaca también a nivel técnico. La película fue rodada en orden, para que el reparto infantil creara esta conexión emocional con el títere. Además, la mayoría de las tomas son al nivel de los niños, quienes llevan la carga emocional. A lo largo de la película sólo vemos el rostro de dos adultos: la madre y Keys, interpretado por Peter Coyote. Además de ser otro blockbuster representativo del director, este se distingue por ser uno de los ejemplos más exitosos de product placement o publicidad por emplazamiento. La compañía Hershey accedió a que su dulce Reese’s Pieces apareciera en la película — son los dulces con los cuales Elliot atrae a ET —; gracias a esto las ganancias de Hershey aumentaron en un 65 por ciento. Otro gran ejemplo es, de hecho, “Back to the Future” y, posteriormente, “Jurassic Park”.

4. “Close Encounters of the Third Kind” (1977)

Antes de hacer “Jaws”, Spielberg tenía considerado hacer una película sobre el fenómeno ovni, sin embargo, el guión requirió varias revisiones, distintos tratamientos. “Close Encounters of the Third Kid” muestra la experiencia de diferentes personas, bajo diferentes circunstancias: Roy, empleado de una compañía eléctrica, tiene un encuentro durante un apagón; Jillian, sufre la abdución de su hijo, Barry; y, Lacombe, un científico obseosinado con el tema. Pero sus experiencias les llevaría a un espectacular encuentro que cambiará sus vidas para siempre. Agreguen, de nuevo, una visión infantil, un leif motiv de cinco notas del magnífico John Williams y listo.

“Close Encounters…” fue realizada gracias al éxito de “Jaws”, pues Universal dio libertad creativa a Spielberg. Originalmente fue concebida como un blockbuster para el verano de 1977 pero, por retrasos en la producción, se movió su fecha de estreno a noviembre. Recibió nueve nominaciones al premio Oscar, de los cuales sólo obtuvo la estatuilla a Mejor Cinematografía. Curiosamente, en misma edición de los premios de la Academia, John Williams estuvo nominado dos veces en la misma categoría, por esta colaboración con Spielberg y por su magnifico trabajo en “Star Wars”; se llevó el Oscar por esta última. “Close Encounters…” es una de esas películas que mejoran con el tiempo. Otro clásico de Spielberg.

3. “Raiders of the Lost Ark” (1981)

Acción. Aventura. Comedia. Y un personaje emblemático, con toda la actitud que sólo Harrison Ford pudo darle ¿o se imaginan a alguien más como Indiana Jones? El concepto de la película fue desarrollado por George Lucas, quien quería contar una aventura ubicada entre la década de los treinta y cuarenta, con una visión moderna. Este arqueólogo experto se enfrenta distintos peligros, entre la selva y el desierto, serpientes, nazis, en su carrera por encontrar el Arca de la Alianza antes de que caiga en manos equivocadas. A lo largo de la película hay secuencias de acción inolvidables, demostrando una gran narrativa en el género de aventura, a pesar de las dificultades que se enfrentaron en el camino.

“Raiders of the Lost Ark” comenzó su desarrollo en 1973, cuando Lucas y Philip Kaufman hicieron el primer tratamiento de guión. El proyecto quedó pendiente para darle prioridad a “Star Wars”, cuya primera parte se estrenó en 1977. Después, en un retiro/vacaciones, acompañado por Steven Spielberg, le planteó el proyecto; en ese entonces Spielberg quería dirigir una película de James Bond, pero se interesó más por la historia del arqueólogo. Por la magnitud de la historia y las locaciones, ningún estudio se vio interesado… hasta que Paramount llegó a un acuerdo con los creadores, con un respectivo ajuste de presupuesto. La producción fue estructurada desde el storyboard, con sus distintas versiones. Sobre la marcha se tomaron decisiones creativas al instante. La película obtuvo ocho nominaciones al Oscar, de las cuales ganó Mejor Dirección de Arte, Mejores Efectos Visuales, Mejor Edición y Mejor Sonido.

