Django Unchained, el próximo proyecto de Quentin Tarantino, se encuentra en la última fase de la pre-producción. Entre los detalles que quedan pendientes se encuentra el reparto, el cual todavía tiene algunas vacantes al momento. Poco a poco se han ido sumando diferentes nombres, como Kurt Russell —quien entró en sustitución de Kevin Costner— o Kerry Washington, quien interpretará a Broomhilda, la mujer del protagonista. Y ¿quién más está apunto de incorporarse a la película? Nada más y nada menos que Sacha Baron Cohen.

El otrora Borat se encuentra en negociaciones para interpretar a Scott Harmony, en el spaghetti western de Tarantino. Imagínense eso. Django Unchained cuenta la historia de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx), quien es liberado por el Dr. King Schultz (Christoph Waltz), un caza-recomenzas alemán que persigue delincuentes y, en lugar de entregarlos a la justicia, los mata con sus propias manos. Schultz ayuda a Django a buscar a su esposa, de nombre Broomhilda (Washington), para rescatarla y liberarla de la opresión de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio).

En el guión, Scott Harmony es descrito como un hombre joven, de 24 años, que tiene problemas de seguridad y sobrepeso. Su padre le compra a Broomhilda para ayudarle a tener confianza en sí mismo. Broomhilda se convierte en una especie de acompañante para Scott, hasta que la pierde en un juego de cartas con Cadie. La participación de este personaje es breve pero, sin duda, es importante para el desarrollo de la historia. Seguramente, el guión recibirá tratamiento para ajustar al personaje y que, así, pueda quedar en manos del actor británico. Aún falta, por supuesto, que la producción confirme su contrato.

A Sacha Baron Cohen lo conocemos por su comedia ácida, sus falsos documentales y sus grandes personajes, como Ali G, Borat y Brüno. También le hemos visto en Sweeny Todd: The Demon Barber of Fleet Street, dirigido por Tim Burton. En sus proyectos más recientes, encontramos Hugo, de Martin Scorsese. Ahora tiene la oportunidad de trabajar con Quentin Tarantino, una parte que le dará más versatilidad a su currículo.

Django Unchained comenzará su rodaje durante este mes de noviembre y estará lista para estrenarse el día 25 de diciembre de 2012.

Foto: Celebrity Picnic

Sin trampa ni cartón. Ni Johnny Depp ni Leonardo DiCaprio, ni Arnold Schwarzenegger ni Bruce Willis, ni Tom Cruise ni Tom Hanks, al final va a resultar que el actor más taquillero de la historia del cine no es el que más guapo, ni el más alto, ni el más fuerte, sino el más trabajador: Samuel L. Jackson. Al menos, así ha sido constatado por el Libro Guinness de los Records, que ha reconocido al actor afroamericano originario de Washington como el actor más taquillero de la historia del cine.

Esto es así porque, a sus sesenta y tres años de edad, Samuel L. Jaclkson ha participado en más de cien películas que han llegado a recaudar más de 7.400 millones de dólares. A diferencia de los actores que suelen copar las listas de los actores más taquilleros de cada año, Samuel L. Jackson no suele prodigarse en personajes protagonistas, sino que afronta personajes secundarios que le han permitido realizar una media de cuatro películas por año. Esto viene a demostrar que muchas veces no es tan importante hacerse con personajes protagonistas, sino que puede resultar igual de interesante hacer personajes secundarios. No pocas sorpresas nos llevaremos si echamos la vista atrás y hacemos un breve repaso por la filmografía del prolífico actor, de la que destacaré tres de sus personajes más carismáticos.

“Jungle Fever”

Las primeras apariciones cinematográficas de Samuel L. Jackson se remontan a principios de los años setenta cuando compagina cine con televisión. Si bien algunas de sus apariciones se limitan a figuración, en la década de los ochenta entra a formar parte de los actores habituales de las películas de Spike Lee, participando en “School Daze”, “Do the Right Thing” o “Mo’ Better Blues” hasta que consigue destacar en “Jungle Fever”, interpretando a Gator Purify, el hermano enganchado al crack del personaje protagonista, Flipper Purify, interpretado por Wesley Snipes. Este papel le valdría varias nominaciones y premios, como el del mejor actor de reparto en el Festival de Cannes.

“Pulp Fiction”

Sólo tres años después, y después de haber participado en filmes tan populares como “Goodfellas”, “Patriot Games” o “Jurassic Park”, Samuel L. Jackson iniciaría una nueva y longeva colaboración profesional con Quentin Tarantino, en aquellas fechas todavía desconocido para el gran público a pesar del éxito de crítica que había supuesto su ópera prima, “Reservoir Dogs”. Si podemos decir que la relación se inicia de alguna manera con la participación del actor en “True Love”, sería “Pulp Fiction” la película que les acercaría a ambos al gran público. Si Tarantino conseguía su, hasta la fecha, único Oscar por el guión de la película -compartido con Roger Avary-, suponía la primera y única nominación al Oscar, hasta la fecha, para Samuel L. Jackson por su interpretación del gángster místico Jules Winnfield. Volvería a participar en otros proyectos de Tarantino como “Jackie Brown”, “Kill Bill” o “Inglorious Basterds” -algo que sólo habrán disfrutado quienes hayan visto la película en versión original pues es la voz del narrador-, teniendo su próxima cita con “Django Unchained”.

“Star Wars”

A pesar de la popularidad que le proporcionó su colaboración con Tarantino, que le permitió incorporarse a películas de corte más comercial como “Die hard: With a Vengeance”, “A Time to Kill” o “Shaft”, y de que una de sus creaciones más queridas por el público fuera su interpretación de Elijah Price en “Unbreakable”; sin duda otra de sus creaciones más populares ha sido interpretando a Mace Windu en tres de los episodios de la saga galáctica más popular de la gran pantalla: “Star Wars: Episode I - The Phantom Menace”, “Star Wars: Episode II - Attack of the Clones” y “Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith”. Dando vida a este personaje no le habrá proporcionado premios ni nominaciones, pero sin duda refleja a la perfección el estatus de prestigio que ha conseguido tanto entre el público como entre la crítica. Igualmente, su colaboración con George Lucas debe haber servido para inclinar la balanza muy favorablemente para ser considerado el actor más taquillero del mundo. ¿Alguien se posiciona en contra?

Cualquier proyecto de Quentin Tarantino es siempre bien recibido -al menos para un servidor-, pero la verdad es que la cosa se está poniendo muy calentita con las novedades sobre el reparto de “Django Unchained”. Si en un principio no pudo conseguir a Will Smith para encabezar el reparto de su película, pronto se quitó la espina con la confirmación de Jamie Foxx y Leonardo DiCaprio. A ellos se sumaban poco después Christoph Waltz y Kevin Costner, y a pesar de que se había rumoreado, ahora sí podemos confirmar que Samuel L. Jackson volverá a estar en una película de Quentin Tarantino.

Desde mi punto de vista, Tarantino es el único director que se toma realmente en serio a este brillante y descomunal actor con el que ha trabando en cuatro largometrajes anteriormente en los que ha sido Jules Winnfield en “Pulp Fiction” -por el que consiguiera su única nominación al Osacr-, Ordell Robbie en “Jackie Brown” -por el que se llevó en Oso de Plata al mejor actor en Berlín-, Rufus en “Kill Bill Vol. 2” y la voz del narrador de “Inglourious Basterds”. En “Django Unchained” interpretará a Stephen, esclavo doméstico y mano derecha de un sádico jefe de esclavos. Probablemente se trate de un papel pequeño dado que si el rodaje comienza en noviembre, el actor afroamericano no está citado para rodar hasta enero del año que viene.

Descrita como un spaghetti Western violento, “Django Unchained” cuenta la historia de un esclavo liberado por un caza recompensas que mata a los delincuentes en lugar de perseguirlos para entregarlos a la justicia. Se trata de un dentista alemán que le ayudará a liberar a su esposa, Broomhilda, que permanece esclavizada para el malvado propietario de una plantación, Spencer “Big Daddy” Bennett. Este último personaje podría estar interpretado por Gerard McRaney, última adquisición al reparto de la película en lo que parece uno de los habituales guiños cinéfilos del cineasta. Aunque aquí se trata más bien de un guiño televisivo pues hablamos de un actor que interviniera en series como “Simon & Simon” y “Major Dad”, pero que se ha dejado ver escasamente en la pantalla grande, siendo la última a través de la adaptación que se hizo de “The A-Team”.

Todavía tendremos que esperar algo más de un año para poder disfrutar de la próxima película de Quentin Tarantino, pues su fecha de estreno está prevista para el día de Navidad de 2012. Que fecha tan poco indicada para un estreno de estas características. Hasta entonces, estaremos atentos a todo tipo de avances que nos lleguen.

Kevin Costner está viviendo una segunda juventud, y la noticia que os traemos hoy es un buen ejemplo de ello, aunque sea como actor secundario. Ya conocíamos que interpretaría al padre biológico de Superman en la próxima película que está preparando Zack Snyder sobre el personaje, pero ahora se une a otro proyecto igual de interesante, puesto que se trata de la primera incursión en el western de Tarantino.

Según informan desde Deadline, el actor está confirmado para participar en este proyecto, un trabajo que tomaría inmediatamente después de terminar el rodaje de “Superman: Man of Steel”. Desde luego encadenaría dos de las producciones más esperadas para numerosos fans. Además tanto la película del hombre de acero como “Django Unchained” tienen previsto estrenarse en diciembre del año que viene, por lo que será un mes de enormes éxitos y reconocimientos para Kevin Costner.

Todos sabemos los altibajos que ha tenido la carrera del actor, especialmente en algunas ocasiones que ha querido salirse de ese rol y ponerse tras las cámaras. Pero pese a algunos flagrantes fracasos que cuenta en su filmografía, también ha cosechado grandes éxito y su nombre es uno de los más emblemáticos de Hollywood. Ahora parece que quiere hacerse a un lado y dejar el protagonismo de las películas a otros para el centrarse en papeles secundarios, algo que por otra parte puede salirle bien y quizá le permita volver a estar en lo más alto.

