No cabe duda que esta ha sido una semana para celebrar, por lo menos en lo que respecta a Pedro Almodóvar. En el momento en que acudía en Madrid a la presentación de un libro con una retrospectiva de toda su carrera se enteraba de que su última película, La piel que habito, había sido nominada por la asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Qué mejor momento para continuar con mi análisis personal hacia la obra del universal cineasta manchego que comenzara con la revisión de su etapa con Carmen Maura.

Reivindicando el estilo almodovariano

Todavía es pronto para valorar con coherencia la trayectoria completa del cineasta, más que nada porque no ha concluido y le queda mucho por decir, pero me atrevo a adelantar que la evolución de su filmografía se desarrolla de manera paralela a la evolución de la sociedad española. Si en el primer bloque, el de Carmen Maura, podíamos diferenciar dos etapas que coinciden con dos períodos políticos concretos de España correspondientes, el primero, con la transición democrática y, el segundo, desarrollándose a lo largo de la administración socialista. Podríamos decir que con la década de los noventa su cine parece querer decir al mundo que no sólo se habían acabado los oscuros años del franquismo, sino que España se había incorporado con rapidez y eficacia al ritmo que marcaba Europa.

Quizás por eso a partir de Mujeres al borde de un ataque de nervios su cine parece más un escaparate, apuntado ya con Matador, de la modernidad de la sociedad española, capaz de soportar que en un mismo año Madrid sea la capital cultural europea, que Sevilla albergue la Expo y que Barcelona se convierta en el escaparate mundial por obra y gracia de los Juegos Olímpicos. Incluso hasta las señoras de derechas abrazan sus extravagancias con cariño y lo que antaño se llamaban situaciones esperpénticas se rebautizan ahora como almodovarianas.

Con la seguridad que ofrece un reconocimiento internacional de la magnitud del que le otorga Mujeres al borde de un ataque de nervios, Pedro Almodóvar inicia esta segunda gran etapa en la que, tras cardar la lana, parece dispuesto a llevarse toda la fama a través, precisamente, de la reivindicación de ese universo almodovariano en el que se mezclan travestis, drogadictos, homosexuales y prostitutas con personajes de lo más castizo y cañí, ubicados ahora en un contexto que ya poco, o nada, tiene que ver con la realidad, de la que se irá alejando progresivamente, igual que la sociedad española.

Por que yo lo valgo: Victoria Abril

• Átame! (1990)
• Tacones lejanos (1991)
• Kika (1993)

Tras la caída del muro de Berlín, Pedro Almodóvar, aprovechando que coinciden en la IV gala de los Goya, intenta el acercamiento con Carmen Maura. Ella era la presentadora de la gala y él acudía para entregar el Goya al mejor la mejor dirección, luego todos estábamos esperando el inevitable encuentro. Saltándose el guión y ante la expectación de todos los televidentes, Pedro le regala un fragmento del derribado muro de Berlín con la intención de derrumbar el que a ellos les separa. Carmen lo acepta con estupor y educación, pero sin perdón (su cara fue todo un poema). Ese mismo año Almodóvar presenta la que sería su primera película sin ella: Átame, en la que convierte a Victoria Abril en su primera musa post-Maura.

A mitad de camino entre Bus Stop (1956, Joshua Logan) y The collector (1965, William Wyler), Átame es también la primera reflexión verdaderamente metacinematográfica que encontraremos en su cine. En títulos previos ya había personajes que vinculados al munod profesional audiovisual, pero aquí propone una reflexión sobre el acto creativo a través de ese director que encarna Paco Rabal en silla de ruedas (¿así de invalido se sentía Pedro sin Carmen?), que enamorado de su heroína decide cambiar el final de su película en el último momento. Quizás se estaría disculpando ante el final de su propia película que en la época no fue comprendido por muchos.

Sin duda Antonio Banderas consigue el mejor de sus personajes, no ya en una película de Pedro Almodóvar, sino de toda su carrera. Lo que no impide que Victoria Abril logre una interpretación mucho más convincente y acertada transmitiendo mucho más que su compañero de reparto. Mención especial para Loles León, que tras irrumpir en el cine con un pequeño papel en Mujeres al borde de un ataque de nervios, demostraba aquí que era una actriz como la copa de un pino, hasta meando.

En su siguiente película, Tacones lejanos, que bebe de las fuentes de Höstsonaten (Sonata de otoño, 1978) de Ingmar Bergman, citada descaradamente en la película, y en la que aunque recurre a la presencia de una incondicional como Marisa Paredes, el peso de la acción vuelve a recaer en la todoterreno Victoria Abril. Si Átame no supuso más que un ligero bache para muchos de sus seguidores, la brecha comenzaba a abrirse en este título que aunque simpático parecía querer inclinarse más hacía el drama y lo trágico que hacia la comedia. Muchos no entendieron (entendimos) lo que quiso decir con la película (todavía me pregunto lo de Miguel Bosé).

La renovación de esta etapa también se produce en parte de su equipo técnico. Ya en Mujeres al borde de un ataque de nervios había sido “infiel” a Ángel Luis Fernández, que fuera director de fotografía de casi toda su etapa con Carmen Maura y al que probablemente había incorporado a su cine a propósito de Arrebato, pero que ahora cambiaba por el más reconocido y reputado José Luis Alcaine, que volvería a ser su director de fotografía en Átame. En esta línea también se despoja del que fuera compositor de todas sus bandas sonoras previas, Bernardo Bonezzi, recurriendo a compositores internacionales como Ennio Morricone que pasa totalmente desapercibido en la banda sonora de Átame, por lo que en Tacones lejanos prefiere aliarse con Ryuichi Sakamoto, que le sale rana y con el que tendrá grandes (e irreparables) discrepancias, lo que le lleva a prescindir de compositor en Kika.

No creo que muchos me vayan a llevar la contraria si considero Kika como el punto más bajo de toda su carrera cinematográfica. A mitad de camino entre Barton Fink (1991, Joel & Ethan Coen) y Bitter moon (1992, Roman Polanski) -no lo digo yo, es lo que él mismo manifiesta en una entrevista publicada en la revista Fotogramas, por aquella época todavía dedicada al cine y no al cotilleo cinematográfico (desde luego no encontré ni rastro de Barton Fink)-, lo que le anima para contratar a Peter Coyote, quien se cogería un tremendo rebote después de aprender español para que luego le doblaran.

También supuso la ruptura TOTAL con Victoria Abril. ¿Torturada con los modelitos creados por Jean-Paul Gaultier? ¿Sometida a una interpretación completamente artificial y alejada de su registro habitual? Lo cierto es que nunca han trascendido los motivos de la ruptura, pero la evidencia es que ella nunca ha vuelto a aparecer (hasta la fecha) en una película de Pedro Almodóvar, ni siquiera en un cameo como el que ya hiciera en La ley del deseo.

No creo que haga falta explicar los motivos que me llevan a escoger de esta etapa átame como su película más interesante que, en cualquier caso, no llegará a satisfacerme por completo. En su siguiente período veremos como Pedro Almodóvar se embarca en una búsqueda de una nueva musa que tras recuperar antiguas chicas Almodóvar como Marisa Paredes, Verónica Forqué o Cecilia Roth, le conducirá definitivamente hasta Penélope Cruz.

Hay cineastas que dejan tal huella con su obra que determinadas situaciones de la vida real pueden describirse perfectamente utilizando su nombre. Recuerden si no, expresiones como felliniano o berlanguiano, que conviven desde hace mucho tiempo con nosotros para describir o bien situaciones surrealistas, haciendo referencia al cine de Federico Fellini, o grotescas, haciendo referencia al de Luis García Berlanga. Desde los años ochenta, al menos en España, la expresión almodovariano ha ido instalándose en el lenguaje cotidiano, tanto de los defensores como los detractores del cine de Pedro Almodóvar, para describir, precisamente, aquellas situaciones que superan a las mencionadas anteriormente, con el distintivo de que sean, además, castizas.

Pedro Almodóvar es el cineasta español más internacional, después de Luis Buñuel, como reza en IMDb. Ninguna duda al respecto, por mucho que le pese a Alejandro Amenábar. Sin embargo, y como le sucediera ya desde los inicios de su carrera profesional, podemos decir que Pedro Almodóvar no es profeta en su tierra. Cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) reconoce y rinde tributo a su trayectoria artística o el Festival del Instituto de Cine De Estados Unidos (AFI) le nombra director artístico encargándole un ciclo con las películas le inspiraron en su trayectora cinematográfica; en España el público se divide irremediablemente entre admiradores y detractores de su última obra: La piel que habito. Algo que viene pasando casi sistemáticamente desde sus inicios profesionales. Curiosamente, hoy mismo premian en el Festival Europeo de Cine la trayectoria de su productora, El Deseo, que fundara junto con su hermano Agustín Almodóvar, aunque no la suya propia.

Por todos es conocida la relación de amor-odio entre el cineasta manchego y la academia de cine española. Si la primera de sus películas que estuviera nominada a los premios Goya, Mujeres al borde de un ataque de nervios, consiguiera el de la mejor película, no obtenía Almodóvar el del mejor director, teniendo que conformarse con el del mejor guión. Como si hubiera un paralelismo con la academia de Hollywood tendría que esperar hasta Todo sobre mi madre para conseguir el Goya al mejor director, que volvería a recoger con Volver. También es cierto que no es el único cineasta español en activo y que tampoco se va a premiar sistemáticamente todas y cada una de sus películas. Quizás por ese motivo a más de uno le resultan un tanto infantiles esas rabietas que se pilla. Aunque no dudo de que debe haber mucho mamoneo entre bastidores, tampoco es para ponerse así.

Personalmente, me encuentro entre aquellos espectadores que, si bien le seguían a pies juntitas en su etapa de los años ochenta, quedara desencantado a partir de Átame por un cineasta que, como se atribuiría a sí mismo en La mala educación, seguiría haciendo cine con pasión, pero por un camino ligeramente diferente al de su cine precedente. Esto no impide que pueda valorar y admirar algunas de sus obras posteriores, pero desde luego, no me encuentro entre ese grupo de seguidores entregados que alaban sistemáticamente todas y cada una de sus obras. Desde mi punto de vista, no es una cuestión de calidad cinematográfica, sus obras siempre son de calidad, sino de contenido, o más bien de estilo. Pero este análisis lo dejaremos para cuando hablemos de esa etapa.