2. “Indiana Jones and the Last Crusade (1989)

Después de la oscura “Indiana Jones and the Temple of Doom”, Spielberg quiso compensar su fallo con la tercera entrega de la saga. En esta nueva aventura, se explora un tema recurrente en el director, la relación entre Indiana Jones y su distanciado padre, con un gran fichaje que redondearía el reparto: Sean Connery — James Bond en una película inspirada en James Bond —. Indiana Jones enfrenta de nuevo a los nazis, que ahora buscan el Santo Grial. Para ello debe salvar a su padre, que ha sido secuestrado por sus anotaciones sobre la localización de la reliquia. La historia rescata ese toque de humor visto en la primera entrega, ahora con el sello de Connery.

Los primeros borradores de “Indiana Jones and the Last Crusade” fueron encargados a Chris Columbus — con quien había trabajado en “Gremlins”… pero, al final, sus ideas fueron desechadas. Entonces la tarea quedó a cargo de Jeffrey Boam, Originalmente, George Lucas quería una aventura relacionada con una casa embrujada; pero Spielberg rechazó la idea. Después surgió la idea del Grial, que el director tampoco aceptaba, sin embargo, lo reconsideró al integrar la temática entre padre e hijo con el personaje de Henry Jones; resulta ser un tema recurrente en la filmografía de Spielberg.

1. “Jaws” (1975)

El padre de los blockbusters, una película que combina elementos cinematográficos, desde las tomas innovadoras hasta la banda sonora. Con sólo dos notas como base, John Williams y Steven Spielberg crean a uno de los villanos más recordados del cine. La historia nos lleva a un tranquilo destino turístico, que se ve amenazado por la presencia de tiburón. Después de fallidos intentos por eliminarlo, el jefe de policía Martin Brody (Roy Scheider), recluta a un cazador de tiburones (Robert Shaw) y al biólogo marino Matt Hooper (Richard Dreyfuss) para buscar y eliminar al gran tiburón blanco.

Basada en el best seller homónimo escrito por Peter Benchley, el proyecto quedó en manos de Spielberg después de considerar a John Sturges y Dick Richards. “Jaws” implicó un reto para el director por las dificultades técnicas de filmar en playa. El tiburón mecánico — al cual apodaron afectuosamente Bruce — presentó averías significativas, como desprendimientos, corrosiones, mal funcionamiento. Además, la producción comenzó la fotografía principal sin tener el guión final. El proyecto tuvo que duplicar su presupuesto, Spielberg tuvo que ser creativo al mostrar sólo parte del tiburón — como la aleta dorsal —, además de complementar con tomas y montaje para mantener el suspenso. Al final, “Jaws” resultó todo un éxito.

El cine es un arte, siempre se ha dicho y creído. Yo, personalmente, siento que está más ligado a la magia, a lo místico y a lo sobrenatural. “Super 8”, dirigida y escrita por J.J. Abrams y producida por Steven Spielberg, es una fiel muestra de que mi pensamiento no está tan errado, sobre todo en cuanto a la parte mágica se refiere, porque sí, un filme te puede hacer volar, caer, aterrizar forzosamente, pero al final siempre te llevará a salvo a casa. Acá ocurre algo parecido. Una montaña rusa, una rueda que gira y que no sabes dónde se detendrá. Aquí la magia se fusiona con el arte y logramos algo delicado, emocionante y de una factura impresionante.

La cinta cuenta la historia de Joe Lamb, un chico de una pequeña ciudad, quien, junto a sus amigos, está grabando una película de zombies en una cámara Super 8. Un día, mientras filmaban una escena en la estación de tren local, ven como un gran carguero sufre un accidente, se descarrila y explota. Luego de ese incidente, extrañas cosas empiezan a ocurrir. Perros empiezan a desaparecer, personas no son vistas más y extraños aparatos empiezan a ser hurtados de las casa de los vecinos del pueblo. Desde pequeños hornos hasta grandes motores de autos. Extraño.