Sin embargo esta vez no veremos al actor en uno de esos papeles a los que nos tiene acostumbrados, como el bueno de la película que siempre intenta ayudar a los demás. Esta vez su papel será todo lo contrario ya que dará vida a Ace Woody, un hombre sin escrúpulos que será la mano derecha del villano de la cinta, y que se encargará de entrenar a los esclavos para convertirlos en luchadores y en minar la moral de las prostitutas.

Recordemos que ya se confirmaron unos cuantos nombres para la película, como los de Jamie Foxx como protagonista y Leonardo DiCaprio como el malo de la cinta. Aparte de ellos también habrá secundarios de gran interés como Christopher Waltz (al que esperemos que Tarantino le arranque otra magistral interpretación) y Samuel L. Jackson, un habitual del director. Desde luego la confirmación de Kevin Costner sirve para demostrar que la producción está completamente viva y que ya ha salvado todos los problemas de financiación que tuvo en un principio.

Foto: LaLengua

Algunas cintas sirven de puente para unir diversos estilos. Quentin Tarantino, reconocidísimo director estadounidense, bien lo sabe. En su carrera, se ha encargado de mezclar cuanto género se le cruza por delante para, de esa manera, lograr un producto mucho más original y entretenido para nosotros, sus espectadores. Con “Kill Bill”, película estrenada hacia ya 8 años (sí, ocho años, pasa realmente rápido el tiempo), el realizador trata de mezclar toques de cine oriental, algunos matices de western, tintes de acción, algo de drama y alguna que otra pizca de sátira. ¿El resultado? Una genial e inolvidable aventura con traje amarillo.

Las escenas para recomendar en una producción como ésta son variadas. Podría decirles el momento en que empezamos a conocer el drama de La Novia o quizás cuando por primera vez toma venganza o todas las cosas que tiene que tiene que pasar mientras busca a la gente que debe matar. Pero no, hoy me decidí por otra. Por una escena de batalla que refleja todo lo que esta película significa. Una escena en la que Tarantino y sobre todo la doble de Uma Thurman (jeje) se lucen esplendidamente. Acá hay sangre, dolor, muertes, desmembramiento y más sangre.

Nuestra querida Novia anda en busca de O-Ren Ishii. El rastro la conduce hasta un restaurant, donde se le tenderá una mortífera y certera trampa. Primero, deberá enfrentarse contra Gogo Yubari, una letal asesina vestida de colegiala que le hará bastante daño a nuestra protagonista. Esta batalla es corta, pero intensa. Además, cabe destacar que siempre es interesante ver una pelea entre dos mujeres, mucho más si una de ellas anda con traje de escolar japonesa. Puntos para eso y para la maestría de Gogo con su arma.

Pero ojo, que eso no es todo. O-Ren Ishii no piensa entregarse tan fácil y, antes de permitirle a nuestra chica en amarillo que pelee con ella, deberá enfrentar a The Crazy 88’s, un escuadrón de asesinos uniformados que tienen como único fin defender a quien los contrató. ¿La batalla? Épica por decirlo menos. 88 contra 1. Acá la desigualdad no importa. Acá el carácter se pone denso y las cosas se tornan rojas. ¿Por qué esta escena? Porque acá hay sangre y esto es para lo que Tarantino nació y debería estar haciendo.

La sangre, la acción, los sonidos, la estética y rapidez. Acá el director conjugó todas esas cosas que estábamos esperando en una película como ésta. Acá no hay cosas extras ni cosas faltantes, cada una de los artilugios que está metidos acá tiene una razón de ser. Desde la música hasta cada uno de los sonidos. La coreografía y cada chorro de sangre. Tarantino sabe, tiene talento, pero cuando se trata de hacer este tipo de escenas, el hombre se vuelve presa de su instinto y deja salir todo lo que lleva adentro. Visceral y nada más.

Aunque ya tuvimos algunas noticias sobre que Jamie Foxx podría ser el protagonista final de la próxima película de Tarantino, “Django Unchained”, tampoco era una noticia completamente confirmada y por lo tanto había que tomarla con mucha precaución. De hecho fueron unas declaraciones de Samuel L. Jackson, que sí estará en la cinta, las que hicieron saltar las alarmas y pusieron a Foxx en el papel principal. Sin embargo ya hemos quedado escarmentados de otras ocasiones similares y hasta que el estudio, el propio actor y el director no sean los que lo confirmen, tendremos que hablar simplemente de rumores.

Pero ya ha llegado el momento, ya que tal y como afirman desde Collider, Jamie Foxx es finalmente el actor elegido para el papel protagonista de “Django Unchained”, por lo que al menos ya tenemos uno de los roles principales de la cinta cerrados. Sin embargo el actor no era la primera opción de Tarantino para el papel. Recordemos que Will Smith era el primer objetivo y que el director se reunió con él para conseguir convencerle, pero finalmente no pudo ser y tuvo que recurrir a elecciones alternativas. Sin embargo Foxx no era el plan B, ni siquiera el C: antes de elegirle, Tarantino le ofreció el papel a Idris Elba, Terrence Howard y Chris Tucker (menos mal que éste no aceptó), en ese orden, y todos lo rechazaron.

Sinceramente no entiendo cómo cualquier actor puede rechazar trabajar bajo las órdenes de Tarantino, y más en una película que promete tanto, puesto que es lógico pensar que va a ser un éxito seguro y que lanzará la carrera de su protagonista. Sin embargo me alegro de que Foxx sea finalmente el elegido puesto que es un gran actor, que ya ha demostrado sus grandes capacidades interpretativas en papeles como “Ray”, y esperemos que en esta también consiga realizar un buen papel.

En cuanto al resto del reparto que está confirmado, aparte de Samuel L. Jackson, también repetirá con el director estadounidense Christopher Waltz, sin duda una grandísima noticia después de comprobar todo lo que puede dar de sí en su magnífica papel en “Inglorious Basterds”. El papel del villano es el que más controversia está levantando hasta el momento puesto que muchos sitúan a Leonardo DiCaprio como el que más posibilidades tiene, e incluso afirman que está más que contratado, aunque como siempre ocurre hasta que no haya una confirmación oficial por cualquiera de las partes preferimos ser cautos. Al menos ya tenemos protagonista, lo que ayudará a Tarantino a encontrar la financiación necesaria para sacar adelante el proyecto.

Foto: CentralParkGossip

Es muy curioso lo que está sucediendo con el esperadísimo próximo proyecto de Quentin Tarantino. Lo único que está oficialmente confirmado es que se encuentra trabajando en un spaguetti western, cuyo guión él mismo se ha encargado de escribir como viene siendo habitual, y que actualmente se encuentra recorriendo los principales estudios de Hollywood vendiendo el producto para encontrar la financiación necesaria.

Sin embargo, también cuenta con dos actores confirmados para distintos papeles de la cinta: Samuel L. Jackson y Christopher Waltz, que sirven como argumento para convencer a la productora de turno. Por ello, aunque sigue necesitando financiación, también busca nombres que añadir al reparto y así poder hacer de la película un producto más vendible y sobre todo más atractivo económicamente para el estudio que tenga que prestar el dinero.

Y a partir de aquí comienzan los rumores. Muchos son los actores que están entre los candidatos a aparecer en ella, aunque ninguno de ellos, salvo Jackson y Waltz, se sabe a ciencia cierta si estarán. Hoy nos han llegado nuevos rumores que, repito, no están oficialmente confirmados vía Indie Wire. Se trata de unas recientes declaraciones de Samuel L. Jackson donde afirma que la contratación de Leonardo DiCaprio está cerrada para interpretar al villano de la película.

Ya nos habían llegado rumores sobre el (supuesto) interés, de que DiCaprio diera vida al antagonista de la cinta, aunque como viene siendo habitual con este proyecto la noticia no provenía de ninguna fuente oficial. Así que después de las declaraciones del actor parece ser que ya tiene un nuevo compañero de reparto, aunque hasta que el director o el propio DiCaprio no se pronuncien al respecto no nos podemos creer nada.

El otro nombre que Jackson ha puesto sobre la mesa es el de Jamie Foxx. Según él, el actor de “Ray” está muy cerca de cerrar su contratación para interpretar el papel del protagonista, un esclavo de color que pretende vengarse de su amo cuando éste le arrebata a su mujer. De ser esto cierto, Foxx sustituiría al principal candidato a tomar este papel, Will Smith, que supuestamente siempre ha sido la primera opción del director.

Desde luego dar noticias sobre “Django Unchained” es moverse en un terreno inestable puesto que los únicos datos que circulan por la red no son más que habladurías y rumores de terceras personas. Pero igualmente en este mundo suelen ocurrir cosas de estas antes de que lleguen las confirmaciones oficiales, por lo que tampoco podemos descartar esta opción. ¿Qué os parece la dupla Foxx-DiCaprio y dirigidos por Tarantino? Interesante.

Fotos: Peliculas & ConcreteLoop

El nuevo proyecto de Tarantino está dando que hablar, y lo que queda. Sólo con saber que el controvertido director hará de “Django Unchained” un spaguetti western, un subgénero del que siempre se ha declarado seguidor pero que nunca ha llegado a tocar como merece, no podíamos más que esperar una gran película, un auténtico homenaje del realizador a este tipo de obras por las que, de alguna manera u otra, todos sentimos una pequeña devoción.

Sin embargo, pese a que ya hace tiempo que se confirmó que el director estaba buscando financiación, basándose en el guión que ya tiene escrito, aún no se ha confirmado a nadie para el reparto. Unos cuantos nombres han sonado, como Will Smith, Christopher Waltz o Samuel L. Jackson, que según afirman distintas fuentes lo más probable es que estén en la cinta. A pesar de ello, no hay confirmación oficial todavía de ninguno de los dos, por lo que tendremos que esperar.

Hoy se ha unido un nuevo nombre a la lista de posibles: Leonardo DiCaprio. según informan desde Collider, el actor daría vida a Calvin Caldie, el villano de la cinta. No parece una idea disparatada que Tarantino quiera contar con el actor para su película puesto que ya le tentó para que diera vida a Hans Landa, el nazi que le reportó su primer Oscar a Christopher Waltz. De hecho, Tarantino pensaba en que DiCaprio sería el actor ideal para el papel cuando estaba escribiendo el guión, aunque finalmente por temas de horario no pudo ser. Creo que nadie se arrepintió de que no aceptara, salvo él.