En cualquier caso encuentro fascinante ese fenómeno fan en torno a las obras de Almodóvar. Parece que para los admiradores incondicionales tiene que gustarte La piel que habito, pero puedes detestar La mala educación; debes adorar Todo sobre mi madre, pero no importa si no te gusta Hable con ella; te tiene que gustar Volver, aunque prefieras Los abrazos rotos. Lo curioso es que yo prefiero, precisamente aquellos títulos que ellos no tienen reparos en rechazar (y lo hacen), pero aún así, a mi se me tilda como detractor de Almodóvar, aunque sepa valorar otros títulos suyos.

Muchas veces me pregunto cómo y por qué llegan a producirse este tipo de fenómenos con la obra de determinados cineastas. Lo cual me lleva a analizar el progreso y evolución de Pedro Almodóvar a lo largo de su filmografía. Siguiendo el ejemplo de cineastas como Tim Burton, Woody Allen o Steven Spielberg, de los que, desde mi punto de vista, podemos distinguir diferentes etapas creativas en función de la influencia que sus parejas sentimentales han tenido en su filmografía, es difícil establecer esta misma división en el caso del director de La Ley del deseo. Pocos datos se conocen de su vida privada, más que los que él mismo deja que se intuyan en sus propias películas. Pero sí que es cierto que podemos dividir su filmografía en función de las protagonistas de sus películas, diferenciando dos grandes etapas: su cine con Carmen Maura y su cine sin Carmen Maura. A partir de ahí podemos hacer otras subdivisiones, que son las que trataré de explicar y defender.

Si entre sus chicas favoritas además de Carmen Maura, destacan Victoria Abril y Penélope Cruz, a lo largo de su filmografía quizás destaquen también aquellas otras chicas Almodóvar que participan en personajes secundarios pero que, no lo pueden negar, lograban personajes deliciosos, entrañables e inolvidables. Actrices como Rossy De Palma, Kitty Manver, Chus Lampreave, Mariola Fuentes, Bibi Anderssen, Julieta Serrano, Ángela Molina, Antonia San Juan, Lola Dueñas o Verónica Forqué han ido colándose en sus diferentes etapas, dejando su huella en el espectador. Mención aparte merece el caso de Marisa Paredes, presente a lo largo de las diferentes etapas de su filmografía, así como Francisca Caballero, su madre.

La edad de oro: Carmen Maura

Quisiera hacer notar una característica interesante en esta primera etapa global como es la presencia de personajes no queridos por sus progenitores, como sucedía con Sexilia (Cecilia Roth) en Laberinto de pasiones, quien el rechazo de su padre le convierte en ninfómana; Vanessa (Sonia Anabela Holimann), la niña telequinética de ¿Qué he hecho yo para merecer esto!!, que sólo encuentra consuelo con sus extravagantes vecinas; la encantadora Ada (Manuela Velasco), con la que Almodóvar supera las leyes de la naturaleza convirtiendo a una transexual en su madre, Bibi Andersen, y haciendo de su madre adoptiva una mujer que pretende ser un hombre que se ha cambiado de sexo, Carmen Maura; o el mismo personaje interpretado por Antonio Banderas en Mujeres al borde de un ataque de nervios, cuyo rechazo parece estar detrás de su tartamudez. Desconozco a que se debe la repetición de este patrón, pero no me negarán que es un dato interesante, que no se repetirá en películas posteriores.

1. De la transición a la movida

• Folle… follé… fólleme Tim! (1978)
• Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)
• Laberinto de pasiones (1982)

Si en esta primera etapa no podemos dejar de mencionar la influencia del cine trash que popularizara John Waters, es obligatorio mencionar las grandes influencias de Félix Rotaeta e Iván Zulueta. Si el primero era el protagonista de Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, anteriormente había estado vinculado a las primeras películas de Fernando Colomo, como Qué hace una chica como tu en un sitio como este, que también comparte gran parte de su reparto con las primeras películas de Pedro Almodóvar, además de estar protagonizada por Carmen Maura.

El propio Pedro Almodóvar ha comentado en ocasiones la gran influencia que una película tan fascinante como Arrebato ha tenido en su obra, siendo Zulueta el creador de muchos de los carteles de las películas de Almodóvar en su etapa siguiente. Si Cecilia Roth protagonizaba Laberinto de pasiones, posteriormente Eusebio Poncela protagonizaría La ley del deseo, así como los actores de reparto de la película irían integrándose en los repartos de sus primeras películas, sobre todo en Laberinto de pasiones, además de asimilar también gran parte de su equipo técnico, como el director de fotografía Ángel Luis Fernández con el que trabajaría en ocho de sus películas.

A veces pienso que los espectadores que se enfrenten a las películas de esta primera subetapa, deben quedarse perplejos ante un cine tan poco profesional, al menos aparentemente. Pero no me cabe ninguna duda que siempre quedarán rendidos ante la frescura y espontaneidad de unas situaciones tan hilarantes como auténticas y reales.

2. De amateur a profesional

• Entre tinieblas (1984)
• ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! (1984)
• Matador (1986)
• La ley del deseo (1987)
• Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

El cineasta Rainer Werner Fassbinder se convertiría en el faro que guiaría los pasos artísticos del manchego que, si ya tiene un público entregado, busca ahora un reconocimiento crítico que le aporte credibilidad. Más que el cine de Fassbiender en general, sería su película de 1978, In einem Jahr mit 13 Monden, la que podemos encontrar detrás de filmes como Entre tinieblas o La ley del deseo. Si el cine de Almodóvar ha sido siempre indiscutiblemente posmoderno, en muchas ocasiones sus homenajes cinematográficos rayan el plagio, pero si posteriormente las citas a otras películas serían mucho más discutidas, Almodóvar logra aprehender las situaciones y personajes de este gran título de Fassbinder para hacerlos suyos.

Es difícil escoger una película de esta etapa, todas y cada una de ellas tienen algo que las hace destacar. Quizás Entre tinieblas hubiera sido más redonda si no la hubiera protagonizado Cristina San Pascual, protagonista impuesta por cuestiones de producción. Aún así, el ateo más convencido queda rendido ante este nada convencional rebaño de monjas y ovejas descarriadas. Muchos años después, desde Hollywood le llegaría una oferta para dirigir Sister Act, que el director español rechazaría.

La película más floja de esta etapa podría ser Matador. Primer (y único) título en el que colabora con otro guionista, el escritor Jesús Ferrero, por aquel entonces muy popular debido a novelas como Bélver Yin y Opium. Aunque estéticamente la película puede resultar muy estimulante, su arriesgada propuesta de vincular la moda española con tradición castiza y sexo con tauromaquia, no acaban de convencer del todo. Casi podríamos decir que Matador sería un avance estético de lo que nos depararía la obra de Almodóvar a partir de los años noventa.

Sin duda ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! y La ley del deseo constituyen lo mejor de esta etapa y, si me permiten, casi de toda su carrera cinematográfica por razones que no creo sea necesario explicar. Si con la primera Carmen Maura logra una de sus interpretaciones más emotivas, con ella Pedro Almodóvar comienza a ser tenido en muy buena consideración por la crítica cinematográfica, así como abrazado plenamente por el público. Una película imperfecta, que abunda en personajes innecesarios que no aportan nada a la trama principal, pero que forman un conjunto de entrañables personajes entre los que destacan la maravillosa abuela diabética que hace Chus Lampreave y la fascinante prostituta de lujo aspirante a estrella de Las Vegas que hace Verónica Forqué.

La ley del deseo sería la primera película de la productora fundada con su hermano, Agustín Almodóvar. Una apuesta valiente y arriesgada que recoge sus frutos por todas partes siendo alabada por la crítica como la mejor película del año, logrando prodigiosas interpretaciones de Eusebio Poncela y Carmen Maura, y sirviendo como germen para su siguiente proyecto, Mujeres al borde de un ataque de nervios, culminación del estilo almodovariano y de las carreras artísticas de ese matrimonio de conveniencia formado por Pedro y Carmen.

El filme recorre las carteleras del mundo entero. Premio de la Academia europea a la mejor película joven, así como para la interpretación de Carmen Maura, quien también se lleva el Goya. Además del Goya a mejor película también se lleva los de montaje e interpretación secundaria para María Barranco. Pero el colofón llegaría con su primera nominación de la Academia de Hollywood a la mejor película en lengua extranjera. Reconocimiento, aplausos, propuestas para remakes, contratos millonarios, proyectos para rodar en los Estados Unidos de América y una puerta abierta al cine internacional para los integrantes de su reparto, que tan sólo aprovecharon Antonio Banderas, Carmen Maura y Rossy De Palma.

La noche de los Oscar prometía emoción y tensión. No hubo Oscar, pero los más atrevidos terminaron en la fiesta de la película de Pedro Almodóvar. Nunca una fiesta de perdedores de la preciada estatuilla había sido tan animada como la de la comitiva española, como atestiguara Martin Scorsese. Pero no todo era diversión. En la gala se había producido una ruptura de reparación imposible (o muy difícil). Por lo visto, la academia sólo proporcionaba tres entradas en el patio de butacas para asistir a la gala a los nominados por una película en lengua extranjera. Obviamente una entrada era para el propio Pedro Almodóvar, repartiendo las otras dos entre Carlos García Gambero (su pareja en aquel entonces y hasta la fecha -o al menos también aparecía en Los abrazos rotos) y, en lugar de reservar su tercera butaca a su actriz protagonista, prefiere cedérsela a su amiga transexual, Bibi Andersen, relegando a una airada Carmen Maura al gallinero.

Se que podría pecar de frívolo al relatarlo de esta manera, pero no. Esta acción supone la ruptura total entre actriz y director que no hace otra cosa que desestabilizar el peculiar universo artístico del cineasta manchego inaugurando la etapa sin Carmen Maura, que además y precisamente gracias a este título, comienza a popularizarse la expresión “chicas Almodóvar”, para referirse al grupo de actrices con las que se rodea el cineasta español.

Es sólo una comedia, no una comedia romántica, sino una comedia total.

Palabras del propio Woody Allen sobre “Bop Decameron”, que será una especie de puesta al día de la obra clásica de Giovanni Boccacio, El decamerón, en una filme que desarrollará cuatro historias paralelas, dos protagonizadas por los personajes italianos, y las otras dos por los estadounidenses. Con un presupuesto de diecisiete millones de euros, la película vuelve a estar producida por Jaume Roures, a través de Mediapro, y en colaboración con Medusa Films, productora que lidera el controvertido Silvio Berlusconi, y Gravier Productions, la productora de Letty Aronson, hermana del propio Woody Allen.

