“Di Di Hollywood”, la película de Bigas Luna sobre el ascenso al estrellato de una actriz española en el mercado estadounidense —-pretendidamente basada en la de Penélope Cruz—-, carece, no sólo del supuesto glamour que parecía querer insinuar en su tráiler, sino de todo sentido y coherencia alguna.

La relación de amor-odio que, personalmente, he mantenido con la carrera cinematográfica de Bigas Luna me ha llevado a apreciar por encima de toda su obra, la que está ligada al productor Pepón Coromina, desde “Bilbao” hasta “Angustia”. Pero con la pérdida de su primer productor, su filmografía deambula hacia una deliberada actitud de autoafirmación de un supuesto estilo personal basado en la obviedad y la vulgaridad que, salvo algunos filmes simpáticos, como “Jamón, jamón”, me aparta de su filmografía hasta que llega “Yo soy la Juani”, una historia obvia y vulgar que casa a la perfección con ese estilo tan directo e inmediato que parece ha seducido al cineasta catalán.

Pero Diana no es Juani —-ni, desde luego, Elsa Pataky es Verónica Echegui—-y, aunque en un principio la idea era continuar la historia donde la dejara Juani, en el momento en que Verónica Echegui rechaza repetir su personaje, Bigas Luna y su guionista, Carmen Chaves Gastado —-la que fuera guionista de la anterior—- debieran haber hecho algo más que esperdigar unos chascarrillos con la intención de relacionar el ascenso estelar de Di Di con Pe, pues no creo que nadie se tome en serio la crítica sobre el meteórico ascenso de Penélope Cruz en el cine de Hollywood, pareciendo más bien una parodia sobre los métodos empleados, precisamente, por la Pataky para alcanzar popularidad, que no una carrera como actriz, que todavía no tiene realmente.

No quiero acabar en la peluquería

La película está repleta de errores, comenzando por la razón que les lleva a escoger a Elsa Pataky que no ha sido por considerarla una gran actriz —-que no lo es—-, sino por ser la mujer que estadísticamente excita a la mayoría de los españoles —-porque guapa, la chica, sí es. Pero igual de aletoria que es la elección principal, lo son muchas de las decisiones que se toman en la película, como la de ir a Miami, que se entendería si fuera cubana, pero parece de Alicante; sobran las secuencias de sexo, no aportan nada, no tienen importancia en el desarrollo de la historia, la infelicidad del personaje parece también una decisión forzada, pues no se muestran los motivos de su depresión; descubrir que su pareja, impuesta para conseguir publicidad por su agente, sea gay, no tiene la mayor importancia, no entiendo la reacción del personaje; ¿y lo que tardan en “cargarse” a su amiga cuando estaba claro como iba a terminar desde el primer plano en el que aparece? Por no mencionar la pobreza de los diálogos.

Ese tío es un cabrón, Mary

Lo que parece no tener arreglo es la lamentable relación de Peter Coyote con el cine español, si ya su primera incursión, en la peor de las películas de Pedro Almodóvar, “Kika”, fuera nefasta, no sólo por la baja calidad de la película, sino por la horrible relación que mantuviera con el director manchego, no parece ser que “Di Di Hollywood” sea una mejor colaboración, por lo menos en la parte artística, dado que hasta el momento no ha trascendido nada sobre su relación con Bigas Luna.

No sólo es una cuestión de baja calidad artística, sino de una mala decisión a la hora de ubicar la historia de Diana Díaz en la actualidad, pues más bien corresponde a las aspiraciones de cualquier actriz de los años cuarenta o cincuenta, la época de la decadencia del cine clásico y el final del star system.

Foto: Cine25

Warner Bros Entertainment España saca a la luz el segundo trailer del próximo y ambicioso filme de Bigas Luna, “Di Di Hollywood”, que teniendo como protagonista absoluta a Elsa Pataky, tiene su estreno previsto para el próximo otoño.

El cineasta y artista multidisciplinar, Bigas Luna, continúa su anunciado proyecto de una trilogía centrada en la mujer y el éxito —-esperemos que éxito no sea sinónimo de prostitución—-, de la que “Di Di Hollywood” sería la segunda entrega y “Yo soy la Juani” la primera. Ambos filmes están escritos por Carmen Chaves Gastaldo, una guionista que desarrolla su breve carrera bajo la sombra del original cineasta catalán, en lo que ha supuesto su renacer popular gracias a su aproximación fresca y realista a las nuevas realidades urbanas.

La historia se centra en una joven actriz y su deseo de triunfar en la meca del cine: Hollywood. Diana Díaz tiene un sueño, desea llegar a ser una estrella —-no lo confundamos con ser una actriz—- y para conseguirlo está dispuesta a dejarse la piel. Cansada de poner copas en una discoteca —-que no de trabajar de camarera—- y de su novio David, decide saltar el charco a Miami. Pero allí no le va mejor, de camarera se rebaja a friegaplatos y las agencias de casting no le hacen caso, pero con sus nuevos amigos, Nora y Robert, se muda a Los Ángeles siguiendo la estela del machacado sueño de Hollywood.

El lema de la película dice que tienes que tener cuidado con lo que deseas porque puedes conseguirlo. Yo le diría, con todo cariño, a Bigas Luna que tenga cuidado con lo que sueña, porque el subconsciente suele jugar malas pasadas y este argumento evoca peligrosamente al de “Mulholland Drive”, no siendo la primera vez que el intento, deliberado o inconsciente, de evocar el universo lynchiano, desluce sus propuestas.