Otro actor que se ha sumado a la lista de candidatos es Idris Elba, que últimamente no se encuentra especialmente ocioso. Acaba de tomar parte en “Thor” y actualmente se encuentra bajo las órdenes de Ridley Scott para rodar su regreso a la ciencia ficción: “Prometheus”. Sin embargo su papel no quedaría relegado a un segundo plano: se trata del plan B en caso de que Will Smith no acepte el papel protagonista, ni más ni menos.

Lo que está claro es que Tarantino debe estar disfrutando con el proyecto como un niño con zapatos nuevos, intentando contratar a los mejores para conseguir un reparto que esté a la altura de su guión. Por ahora lo poco que se sabe del libreto es que será muy controvertido, ya que hace referencia a muchos temas raciales, aunque no sabemos desde qué punto de vista. Pero lo que está claro es que quiere que sea una película digna de encontrarse en su filmografía, y para ello necesitará de buenos actores.

Foto: Peliculas

Tras confirmarse que el próximo, y esperado, proyecto de Quentin Tarantino sería un spaguetti western, ahora toca comenzar con el baile de nombres del posible reparto que conformaría el elenco de la película. Hoy mismo hemos conocido desde The Hollywood Reporter que uno de los nombres que está barajando el director es el de Will Smith, que tendría uno de los papeles principales de la película.

Según esta fuente, el actor interpretaría a un esclavo del sur de los Estados Unidos que, gracias a un cazarrecompensas alemán busca venganza contra el dueño de una plantación que mantiene secuestrado a su esposa. Podemos ver que la historia se asemejará mucho a lo que fue “Kill Bill”, donde la venganza será el eje conductor de toda la historia.

Sin embargo, según la página, aún no hay nada concreto con el actor ya que simplemente le han enviado el guión para que lo estudie y considere las posibilidades de sumarse al proyecto. También tendría que ver si las fechas de su agenda pueden cuadrarse con las del rodaje de “Djando Unchained”. Por ahora ya hay dos nombres confirmados: por un lado está Christopher Waltz que va camino de convertirse en uno de los habituales de Tarantino y que interpretará al cazarrecompensas alemán, y por otro lado está Samuel L. Jackson, un habitual en toda regla del director, que dará vida a uno de los sicarios que tiene el dueño de la plantación para plantar cara al dúo protagonista.

Sin embargo, pese a que la película ya cuenta con dos actores confirmados y se trabaja en la contratación de un tercero, aún se encuentra en fases tempranas de la preproducción ya que Tarantino aún está entrevistándose con distintos estudios para encontrar financiación suficiente, aparte de la que le ofrecen desde The Weinstein Company, que siempre han estado apoyando las películas del director desde sus comienzos. Éste mismo estudio también se encargará de sus distribución por Estados Unidos por lo que también deberá encontrar una distribuidora para que se pueda ver su película fuera de territorio estadounidense.

Tarantino, que ya sabe cómo funciona este mundillo, quiere tener la baza de contar con Will Smith como protagonista, un actor que siempre ha rentado cada dólar que se ha invertido en sus películas, por lo que los estudios estarían más dispuestos a cofinanciar “Django Unchained”. Y por si esto fuera poco cuenta con el guión que él mismo ha escrito y que, según los que lo han leído, es genial.

Nadie duda de que Tarantino encontrará financiación para su película, aunque el estudio que dé su brazo a torcer es de suponer que imponga sus propias condiciones al prestar el dinero. Sin embargo, la noticia está en si será Will Smith el que finalmente acepte el papel protagonista.

Foto: Cine5x

Quentin Tarantino acaba de terminar el último borrador de su spaghetti Western, según confirman en Coming Soon. Una película que se dará a conocer como “Django Unchained” y que será producida por Stacey Sher, una de las productoras de “Pulp Fiction”, y Pilar Savone. También está confirmado que Christoph Waltz volverá a trabajar con Tarantino, en la que será su segunda colaboración después de “Inglourious Basterds”.

Me gustaría hacer un Western. Pero en lugar de ubicarlo en Texas, hacerlo en la época de la esclavitud. Con ese tema que todo el mundo tiene tanto miedo de tratar. Vamos a poner el foco sobre nosotros mismos. Puedes hacer una poderosa clase de historia sobre los esclavos escapando del Underground Railroad. O puedes hacer una película divertida. Hacerlo como si fuera una aventura. Un spaghetti Western que se desarrolla en esa época. Yo lo llamaría un “Southern”.

Palabras del propio Tarantino que inducen que su proyecto va por el mismo camino que su filme previo, que si empezara comprando los derechos de una horrible película de Enzo G. Castellari, “Quel maledetto treno blindato”, titulada para el mercado estadounidense como “Inglourous Bastards” y de la que al final, y gracias a Dios, no quedara de ella más que ese título, cayéndose en la sala de montaje hasta las secuencias rodadas con el director italiano, artífice de filmes tan insoportables como “Keoma”, “Tuareg” o “Cipolla Colt”, que probablemente puedan estar también tras la inspiración de Tarantino.

En una demostración de la desfachatez del “maestro” italiano, el año pasado se estrenaba (en ningún sitio) “Caribbean Basterds”, una película en la que vuelve a utilizar las mismas artimañas que usara en su cine de los setenta, titulando sus películas evocando títulos de éxito comercial, como hiciera con “L’ultimo squalo”, cuyo título en España fuera directamente y sin pagar derechos de autor: “Tiburón 3”, como si tuviera algo que ver con la franquicia iniciada por el éxito de la película de Steven Spielberg.

En cualquier caso, el nombre del protagonista de “Django Unchained”, quizás alude en este caso a otro spaghetti Western, también protagonizado por Franco Nero, “Django”, dirigido este por Sergio Corbucci. No es difícil intuir vaya ser una película en el mismo tono que “Inglourious Basterds”, según se desprende del siguiente comentario:

El personaje principal, Django, es un esclavo libre, que bajo la tutela de un cazador de recompensas alemán (Christoph Waltz) él mismo se convierte en uno de ellos, y tras ayudar al alemán a dar caza a unos chicos malos por dinero, este le echa una mano para ayudar a su esposa, librándola del malvado dueño de una plantación. ¡Y eso no es ni más de la mitad de la película!

Está previsto que la producción de la película comience este mismo año. ¿Saldrá Franco Nero? ¿Se rodará en Almería?

Foto: Film Forno

Si bien no nos concentramos mucho en lo que respecta a las salidas den formato de reproducción casera, como puede llegar a ser la aparición de tal o cual película en DVD o Blue Ray, creo que esta noticia merece ser mencionada no sólo por el hecho de que representa un aporte a una obra que ha marcado a muchas personas, sino también porque cada novedad que se tanga con respecto a la cinta en cuestión deja temblando a más de un fanático en su casa. La noticia estrictamente es que ha aparecido un cartel exclusivo de “Kill Bill: the Whole Bloody Affair” y que, a mi juicio, no nos tiene que sorprender que dentro de poco anuncien una presentación exclusiva de todo el asunto sangriento en más de una sala de cine.

Con motivo del cumpleaños de don Quentin Tarantino —- este 27 de marzo pasado —-, el ya citado director no tuvo mejor idea que usar su cine en Los Ángeles para hacer una presentación especial de las dos películas que los avatares del mercado lo obligaron a considerarla como dos trabajos independientes, pese a que la idea original siempre fue presentarlo como una sola película: hablamos, claro está, de “Kill Bill Vol. I” (2003) y “Kill Bill Vol. II” (2004), cintas que en su momento convenía económicamente presentar en dos momentos diferentes con el objetivo de duplicar las ventas y recuperar un poco de la plata que Miramax había invertido en el proyecto. Con motivo de esta salida, Tyler Stout realizó un genial póster que les dejamos a continuación para anuniciar esta especie de presentación especial y conmemorativa.

Si bien podemos disfrutar de “Kill Bill: the Whole Bloody Affair” desde hace bastante en formato de DVD, es importante destacar que esta presentación especial en un momento tan interesante no puede menos que hacernos sospechar la posibilidad de que en breve tengamos noticias de más presentaciones especiales en diferentes partes del orbe, lo cual sería un motivo más que digno de agradecer, ya que en muchas partes tanto de Latinoamérica como de Europa se realizan ciclos independientes o inclusive soportados económicamente por el estado con el objetivo de hacer presentaciones de estas películas en el marco de tal o cual evento, mostrando efectivamente el lugar de clásico que tiene para una gran cantidad de personas.

Esperemos recibir, en breve, más noticias acerca de esta intrigante iniciativa: estaremos atentos frente a cualquier novedad con respecto al tema. Les dejo el cartel… Genial fondo de pantalla, a mi juicio.

Después de año y medio que hace que estrenó su última película, “Inglorious Basterds”, muchos piensan que ya va siendo hora de que Quentin Tarantino se ponga a trabajar en el que será si siguiente proyecto, especialmente sus fans, que creen que este tiempo es más que suficiente para que el cineasta elabore uno de esos singulares guiones a los que nos tiene acostumbrados.

Desde entonces han sido numerosos los rumores que situaban al director en distintos proyectos, uno de ellos sobre la idea de realizar una película sobre los “Vega Brothers”, otro que tendría a Lindsay Lohan como protagonista o los que le situaban como director del remake de “The Shadow”. Por ahora ninguno de ellos se ha confirmado ni han aparecido más noticias al respecto, por lo que parece ser que todo ello ha quedado en nada.

Recientemente hemos conocido otro proyecto en el que realmente podría estar trabajando Tarantino, concretamente un spaghetti western. Los rumores se iniciaron desde la web italiana Movie Player, donde Franco Nero afirmaba en una entrevista que volvía al género y que lo haría de la mano de Tarantino, que ya estaban trabajando en la que sería su siguiente película. Nero también afirmaba que entre el reparto se encuentran Keith Carradine y Treat Williams, y que toda la producción iba viento en popa.