No es de extrañar que el rodaje de la película, que se prolongará hasta finales de agosto, haya levantado tanta expectación, no sólo porque es el primer rodaje de Penélope Cruz tras dar a luz al cruce de sus genes con los de Javier Barden, sino porque estamos hablando de la película que se estrenará a continuación de “Midnight in Paris”, que se está convirtiendo en una de las películas más taquilleras de Woody Allen, tras la buena acogida que tuviera por parte de la crítica.

Según cifras que recogemos de Fotogramas](http://www.fotogramas.es/Noticias/Midnight-in-Paris-alcanza-el-millon-de-espectadores), las vacaciones de Woody Allen en París está cerca de recaudar los cuarenta millones de dólares, superando a películas como “Match Point” o “Vicki Cristina Barcelona”, y faltándole poco para alcanzar a la película que ha constituido su mayor éxito comercial en toda su carrera: “Hannah and Her Sisters”. No sé si son las vaciones, o el hecho de que haya dejado de hablar de la ciudad en la que había ubicado todas sus pelcíulas anteriormente, pero rodar en el extranjero le está saliendo muy, pero que muy rentable a Woody Allen.

Fotos: El Mundo

Las películas de Woody Allen tienen un ciclo bien determinado: cuando una llega a cartelera, la siguiente se encuentra en pre-producción para dar paso al rodaje. Como relojito. Este año no es la excepción. Corría el mes de abril cuando comenzaron a circular nombres de actores y actrices que unían al reparto del nuevo proyecto Allen. Sin saber si quiera el título del mismo, agregamos los rostros de Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, Penélope Cruz, Roberto Benigni… actores tan diversos, todos ellos en una historia que les transportará a Roma. Con “Midnight in Paris” en cartelera — gozando de buena recepción y un desempeño en taquilla que el director no alcanzaba desde “Hannah and Her Sisters” (1986) —, Woody Allen presenta el reparto completo de “Bop Decameron”.

El reparto, encabezado por Woody Allen, enlista a los siguientes actores en estricto orden alfabético: Alec Baldwin, Roberto Benigni, Penélope Cruz, Judy Davis, Jesse Eisenberg, Greta Gerwig y Ellen Page. Entre los co-estelares encontramos a Antonio Albanese, Fabio Armiliato, Alessandra Mastronardi, Ornella Muti, Flavio Parenti, Alison Pill, Riccardo Scamarcio y Alessandro Tiberi. Todos ellos en una película basada libremente en el Decamerón, del italiano Giovanni Boccaccio; un libro con cien cuentos repartidos en diez novelas o capítulos, que cuenta con diez personajes principales.

De acuerdo con información de The Playlist, “Bop Decameron” es un dramedy romántico que cuenta con un argumento que involucra cuatro viñetas sin conexión entre ellas. Dos viñetas corresponden a los personajes estadounidenses en la ciudad, las otras dos viñetas son protagonizadas por los personajes italianos; de hecho, se espera que ambos segmentos sean filmados en italiano. De los fragmentos no se sabe nada más… sólo se ha comentado que el personaje que interpretará Allen viaja con su pareja a Roma, a conocer al hombre italiano que se casará con su hija. En el caso del Allen, es la primera vez que actua en una de sus películas desde “Scoop”, filme de 2006.

“Bop Decameron” es producida por Gravier Productions y es la primera financiada por la compañía italiana Medusa Film. La película inicia su rodaje el próximo 11 de julio, siendo la primera vez que el director trabaja en Roma.

Foto: Colin Swan

Woody Allen se cree metralleta. No, no es que ande disparando ni que haya que recargarlo. Bueno, en cierta manera sí, pero no es el punto. La cosa es que este conocidísimo director es, quizás, uno de los que hace películas más rápido y en poco tiempo. Creo que nunca ha ocurrido en que estemos sin noticias de proyectos futuros del autor. Estamos ad portas del estreno de uno y ya estamos hablando del siguiente. Así maneja su carrera este rápido realizador. En fin. Como ya saben, su filme “Midnight In Paris” ya está listo para debutar en el próximo festival de Cannes, pero, como si esto fuera poco, ya se están confirmando nuevas figuras para la que sucedería a la recién mencionada. ¿Quién se nos une en este momento? De acuerdo a los informados de /Film, pues nada más y nada menos que el italiano Roberto Benigni, sí, el mismo que mi estimado Luis odia con las vísceras.

Pero, ¿de qué va este nuevo proyecto? Ya les habíamos contado un poco hace un tiempo, pero ahora hay un par de confirmaciones. Allen se refirió a su nuevo proyecto como una “cómica cinta, meticulosamente divertida”. Bueno, no muy alejado de lo que ya conocemos. Eso sí, habría que destacar que la incorporación de Beningi suena incluso más fuerte debido al resto de los actores que estarán compartiendo pantalla con él: Penélope Cruz, Ellen Page, Jesse Eisenberg y Alec Baldwin. Sí, un elenco bastante dispar, pero no por eso menos interesante. De hecho, me mueve bastante. Habrá que ver qué cosa buena puede sacar el gran Wody de toda esta mezcla de actores y actrices.

Para que vayan preparándose, esta nueva cinta de Allen todavía no tiene fecha definida de estreno, pero se espera que el realizador empiece a trabajar de lleno en ella apenas termine con la parafernalia de distribución de su actual proyecto. Ahora, no nos queda más que esperar. De sólo saber que el director planea trabajar con actores como los antes mencionados, me lleno de curiosidad. ¿Podrán fusionarse para lograr algo buenísimo o terminaremos viendo un desfile de rostros sin un fin claro? Eso nadie lo sabe… Aún.

Foto: Gordonandthewhale

Me gusta el hecho de que no es un película en español o en inglés (…). Me encanta esta parte del trabajo que te permite convertirte en alguien con una nacionalidad diferente (…). supongo que tendré que empezar a estudiar italiano de nuevo.

En realidad es un repetición a tres bandas, pues repite Pe, repite Sergio Castellitto en la escritura de guión y dirigiendo la película, y repite el origen de la historia que vuelve a estar basada en una novela de Margaret Mazzantini, pareja del cineasta. Si en la película de 2004 el argumento circula en torno a un cirujano que confiesa dolorosos detalles de su vida al encontrare con su propia hija adolescente en un coma profundo tras tener un accidente de moto, en esta nueva película el trauma parece circular en sentido contrario, pues será un joven adolescente, que acompañado de su madre, vuelven a Sarajevo, ciudad en la que falleciera su padre durante la guerra. Todavía no han trascendido los compañeros de reparto de la actriz española.

¿Merece la pena detenerse un momento para analizar las repeticiones de Penélope Cruz? Mi curiosidad me puede, por lo que voy intentar dilucidar si repite con ellos buscando proyección artística u otro tipo de objetivos, cosa que, por otro lado, tampoco es como para rasgarse las vestiduras, pues si Javier Bardem siempre ha ido de artista, ella nunca ha despreciado los productos comerciales, sobre todo cuando han supuesto ascender un peldaño más…

• Bigas Luna: cineasta que le da su primera oportunidad cinematográfica con “Jamón, jamón”, título que se alza con el León de Oro en Venecia y con el que la actriz consigue una nominación a los Goya como Mejor Actriz. Volvería a repetir con el cineasta en “Volaverunt”.
• Fernando Trueba: consigue colarse en la ceremonia de los Oscar gracias a su segunda película: “Belle epoque”, que se lleva el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera, logrando un Goya a la Mejor Actriz en su segunda colaboración con el mismo director en una película que ya le presenta como una estrella: “La niña de tus ojos”.
• Fernando Colomo: un auténtico éxito de público resultó su participación en “Alegre ma non tropo”, aunque no consiguiera ningún premio ni nominación para la actriz. Quizás por eso tan sólo participa en un cameo en otro título del mismo director: “El efecto mariposa”.
• Álvaro Fernández Armero: cineasta mediocre como ninguno, al que escribe le parece incomprensible que este señor pudiera hacer más de una película, el caso es que la actriz madrileña participa en la primera y en la segunda: “Todo es mentira” y “Brujas”.
• Alejandro Amenazar: sí, es cierto, Penélope Cruz no ha repetido con Amanábar, pero sí que ha repetido con un personaje de una de sus películas: sofía en “Abre los ojos” y Sofía en la versión estadounidense de la misma película: “Vanilla Sky”.
• Pedro Almodóvar: en el mismo año que participa en la película una de las Aes más internacionales del cine español, consigue aparecer en el título de otra de las Aes más internacionales del cine español. Si su aportación es breve en “Carne trémula”, irá ganado en espacio en títulos posteriores como “Todo sobre mi madre”, “Volver” —-por la que conseguiría su primera nominación al Oscar y como actriz protagonista—- y “Los abrazos rotos”.
• Woody Allen: tener en tu currículo un título del cineasta neoyorquino siempre aporta mucho prestigio, pero más todavía cuando consigues un Oscar a la Mejor Actriz de Reparto, como hiciera Pe con “Vicky Cristina Barcelona”, veremos hasta donde llega con “Roma”.
• Rob Marshall: lo cierto es que los resultados de su participación en “Nine” le reportaron su segunda nominación como Mejor Actriz de Reparto —-tercera en general si contamos la de “Volver”—-, ¿será este el verdadero motivo por el que decide participar en “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”?
• Sergio Castellitto: puede que algunos no lo sepan, pero Penélope Cruz además de conseguir su tercera nominación al Goya, se alza con el David di Donatello, equivalente del cine italiano a premio Oscar o Goya, por su interpretación en “Non ti muovere”. ¿A por el segundo con “Venuto al mondo?

Para Baldwin no es la primera vez que trabaja con Allen, ya tuvieron oportunidad de hacer “Alice” en 1990 junto a Mía Farrow —- una de las tantas mujeres del director —- y William Hurt. Mientras que el joven Jesse Eisenberg, conocido por su papel en “The Social Network” de David Fincher, quizás tenga la primera oportunidad de participar en un proyecto de uno de los directores más importantes del cine actual y ojalá, —- aún la noticia es solo un rumor —- puede que sea un puntapié más que interesante para su carrera como actor e incluso logre convertirse en su fetiche joven masculino como es Scarlett Johansson en la actualidad.

