Otra de las favoritas para ganar la Palma de Oro, junto a Kiarostami o Haneke, es la esparadísima obra del director canadiense David Cronenberg, Cosmópolis. Una obra en la que parece volver a la senda habitual de su filmografía, abandonada en sus últimas tres películas por un mayor realismo, y que han llegado de forma más mayoritaria al público: A History of Violence (Una Historia de Violencia), Eastern Promises (Promesas del Este) y A Dangerous Method (Un método peligroso). Así, los fans acérrimos del David Cronenberg de siempre están de enhorabuena, y esperan ansiosamente el nuevo estreno.

Además, Cronenberg parte de la novela de uno de los escritores más arriesgados de EEUU, Don deLillo, lo que todavía ha generado una mayor intriga acerca del resultado de la conjunción de dos mentes que siempre quiebran convenciones. La obra se ha presentado un día después que The paperboy, de Lee Daniels, y que Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas.

Cosmópolis narra un día en la vida de un millionario en su rumbo por Manhattan, mientras la ciudad se encuentra sumida en un caos financiero, colmada de manifestantes como ocurrió este mismo año con el movimiento Occupy Wall Street. Denuncia la sumisión del ser humano al dinero, pues llega a fundar una relación del individuo con el mundo basada en la transformación de los sujetos en objetos. Del mismo modo, la obra denuncia la evaporación de la producción en finanzas, de modo que el capitalismo se vuelve incorpóreo, inmaterial y, por ello, volátil y falso. Cronenberg, obsesionado con el tema, escribió el guión en 6 días:

Es un tema importante, y que nunca había tratado realmente: el dinero. El poder del dinero, la forma en que configura el mundo. Para hablar de este tema, no he necesitado realizar investigaciones concretas sobre el mundo de las finanzas. Podemos ver a sus representantes por todas partes.

La obra cuenta con un casting impresionante, y va a suponer una prueba de fuego para demostrar la capacidad interpretativa de la estrella británica Robert Pattinson, que encarna al millonario desalmado. Pero no hace sombra al resto de participantes, entre los que encontramos a la francesa Juliette Binoche, Paul Giamatti y Mathieu Amalric.

En la rueda de prensa, Cronenberg ha hablado de su concepción del cine y su aplicación en Cosmópolis:

Los últimos veintidós minutos de esta película son como una pieza de teatro. Es como si la película tuviera un cortometraje. La cámara se acerca y luego se aleja del actor. En mi opinión, la esencia del cine es lo que dice el rostro de un ser humano. De regreso en mi caravana, miro las tomas, la iluminación… Me fijo en todos los detalles. Hacer esta película no fue fácil.

La película se sustenta en el personaje interpretado por Robert Pattinson, del que habla Cronenberg:

Sería muy fácil decir que el personaje de Robert es una especie de vampiro que chupa la sangre de Wall Street. Pero un actor no puede encarnar algo abstracto. Es un personaje auténtico, que tiene un pasado. Cosmopolis evoca el espectro del capitalismo. Prácticamente cito el manifiesto de Karl Marx.

Robert Pattinson habló también sobre la preparación del personaje:

Pasé dos semanas encerrado en la habitación del hotel, preocupado, no sabía muy bien qué hacer. Fui a hablar de la película con David y él me dijo: “¡Comencemos y ya veremos!”. No es posible preparar este personaje como lo haría con otro. El guión me gustó porque era lírico, parecía que estuviéramos entonando una canción. Presentamos un mundo que no tiene sentido y que debe ser purificado.

Y también habló sobre su colaboración con Cronenberg:

David se ausenta a menudo para verificar lo que hemos filmado. Habitualmente, los directores nos hacen preguntas y se cansan. David nos escucha. Se fija en todo. ¡Tienes que permanecer atento cuando trabajas con él!