A raíz de estas declaraciones, desde Ain’t It Cool News han comenzado a indagar sobre si realmente Tarantino está trabajando en dicho proyecto o si todo va a quedar de nuevo en unos rumores infundados y, según ellos, parece que todo es cierto. Entre los datos que aportan desde la página norteamericana están, aparte de la confirmación de la producción, que Christoph Waltz tendría uno de los papeles principales de la película. Esperemos que de ser así su trabajo sea tan bueno como el que hizo en “Inglorious Basterds”. En cambio, siempre desde las averiguaciones de Ain’t It Cool News, ni Nero ni Carradine ni Williams estarían finalmente en la película.

Como tercer dato que apuntan desde el sitio web está el título. En las declaraciones de Franco Nero, éste afirmaba que la película se llamaría “L’angelo, il bruto e il saggio” —”The Angel, The Bad and The Wise”— y que el rodaje tendría lugar en distintos lugares de España e Italia. Una clarísima referencia a Sergio Leone.

Desde luego, es un proyecto más que interesante sobre todo porque Tarantino siempre ha mostrado predilección por este subgénero y se ha mostrado muy dispuesto a hacer una película de este tipo. Sin embargo, por ahora tenemos que tomar toda esta información con todas las pinzas posibles hasta que el director abra la boca para confirmarlo o desmentirlo. Esperemos que sean verdad.

Foto: Muuuvis

La balanza entre odio y amor se inclina a una velocidad unstoppable en un caso como el de este director británico, pues ya confesé que él mismo era el creador de uno de mis placeres culpables: “The Hunger”. Por lo que ciertamente fui con gran animosidad a ver su película esperando reconciliarme con su cine, pues la primera sorpresa (desagradable) que me propinara el hermanito pequeño de Ridley Scott fuera su segunda película, desmarcándose con un producto tan rancio, tradicional y conservador como “Top Gun”, a la que siguieron obras tan impersonales como “Beverly Hills Cop II”, “Revenge”, “Days of Thunder” o “The Last Boy Scout”.

De hecho, quizás lo que más me guste de “Top Gun” sea la explicación que de ella ofrece Quentin Tarantino en “Sleep with Me”, justificándola como la historia de un hombre luchando contra su homosexualidad.

“True Romance” aterriza en la pantalla antes de que el cineasta de Tennessee se haga internacionalmente popular por “Pulp Fiction”, pero que ya lo era en los ambientes cinéfilos gracias a su flamante ópera prima, “Reservoir Dogs”, motivo por el que “True Romance” tuvo un cierto éxito en los ambientes de llamado cine de arte y ensayo, dado que uno de los atractivos partía de la responsabilidad de Quentin Tarantino como autor de su guión. Lo mismo sucediera con “Natural Born Killers” en la que se dejó notar mucho más la fuerte personalidad de Oliver Stone.

De hecho, podemos encontrar muchos lugares comunes entre los personajes de “True Romance”, “Natural Born Killers” y “Pulp Fiction”, pero es evidente —-desde mi punto de vista—- que cuando Quentin Tarantino sabe dotar a sus personajes de una dimensión psicológica más allá de verosimilitud y ubicación temporal, Tony Scott se queda en una superficialidad banal y vulgar, siendo capaz Oliver Stone de aportar una ironía que hace más fáciles de dirigir a unos personajes que aunque nos caigan simpáticos, son unos auténticos desalmados y descerebrados.

También en la banda sonora podemos encontrar una similitud a la hora de confeccionar un abanico de influencias y referencias en las que vuelve a destacar la capacidad de Tarantino, quedando a la altura la selección de la película de Stone, pero fracasando nuevamente la película de Scott, en la que se evidencia los gustos de un rockero de la tercera edad, en poca armonía con sus jóvenes protagonistas.

Sí se acusa con más facilidad, no sólo en la banda sonora, sino tembién en la estética de las tres películas la fuerte influencia de David Lynch, que estrenara apenas unos años antes su “Wild at Heart” con una ecléctica banda sonora capaz de aglutinar la dureza del heavy metal con la dulzura de Chris Isaak, aportando blues, jazz y las composiciones más clásicas, aunque muy contemporáneas, de Richard Strauss, Krzysztof Penderecki y Angelo Badalamenti.

No sé si es responsabilidad de Tony Scott o de Hans Zimmer, responsable de la banda sonora original, pero el caso es que algunos de los temas originales hacen alusión a otra banda sonora que también se puede considerar referente de las de los otros tres cineastas. Me refiero a la ópera prima de Terrence Malick, “Badlands”, en la que se interpretan las piezas de Erik Satie y Carl Orff al xilófono.

Lo cierto es que también se incluye el famoso tema de Deibes, que apareciera en “The Hunger”, por lo que me inclino a afirmar que la confección de tan rancia y hortera selección que incluye temas de Charlie Sexton, John Waite, Nymphomania, Shelby Lynne y Robert Palmer con los de Soundgarden, Delibes y Chris Isaak debe ser cosa de Tony Scott.

La verdad es que parece producirse un curioso diálogo entre todos estos cineastas pues en “True Romance”, además de Denis Hopper que aparecía en “True Velvet”, también participan Christopher Walken o Samuel L. Jackson, que veríamos después en “Pulp Fiction”, o Patricia Arquette, que estaría después en “Lost Highway”. También veríamos a Val Kilmer en “Alexander”, aunque esto más parece casualidad que diálogo.

Podría enumerar las secuencias y momentos que me disgustan de la película pero eso no serviría para justificar mi aprensión por la obra de Tony Scott. Aquí se trata más de una cuestión personal con el cineasta pues, qué duda cabe que su película tiene todos los ingredientes para gustarme, aunque no lo consigue. Puede que sea la ausencia de verosimilitud que sí tienen las otras películas, quiero decir que cuando las otras presentan unos personajes verosímiles en situaciones exageradas, aquí sólo veo a unos personajes exagerados en situaciones inverosímiles.

Más adelante intenté acercarme al cineasta en otros productos atractivos, a primera vista, como “The Fan”, “Enemy of the State” o “Domino”, pero esto no hizo más que confirmar mis sospechas de que estaba ante un cineasta que podría calificar como heredero de la vertiente más superficial de los futuristas, que no tenía nada más que aportar a sus películas que una estética trasnochada y un desaforado afán por un estilo basado en el movimiento, llevándome a confesar que a quien no soporto es a Tony Scott.

Retomamos de nuevo la sección de “Secuencias favoritas”, donde hablamos de algunas de las mejores escenas que los editores de Extracine hemos visto y que por lo tanto merecen la pena tomarse unos minutos para analizar detenidamente. Por ahora encontramos una gran variedad de películas dentro de esta sección, desde “Oldboy” hasta “E.T.: The Extra-Terrestrial” pasando por “The Curious Case of Benjamin Button” o “El Día de la Bestia”. Todavía quedan muchas más de las que aún no hemos hablado, puesto que cada uno de nosotros tiene unas cuantas secuencias cinematográficas grabadas en la memoria porque le impresionaron en su primer visionado.

La elección de hoy es una ópera prima, concretamente la del famoso director Quentin Tarantino, “Reservoir Dogs”. Mundialmente conocido por películas como “Pulp Fiction” o “Inglorious Basterds”, no creo que haya nadie que se pueda calificar como cinéfilo y no haya visto alguna de sus obras. Tarantino es el paradigma de esa nueva ola de cineastas que surgieron en los 90 y que cambiaron la forma de concebir el cine, que demostraron que se pueden hacer largometrajes de una manera muy distinta a como se venía haciendo antes, utilizando especialmente el montaje, el guión o la música.

Estoy seguro de que a muchos os ocurrió lo mismo que a mi: no vi su filmografía por orden cronológico sino que antes de ver la película que nos ocupa este artículo, ya había visto otras suyas como “Pulp Fiction”, un visionado obligado para cualquiera, guste o no guste. Sin embargo, en su segundo largo como director fue donde sacó todo su arsenal: volcó todas sus ideas cinematográficas y supo condensarlas en las dos horas y media que tiene de metraje.

A pesar de esto, en su ópera prima ya podíamos encontrar alguno de estos elementos que harían tan características a sus películas, especialmente los incisivos diálogos. La primera escena de la película, donde el grupo de gangsters hablan sobre Madonna y sobre dejar propinas a las camareras es toda una declaración de intenciones. Hay que tener en cuenta que, tomándolo como algo físico dentro de su filmografía, esta escena era la primera de su primera película, una especie de carta de presentación que le marcaría durante toda su trayectoria, que comienza con conversaciones banales pero a la vez muy bien escritas.

Sin embargo no es de esta escena de la que pretendo hablar, sino de otra más famosa si cabe: la tortura que Mr. Blonde lleva a cabo con el policía al ritmo del Stuck In The Middle With You de Stealers Wheel. La película nos habla de una banda de criminales que planean robar unos diamantes, acto que sale mal y tienen que enfrentarse a la policía. Tras este hecho, que se omite, poco a poco van llegando todos al almacén donde debían reunirse tras el robo, pero uno de ellos lleva a uno de los policías que han tomado parte en el tiroteo y le dejan a solas con el más sádico del grupo, Mr. Blonde. Esto es lo que ocurre:

Mr. Blonde está interpretado por Michael Madsen, un habitual de Tarantino que también apareció en las dos partes de “Kill Bill”, mientras que el desafortunado policía está interpretado por Kirk Baltz. Al principio se le da una gran importancia a un hecho aparentemente banal como es poner la radio, y sobre todo un programa en concreto, que a Mr. Blonde le gusta especialmente. Hasta ahí no ocurre nada, hasta que comienza la canción de Stealers Wheel, donde el gangster se anima y comienza a bailar al ritmo de la música, delante del policia, navaja en mano.

Su sadismo comienza a hacerse patente cuando da el primer corte en la mejilla al policía, y alcanza las cotas más altas cuando se sienta encima de él y le rebana la oreja derecha. Aquí es donde lleva el momento cumbre de la escena, lo que la hace verdaderamente especial, puesto que Tarantino, después de toda la violencia gratuita que nos ha mostrado hasta el momento, aparta la cámara y nos muestra una insignificante puerta, mientras de fondo escuchamos los gritos de dolor del policía mezclados con la música. Entonces es Mr. Blonde el que se mete en el plano y comienza a jugar con la oreja mutilada.