El proyecto aún no tiene nombre, pero Allen debe ya tener varias personalidades relevantes en la galera para su elenco,—- una de ellas es Penélope Cruz —- que tendrá como locación Roma, la mágica ciudad italiana. Woody Allen que siempre ha filmado en su amado New York ha salido de su clásico mundo hace unos años y ha experimentado lo interesante que puede ser el viejo continente para nutrir sus historias. Desde “Match Point” que viene dando vueltas por Europa buscando sus espacios narrativos. Actualmente está por estrenar “Midnight in París” en la ciudad del iluminismo con las actuaciones de Owen Wilson y Rachel MacAdams que se presentará el 11 de mayo en el Festival de Cannes y luego el 20 de mayo en Estados Unidos.

Foto: Formulatv

Tal y como publica Europa Press, tras dar a luz al que, hasta la fecha, es su único hijo, Leonardo, en su segunda relación, recordemos que la primera fue durante el rodaje de “Jamón, jamón”, con Javier Bardem, ya es su esposo, Penélope Cruz declaró a Entertainment Weekly que en su próximo proyecto volvería a estar dirigida por Woody Allen:

Ya sé cuál va a ser mipróxima película pero el tema es que le tengo que preguntar al director qué cosas puedo decir y qué no. Él es muy cuidadoso. Es una película con Woody Allen. Pero verdaderamente no puedo decir nada acerca de la historia o los personajes.

Lo que no cabe duda es que Woody Allen sigue de vacaciones con Soon Yi por Europa, siendo su próxima parada Roma, tal y como se publicaba recientemente en El País. Lo que encuentro inquietante en la noticia es que su película estará producida por Medusa, una productora vinculada al controvertido presidente italiano, Silvio Berlusconi. Encontrará la protagonista de “Volver” un personaje a su medida o le tocará emular de nuevo a la grandísima diva italiana, Sofia Loren, con la que siempre se le ha comparado? Tendremos que esperar porque lo que es Woody Allen no suelta prenda, no:

Todavía estoy en fase de escribir el guión, sería absurdo anticipar algo.

Lo que sí se apresuró a aclarar recientemente, tal y como se publica en El Periodico es lo bie que lo había hecho Carla Bruni en su última película, “Midnight in Paris”, en la que interpreta a una guía del Museo Rodin:

No tuvimos que hacer y rehacer las tomas: actuó muy bien y a la primera (…). Algunos dijeron que la quise sustituir, y ni se me ocurrió. Todas las escenas que escribí para ella están en la película. No la impuso su marido (el presidente Nicolas Sarkozy), él vino un momento, y una sola vez, al plató” (…). Además, pasamos un momento excelente con él.

Sarkozy, Berlusconi, ¡cuantos amiguitos que está haciendo Woody Allen en sus vacaciones por Europa!

Foto: El jinete pálido

Tras el primer tráiler del proyecto, no esperabamos tener por un tiempo ninguna novedad con respecto a la esperada “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”, sobre todo si consideramos que a lo largo de los días la mayor parte de material aparecido tenía que ver ante todo con los carteles antes que con los videos. Ya mucho más cerca de la fecha de estreno, nos sorprende este lunes con un nuevo y excitante tráiler de una de las películas más esperadas de la temporada.

En esta oportunidad tendemos a los personajes protagonistas, Jack Sparrow y la hija de Blackbeard —- interpretada, claro está, por Penélope Cruz —- con mucho más protagonismo: no estamos diciendo que en el anterior tráiler no estuviera el esperadísimo Sparrow, pero sí parecía un detalle menor que Cruz estuviera involucrada en el proyecto. Saltando de un lado al otro, una de las grandes cuestiones es el tema de la Fuente de la Eterna Juventud, la cual está siendo buscada tanto por nuestro conocido pirata como por Barbossa y el enemigo en cuestión de este capítulo de la historia, el ya citado “Barba Negra”.

Además del detalle de las sirenas y de la mayor participación de la contrapartida femenina, también contamos con el espectacular cierre del tráiler propiciado por Keith Richards, quien desde la entrega anterior se encarga de personificar al padre de Sparrow: el chiste, de más está decirlo, es de la misma calidad a la cual estamos acostumbrados luego de haber asistido a la presentación de tres anteriores entregas: rápido, eficaz y resaltando siempre el costado un tanto irónico de cada línea del personaje de Johnny Depp: “¿acaso esta es la cara de alguien que estuvo en contacto con la fuente de la juventud?”.

Mucho más enfocado a la acción que a las gracias del protagonista, este tráiler en particular nos deja con todas las ganas de ver de nuevo en la gran pantalla esa serie de aventuras, esos chistes, esa acción que un poco nos ha devuelto la confianza en que todavía se puede hacer una historia genial con respecto a un personaje carismático sin caer en burdas posiciones o inclusive en proyectos meramente armados para sacar dinero: no somos inocentes, si la franquicia perdura es porque a alguien le conviene en términos financieros, pero por lo menos eso no ha implicado que se haya perdido calidad a lo largo de todas las cintas anteriores o, especulo, en esta cinta que viene. Aquí les dejo el tráiler en cuestión para que la pasen de pelos.

Ya sabemos casi todo acerca de esta película sin haberla visto: tráilers, adelantos, fotos del set, comentarios de los responsables… En alguna medida, es una película ya vista sin que se haya estrenado. Ahora bien: considerando este detalle particular, sólo faltaba una sola cosa como para terminar de cumplir con todos los pasos obligatorios para cualquier proyecto, paso que por fin se ha cumplido y que creo que más de uno sentirá como una suerte de alivio al enterarse: ya contamos con el cartel final de la cinta “Pirates of the Caribbean: On Strangers Tides”.

No vamos a repetir la síntesis de la historia porque a esta altura ya todos la sabemos, lo que si vamos a puntualizar son algunos detalles del cartel en los cuales sería interesante detenernos: en principio, la clásica pose heroica del personaje Johnny Depp, Jack Sparrow, mirando hacia arriba, en una de esas poses que nos recuerdan a los libros de aventura que leíamos cuando eramos apenas más jóvenes —- bah, yo los sigo leyendo, pero bueno, antes eran una adicción, ahora son un lujo dentro de las muchas cosas que hay que leer todos los días —-, con las sirenas de un costado y el barco pirata del otro… Detengámonos en la manera en que se encuentran distribuido los colores, la forma en que el personaje principal aparece de frente: creo sinceramente que hay aquí una apuesta definitiva en derivar en leyenda cinematográfica a Sparrow, digo, de hacerlo operar como lo que realmente es, un oasis para el mundo de los adultos, una aventura en la que creer para el mundo de los infantes.

A estrenarse el 20 de mayo, la película ha generado muchas expectativas y claramente no somos los únicos que se sienten emocionados con la aparición de una nueva historia de este personaje: si bien tenemos muchas ganas de ver qué es lo que va a suceder, de más está el decirles que es medio difícil sentirse decepcionados con lo que suceda, ya que es tanta la ansiedad de los más fanáticos que eso tapa cualquier planteo efectivo de la historia… Con apenas unos elementos básicos, podemos tener en nuestras manos una historia más que interesante sin necesidad de apelar a grandes caracterizaciones o cosas por el estilo: es ya el personaje lo que atrae, el despliegue de sus habilidades y su enfrentamiento contra otro personaje, y eso no está mal, para nada… Es la base de las aventuras, mis queridos, ver al héroe en nuevos y más excitantes problemas. Les dejo el cartel para vuestro deleite.

¿Qué se puede ver en un TV Spot que no se haya visto antes en el correspondiente tráiler? Bueno, muchas veces, casi nada: la idea del Spot es condensar lo que ya está más que condensado en un tráiler, por lo que muchas veces es un ejercicio bastante elegante de re-edición, de cortar y cortar para que lo que duraba dos minutos dure uno o menos, 30 segundos, por caso —- calculemos que los precios de la televisión son muchas veces más altos de lo que sospechamos: imagínense la tabla correspondiente para el evento más importante de la televisión yankee, el tantas veces citado Super Bowl —-. Creo que el spot de la venidera “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides” —- que muestra Empire Online junto con otros spots —-, digamos: la cuarta entrega de las aventuras de nuestro pirata favorito, Jack Sparrow - Johnny Depp, es bastante elocuente en lo que se refiere a mostrar y no mostrar algo en la tele cuando la cinta ya cuenta con un adelanto oficial.

Frente a lo que ya habíamos visto como tráiler oficial, en esta oportunidad se ahonda un poco más en la situación con ese encantador ser mitológico que ha cautivado durante tanto, tanto tiempo a tantas generaciones de viajeros, de personas dedicadas a casi cualquier cosa: las sirenas. Aquí, el villano Blackbeard, interpretado por Ian McShane, puede poner en juego su maldad al afirmar lo malo que es. Lindo gesto, sí.

Creo que, frente a la salida de tantos spots, es obligatorio volver a pensar el lugar que ocupa la televisión en la actualidad al mismo tiempo que se pone en cuestión su vigencia en una época donde las películas vistas por internet y el concepto de serie adaptado al formato de “computadora en mano” —- digo, sin dejar de destacar el lugar que ocupan los contenidos exclusivos de las páginas de tal o cual serie o de tal o cual película —- le están quitando lugar a ciertas producciones especiales para la televisión, y eso sin meternos específicamente en lo que corresponde al cine y al espacio que tiene dentro de las demás producciones culturales de la actualidad.

Si bien el debate planteado en el párrafo anterior es muy interesante, no quiero dejar de mencionar la alegría que me produce poder ver, otra vez, sí, pero con alguna que otra escena nueva, la venidera entrega de las aventuras del pirata más famoso de nuestros tiempos. Ya me dan ganas de volver a probar el gusto de las aguas saladas de los mares, el fresco viento que invade las costas y la aventura. Les dejo el spot para su disfrute.

Piratas, sirenas, zombies y una fuente de la juventud. ¿Suena bien? Pues bastante. Ahora, y luego de una larga espera, por fin podemos echarle un vistazo al primer gran adelanto de la cuarta parte de la saga de “Pirate of the Caribbean”. En esta nueva aventura, nuestro querido Jack Sparrow se embarcará en una odisea para logran encontrar la fuente de la juventud. Lo malo es que, al emprender su viaje, se dará cuenta que no es el único que la está buscando. En esta cuarta entrega, además de la novedosa historia, también tenemos a nuevas incorporaciones, como lo son Penélope Cruz o el gran Ian McShane, quienes le vienen a agregar frescura y nuevos aires a esta cuarta parte. Buena onda. Pero, en definitiva, ¿qué vemos en el tráiler? A ver, vámonos con cuidado.