Si echamos un vistazo a la filmografía del director catalán, la mujer ha sido siempre la protagonista de sus películas: “Bilbao”, “Lola”, “Las edades de Lulú”, “Bámbola”, “La femme de chambre du Titanic”, “Son de mar“… Aunque ninguna de ellas ha sido, ciertamente, Simone de Beauvoir, sí es cierto que suelen ser mujeres contemporáneas, fuertes y decididas que toman las riendas de su vida. Si bien es habitual en él que tiende a agrupar los filmes en grupos como la trilogía ibérica que incluía “Jamón, jamón”, “Huevos de oro” y “La teta i la lluna”, o aquella trilogía en colaboración con el productor Pepón Coromina que incluyera “Bilbao”, “Caniche” y “Anguish”, que se caracterizara por la sumisión masculina ante la opresión del universo femenino.

No siendo la primera vez que Bigas Luna coquetea con el cine americano, pues ya rodara en inglés aquel “Reborn” con Dennis Hopper o la inquietante “Anguish”, con Zelda Rubinstein y Michael Lerner, “Di Di Hollywood” cuenta con un reparto internacional en el que podemos encontrar a las mexicanas Ana de la Reguera, que participara en “Nacho Libre” o “Cop Out”; a Giovanna Zacarías, que participara en “The Legend of Zorro” el “Déficit” de Gael García Bernal; y el neoyorquino Peter Coyote, que parece no haber escarmentado de su experiencia en el cine español tras aquel nefasto rodaje de “Kika”, en la que acabara enfadado con Pedro Almodóvar por haberle doblado la voz después de haber aprendido español.

Vía: El Séptimo Arte | Foto: Facebook

En 1992 iniciaba Polanski la década con su nueva película, que sería masacrada en Europa y en Estados Unidos por grandes sectores de la crítica, que sencillamente no supieron qué hacer con ella. Al parecer, Bitter Moon era un despropósito desagradable, que jugaba al morbo por el morbo y que certificaba la defunción total como artista del otrora famoso y adulado gran director polaco. Cuatro años antes, con Frenético, se había recuperado comercialmente con rapidez del fiasco tremendo de Piratas. Ahora lo más importante es que su prestigio, según muchos, había caído por lo suelos.

Pocos quisieron, o supieron, apreciar a esta película como uno de los más fieros y certeros retratos sobre la pasión efímera de una relación, y sobre el descenso a los infiernos del placer para mantener viva una llama que ya no saben si es de odio, dolor o amor. Este viaje pleno de sensualidad y barroco de una puesta en escena que embriaga al espectador de emociones perturbadoras pero fascinantes, merece una revisión crítica en toda regla.

En esta última colaboración del director con su amigo, el gran guionista Gérard Brach, Polanski arranca el relato de forma insólita e inmejorable: una pareja que intenta revivir su relación (Hugh Grant y Kristin Scott Thomas), en un viaje de placer, conoce a bordo de un barco a otra pareja. Pero una pareja insólita: él es un tullido en una silla de ruedas, de carácter cínico y provocador, y ella es una joven voluptuosa, de enigmática actitud. Pronto, Nigel (Grant), podrá conocer cual es su terrible (o apasionada, según se mire) historia, y cómo acabaron así.

La primera parte consiste en la narración de una idílica historia de amor, pero ni siquiera en estos comienzos, la puesta en escena y el juego visual de Polanski es el esperable en esta clase de relatos, trufando de ironía, lugares insólitos, situaciones inesperadas, cada una de las secuencias. Pero es una vez que la relación entre ambos comienza a transformarse en la búsqueda del placer sin límites, con el espectador (algunos, quizá otros no) removiéndose cada vez más incómodo en su asiento, cuando Polanski y Brach exploran territorios de la sensualidad nunca antes visto con esta óptica a medio camino entre el thriller, la comedia negra, el melodrama desatado y el relato gótico.

Trazando un equilibrio entre esos difíciles tonos, se comprende que muchos no supieran apreciar al alta autoexigencia y riesgo de Polasnki, y que tildaran a la película de un simple relato erótico sin más (como si pudieran ser algo así sin más), destapando al mismo tiempo la hipocresía reinante entre la crítica, que al fin y al cabo son personas y tienen ideas sobre la sexualidad y las relaciones personales.

Viéndola ahora no resulta tan áspera ni tan oscura. El personaje de Peter Coyote es un vividor, un escritor bohemio, de personalidad completamente abierta en cuanto a placeres sexuales, que sin embargo encontrará la horma de su zapato (algo que seguramente siempre había soñado), en el personaje de Emmanuel Seigner, una muchacha solitaria y voluptuosa que sabrá vengarse de cualquier humillación. Pero hay algo tremendamente melancólico y romántico en esta película, suscitado por la bella y expresiva música de Vangelis: un sentimiento de pérdida, de comprensión y amor nunca encontrado, de viaje infinito hacia las profundidades de una relación sin fin…por muy dramáticas que sean las consecuencias. En todo ello, la terrible pareja protagonista encontrará la felicidad, aún a costa de esa otra felicidad institucionalizada como tal, la de comer perdices…

Es por ello que el brutal final, de carácter claramente catártico, resulta climático pero también catalizador de la calma y del sosiego. El estado anímico final del espectador es del final de un viaje y del comienzo de otro, el de la pareja Grant/Scott-Thomas. La excelente fotografía de Tonino Delli Colli, consistente en una colorimetría apagada, de tonalidades suaves, y de negros y blancos contrastados, con brillos desasogantes, se torna blanca y serena al final, despidiendo esta atroz y sensual película, que sólo los paladares más curtidos parecen capaces de paladear.