¿Por qué movió la cámara Tarantino? Es un hecho perfectamente meditado y estudiado, que pretende jugar con el espectador. Lo hace porque sabe que, por mucho que critiquemos la forma en la que muestra la violencia en sus películas, es lo que queremos ver, y al mover el plano y dejarnos sólo el sonido, deseamos ver cómo Mr. Blonde lleva a cabo su trabajo. Además, por si cabe alguna duda, encima de la puerta que nos muestra hay un mensaje muy explícito: “Watch your head” —vigila tu cabeza—, que está allí por la baja altura del vano pero que, si lo extrapolamos y aplicamos al uso que quiere dar Tarantino de la frase, sería algo como que cuidemos nuestra forma de pensar porque en ese momento estamos deseando ver algo horrible, que él no nos muestra, pero que finalmente queremos ver.

A partir de aquí sigue la tortura del policía y la posterior muerte de Mr. Blonde a manos de uno de sus compañeros —Tim Roth— que, atención spoilers, en verdad era un policía infiltrado. Sin embargo, lo verdaderamente interesante y que quería analizar aquí es cómo usa Tarantino el espacio cinematográfico, y concretamente ese movimiento de cámara, que de una manera aparentemente tan simple conlleva reflexiones tan profundas. Él ya sabía que se le iba a criticar por mostrar de manera tan gratuita esta violencia en su ópera prima, por lo que se guardó las espaldas y nos dejó ese movimiento para que veamos que en realidad es el espectador el que quiere verlo, el cineasta sólo se lo muestra.

Fotos: Mumbo-Jumbo & Joblo

La película de Xavier Beauvois que obtuviera el Premio Especial del Jurado en el pasado Festival de Cannes, partía como favorita con once nominaciones, aunque sólo se materializaran tres de ellas: Película, Fotografía y Actor Secundario, que reconocía la labor de Michael Lonsdale. Pensando en las elecciones presidenciales de Francia, que tendrán lugar en 2012, el director de la cinta aprovecho su discurso de agradecimiento para solicitar una mayor apertura hacia los musulmanes, tal y como refleja El Economista:

No quiero que la gente diga cosas malas sobre los musulmanes en la próxima campaña electoral. Quiero que nosotros estemos junto a aellos, ése es el mensaje de la película.

Sin embargo, la ganadora de la noche fue “The Ghost Writer” con cuatro César, que ya arrasara en los premios del cine europeo, y que se llevó los premios correspondientes a la banda sonora, para Alexandre Desplat, el montaje, para Hervé de Luze, su guión, para Robert Harris y Roman Polanski, y su dirección, también para Roman Polanski que si comenzara el pasado año recibiendo el Oso de Palta al Mejor Director, recordó haber terminado su película cuando estaba “en la cárcel”.

La sorpresa de la noche la dio “Gainsbourg (Vie héroïque)”, la floja película de Joann Sfar, que obtuvo tres galardones entre los que figuran el de Mejor Ópera Prima y Mejor Actor, para Eric Elmosnino, que se impuso a actores consagrados como Lambert Wilson, Gérard Depardieu, Roman Duris y Jacques Gamblin. El premio a la mejor interpretación femenina fue para Sara Forestier por su interpretación en “Le nom des gen”.

La gala tuvo un hueco para el acento hispanoamericano al premiar al actor venezolano Edgar Ramírez como el Mejor Actor Revelación por su interpretación en “Carlos”, la película de Olivier Assayas. No hubo premio para “El secreto de sus ojos”, que estaba nominada como Mejor Película Extranjera, siendo la galardonada la estadounidense “The Social Network”.

Además del homenaje en forma de silla vacía al cineasta iraní encarcelado, Jafar Panahi, el César de Honor fue a parar a manos de Quentin Tarantino que agradeció un premio que provenía, según sus palabras “del país que más respeta al cine del mundo”.

Fotos: 20 Minutos

Empire Online parece ser uno de esos sitios en donde los editores se rompen la cabeza con el objetivo de poder clasificar, frente a cualquier evento nuevo, una serie de injusticias en un cómodo ranking para que todos la puedan disfrutar. Y qué mejor circunstancia que los premios que siempren dejan poco conformes a la mayoría de los seres humanos interesados por el séptimo arte: hablamos nada más ni nada menos que de los premios Oscar, a entregarse este mismísimo fin de semana. Como para tener presente la polémica que seguramente se dará entre un premio inesperado y otro, vale la pena tener en cuenta una serie de injusticias que han hecho que tanto la ceremonia como todos los sucesos posteriores quedaran atravesadas por la ignominia y el oprobio: revisemos apenas diez premios no tan merecidos como para hacer un poco de memoria y ofendernos retrospectivamente.

10. “Brokeback Mountain” (2005) Vs. “Crash” (2004)

Esta es una de las instancias más raras de los premios: todo el mundo sabe que, pese a que “Crash” se alzó con el premio a mejor película, la cinta que había cautivado la atención tanto de la prensa como del público era nada más ni nada menos que la ahora mítica “Brokeback Mountain”, cinta que supo explorar uno de los tópicos que quedaban para la vida de los vaqueros con elegancia y atractivo masivo, tal como lo demostró el hecho de haber instalado una discusión legítima dentro de la opinión pública. Veremos qué sucede con esta cinta con el paso del tiempo, pero huelga decir que como mínimo el premio se lo merecía la primera sobre la segunda.

9. “Singin’ In The Rain” (1952) Vs. “The Greatest Show On Earth” (1952)

Ven, esto es increíble: “The Greatest Show On Earth” pudo haber estado muy buena para su tiempo, pudo haber demostrado qué se podía llegar a hacer en el cine de su tiempo y demás, pero… ¿”Singin’ In The Rain” no ganó el premio a Mejor Película de su tiempo? ¿De verdad? ¿Estamos hablando de una de las películas qeu estructuró la manera de hacer cine, instaló con fuerza el género de musical dentro de lo que es el cine, ofreció un espectáculo audiovisual que aún en nuestros días sigue generando consecuencias? Bueno, este es un claro ejemplo de injusticia.

8. John Cazale Vs. George Burns

John Cazale es uno de los actores más trascendentes de su generación, sin lugar a dudas, pese a que tuvo una corta participación como actor cinematográfico debido a su joven deceso, víctima del cáncer. “Dog Day Afternoon” (1975) fue una de esas cintas polémicas que también, al estilo de “Brokeback Mountain”, supieron instalar en su momento una polémica que hasta el día de hoy tienen una fuerte influencia en más de una discusión referente a temas tan complejos como los límites de la ley y su problemática aplicación a casos concretos, con personas efectivas sufriendo serios problemas personales, además de toda la distancia real con respecto a lo que fue planificado como un golpe maestro y el terrible desenlace de la situación. No puedo decir que “The Sunshine Boys” (1975) y Burns fueron tan mala elección, pero hay que sopesar retrospectivamente el peso que tiene una producción sobre la audiencia antes que por el cariño de ciertas figuras. Aunque, en el caso de Cazale, personalmente, se junten las dos cosas.

7. Robert Zemeckis Vs. Quentin Tarantino

“Forrest Gump” (1994) es una digna merecedora de todos los premios que se llevó allá por el año 1994, pero claro, el problema en el rubro del Mejor Director es una constante: Zemeckis realizó una labor más que digna, el tema es que Tarantino, en algún punto, lo superó al proporcionar una de las películas básicas para cualquier admirador del Séptimo Arte: “Pulp Fiction” (1994) es un trabajo que cualquiera envidiaría, y el paso del tiempo nos dirá qué queda de cada uno de estos contrincantes, además de cómo se lee el hecho de que uno se haya llevado la estatuilla y el otro no.

6. Steven Spielberg Vs. Warren Beatty

Bueno, acá sí que estamos frente a un caso un poco más definido que el punto anterior: “Raiders of the Lost Ark” (1981) es un trabajo cuya vigencia no se ha visto para nada alterada con el paso del tiempo, mientras que no podemos decir lo mismo de “Reds” (1981) de Beatty: ¿cuál de los dos trabajos como directores tendría que haberse premiado en esta contienda? Es claro que el de Spielberg, pese a que lograría alzarse con el muñequito dorado en el año 1993 con “The Schindler´s List”.

5. Stanley Kubrick Vs. Carol Reed

“2001: A Space Oddissey” (1968) es una película excepcional por donde la miremos, y Kubrick ha sido un director de esos pocos que existen, sin lugar a dudas, dejando una huella imposible de olvidar en la producción cinematográfica occidental. Ahora bien: “Oliver!” (1968) le permitió a Reed alzarse con el premio por una producción de la cual dudo mucho se vaya a hablar con tanta insistencia como la película que inició el género de los viajes espaciales y la ciencia ficción repensada cinco años después del primer alunizaje: es claro que el premio fue inustamente otorgado, y que Kubrick nunca, nunca constituyó uno de los nombres favoritos de la crítica.

4. Alfred Hitchcock Vs. Vincente Minelli

“Vertigo” (1958) es casi todo lo que una película debe ser: ¿podemos decir lo mismo de “Gigi” (1958)? Es claro que Hitchock se merece este premio y muchísimos más, tanto en vida como post-mortem —- más de un reconocimiento se le otorga en cada producción cinematográfica posterior a su labor —-; se sigue sin entender cómo pudo alzarse Minelli con un premio que a todas luces pertenecía al maestro inglés.

3. Francis Ford Coppola Vs. Robert Benton

Si hay una película con altas pretensiones que logra conquistar asombrosamente, esa cinta sin lugar a dudas es “Apocalypse Now” (1979), película que perdió en términos de Mejor Dirección frente a otro gran trabajo, “Kramer Vs. Kramer” (1979), pero que no constituye esa especie de monumento a la cinematografía que es el trabajo de Coppola: una cruda crítica tanto a la guerra de Vietnam como a Occidente, un viaje de transformación en donde se encuentran capas y capas de denso trabajo artístico: eso, mis muy queridos, es más que un breve reconocimiento a un trabajo monumental que no se alzó con la estatuilla que correspondía.