En este primer gran adelanto por fin podemos darle un vistazo a casi todo. Tenemos al gran Jack Sparrow, siempre valiente, un poco perdido y bastante divertido, además de los otros personajes, que, de seguro, le brindarán una buena cuota de humor y dramatismo a la historia. Otra cosa interesante son las sirenas y los zombies, dos castas de seres que se han sumado a esta aventura y que, realmente, le entregarán aires frescos y mucho más míticos a esta historia. Con respecto a la trama principal, sólo puedo permitirme decir que pinta muy bien. Se nota que será una cinta con carga bastante dramática, pero sin dejar de lado el cariz humorístico que ha caracterizado a esta saga desde sus inicios. Un muy buen tráiler, de esos que nos dejan con una sonrisa pues lo que se viene no está nada de mal.

Les recuerdo que el estreno de “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”, dirigda por Rob Marshall y protagonizada por Johnny Depp y Penélope Cruz, pretende estrenarse el día 20 de mayo de 2011 en los cines estadounidenses y al resto del mundo debería llegar por ahí mismo, después de todo las cintas de Disney nunca se demoran mucho en poblar nuestro planeta. La esperamos con ansias y deseamos que no nos decepcione. Grrr.

Via: First Showing | Foto: AllMoviePhoto

Lo que tiene una película de gran éxito que inicia una franquicia es que ya cualquier noticia es meritoria de llamar profundamente nuestra atención. Y en el medio de la semana en la cual otra franquicia entrega una nueva cinta del tamaño de la nueva Harry Potter, no nos debe sorprender de que tengamos en ese mismo momento noticias de “Pirates of The Caribbean: On Stranger Tides”, filme que aparecerá en cartelera el 20 de mayo del año que viene en el país del norte. ¿Cuál es la tan ansiada novedad? Sí, adivinaron, el cartel oficial de la cinta.

La imagen de la calavera plateada está claramente conectada a los detalles con los que contamos en la actualidad acerca del proyecto: bah, claramente, es lo que sospechamos, ya que la idea de la cinta es que tanto Sparrow —- Johnny Depp, quién otro —- como la mujer de su pasado que entra en escena, Angelica —- interpretada por Penélope Cruz, quien no puede ser menos atrayente como contrapartida femenina del personaje —-, estén tratando de encontrar la famosa Fuente de la Eterna Juventud, tripulando el barco del pirata Barba Negra, personificado por Ian McShane.

¿Podemos decir entonces que esta calavera de plata tiene que ver con lo que la cinta narra? Ojalá, siempre en función de calentar motores, cada fragmento de la cinta que se de a conocer nos pone en sintonía de lo que puede llegar a contarse en la historia. Nunca pensé que podría llegar a haber un cuarto largometraje de la franquicia, pero en verdad las líneas narrativas que se tienen del personaje son las suficientes como para sacar una nueva historia siempre que se pueda, algo que podemos comprobar en franquicias exitosas como las de Indiana Jones: así como siempre hay una nueva reliquia por descubrir y llevar a un museo, siempre hay un tesoro atrayente para el alma de un pirata en algún recondito lugar del mundo. Y, de más está decirlo, siempre hay un amor del pasado al cual recurrir.

En esas estamos, entonces: franquicias abriéndose o continuándose a lo largo del orbe, novedades varias con respecto a varios proyectos prontos a salir en la misma semana que un tanque cinematográfico arriba en los diferentes espacios destinados a la proyección… Qué más se puede decir, una semana interesante. Aquí les dejo la imagen para su deleite, espero que los convenza con mi argumentación de que, si no es por el lado de la renovación mágica de la calavera, este montón de huesos de cristal algo tienen que ver con la historia —- y mirá por donde terminamos relacionando a Indy con Jack —-.

Vía/Foto: Movie Web

Esta noticia hay cogerla con alfileres por varios motivos. El principal es que atañe a una de las actrices sobre las que más rumores ciruclan a diario por internet, y el segundo que viene de las páginas del diario británico “The Sun” que no es conocido precisamente por la fidelidad de su información.

La cosa es que, según “The Sun” en el rodaje de “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides” están bastante preocupados por el avanzado estado de gestación de Penélope Cruz. La actriz y su ya marido Javier Bardem esperan un hijo, y por lo visto ya empieza a notársele la barriguita. Así que han decidido que para varios planos generales de acción que le quedan por rodar a la madrileña, lo mejor será buscarle una doble. ¿Y quién mejor que su hermana?

Mónica Cruz saltó a la fama con aquél anuncio de la Once precisamente como doble de su hermana. Era una campaña con varios dobles de famosos, y para doble de la actriz cogieron a su hermana Mónica, también actriz. Ahora Mónica, quién se ha labrado una discreta carrera en España intentando por un lado desmarcarse de su hermana, y por el otro recordando en todo momento ser hermana de quién es (algo muy digno por otra parte), podría dar el salto a Hollywood de la misma manera de la que empezó: aprovechando su asombroso parecido físico con su hermana.

La idea es que Mónica salga en los planos generales y en los cortos sea Pe la que le de la réplica a Jhonny Deep. No es algo tan descabellado y es un recurso muy usado en Hollywood, pero repito, no es más que un rumor de “The Sun”, diario que pierde bastante credibilidad al afirmar en el mismo artículo, que Mónica es “toda una estrella en España” y que “su carrera en Hollywood se ha visto truncada sólo porque su inglés no es tan fluido como el de Penélope”.

Vía: The Sun Foto: Enjoyfashion

Jordi Mollà acaba de terminar el rodaje de “88”, la que será su segunda incursión en la dirección cinematográfica. Se trata de una producción de Media Films protagonizada por Rubén Ochandiano —-conocido, sobre todo, por su participación en el último título de Pedro Almodóvar, “Los abrazos rotos” y a quien veremos junto a Javier Bardem en “Biutiful“—- y Beatriz Montañez en su debut cinematográfico.

Como un thriller psicológico, define Jordi Mollà su película, quien se auto-define a sí mismo como un actor que dirige, más que como un director de cine, asegurando que, tras necesitar diez películas para considerarse actor, necesitará cuatro películas más para considerarse director.

Hay muy ochos personajes, los espacios están desiertos y he cortado mucho los diálogos hasta dejarlos en la esencia, porque estamos hablando de la incomunicación y porque prefiero que el fotograma sólo recoja la esencia

El argumento, con alusiones oníricas y personajes que representa el alter ego de los protagonistas, cuenta la historia de una pareja que entra en crisis después de ocho años de matrimonio, cuando pierden a su hijo en un accidente de tráfico. Por lo que deciden empezar de nuevo encontrándose en la misma habitación de hotel donde se conocieran, fingiendo ser personan diferentes y tratando de re-descubrirse y enamorarse de nuevo. No hace falta escuchar a Rubén Ochandiano en el vídeo para intuir la influencia de David Lynch, y si me apuran la de Wong Kar Wai, por aquello del reencuentro en el hotel y fingir que no se conocen.

Todavía presente en la cartelera por su participación en “Knight and Day”, Jordi Mollà es uno de los actores españoles con una, aunque discreta, interesante carrera internacional que le ha permitido trabajar junto a Benicio del Toro, Cate Blanchett, Dennis Quaid, Harvey Keitel o Johnny Depp, además de haber debutado en el cine junto a Penélope Cruz en “Jamón, jamón”. Acaparando tres nominaciones al Goya al mejor actor protagonista y una como mejor actor de reparto. También es conocida su faceta como pintor. Todo un artista multidisciplinar.

Vía: RTVE | Fotos: Europa Press

Si hace unas semanas hablábamos de la deíxis, a propósito de “The Ghost Writer”, el treinta aniversario de “The Shining” nos brinda la oportunidad de comentar la deixis catafórica, otro recurso de la misma familia denominado, sencilla y comúnmente, como catáfora.

Similar al efecto expresivo que sugiere la deixis, que nos fuerza a imaginar algo que no esta presente en el relato, en ocasiones, sucede que, la persona, el objeto o el lugar acerca del que se esta hablando se sitúa dentro del discurso más adelante, al final o después de haber hablado de ello, dejando de constituir lo que denominábamos deixis, para convertirse en catáfora. Aunque sean recursos similares, la sensación que produce en el espectador es diferente pues puede llegar a provocar decepción en el espectador, por lo que un cineasta debe decidir cuidadosamente si desea que aquello a lo que alude se incluya en el relato, o quede formando parte de la imaginación personal.

En el caso de “The Shining”, utiliza este recurso, primero a través del relato que le cuentan a Jack Torrance (Jack Nicholson) de los trágicos sucesos que ocurrieran en el Hotel Overlook, introduciéndonos a Delbert Grady (Philip Stone), el antiguo cuidador que acabara asesinado a su mujer y sus hijas, de manera que cuando les vemos, ya sabemos quienes son, lo que les ha sucedido y el horror que han vivido. De la misma manera, Dick Hallorann (Scatman Crothers) hace lo mismo cuando avisa a Danny (Danny Lloyd) sobre los peligros de la habitación 237, haciendo disparar en el espectador los mecanismos de la sugestión en cuanto Danny se cruza por delante de la temida habitación.

Pero mucho antes hay un caso muy celebrado de catáfora, en el que toda la película gira realmente en torno a la posible existencia de un personaje que se dice ha fallecido y ha sido enterrado. Se trata de “The Third Man”, en la que Holly Martins (Joseph Cotten), reclamado por su amigo Harry Lime (Orson Welles) para que acuda a Vienna, se encuentra con que ha fallecido en extrañas circunstancias. Su deambular por las calles de Viena interrogando todos los que le conocieron, no sirve más que para revelarle la verdadera naturaleza de un individuo tan fascinante y enigmático como embaucador y mentiroso. Harry Lime se materializa, finalmente, constituyendo una de las más recordadas interpretaciones de Orson Welles.

Alfred Hitchcock, quien recurre a menudo a este tipo de recursos, utiliza la catáfora en “Psycho”, con el propósito de que el espectador se familiarice con un personaje antes de que aparezca en pantalla y lo tenga realmente en consideración, pues aparece en escena cuando la acción principal ya ha tenido lugar. Me refiero a Lila Crane (Vera Miles), la hermana de Marion Crane (Janet Leigh), quien antes de morir asesinada en la famosa habitación número 1 del Motel Bates, se encarga de mencionar repetidas veces a su hermana, llegando el espectador a hacerse una imagen psicológica bastante acertada del personaje. La menciona en la primera secuencia, cuando está con Sam (John Gavin) en el apartamento, pasando un rato de amor furtivo en el descanso para el almuerzo, recurre a ella en sus pensamientos, cuando está decidiendo robar el dinero que se le ha encomendado llevar al banco, la menciona cuando especula sobre la posible reacción de su jefe cuando se de cuenta de que le ha robado el dinero. Tal es la presencia del personaje que cuando aparece en la tienda de Sam no necesita presentación, todos sabemos quien es y lo que busca.