Como era de esperarse, la película cuanta una historia de monstruo muy a lo “Cloverfield”, donde el ya mencionado J.J Abrams tuvo bastante que ver. ¿Pero cuál es la diferencia? Que, a pesar de lo que todos pensábamos, Super 8 relata mucho más una historia de valores familiares y morales, que una batalla con algo desconocido. Aquí se aprecian las debilidades humanas, los dramas familiares, el perdón por errores y la sobre investigación de lo desconocido.

Hay varias cosas que no les puedo contar por razones obvia, pero es necesario que entiendan que aquí en ningún momento el “monstruo” es el protagonista ni el que se roba protagonismo. Acá lo que importa es la camaradería y amistad entre los amigos, el amor que crece y el par de prohibiciones que se deben enfrentar. Nuestro pequeño protagonista, incluso, tiene la desdicha de perder a su madre en los primeros segundos de la película. Créanme, esto no es un spoiler y puede no ser nada importante para la trama de la cinta, pero la muerte de una madre nunca dejará de pesar en el corazón de un hijo y de un esposo que extraña. El pasado duele.

Las actuaciones son otro punto importante de esta obra, acá la cinta completa se sustenta sobre un par de jóvenes actores que, obviamente, vale la pena mencionarlos: Joel Courtney, Riley Griffiths, Ryan Lee, Gabriel Basso, Zach Mills y, por supuesto, la guapa, tierna y encantadora Elle Fanning, quien, permítanme decirles, es uno de los aportes más grandes a esta producción. Lo digo en serio. Esta chica lo tiene todo para ser grande.

“Super 8”, para los escépticos, puede funcionar en la lógica de una película de acción y monstruos. Es así. Funciona en esa lógica. Tiene explosiones, misterios, un tanto de muertes, algo de escalofríos; pero también tiene corazón y alma. Charles, el personaje interpretado por Griffiths, quien es el director de la película de zombies que está grabando el grupo de pequeños, lo dice en un momento, “tenemos las explosiones, pero nos falta el valor de producción”. Ahí se explica la lógica y el modo de creación de la obra compuesta por Spielberg y Abrams.

Muchos dirán que esta película es la “E.T.” de la nueva generación y no estarán para nada equivocados. La única diferencia es que éste es el extraterrestre que nosotros necesitamos, el que un mundo como en el que vivimos se merece. Acá las historias se cuentan con valores, pero también con sangre y explosiones. Porque así es el mundo en el que vivimos y éstas son las películas que necesitamos.

“Super 8” es un ejercicio y, de verdad, los invito a que lo hagan. Esfuercen su corazón, gocen como niños, déjense sorprender y aprendan de los valores escondidos que presenta esta cinta. ¿Explosiones, monstruos, extraterrestres, muertes? No importa. La amistad, tu papá, tus amigos, el primer amor, la valentía. Eso es lo que vale. Acá se enfrentan la emoción y la explosión en una gran batalla. La primera gana, pero la segunda es el telón de fondo más adecuado que podría tener.

Cuando se quiere hacer un análisis fílmico preciso y responsable, se debe tener muy en cuenta, no sólo la época en la que transcurre la historia de la película, sino más concretamente, el momento en el que está realizada. En 1977, el mundo no era, ni mucho menos, como el que conocemos ahora. No había Internet, ni teléfonos móviles, ni para nada se había desarrollado todavía la industria de los videojuegos. Pero Steven Spielberg tenía ya una prometedora carrera por delante después de haber conseguido un espectacular (y merecido) éxito con “Jaws”, lo que le permitió hacer una película sobre un libro de ciencia ficción que él mismo había escrito y en el que se limitaba a proyectar sus propias fantasías de adolescente con respecto a la posible existencia de vida extraterrestre.