2. Martin Scorsese Vs. Robert Redford

Esta es una de las injusticias más grandes de los premios Oscar, sin lugar a dudas: “Raging Bull” (1980) es una obra con todas las letras, completísima, eclipsante, nueva, diferente; no creo que se pueda decir lo mismo de “Ordinary People” de Redford, pero creo que este premio mal otorgado está en la misma línea que la falta de reconocimiento que en su tiempo se presentaba como constante para toda esta nueva generación de directores, como Scorsese, Coppola y Spielberg: es un cine con una figura de director nueva y fuerte frente a un tipo de trabajo que apunta más al lado del director de teatro, quiero decir, el director de actores: dos modelos de cine circunstancialmente enfrentados.

1. “How Green Was My Valley” (1941) Vs. “Citizen Kane” (1941)

Aquí se ubica una de esas injusticas complejas pero que vale la pena mencionar: Orson Welles es uno de los directores que formó el cine Occidental, así, sin más palabras: es un básico, es la línea por la cual todo otro director debe medirse, ya sea en trabajo técnico o actoral, dando uno de los mayores mitos de la producción artística de este lado del mapa, nada menos que “Citizen Kane”. El problema es que casi lo mismo se puede decir de John Ford, por lo que el premio que ganó en su momento no es tan injusto como todos los otros que hemos repasado: sin embargo, quiero rescatar aquí que sin lugar a dudas la Mejor Película no sólo de ese año, sino del siglo, otra vez, la película fundadora de una manera de contar, es la de Welles y no tanto la de Ford… Aquí, mis amigos, estamos frente a una complicada contienda de box que sólo puede ganarse por puntos.

Apenas un breve listado para invitarlos a ver alguna de las películas mencionadas para que saquen sus propias conclusiones. Este domingo tendremos seguramente nuevas instancias para preocuparnos y, esperemos, ningún nombre nuevo a la lista de los infames galardones entregados.

Revisar la filmografía de Kevin Smith, en especial aquella en la que trabaja con los personajes de ese universo particular conocido con el nombre de View Askewniverse, es también revisar la producción de cine indie norteamericana de comienzos de los noventa hasta la actualidad, es tratar por la parte más interesante el derrotero particular de este tipo de industrias, desde casi su surgimiento —- aunque tal frase es una exageración: ha habido cine independiente desde hace muchos años, el tema es reconocer qué períodos particulares de ese “cine independiente” pueden distinguirse, cómo funcionan y bajo que ideas rectoras se mueven —- hasta la actualidad, en el que un nuevo cine toma la posta de lo “alternativo”, de lo que se produce con poco dinero y de repente revoluciona el mercado, de lo que trabaja temáticas que se alejan bastante de lo que la industria mayor considera como temas posibles de las cintas, etc. A lo largo de esta semana, hablaremos de cada una de las películas que componen este ciclo con el objetivo de volver sobre una “serie” y, como “Clerks” (1994), pintar un mundo para hablar del mundo, en definitiva, para hablar del cine.

¿Qué hay, qué hubo, qué habrá siempre en Kevin Smith como para que volvamos a él a la hora de hablar del cine independiente? La cinta que da el puntapié inicial a todo esto, “Clerks”, es uno de esos trabajos en donde vemos contenidos todo lo que vendrá después, incluyendo la secuela del año 2006, “Clerks II” (2006), una suerte de opus crepuscular en donde el director le dice adiós a todo un mundo que tanto, tanto esfuerzo le ha costado crear con el objetivo de dar un paso más en su tarea estética: las búsquedas personales, como se sabe, hacen no solamente un estilo, sino la parte más interesante de una obra.

La película se concentra en un día de trabajo en la vida de Dante y Randall, dos empleados en uno de esos “Quick Supermarkets” abiertos hasta altas horas de la noche en donde uno puede conseguir cualquier cosa que necesite —- aunque la idea central con respecto a los productos que se pueden conseguir en esa tienda, si nos guiamos por lo que se muestra en esta primera película, son cigarrillos y leche —-. Ambos tienen alrededor de 22 años, compañeros de la “High School”, consiguieron un trabajo juntos, y mientras Dante es el responsable detrás del mostrador del “Quick Stop”, Randall se encarga del local de renta de videos. El primero es alguien preocupado, culposo, que todavía no puede tomar una decisión determinante en su vida amorosa y que siempre se ve perseguido por los fantasmas del fracaso, fantasmas que le han impedido terminar estudios en un nivel más alto y que también lo mantienen cautivo de un trabajo que sabe que aborrece, pero que no puede abandonar: típica vida de un joven de la “Generation-X”, tipo de personaje que después podremos ver repetido en proyectos de directores que también se iniciaron con el fin de mostrar las características del universo que los rodeaba, como se puede ver en “Reality Bites” de Ben Stiller, película también del mismo año. Mientras Dante permanece en ese círculo de obsesiones personales de difícil abandono, Randall es, por el contrario, una persona que acepta esa vida abiertamente, que siente que no hay nada mejor, nada que valga tanto la pena como pasarse el día maltratando a la caterva de extraños clientes que visitan su local, mofándose del pasado reciente y concentrándose en detalles menores que van a ser la clave inaugurada en los guiones por parte de esta generación —- Smith, pero también Quentin Tarantino, que ya había sorprendido con “Reservoir Dogs” (1992) y que iba a sorprender aún más con “Pulp Fiction” (1994) —-: la clave está en escribir una buena serie de diálogos y armar una estructura narrativa que pueda permitir que estos diálogos se combinen, se vayan dando en una secuencia coherente que pueda atrapar al espectador. No por nada el mismo Smith reconoce que lo único que él sabe hacer es escribir diálogos.

Mundo de frustraciones de personajes jóvenes, trabajos mediocres que no ofrecen ninguna oportunidad efectiva en el mundo laboral —- problema que tiene que ver también con el fin de las presidencias republicanas y el saldo constante que dejan: crisis económica y laboral —-, relaciones complejas en las cuales no existen respuestas definitivas: Smith logra en “Clerks”, con una producción de escaso dinero, retratar su mundo más inmediato —- él trabajo en el mismo lugar que podemos ver en la pantalla: la vida real como set de filmación —- para hablar de toda una forma de hacer cine, de todo un universo de cosas que constituyen un momento particular del mundo, si se quiere, y que por ese carácter mínimo puede hablar de temas universales, tal como lo demuestra el clip que les dejamos más abajo para que vean, la famosa escena de las “Jedi Politics”. Pero claro, este es sólo el comienzo: las frustraciones y trabas en la vida explotarán luego en “Mallrats” (1995), mientras que las complejidades del mundo amoroso harán su particular aparición en la imprescindible “Chasing Amy” (1997), pero esos ya son temas de venideros artículos: los espero mañana para continuar con este repaso.

Foto: Blog Terra

Siempre es bienvenido el hecho de conocer nuevos festivales que realicen una apuesta casi exclusiva sobre la producción latinoamericana, provenga de donde provenga dentro del continente, pero considerando siempre que esas mismas producciones, de una manera u otra, van a estar trabajando sobre la particular realidad de este continente. No apoyamos aquí una teoría mimética, para nada: hablar de un lugar, ponerlo en juego dentro de la práctica artística que sea, no implica hacer referencias exclusivas a tal o cual ambiente, sino sencillamente “hacer”, “producir”.

Lo dijimos más de una vez, pero como la noción de modernidad, se es latinoamericano por fatalidad, no por elección. El Festival Internacional de Cine de Morelia nació hace ocho años con el objetivo de impulsar la producción cinematográfica mexicana, pero con el tiempo se ha ganado un lugar como un festival digno a tener en cuenta para cualquier producción que haga el obligatorio recorrido por este tipo de eventos no sólo para obtener la opinión del público, sino también para buscar distribuidores que lleven la producción mejicana a diversas partes del mundo.

El año pasado contábamos algunas cosas acerca de la 7ma edición del festival: la presencia de Quentin Tarantino y de Terry Gilliam, quienes presentaron bajo este marco trabajos como “Inglorious Basterds” (2009) y “The Imaginarium of Doctor Parnassus” (2009), era una de las novedades más importantes que, afortunadamente, pudieron repetirse este año. De más está decirlo, la circulación de premios a producciones en diferentes formatos tanto del ámbito mexicano como los estrictamente producidos en Michoacán han sido el punto de interés de las diversas jornadas.

¿Quiénes llamaron la atención de la prensa especializada presente en el evento? Según Indie Wire y, para ser más específicos, desde la perspectiva del periodista Howard Feinstein, uno de los pocos largometrajes que realmente valieron la pena fue el realizado por el director Sebastian Hiriart, “A Tiro de Piedra”, un filme que descansa su mirada en la vida particular de un “mojado” —- ya saben: el término que se usa para hablar de los migrantes mexicanos que cruzan la frontera, ya sea de USA o de cualquier otro país, migrantes que no siguen el camino de lo legal y represivamente establecido y se juegan la vida para poder tener una oportunidad. En la película de Hiriart, la idea es concentrarse en la vida de un adolescente que, por probar este tipo de experiencia, entra a la adultez de la noche a la mañana, crece de golpe, digamos. La idea es clara: utilizar una situación política particular para después explotarla como pretexto para hablar de otra cosa. Grandes loas se ha llevado su protagonista, Gabino Rodríguez.

Con este filme como saldo para la prensa internacional —- o, al menos, uno de sus miembros —-, el Festival Internacional de Cine de Morelia vuelve a cerrar exitosamente otra jornada de filmes, muestras, seminarios, clases… Todas esas cosas que alegran el alma, vieron.

Vía: Indie Wire / Morelia IFF Official Web Page | Foto: San Sebastián Film Festival

Ayer martes, el cuerpo sin vida de Sally Menke, montadora de todas las películas de Quentin Tarantino, fue hallado al fondo de un barranco en Los Ángeles.

Sus propios conocidos fueron quienes alertaron a la policía al percatarse de la ausencia de la editora, quien no volvió a casa tras haber salido a pasear con su perro. Su coche fue encontrado cerrado en el aparcamiento de Griffith Park. Su perro, un labrador retriever estaba sentado al lado del cadáver. Hasta la fecha no se ha dado ninguna causa de la muerte, aunque no se descarta que pueda estar relacionada con la fuerte ola de calor que azota California. Deja marido y dos hijos.