Siguiendo la estela de Hitchcock, Roman Polanski, también utilizara puntualmente este recurso en “Rosemary’s Baby” cuando Terry Gionoffrio (Victoria Vetri) le habla a Rosemary (Mia Farrow), de sus anfitriones que la acogen desinteresadamente en su casa, los Castevet (Ruth Gordon y Sidney Blackmer), de manera que cuando les vemos aparecer ya sabemos quienes son, aunque la imagen que nos hayamos hecho no sea la verdadera, la real, pero eso también juega a favor del desarrollo de la trama. Uno de los rompederos de cabeza de Roman Polanski en esta película fue la decisión de si debía aparecer o no el bebe de Rosemary, al que se alude ya desde el título de la película. Algo que soluciona con un recurso, tramposo para algunos, pero sugerente para otros, en el que se muestran, tan sólo, unos ojos, que ni siquiera sabemos si son los del niño o los del padre, Satán, dejando se intuya todo lo demás a través del llanto, la cuna y los demás elementos, y permitiendo que cada cual decida si estamos hablando de deixis o de catáfora ¿sale o no sale el bebé de Rosemary?

David Lynch, al igual que los anteriores utiliza a este tipo de recursos, siendo también más dado a la deixis utiliza la catáfora, por ejemplo, en “Blue Velvet” en el que sólo en el último plano veremos al hijo de Dorothy Vallens (Isabella Rossellini), que permaneciera secuestrado durante toda la película y al que escucháramos llorar y llamar a su madre en un momento concreto persin verlo. También en “The Straight Story”, al final del lento y largo viaje de Alvin (Richard Farnsworth) podemos ver a su hermano, Lyle (Harry Dean Stanton), en una de las catáforas cinematográficas más reconfortantes.

También Wim Wenders practica la catáfora en “Paris, Texas”, en la que Travis (Harry Dean Stanton), tras deambular perdido y desorientado por el desierto, se reencuentra con su hijo, Hunter (Hunter Carson), a través del que recuerda el motivo que le llevara a su desconexión con el mundo por los celos y los malos tratos que le diera a Jane (Nastassja Kinski), su esposa. Un recuerdo del que no consigue sobreponerse y que le lleva a buscarla para devolverle a su hijo, encontrándola en uno de los más bellos y emotivos momentos del cine de los años ochenta.

Si lo pensamos un poco, hablando más que de cine, de lenguaje audiovisual, llegaríamos a la conclusión de que la catáfora es uno de los recursos más utilizados en el medio televisivo, más concretamente en los spots de publicidad, que muchas veces hablan de un determinado producto, para mostrarlo sólo al final del anuncio, sucede mucho, por ejemplo, en los anuncios de perfume.

Por último, quisiera remarcar un caso en el que la catáfora debiera haber permanecido como deixis, siempre desde mi personal punto de vista, claro. Me refiero a un título del aclamado Pedro Almodóvar, “Todo sobre mi madre”, en el que puedo ser capaz de imaginarme a un travesti portador del virus del sida que deja embarazada a una monja (Penélope Cruz), hasta el momento en el que el travesti se materializa en la figura de Lola (Toni Cantó), vestido, más como un dragqueen que como un travesti, que no es lo mismo. Casi lo mismo podría decirse de la aparición de Jack (Jonathan Pryce) en “Jumpin’ Jack Flash”, sobre todo para los que no hubieran visto la fascinante “Brazil” y desconocieran quien es el actor galés.

En estos casos, para evitar la especulación personal y que la imaginación individual nos lleve por el camino equivocado, defraudándonos cuando se muestra el objeto real, hubiera sido preferible mostrarlo antes, al principio, pero eso ya no sería catáfora, sino el recurso opuesto, la anáfora, que dejamos para una última entrada sobre este tipo de recursos.

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“The Private Lives de Pippa Lee” es una excelente muestra de la reciente proliferación de cine realizado por mujeres que profundiza, con responsabilidad, en uno de los perfiles femeninos más infravalorados: la esposa, a la vez que nos regala una estupenda interpretación de Robin Wright.

Pippa Lee (Robin Wright Penn) está casada con Herb Lee (Alan Arkin), un editor retirado que, con tres infartos a sus espaldas, decide mudarse a Conneticut, “una defensa contra la decrepitud”. Pippa, esposa abnegada, se adapta perfectamente a su nuevo entorno, a pesar de ser treinta años menor que su esposo, diferencia de edad que también lleva con el resto de la urbanización. Un pequeño problema de sonambulismo aflora de repente en su vida y Pippa Lee se cuestiona su vida, las decisiones que ha tomado hasta llegar al punto en el que se encuentra, tratando de reencontrarse consigo misma.

Rebecca Miller, directora y guionista de la película, que adapta de su propia novela, adquiere para su exposición cinematográfica el estilo de algunas películas europeas, como “Die Blechtrommel (The Tin Drum)”, haciendo un recorrido por la biografía del personaje que comienza en el mismo momento de su nacimiento. A través de la alternancia entre presente y pasado —-que enlaza siguiendo un estilo utilizado numerosas veces por Woody Allen, mezclando ambos tiempos dentro del mismo plano—-, nos ofrece los acontecimientos más importantes de la vida de Pippa Lee para llegar a entender su presente.

No cabe duda que el excepcional reparto de la película es uno de sus grandes alicientes, desde su protagonista, Robin Wright Penn, que nos ofrece una Pippa tan cercana como misteriosa, tan sensata como salvaje, al contrario que Blake Lively que resulta bastante superficial; hasta la serena presencia de Alan Arkin, que consigue disipar la diferencia de edad con su esposa a base de carisma y personalidad o la breve pero siempre estimulante presencia de Monica Bellucci, como la segunda esposa de Herb —-que casualmente parece bastante inspirada en la que hiciera Penélope Cruz en “Vicky, Cristina, Barcelona“—-; o incluso Keanu Reeves y Winona Ryder que interpretan dos personajes que parecieran caricaturas de la imagen distorsionada que el espectador parece tener de ellos.

Algunos personajes pueden parecer un poco estereotipados, tanto los masculinos como los femeninos, y algunas situaciones están demasiado forzadas, particularmente las relacionadas con los años setenta y ese ambiente artístico, las drogas, la moda, los peinados, las actitudes que y tan sólo parecen mostrar gente disfrazada —-también es cierto que toda esta parte coincide con la aportación de Blake Lively, que ya he dejado claro no me ha impresionado en absoluto—-, nada que ver, por ejemplo, con la autenticidad de las mismas fiestas en las películas de Woody Allen, al igual que el diseño de producción que sí es igual de verosímil y efectivo que el de las del cineasta neoyorquino. La tía lesbiana y las secuencias que Pippa protagoniza con la amante de su tía, Kat (Julianne Moore), me parecen algo gratuitas, tan sólo aportan que sepamos de la libertad sexual o tolerancia por parte de Pippa, pero poco más, aunque sean presentadas de una manera fresca y divertida.

Pero aún así el discurso plantea dilemas y relaciones muy interesantes, como la que Pippa mantiene con su madre, Suky (Maria Bello), y esa crítica a la drogadicción a la que algunas mujeres han estado sometidas a causa de la tiranía del cuerpo en esta sociedad consumista. También es cierto que parece, por lo menos tal y como se presenta en la película, algo inverosimil que Pippa, tras huir de casa a causa de la drogadicción de su madre, caiga en el mismo infierno, aunque sea por otros motivos. De hecho esta situación no se plantea directamente, sino que se expresa a través de Pippa, no vemos en imágenes el momento en que Pippa ingiere su primera droga, tan sólo se nos muestran diversas situaciones “salvajes” que no llegan a explicar nada. Pareciera que a Rebecca Miller, le diera miedo profundizar en esa faceta, quizás no sea su objetivo, pero entonces podría habérselo ahorrado o contarlo de otra manera.

Lo que sí es efectivo y muy interesante, porque se expone con claridad y efectividad, es el momento en que Pippa Sarkissian se convierte en Pippa Lee. Una metamorfosis que va más allá del cambio de apellido de Pippa, convirtiéndola en una nueva persona, de la misma manera que tiene su nuevo nombre que le relaciona con su nueva realidad. Los últimos treinta y cinco minutos de película, que coinciden con este cambio, difuminan las incoherencias anteriores y compensan cualquier carencia de autenticidad anterior.

En cualquier caso, resulta un tanto irónico, que vista la reivindicación de la mujer por encima de su apellido que se hace en la película, su propia protagonista, Robin Wright, que pudiendo utilizar profesionalmente su nombre de soltera, decida añadir al suyo el de su marido, Sean Penn, viniendo a denominarse Robin Wright Penn.

Fotos: Mi Ventana

Esto ya empieza a oler a chamusquina. Primero fue el guión de la última entrega de Harry Potter. Luego un plan de rodaje del último episodio de Lost. Y ahora una página del guión de la próxima entrega de “Piratas del Caribe”. Parece una campaña orquestada para decir que la gente del mundo del cine son unos juerguistas de tomo y lomo. Que no digo que no sea así, pero tampoco es para tanto, creo yo…

En fin, que según “The Sun”, un cliente de un bar de Londres, se encontró sobre su mesa la página 194 del guión de “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”. Empezamos aquí con las cosas raras. ¿La página 194? ¿Pero cuanto va a durar esa película? Si tenemos en cuenta que una página equivale aproximadamente a un minuto de película, y que la media de una película de Hollywood es de unas 100 páginas, si esto fuera real, la cuarta parte de “Piratas del Caribe” va a durar unos 200 minutos. Algo realmente imporbable.

Por otra parte una serie de circunstancias hacen que desconfiemos del rotativo británico: El lector no ha querido decir su nombre, ha afirmado que “no leyó ni una línea” porque es un gran fan de la saga y no quería estropearse la sorpresa, y para colmo, los del Sun han devuelto la página a Disney, quienes han afirmado que “Es bueno saber que los lectores de Sun son ciudadanos honorables”. ¡Vamos hombre!

Personalmente no me creo una línea de la noticia. Con el de Harry Potter bien que lo llevaron en portada, con fotografías del guión incluídas. Aquí, se han limitado a dar la noticia, sin una prueba que lo corrobore.