En España (país en el que resido), se vivían momentos de efervescencia, con la recién nacida (de nuevo) democracia, que hacían que todos los españoles (salvo los de extrema derecha) fueran optimistas con respecto a lo que nos deparaba el futuro. Probablemente por eso, una película de naturaleza tan positiva como la de Steven Spielberg en la que nos proponía, no sólo que no estábamos solos en el universo, sino que los extraterrestres eran seres bondadosos, que venían para ser nuestros amigos y que incluso nos devolvían todos aquellos seres humanos que habían ido abduciendo a lo largo de los años (entiéndase el doble sentido de mi frase, pues Spielberg mostraba a sus extraterrestres como buenos, a pesar de que habían estado secuestrando personas durante los últimos cincuenta años), estaba destinada a encantarnos. Por cierto que resultaba bastante perturbador, para un espectador de la época, encontrarse con un trailer que más que hablar de la película, explicaba lo que significaba su título, estimulando al máximo la imaginación del espectador sobre lo que iba a ver después.

Si la primera secuencia de la película (en español en su versión original) era capaz de cautivar por sí misma con aquel “anoche salió y el sol y me cantó”, qué decir del momento en que Roy Neary (Richard Dreyfuss), es “adelantado” en un cruce por una nave espacial. Quizás la fascinación de la secuencia venga por representar lo que a muchos les gustaría que les sucediera, tal y como sugería el trailer original de la película, tener un encuentro de la tercera clase y que lo peor que te pueda pasar sea que se te queme la mitad de la cara. También la secuencia de los controladores aéreos resultaba muy efectiva, pero precisamente por lo que no mostraba, especulando con la probabilidad de que debía haber habido encuentros con naves espaciales, pero que no habían trascendido, precisamente por la incredulidad de la mayoría de la gente ante situaciones de este tipo.

Pero la secuencia que realmente me cautiva cada vez que la veo es, sin duda, la abducción de Barry (Cary Guffey). Una secuencia en la que el espectador puede sentirse identificado con la madre de Barry (Melinda Dillon), absolutamente aterrorizada ante a la idea de que unos extraterrestres se lleven a su único hijo, o con Barry, ajeno al peligro que corre, deseando jugar con unos pequeños seres que vienen de otro mundo. Aunque lo más probable, y ahí considero subyace la genialidad de la secuencia, es que la mayoría de los espectadores queden atrapados en una encrucijada emocional que les lleve a experimentar tanto la fascinación de Barry, como el terror de su madre (la secuencia la encontrarán hacia el minuto cuarenta y nueve).

Luego está la famosa secuencia de “la conversación”, pero, sinceramente, creo que debe más a la impresionante banda sonora de John Williams, que al buen hacer del propio Steven Spielberg. Aunque considero que el paso del tiempo no ha hecho mucha mella en la película, la verdad es que las nuevas generaciones no parecen quedar igual de fascinadas que un servidor cuando la viera por primera vez. O al menos es lo que le pasó a mi amiga Laura cuando le puso la película a su hija de diez años, Wilma, quien alegara que le parecía aburrida la misma película que un servidor viera con sólo siete años y quedara absolutamente fascinado.

Si ayer mismo comentábamos el interés de Joe Johnston por llevar a cabo una película sobre Boba Fett, un personaje que contribuyera a diseñar para George Lucas, hoy nos hacemos eco de sus reflexiones recogidas en Screen Rant, acerca de la reactivación de la franquicia de Steven Spielberg, “Jurassic Park”, de la que el director de “Captain America: The First Avenger”, fuera responsable de “Jurassic Park 3”, y que parece estar dispuesto a retomar con “Jurassic Park 4”, al igual que Spielberg y el guionista Mark Protosevich —-responsable de guiones como los de “Poseidon”, “I Am Legend” y “Thor“—-, que siempre han estado ligados al proyecto, tal y como comentábamos hace poco más de un mes.

Ha pasado una década desde que tuviéramos la oportunidad de ver a un grupo de científicos capitalistas y despreocupados (hu)yendo de la zarpa de un dinosaurio en un filme inspirado en los personajes y situaciones creadas originalmente por Michael Chricton. En este tiempo ha habido un flujo constante de rumores y especulaciones acerca de una historia que prolongue la vida de una franquicia siempre dirigida a un público eminentemente familiar. El caso es que Johnston ha manifestado que si ya resultaba complicado encontrar los motivos para volver a la isla en la segunda y tercera parte, sólo llevarla en una nueva dirección haría justificable una nueva trilogía jurásica.