Si tenemos en cuenta que cualquier película pasa por tres procesos de reestructuración, primero en la fase de preproducción con las diferentes versiones con las que pueda trabajar el guionista, después en la fase de rodaje con los cambios que se puedan efectuar por parte del director, y por último en la posproducción cuando la película llega a la mesa de montaje, podríamos decir que Quentin Tarantino ha perdido la tercera parte de su proceso creativo, pues si en casi todas sus películas él ha sido el guionista y el director, Sally Menke ha sido la montadora de todas sus películas, desde “Reservoir Dogs” hasta “Inglourious Basterds”, habiendo sido nominada al Oscar al Mejor Montaje por esta última y por “Pulp Fiction”.

Tras un primer contacto con el medio cinematográfico a comienzos de los años ochenta con “Cold Feet”, sería en los años noventa cuando comienza a desarrollar su labor profesional en títulos como “Teenage Mutant Ninja Turtles” o “The Search for Signs of Inteligent Life in the Universe”, para iniciar inmediatamente su colaboración con el cineasta de Tennessee.

Posteriormente colaboraría con Oliver Stone en “Heaven & Earth”, director al que, curiosamente, Quentin Tarantino se enfrentaría públicamente por negarse a devolverle los derechos de “Natural Born Killers”. Tarantino había vendido su guión antes de realizar su ópera prima y ante la imposibilidad de encontrar financiación para hacerlo él mismo en esos momentos. Tras su éxito internacional quiso recuperar su guión, pero se encontró con que la productora lo había vendido a Oliver Stone, quien finalmente lo llevó a la gran pantalla el mismo año que él realizaba “Pulp Fiction”.

Después del segmento dirigido por Tarantino en “Four Rooms”, Sally edita la película de Lee Tamhori, “Mulholland Falls”, involucrándose después de “Jackie Brown” en un proyecto en el que también fue productora ejecutiva “All the Pretty Horses”, trabajando con Billy Bob Thorton nuevamente en “Daddy and Them”.

A continuación se involucra, uno tras otro, en los proyectos de su director fetiche: “Kill Bill: Vol.1”, “Kill Bill: Vol.2”, “Death Proof” e “Inglourious Basterds”, siendo “Peacock”, la ópera prima de Michael Lander, la última película en la que ha trabajado.

De todas las colaboraciones que se forman en el mundo cinematográfico, la que establece un director con el responsable del montaje suele ser una de las parejas más sólidas y longevas, tal y como pueden atestiguar las formadas por Francis Ford Coppola/Walter Munch, Martin Scorsese/Thelma Schoonmaker, Fernando Trueba/Carmen Frías o David Lynch/Mary Sweeney. Por lo que no debería extrañarnos que estuviésemos en una antes y un después de la filmografía de Quentin Tarantino, dada la relevancia que el montaje tiene en su cinematografía.

También es interesante resaltar que es una industria, como la cinematográfica, dominada mayoritariamente por el sexo masculino, el porcentaje de mujeres que se dedican al montaje es uno de los más altos dentro de las diferentes disciplinas que intervienen en el proceso creativo cinematográfico. Quizás sea por esa cualidad femenina para poner orden en el caos.

Vía: Los Angeles Times | Fotos: Editor Under Construction IMP Awards

Las películas de artes marciales vuelven a estar de moda. Tras el remake de “The Karate Kid”, ahora es todo un oscarizado actor como Russell Crowe el que promete convertirse en todo un especialista del Kung-Fu.

Crowe protagonizará “The Man with the Iron Fist” un film de artes marciales en toda regla que supondrá el debut detrás de las cámaras del rapero y actor RZA, al que hemos podido ver en películas como “Funny People” o “American Gangster”. El rapero se ha rodeado de auténticos pesos pesados de cierto sector de Hollywood para su debut: El guión lo escribirá él mismo junto a Eli Roth, quién también producirá el film junto a su amigo Quentin Tarantino. RZA describe así el papel de Crowe:

“No quiero estropear la noticia, pero Russell será el hombre más malo y desagradable que existe. Estará en plena forma para el combate, y te noqueará”

El australiano y el rapero ya coincidieron en “American Gangster”, donde se hicieron grandes amigos, y volverán a compartir plano en “The Next Three Days”, lo próximo de Paul Haggis. Queda por ver si el resultado de “The Man With the Iron Fist” está mas cercano a “Kill Bill” o a las películas de artes marciales de finales de los noventa, aquellas que tuvieron como estandarte a dos “grandes actores” como Steven Seagal y Jean Claude Van Damme.
Vía: Europa Press Foto: Jempp

Este sábado terminó la Biennale de Venecia 2010 que trajo grandes sorpresas para todos los cinéfilos al anunciar sus ganadores de este año. Con un jurado más que interesante, el festival premió a “Somewhere” de Sofía Coppola como mejor filme; mientras que Álex de la Iglesia fue galardonado como mejor director y mejor guión por “Balada Triste de trompeta”.

“Somewhere” de la directora Sofía Coppola fue presentado mundialmente en la Mostra y ya se lleva a casa el León de Oro por mejor filme. Este es el segundo premio que la hija de Francis Ford Coppola obtiene en Venecia, el primero fue el Premio Lina Mangiacapre por “Lost in Translation” en 2003, filme por el que también ganó un Oscar como mejor guión original. Sofia es una realizadora de alta performance que está logrando cada día posicionarse mejor en la industria y de la mejor manera. Para ella: ¡un aplauso!

Mientras que el español Álex de la Iglesia fue el otro gran ganador, obteniendo el León de Plata por su trabajo como director de “Balada Triste de trompeta” y el Premio Osella como mejor guión. La historia en tono comedia grotesca —- estilo característico del cineasta—- sobre el Franquismo y la división de España luego de la Guerra Civil parece ser que fue lo que más atrajo al jurado de notables integrado por Quentín Tarantino como presidente; Guillermo Arriaga; Ingeborga Dapkunaite; Arnaud Desplechin; Danny Elfman; Luca Guadagnino y Gabriele Salvatores.

Pero esto no es todo, el Premio Especial del Jurado fue para “Essential Killing” de Jerzy Skolimowski —- Polonia, Noruega, Hungría, Irlanda —-. El filme está protagonizado por Vicent Gallo, quien ganó el Premio Coppa Volpi como mejor actor, mientras que a mejor actriz se lo llevó Ariane Labed por la cinta griega “Attenberg” de Athina Rachel Tsangari. Gallo participó del festival por partida triple como actor en la obra de Skolimowski, como director de un largo “Promises Written In Water” que competía en la sección oficial y con el corto “The Agent” que formaba parte de la sección Orizzonti sobre nuevas tendencias en el cine.

La Mostra en su sexagésima séptima edición ha tenido, como cada año, títulos más que interesantes y grandes decepciones. “Black Swan” de Darren Aronofsky era una fuerte candidata, que lamentablemente lo único que obtuvó fue el Premio Marcello Mastroianni como mejor actriz joven para Mila Kunis. Natalie Portman otra gran favorita por su trabajo en este filme quedó también eliminada.

Otra gran decepción, fue la presentación de la adaptación del libro de Huraki Murakami “Noruwei no mori (Norwegian Wood)”. La película de Tran Anh Hung tuvo malas críticas en su presentación, considerándose que no estaba a la altura de la obra del escritor japonés porque descontextualiza el argumento del famoso libro y no logra transmitir las sensaciones que tiene su personaje Watanabe. Al parecer una obra que no se logro entender o que la expectativa creada termino por generar efecto negativo.

Obviamente tras la entrega de los premios comienzan los rumores de favoritismo por parte del jurado —- principalmente del presidente Quentin Tarantino —-. ¿Por qué? se preguntarán. Pues bien, el director de “Inglourious Basterds” ha sido novio de Sofia Coppola; porque Monte Hellman —- productor del filme de Tarantino “Reservoir Dogs” —- ganó el León Especial a la Trayectoria; o porque De la Iglesia es su amigo desde hace muchos años. El mayor acusado sólo argumentó que los comentarios son inapropiados y que el voto por “Somewhere” ha sido unánime, no teniendo él relación con el resto de los jurados. ¡Complicado lo tuyo Quentin!

Aquí la lista de los ganadores:

• León de Oro por mejor filme: “Somewhere” por Sofía Coppola (Estados Unidos)
  - León de Plata por Mejor Director: Álex de la Iglesia por “Balada Triste de Trompeta” (España - Francia)
• Premio Especial del Jurado a “Essential Killing” de Jerzy Skolimowski (Polonia, Noruega, Hungría e Irlanda)
• Coppa Volpi por Mejor actor a Vincent Gallo por el filme “Essential Killing” de Jerzy Skolimowski.
• Coppa Volpi por Mejor actriz a Ariane Labed por el filme “Attenberg” de Athina Rachel Tsangari (Grecia).
• Premio Marcello Mastroianni por Mejor Actriz Joven para Mila Kunis por el filme “Black Swan” de Darren Aranofsky (Estados Unidos).
• Premio Osella para Mejor Cinematografía a Mikhail Krichman por el filme “Silent Souls” de Aleksei Fedorchenlo (Russia).
• Premio Osella para Mejor Guión a Álex de la Iglesia por el filme “Balada triste de trompeta” de Álex de la Iglesia (España - Francia)
• León Especial a la trayectoria a Monte Hellman

Y para terminar, les comentó las estadísticas finales de este Festival de Cine para entender la magnitud del evento. Se proyectaron entre las 4 secciones oficiales: 86 filmes —- 82 de estreno mundial y 4 de estreno internacional —-. En la sección Venezia 67 —- la competencia más importante —- participaban 24 filmes todos con estreno mundial; en Fuera de Concurso 29 filmes con 26 de estreno mundial; en Orizzonti 21 largometrajes de estreno mundial y en Contracampo Italiano 12 largos todos de estreno mundial. 102 países fueron representados con sus películas, el total de proyecciones es de 4251 con un total de 2395 filmes, 416 mediometrajes y 1440 cortometrajes. Los números son más que interesantes y por sobre todo superadores del año 2009. ¡Felicitaciones!