Vía: Europa Press Foto: Filmofilia

Dirigida por Rob Marshall, esta cuarta entrega de “Pirates of Caribbean”, que lleva el título de “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides”, ya se está empezando a armar de la mejor manera posible. Hace un tiempo, les habíamos contado el modo en que el cast iba tomando forma y les dimos la sorpresa de la inclusión de dos actores jóvenes, los cuales iban a compartir escenario con el ya clásico de la saga, Mr. Jhonny Depp. Además, también los pusimos al tanto del impedimento económico con el que se iba a tener que enfrentar esta secuela y la noticia de que, para variar, su estreno sería en 3D.

Ahora, de manos de los productores, y en forma de comunicado de prensa oficial, nos enteramos de un par de detalles de la producción de esta cuarta parte de los piratas de aguas turbulentas. Primero, se dio a conocer parte de la trama oficial, la cual, según fuente oficial, será una aventura de verdad, traición y muerte. El capitán Jack Sparrow se encontrará con una mujer de su pasado, que está interpretada por Penélope Cruz y deberá sortear su destino para ver si todavía siente cosas por ella o es sólo una mala jugada del destino. Además, se incluirá el tema de “La Fuente de la Vida”, la cual fue tratada sutilmente en anteriores versiones de “Pirates of Caribbean”. La acción girará en torno al ya mencionado capitán y tendrá como eje principal la relación con la misteriosa mujer y con el Barbanegra.

Les recuerdo que “Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides” pretende ser estrenada el 20 de mayo del próximo año en los cines estadounidenses y que las filmaciones acaban de empezar hace una semana atrás en en la bahía de Hawai. Esperemos que el componente 3D le dé un buen plus a esta aventura a mar abierto. Le tengo un poco de fe, pero que sea ésta, y luego ya nada más de piratas, por favor.

Vía: Comingsoon | Foto: Flowkery

Como cada mes de junio, la Cámara de Comercio de Hollywood ha anunciado que la actriz, modelo y diseñadora, Penélope Cruz, tendrá su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood a partir del año que viene.

Quién iba a decirle a la de San Sebastián de los Reyes, o Alcobendas —-como ella prefiera—-, que algún día iba a conseguir aquello que nunca se hubiera atrevido a soñar —-al final va a ser cierto que Bigas Luna tenía en mente a Penélope Cruz cuando comenzó su trilogía del éxito—-, que dijo que nunca más volvería a enseñar sus pechos, después de que se los viéramos en docenas de películas, y lo volviera a hacer otra vez para Pedro en “Los abrazos rotos”, y que, por fin, podrá ver como cualquier transeúnte pisoteará su nombre con elegancia, cuando pasee por el peculiar bulevar tan frecuentado de turistas, de día, y de putas y chaperos, de noche.

La lista de afortunados se completa con 28 profesionales del espectáculo —-que no artistas—- que pasarán a ser inmortalizados junto a ellas entre los que destacan:

• el grupo mexicano de música norteña, Los Tigres del Norte
• el actor y director Ed Harris
• la rubia como ninguna, hija de y madre en la vida, Gwyneth Paltrow
• el cantante del grupo Black Eyed Peas, Will.i.Am
• la maravillosa e inigualable Sissy Spacek, que no sabemos cómo no la tiene después de “Carrie”
• el excéntrico Donald Sutherland
• la legalmente estupenda y rubia Reese Witherspoon
• el cineasta, anteriormente fabricante de obras maestras y actualmente enfadado porque no le dan su Oscar, Ridley Scott
• el también director —-por decir algo—- de la franquicia “High School Musical” y otros refritos, la mayor parte televisivos o para el mercado de vídeo, Kenny Ortega
• la megatelevisiva Oprah Winfrey, que se hiciera conocida internacionalmente por su estupenda interpretación en “The Color Purple”
• Ed O’Neill, que se hiciera famoso por “Married with Children”
• el pequeño gran hombre, Danny DeVito, actor de productos, produtor de obras artísticas y director de pequeñas joyas como “The War of the Roses”
• La familia Dern-Ladd al completo, incluyendo al papá Bruce Dern,
• la mamá Diane Ladd, personal y genuina como ninguna
• y su superalternativa hijitaLaura Dern
• y el maravilloso grupo de personajes creados por Jim Henson: “The Muppets”

Sin haberse dado a conocer todavía la fecha en la que todos estos profesionales del espectáculo podrán recibir su estrellita por la Cámara de Comercio de Hollywood, no podemos más que sorprendernos, suponiendo que el hecho sea un honor, en que algunos de los nombrados hayan tardado tanto en recibir esta mención.

Desconociendo cual es el criterio real que les lleva a confeccionar tan ecléctica lista, me pregunto si David Lynch estará frotándose las manos pensando sobre quién va a vomitar, desangrarse o mear alguno de los torturados personajes de sus películas, como hiciera, precisamente, Laura Dern, en “Inland Empire”. ¿Sobre cual de estas estrellas lo harías tú?

Vía: Hoy Cinema | Fotos: Álvaro Pérez La Higuera

Tres años después de que Javier Bardem se hiciera con un Oscar a mejor actor —-el primer actor español que logra tal hazaña—-, se volvió a hacer dueño de todas las miradas al recibir el máximo galardón en Cannes. Esta vez fue por su trabajo “Biutiful”, dirigido por Alejandro González Iñárritu. En esta película interpreta a un paciente enfermo de cáncer que tiene poco tiempo de vida; en ese lapso, decide juntar la mayor cantidad de dinero posible, para asegurarle un buen pasar a su familia. Lógicamente la vía más rápida para ello no es legal. El mismo actor comenta sobre su rol: “La grandeza del personaje reside en que no se apaga la llamita de la compasión. La compasión es su único signo de salud”.

La realidad es que los organizadores del Festival de Cannes no pudieron decidir entre el actor español y Elio Germano (“La Nostra Vita”), por lo que compartieron el podio. Este año la participación Española y Latinoamericana había sido bastante escasa y a pesar de ello se logró cosechar semejante éxito. A pesar de no haber visto la película y de lo poco que se desprende del vídeo promocional, no caben muchas dudas del trabajo excepcional de Bardem.

Para aquellos interesados en el cholulaje, en su discurso el actor mencionó a Penélope Cruz, dijo: “Quiero compartir este galardón con mi amiga, mi compañera, mi amor, Penélope. Te debo mucho”, siendo esta la primera confirmación pública del romance. Pero dejando todo esto de lado, el premio confirma mi suposición: debo ver “Biutiful” apenas pueda.

Vía: Cartelera 10 | Foto: Terra

Parece ser que Elsa Pataky no trabajará en la próxima película de Woody Allen, “Midnight in Paris”, ¿Qué juego es este? ¿Qué se llevan entre manos? ¿Ha cambiado Woody Allen de opinión, o quizás la madrileña nunca estuvo en el casting? ¿De una semana para otra y ya estamos cambiando de idea? ¿Qué le decimos a Sigourney Weaver ahora?

Lo único que parece ser cierto es que Mediapro ha confirmado, por enésima vez ya que no es la primera vez que lo hace desde que se iniciara el proyecto, el casting definitivo de la película y ni rastro de Elsa Pataky. ¿Habrá cogido una indigestión a base de helados? Esperemos que la próxima vez que la señorita Pataky o su representante tengan un asunto entre manos, se cercioren muy bien de tenerlo cogido no vaya a ser que les pase como al protagonista de la fábula Pedro y el lobo, que de tanto mentir, cuando dice la verdad ya nadie le cree.

Quizás Woody Allen quedara sorprendido por la belleza exterior de la madrileña y se quedara a cuadros cuando comprobara un currículo que contiene títulos como “Beyond Re-Animator” —-que de hecho Brian Yuzna me encanta, pero claro hace falta mucho sentido del humor—-, “Tiovivo c. 1950” y “Ninette” —-ambas del insufrible José Luis Garci—-, “Snakes on a Plane”, “Skate or Die” o “Give ‘em Hell, Malone” —-títulos que hablan por sí mismos, ¿o es que a lo mejor lo que vio fue el propio rodaje de “Di Di Hollywood”, que presentaba a Pataky como si de Penélope Cruz se tratara?

No es cuestión de pensar que Mediapro esté jugando al despiste, pues esta será la tercera colaboración con Woody Allen en un convenio para cuatro de las que “Vicky Cristina Barcelona” fue la primera y la segunda la que tiene su estreno previsto para este mismo verano, “You Will Meet a Tall Dark Stranger”, que cuenta con un fantástico reparto encabezado por Antonio Banderas, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Freida Pinto, Lucy Punch y Naomi Wats. Está claro que más vale pájaro en mano que ciento volando, por lo que nos quedaremos con el trailer del Woody Allen seguro, el que está a punto de caramelo.

Vía: Mediapro | Foto: Noticias de Famosos

Nominado a un Goya al Mejor Director Novel por “La vergüenza”, David Planell, prepara el rodaje de su segunda película que tiene como título provisional, “La última de Almodóvar”.

Protagonizada por Carmen Machi, Lola Dueñas y Luis Callejo, la historia pretende contar treinta años de la historia de España a través de una familia y de las películas del cineasta manchego, desde “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” hasta “Los abrazos rotos”. Producida por la productora y distribuidora independiente Avalon, está previsto que el rodaje comience la próxima primavera.

Qué duda cabe que el internacional cineasta y su cine, que surgen tras el franquismo, representa a la perfección todo el periodo histórico que abarca la democracia española. Lo que dudo se muestre tan claro es el cambio temático y estético del cineasta, que en los años ochenta (r)evoluciona cercano a una imagen, a una forma de vida, a un pensamiento, a la estética kitsch, al contraste entre lo castizo y lo posmoderno, hablando en su cine de sí mismo y de todos sus amigos, convirtiéndose en el cineasta representativo —-que no fundador, no nos equivoquemos, antes estaban Iván Zulueta, Fernando Colomo o Félix Rotaeta—- de un colectivo social coronado con el atractivo nombre de la movida madrileña. Claros exponentes de esta etapa serían “Laberinto de pasiones”, “Entre tinieblas”, “¿Qué he hecho yo para merecer esto!!” o “La ley del deseo”.