Estamos discutiendo sobre “Jurassic Park 4”. Lo más importante que puedo decir es que comienza una nueva trilogía que irá en una nueva dirección. Una dirección completamente diferente que es muy emocionante y diferente de lo que hemos visto hasta ahora. (…) Comienza con la historia de la primera trilogía, pero evoluciona en una dirección completamente diferente. Eso es todo lo que puedo decir.

Palabras del propio Joe Johnston. Y a partir de aquí ya pueden comenzar las especulaciones, el asunto ya está entre los estudios y Steven Spileberg, según él mismo confirma. No he visto todas las películas de Joe Johnston. Algunas de sus películas me gustan, otras no. Y aunque recuerdo con mucho cariño a algunas de ellas, especialmente “Jumanji”, la verdad es que me pregunto si no irá demasiado deprisa con tantos proyectos y expectativas antes de que se estrene “Captain America: The First Avenger”, recordemos que su estreno anterior, “The Wolfman”, fue un fracaso de público y crítica y no es que un servidor espere con mucha (más bien con ninguna) ansiedad una nueva película de “Jurassic Park”. Pero estaremos atentos a todo lo que pueda pasar y le deseamos, ciertamente, lo mejor.

Fotos: Blog de Superhéroes

En el primer teaser tráiler, comentado hace dos meses por mi compañero Fernando, apenas podemos observar a los personajes, un poco de acción y algunos indicios de una gran aventura. La característica principal de la animación, más allá de la tercera dimensión, es la tecnología de captura de movimiento; técnica que hemos visto en filmes como en “The Pollar Express”, “A Christmas Carol” y, en un estilo distinto, “Avatar”. En el nuevo metraje, tráiler de dos minutos y veinte aproximadamente, podemos apreciar mejor el estilo de la animación, los personajes y el argumento. Estamos ante una aventura al puro estilo Indiana Jones, sólo que en lugar de un antropológo tenemos a un joven periodista como protagonista, acompañado de su perrito Snowy y el Capitán Haddock.

“The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” cuenta la historia de Tintin (Jamie Bell) y su primer encuentro con el Capitán Haddock (el hombre mo-cap Andy Serkis), cuando ambos descubren pistas a un barco hundido llamado El Unicornio, que guarda el tesoro de su ancestro Sir Francis Haddock. La búsqueda se convierte en una carrera al descubrir que no son los únicos que tratan de obtener el tesoro; como los detectives Thompson (Simon Pegg) y Thomson (Nick Frost). Tenemos una gran cantidad de acción, en una aventura que lleva a distintos escenarios: ciudades, mar abierto, desierto (¿no les recuerda a una escena de otra película de Spielberg?).

Seamos sinceros: aunque se trata de un personaje querido por muchos, con una aventura que promete un buen rato (por lo menos un par de horas), la animación no termina de convencer. Personalmente creo que el estilo le resta mucho a lo que podría ser en live action o en otro tipo de animación. Lo que tendremos que rescatar es el trabajo de sus guionistas, Edgar Wright, Steven Moffat y Joe Cornish, además de la composición de John Williams. Ya veremos el resultado final en pantalla grande. Por su fecha de estreno en Estados Unidos, no me extrañaría que fuera nominado al Oscar en la categoría animación (la tiene muy fácil este año), por lo cual la observaremos de cerca. “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” llega a cartelera en España, y otros países de Europa, el 28 de octubre; en Estados Unidos se verá dos meses después.