Foto: ABC - Labiennale

La mirada que hicimos sobre el jurado del último Festival de Cannes, ciertamente nos proporcionó algunas claves bastante certeras para predecir su palmarés. Proponemosuna mirada al juradode la 67ª edición del Festival de Venecia, a cuatro días para que se conozcan los premiados de entre las 23 propuestas en las diferentes categorías, que incluyen:

1. León de Oro a la Mejor Película
2. León de Plata al Mejor Director
3. Premio Especial del Jurado
4. Copa Volpi al Mejor Actor
5. Copa Volpi a la Mejor Actriz
6. Premio Marcello Mastroianni al Mejor Joven Talento (masculino o femenino)
7. Osella a la Mejor Contribución Técnica
8. Osella al Mejor Guión

Por riguroso orden alfabético y dejando al polémico presidente del jurado para el final, nos encontramos con figuras tan interesantes como:

• Guillermo Arriaga, escritor mexicano considerado uno de los más influyentes escritores latinoamericanos —-sus novelas más conocidas incluyen El búfalo de la noche, Un dulce olor a muerte, Y Escuadrón Guillotina—- y guionista de los aclamados filmes de Alejandro González Iñárritu, “Amores perros”, “21 gramms” y “Babel”, realiza su debut en la dirección cinematográfica con “The Burning Plain”, que estuvo en competición en 2008 en Venecia. Desconozco la obra de Pablo Larraín, pero juraría que no debe interesarle gran cosa lo que Álex de la Iglesia pueda contarle, por lo que es previsible que el voto del mexicano será bastante imparcial y no se incline por el cine hispanoamericano, a no ser que lo merezca realmente.

• Ingeborga Dapkunaite, una de las mejores actrices de la Unión Soviética que gracias a su trabajo tanto en el teatro como en la gran pantalla, que incluye “Utomlyonnye solntsem (Burn by the Sun)” o “Moskva (Moscow)”, le ha llevado a trabajar a menudo en producciones internacionales como “Mission: Impossible” o “Seven Years in Tibet”.

• Arnaud Desplechin, guionista y director francés, considerado uno de los auténticos herederos de la nouvelle vague, cineasta recurrente en competición en Cannes y en Venecia donde estuviera en 2004 con la multipremiada “Rois et Reine”, volviendo al Lido en 2007 con su documental “L’Aimée”.

• Danny Elfman, músico y compositor norteamericano, conocido en los años setenta por pertenecer a la banda Mystic Knights of Oingo-Bongo, y en los años ochenta al convertirse en uno de los más aclamados compositores de bandas sonoras de su generación, sesenta partituras para cine acreditadas. Particularmente es el autor de la mayoría de las bandas sonoras de las películas de Tim Burton, siendo además la voz de Jack Skellington en “The Nightmare Before Christmas”.

• Luca Guadagnino, uno de los jóvenes cineastas italianos más reconocidos, asociado al Festival de Venecia desde su debut con “The Protagonists” (1999), y volviendo al Lido en tres ocasiones, haciéndolo el último año con la extraordinaria “Io sonó l’amore”, que sigue cosechando premios y ampliando fronteras.

• Gavriele Salvatore, cineasta italiano ganador del Oscar a la Mejor película de habla no inglesa en 1991 por “Mediterraneo”. Actualmente disfruta del éxito de la comedia coral con la que ha conquistado a público y crítica en Italia y lso estados Unidos: “Happy Family”.

• “Quentin Tarantino”, presidente del jurado, actor, guionista, productor y director de filmes tan conocidos como “Reservoir Dogs”, “Pulp Fiction” —-premiada con la Palama de Oro en Cannes—-, “Jackie Brown”, los dos volúmenes de “Kill Bill” o la más reciente “Iglourious Basterds”. En el caso del controvertido cineasta la polémica está servida pues ha sido acusado por la prensa italiana de tener preferencias con sus amigos en competición pues fuera compañero sentimental de Sofia Coppola, colaborador de Monte Hellman en filmes como “Reservoir Dogs”, o por la no disimulada preferencia por un tipo de cine como el que presenta el japonés Miike Takashi.

Es verdad, hay, muchas personas que conozco bien en esta competición, pero mi integridad habla por sí misma.

También es cierto que la prensa italiana debe tenérsela jurada al cineasta de Tennessee, pues hace poco hiciera unas declaraciones en las que aseguraba que el cine italiano actual estaba muerto. Una cosa está clara: Quentin Tarantino siempre será genio y figura hasta la sepultura.

Mostra de Venecia: Sofía Coppola presenta ’Somewhere’

Fotos: Stanze de Cinema Dina View Zimbio Quién

Ayer mismo dio comienzo la 67ª edición del Festival de Venecia que, como ya habíamos adelantado, arrancó con la proyección del último trabajo de Darren Aronofsky, “Black Swan”, quien acudió como invitado estrella, al igual que Robert Rodriguez, del que se presentaba “Machete” fuera de concurso.

Aunque la respuesta a la película protagonizada por Natalie Portman no ha sido unánime, parece ser que ha sido respaldada por la crítica internacional, en la que se destaca el trabajo de la actriz, sobre la que ya se habla para premio. Algo que ya podíamos percibir desde el tráiler.

Finalmente, y como ya indicara Alberto, de las 23 películas que compiten por el León de oro, sólo se escuchará hablar en español en dos de ellas, la última película de Álex de la Iglesia, “Balada triste de trompeta”, y la cinta chilena “Post Mortem”, dirigida por Pablo Larraín.

Aunque tendremos que esperar hasta el 11 de septiembre para saber como se reparten los premios de una edición cuyo jurado está presidido por el inefable Quentin Tarantino, quien estuvo ayer haciendo de las suyas por el Lido con su querido amigo Robert Rodriguez. ¿Cual de entre las siguientes creen que llamará su atención?

• “Attenberg” de Athina Rachel Tsangari
• “Balada trite de trompeta” de Alex de la Iglesia
• “Barney’s Version” de Richard J Lewis
• “Black Swan” de Darren Aronofsky
• “Di renjie zhi tongtian diguo (Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame)” de Tsui Hark
• “Drei” de Tom Tykwer
• “Essential Killing” de Jerzy Skolimowski
• “Happy Few” de Antony Cordier
• “Jûsan-nin no shikaku (Thirteen Assassins)” de Miike Takashi
• “La passione” de Carlo Mazzacurati
• “La pecora nera” de Ascanio Celestini
• “La solitudine dei numeri primi” de Saverio Costanzo
• “Meek’s Cutoff” de Kelly Reichardt
• “Miral” de Julian Schnabel
• “Noi credevamo” de Mario Martone
• “Noruwei no mori (Norwegian Wood)” de Tran Anh Hung
• “Ovsyanki” de Aleksei Fedorchenko
• “Post Mortem” de Pablo Larraín
• “Potiche” de François Ozon
• “Promises Written In Water” de Vincent Gallo
• “Road to Nowhere” de Monte Hellman
• “Somewhere” de Sofia Coppola
• “Venus Noire” de Abdellatif Kechiche

Hoy mismo, puede verse la película de Julian Schnabel y mañana la de Sofia Coppola, cuyo tráiler nos adelantara Diego, que fuera rechazada para entrar en competición en Cannes.

Vía: La Biennale 20 Minutos | Fotos: Las Horas Perdidas

Pues bien, desde aquella aparición se lleva hablando de un spin-off de “Deadpool”, una película propia en la que explotar el personaje. Y no es de extrañar, pues tanto el personaje como su particular narrativa, pueden dar mucho juego en la gran pantalla, principalmente en una versión respetuosa con el cómic. En un principio le ofrecieron a Robert Rodriguez dirigirla, y lógicamente, a Reynolds continuar con el papel.

Pues bien, ésta misma semana hemos conocido que Rodríguez dirigirá una cuarta entrega de la película favorita de sus hijos. Así que “Spy Kids 4” le impedirá rodar “Deadpool”. Por otra parte Ryan Reynolds tiene todas las papeletas para seguir vinculado a “Green Lantern” durante un largo tiempo. Más que probable es la secuela, siempre y cuando la primera funcionase, y casi segura es su participacion en la adaptación de la “Justice League of America”, por lo que Reynolds tendría que decir que “no” a seguir dando vida al mercenario bocazas.

Hay quien dice que le han ofrecido dirigirla a Quentin Tarantino, pero yo no veo a “Tito Quentin” rodando una adaptación de un comic para un gran estudio (aunque me encantaría, y creo que “Deadpool” es material 100% tarantiniano). Así las cosas, parece ser que, al menos en un breve plazo de tiempo, “Deadpool” no se rodará. Y es una lástima, porque la aparición de Reynolds en “Wolverine” no hace justicia al personaje.

Vía: ComicBookMovie Foto: Playstation LifeStyle

Luego de su excelente actuación en el filme de Quentin Tarantino: “Inglourious Basterds” que le valió un Oscar como mejor actor de reparto en la última entrega de premios; Christoph Waltz quiere seguir haciendo de villano.
Se corre el rumor de que será The Lizard en la próxima película de “Spider-Man”, que estará dirigida por Marc Webb —-“(500) Days of Summer“—- y que tiene fecha de estreno el 3 de julio de 2012.

Sony Pictures está tratando de lograr que Waltz acepte, ya que al parecer Michael Fassbender (“300”) era el candidato pero desestimó la oferta por el papel de Magneto, en la secuela de “X-Men: First Class”. Mientras que Andrew Garfield (“The Imaginarium of Doctor Parnassus”) será el nuevo Peter Parker, luego que Tobey Maguire no participará.

Luego de su papel del cazador nazi Hans Landa , todos los últimos roles de Waltz son para caracterizar villanos, como en “The Green Hornet” de Michel Gondry con fecha de estreno el 14 de enero de 2011, o “Water for Elephants” de Francis Lawrence para el 15 de abril o en “The Three Musketeers” de Paul W.S Anderson también programada para la misma fecha.

Al parecer, este reinicio de “Spider-Man”, genera más incertidumbres que certezas. Webb como director no tiene mucha experiencia para un mega proyecto de esta envergadura, más allá de haber dirigido una de las mejores películas del 2009 como “(500) Days of Summer”. Además de contemplar que la imagen del super heroe de Marvel está muy ligada a Maguire, habrá que ver cómo se desarrollará este proyecto luego del éxito obtenido por la saga anterior.

Vía: DigitalSpy | Foto: Sulekha