Pareciera que en los años noventa, buscando una aceptación popular, se alejara de sus premisas iniciales y se volviera menos auténtico, igual de castizo y cañí pero como más de diseño, cambiando la bata de guatiné por las telas de Vittori & Luchino, las plataformas por tacones de aguja, con los mismos travestís pero vestidos de Channel y Valentino, y en lugar de buscar en sí mismo, recurriera a las páginas de sucesos —-y a sus películas favoritas—- en busca de temas y hechos que le permitieran hablar de un supuesto cine social de diseño como puede verse en “Tacones lejanos”, “Kika” o “Carne trémula”.

También es cierto que muchos de sus compañeros (y de los nuestros) siguieran el mismo camino, ahí están Bibiana Fernández —-antes Bibi Andersen, que cambia de nombre más que de sexo—-, sentada de colaboradora en los mismos programas televisivos que el manchego critica en su cine; Antonio Banderas que hace las Américas afianzando su sitio en la meca del cine aprovechando un vulgar braguetazo; y el propio Almodóvar pareciera le diera la espalda al cine de sus inicios dejando de trabajar con su actriz fetiche Carmen Maura —-aprovechando una treta marica—- y dejando de trabajar con colaboradores habituales como el compositor Bernardo Bonezzi, el director de fotografía Ángel L. Fernández o hasta su musa petarda, Fabio MacNamara, a la que tanto le debe.

Otros quedan inalterables y saben evolucionar, tal es el caso de la mentada Carmen Maura, Chus Lampreave, Rossy De Palma, Marisa Paredes, Verónica Forqué, Kity Mánver o Julieta Serrano, todas señoras bien posmodernas. No incluyo en este grupo ni a Eusebio Poncela, ni a Will More, ni a Cecilia Roth, ni a Marta Fernández Muro, pues estos entraron vía “Arrebato”, con Iván Zulueta, él sólo los coge prestados. De la misma manera va asimilando en su estética la de otros cineastas contemporáneos como Bigas Luna de quien recoge a Penélope Cruz y Javier Bardem o de otros más jóvenes y renovados como Julio Medem, de quien coge prestado al compositor Alberto Iglesias del que no le separa ni Dios ni la virgen; o de la televisión que incorpora para el cine a Javier Cámara, Blanca Portillo y a Carmen Machi, sin duda buscando a su lado, la misma aceptación popular que tienen en sus series de televisión, “7 vidas” y “Aída”. Si bien es cierto que los televisivos entraron en esta última década, una época en la que parece que Pedro sea cosciente del cambio y añore su travieso pasado, reflexionando sobre sí mismo y evocándolo en títulos como “La mala educación” o “Los abrazos rotos”.

Lo que sí es cierto es que con cambio o sin él, con evolución o sin ella, cada estreno de Pedro Almodóvar se convierte en un acontecimiento social que te absorbe y te arrastra para ir al cine a ver “la última de Almodóvar”, aunque ya no comulgues, aunque no te interese. Confiemos en que Planell sepa, y quiera, reflejar estos cambios o, por lo menos, se vea a través de esta familia la evolución del cineasta hacia un camino, mientras algunos de sus admiradores tomamos otro camino y, aunque todos estamos encantados con su éxito internacional y valoramos algunos de sus últimos títulos, añoramos un cine mucho más personal.

Foto: Películas Es la Tele

Fox confirma que Tom Cruise y Cameron Diaz estarán en Sevilla para el estreno mundial de “Knight & Day”, la película cuyo rodaje transcurriera por calles sevillanas el pasado octubre y cuenta en el reparto con el actor español Jordi Mollá.

Los decepcionados sevillanos, tan disgustados por no reconocer las calles de su ciudad en las pocas imágenes que se han visto de “Knight & Day” en televisión, tendrán la ocasión de protestar y abuchear a Tom Cruise y Cameron Diaz el próximo 16 de junio, fecha prevista para su estreno. Algo me dice que harán lo contrario y aplaudirán como posesos desbordados ante el glamour de Hollywood, en lo que será todo un acontecimiento social en Sevilla.

La película, dirigida por James Mangold responsable de títulos como la versión de la señorita Peppis de “One Flew Over the Cuckoo’s Nest”, “Girl, Interrupted”, el thriller psicológico “Identity” o el biopic “Walk the Line”, cuenta la historia de una mujer que conoce un secreto que nunca debería haber sabido, convirtiéndose a la fuerza en compañera de una agente infiltrado en una misión que nunca debería haberse llevado a cabo. Una aventura que les lleva por todo el mundo en una sucesión de encuentros sorpresa, persecuciones y falsas identidades, lo que les lleva a confiar únicamente el uno en el otro.

El reparto, que cuenta con Peter Sarsgaard y la “perdida” Maggie Grace, incluye la presencia del actor español, Jordi Mollà, de sobra conocido en territorio español, que comenzara su carrera profesional junto a “Penélope Cruz” en “Jamón, jamón” y que se ha ido prodigando en numerosos filmes internacionales como “Blow”, “The Tulse Luper Suitcases” y sus secuelas, “Elizabeth: the Golden Age” o “Che: Part Two”.

“Knight & Day” constituye la segunda colaboración entre Tom y Cameron, que ya coincidieran en un filme anterior con toque español, “Vanilla Sky”, en la que coincidieran, también, con “Penélope Cruz”, en una de sus primeras incursiones con la industria norteamericana y que fuera a su vez la versión yankee de la segunda película de Alejandro Amenábar, “Abre los ojos”.

Esperemos que en esta ocasión, suponiendo que las secuencias rodadas en Sevilla transcurran, al menos, realmente en España, no se produzca un bochorno similar al producido en “Mission: Impossible II”, en la que se mezclaban fiestas populares españolas como la Semana Santa sevillana y las fallas valencias en un irónico alarde de licencia poética, tras el que, simplemente, afloraba el sempiterno desprecio del gigante norteamericano por todo aquello que tenga sabor español.

Foto: Notas de Cine Fotogramas

Mientras esperamos el estreno de “You Again”, conocemos la noticia de que Sigourney Weaver protagonizará “Red lights”, el próximo proyecto del gallego, Rodrigo Cortés, que también estrena película, “Buried”.

Sigurney Weaver, actriz elegante y versátil capaz de sorprendernos con un intenso personaje en un filme de acción como “Alien” y sus secuelas, de emocionarnos en “Gorillas in the Mist: The Story of Dian Fossey”, de una despiadada mujer de negocios en “Working girl”, de una frágil escritora en “Copycat”, o de, simplemente, hacernos reír y entretenernos en películas como “Ghostbuster” o “Heartbreakers”, ya tiene nuevo proyecto a la espera mientras se estrenan “You Again”, “Paul” o “Night Train”. Se trata del próximo proyecto del cineasta español Rodrigo Cortés, del que todavía estamos esperando el estreno de “Buried”, su primera película rodada en inglés con un reparto internacional y que ha conseguido una llamativa notoriedad en festivales y certámenes como el de Sundance, tal y como sucediera con su ópera prima, “Concursante”.

“Red Lights” trata la historia de Margaret Matheson, una parapsicóloga que intenta desenmascarar a un vidente afamado, quien parece renacer tras treinta años de silencio. “Un thriller acerca de cómo el cerebro no nos proporciona una visión verdadera de la realidad”, según palabras del propio Cortés, que parece afianzar pasito a pasito su camino hacia Hollywood.

Otra que intenta desesperadamente aterrizar en la tierra de los sueños (y las pesadillas, según David Lynch) y que también tiene película pendiente de estreno, “Di Di Hollywood”, es Elsa Pataky, confirmada para el próximo proyecto de Woody Allen, “Midnight in Paris”, un rodaje que tiene previsto empezar este verano en París y que cuenta con la presencia de Rachel Adams, Michael Sheen, Marion Cotillard, Adrien Brody, Owen Nilson, Kathy Bates, y la aparición estelar de Carla Bruni, haciendo de Carla Bruni-Sarkozy. La historia cuenta, en tono de comedia romántica —-que rara se me hace este género para un cineasta como Woody Allen, que aunque sí tiene algún título bajo esta etiqueta, casi nunca se queda tan sólo en comedia romántica—-, el viaje de negocios de una familia norteamericana a París.

Alguien debería explicarle un par de cositas a la Pataky:

1. Woody Allen no hace cine en Hollywood, a los norteamericanos ni siquiera les gusta mucho
2. Muchos han salido en sus películas y algunos casi ni siquiera se han visto —-me refiero a Demi Moore que en su momento, como Elsa, airó a todos los vientos que participaba en “Deconstructing Harry” para aparecer después siempre fuera de foco por necesidades del personaje
3. Si pretende conseguir una nominación al Oscar, no sólo por lo de Penélope Cruz, sino porque casi todos los que con él trabajan casi siempre son nominados, hace falta algo más que tener algo operado, porque no me imagino cual de sus interpretaciones le habrá encandilado; cuarto, que alguien le diga que podría quedarse anunciando sabrosos helados.

No puedo más que constatar un par de curiosidades que parecen bromas de la traviesa providencia:

• Aunque la película de Sigourney Weaver no se ruede en España, la actriz neoyorkina ya aterrizó en tierras españolas para un par de rodajes, “1942: Conquest of Paradise”, en Granada, y “Death and the Maiden”, que se rodara en tierras gallegas en lugar de chilenas.
• “Di Di Hollywood” es la secuela de “Yo soy la Juani”, una cinta en la que mucho se habló sobre las posibilidades de que la Juani estuviera inspirada en la joven Penélope Cruz —-todos tenemos un pasado—-, que iniciara su andanza en el cine de mano del gran Bigas Luna en “Jamón, jamón” y acabara, como bien es sabido, en Hollywood, trabajando con Allen.
• Paralelas han sido las maneras de ambas, que si una se hizo notar con su noviazgo con Tom Cruise —-me hubiera gustado verle paseando por los parques de San Sebastián de los Reyes, o de Alcobendas, por donde ella prefiera—-la otra hizo otro tanto con el suyo: Adrien Brody.
• Más que curioso, también, es que Penélope rodara “Manolete” —-nunca estrenada—- con Adrien Brody en la Ciudad de la Luz, y tras rodar Elsa “Di Di Hollywood” en el mismo lugar, se vaya ahora a rodar a París —-la ciudad de la luz—, junto a Adrien.
• También es curioso que la primera aparición de Sigourney Weaver en el cine fuera en una película de Woody Allen, “Annie Hall”, en un mínimo plano tomado desde lejos, a la salida de un cine, compartido por el propio Allen, pero en el que apenas la vemos. Pero eso sí, siempre podrá decir, igual que dentro de un tiempo Elsa Pataky, que salió en una película del genial Woody Allen.

Foto: StarMedia 20 minutos