Esta nueva aventura épica de Steven Spielberg nos transporta a Europa, durante la Primera Guerra Mundial. “War Horse” cuenta la historia de una amistad que trasciende el tiempo y las fronteras. El protagonista es un caballo de nombre Joey, quien es domado y entrenado por Albert (Jeremy Irvine). Un buen día Joey es vendido para formar parte de la caballería, la cual se dirige hacia las trincheras de la guerra. Así seguimos el extraordinario viaje del caballo, mientras se mueve en el frente de guerra, cambiando e inspirando la vida de todos aquellos que le conocen, entre ellos la caballería británica, los soldados alemanes, un granjero francés y su nieta. Una historia para toda la familia, la cual es adaptación de la novela infantil homónima, escrita por Michael Morpurgo.

Si piensan, “Bah, es la historia de un caballo”, en parte tienen razón. La sinopsis nos hace recordar a “Black Beauty”, filme basado en otra novela escrita por Anne Sewell. Pero les invito a ver el tráiler y, seguramente quedarán fascinados. Será por la fotografía de Janusz Kaminski (“Le scaphandre et le papillon”), por el contexto historico del argumento o por la conmovedora banda sonora de John Williams, eterno colaborador de Spielberg. Puede ser, también, esa manera de contar historias que nos conectan con nuestro niño interno; en eso Spielberg hace magia. Será una de esas películas que conmoverán a muchos; va, acepto que iré al cine con unos pañuelos desechables a la mano.

Un tráiler simplemente hermoso. “War Horse” cuenta con las actuaciones de Tom Hiddleston, Emily Watson, Jeremy Irvine, Niels Arestrup, Benedict Cumberbatch, entre otros. Tiene como (favorecedora) fecha de estreno el 28 de diciembre.

Es normal que cuando un director como Steven Spielberg se encuentra tras un nuevo proyecto, consiga rodearse de un buen reparto para su película tanto porque él mismo es el que quiere como porque cualquier intérprete estaría encantado de trabajar a sus órdenes. Y por supuesto su siguiente proyecto no será una excepción ya que, según afirman desde /Film, cuenta con un nuevo nombre para su casting y será ni más ni menos que David Strathairn.

Aunque tenga que aclarar que “Lincoln” no será concretamente la próxima película que estrene. Actualmente se encuentra trabajando en la postproducción de dos cintas dirigidas por él, como son la esperada “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn” y tras ésta se estrenará “War Horse”, la historia de un chico y su caballo durante la Primera Guerra Mundial. Tras estas dos producciones ya llegaría, por fin, el proyecto que nos ocupa hoy y que tendrá como protagonista a Daniel Day-Lewis, que dará vida al emblemático decimosexto presidente de los Estados Unidos.

Según distintas informaciones que circulan por la red, el rodaje de “Lincoln” comenzará el próximo otoño en Virginia, aunque muy posiblemente será cuando el director se encuentre de promoción de alguna de sus próximas películas, pero ya se conoce la adicción que tiene Spielberg a su trabajo, por lo que no habrá ningún tipo de retrasos aunque tenga una agenda tan apretada. Por ello, ya se está ultimando el reparto y se intentará cerrar cuanto antes, al menos en cuanto a los actores que tengan papeles de cierta relevancia dentro de la historia.

En cuanto al que interpretará David Strathairn, el propio Spielberg ha sido el encargado de informar cuál será su rol dentro de toda la producción, aparte de mostrarse gratamente satisfecho de contar con un actor del novel de Strathairn para su película:

A lo largo de su carrera, David Strathairn ha demostrado un gran rendimiento en cuanto a fuerza y carácter. Es por eso que estoy tan contento de que haga el papel de Secretario de Estado, que se convirtió en una de las figuras dominantes dentro del “equipo de rivales” del gabinete de Lincoln

Así que un nombre confirmado más y un nuevo argumento para que no debamos perdernos esta película. Ya sólo con comprobar cómo trabajará Daniel Day-Lewis bajo las órdenes de Spielberg es razón suficiente para pagar el precio de la entrada, pero si además le añaden otros intérpretes de la talla de Strathairn, nadie debería perdérsela. El único problema es que tendremos que esperar bastante hasta que podamos disfrutarla, puesto que aún no hay fecha definitiva.

Foto: TartarugaMáxica