Cronenberg lleva una trayectoria fundada en un concepto que ha roto los esquemas de representación audiovisual: la nueva carne. Se trata de una nueva forma de relación del individuo con el cuerpo, que se funda en el masoquismo y en la deformación. Es la forma más extrema de protesta, y la única que queda, cuando el sistema impide la libertad de acto. Si el ser humano no puede modificar el entorno, se modifica a sí mismo, y cada agujero que se perfora, cada deformación que se realiza, se convierte en un acto de protesta y en una reivindicación de la libertad. En este concepto entran películas como La mosca, o Existenz. Pero a estos temas también añade la locura, muy presente en la vida familiar del director, y que irrumpe con fuerza en Videodrome. Con Cosmópolis parece regresar el Cronenberg más radical.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

Poco, muy poco se puede ver en el primer teaser de Cosmopolis. Pero es suficiente, más que suficiente como para estimularnos y mantenernos con las expectativas alerta ante el estreno de la nueva película de David Cronenberg que tras la fallida A Dangerous Method, parece devolvernos a las inquietantes e impredecibles atmósferas de filmes como Videodrome. Ojalá no me equivoque.

Eric Parker es un multimillonario, asesor de inversiones, que siempre está buscando nuevas emociones y que un día de abril del año 2000 decide enfrentarse a dos desafíos: apostar su fortuna contra la subida del yen y cruzar Nueva York en su limusina para cortarse el pelo. Puede que la primera pudiera ser arriesgada, pero sin duda menos peligrosa que la segunda, dado que en esta odisea contemporánea se verá importunado por la llegada del presidente de la nación a la ciudad, el funeral de un ídolo de la música, el rodaje de una película y una violenta manifestación política. Lo que le dará la oportunidad de enfrentarse a algunas de las decisiones que ha tomado en su pasado.

Si el cineasta canadiense se ha rodeado de colaboradores habituales, como el compositor Howard Shore con el que trabaja casi sistemáticamente desde The Brood; el director de fotografía Peter Suschitzky, con el que a colaborado muy a menudo desde Dead Ringers; o la diseñadora de vestuario Denise Cronenberg, que siemrpe ha vestido a sus personajes desde The Fly. Quizás llama la atención que esté producido, entre otros, por uno de los mejores y más personales productores europeos, el portugués Paulo Branco. Quizás por ello podemos encontrar nombres europeos, como Mathieu Amalric y Juliette Binoche, en un excelente reparto, que incluye a Paul Giamatti, Sarah Gadon y Samantha Morton, y que tiene en Robert Pattinson a su máximo protagonista.

A juzgar por las imágenes, da la impresión de que Pattinson lo da completamente todo y que incluso repite como vampiro. Uno de esos vampiros contemporáneos que viven atrapados en una vida tan hedonista como hueca y vacía. Si con películas como Remember Me o Water for Elephants, Robert Pattinson ha seguido ligado a esa onda romanticoide con la que tan bien le ha ido en The Twilight Saga, está claro que con Cosmopolis espera romper definitivamente con su imagen de ídolo para adolescentes. Una apuesta muy oportuna ahora que también pone punto final a la saga romántico vampírica.

Terrible advertencia que rompe la tranquilidad del buen momento, irrumpe el espacio de lo cotidiano con la fuerza de un oráculo oscuro, de un desafortunado destino. La frase proviene de una de las obras de William Shakespeare más celebradas, “Julio Cesar”, en donde el conflicto central gira en torno a las relaciones políticas en aquellos lejanos tiempos de la humanidad y, al mismo tiempo, el hondo problema de la traición, tanto como estrategia política como posibilidad de lo humano. Todo eso, ajustado a nuestros terribles tiempos, está en la última película dirigida y protagonizada por George Clooney, junto a Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti: sí, estamos hablando de “The Ides of March”.

La película cuenta la historia del personaje encarnado por Ryan Gosling, Stephen Meyers, segundo al mando en la Jefatura de campaña del candidato de los demócratas para las próximas presidenciales, Mike Morris, sí, llevado adelante por George Clooney. Stephen mantiene una relación con sus actividades directamente establecida a partir de su fe: el está del lado de Morris porque cree que es el mejor candidato que el partido demócrata puede presentar, al mismo tiempo que sabe que toda su campaña política es una clara muestra de las posibilidades de realmente cambiar algo que Morris tiene. Sin embargo, para poder presentarse a esas presidenciales, debe ganar las internas del propio partido y enfrentarse al otro candidato cuyo Jefe de campaña es Tom Duffy/Paul Giamatti. Entre Duffy y Paul Zara, Jefe de campaña de Morris y primero al mando en relación a Stephen, existe un pleito desde hace bastante por haberse cruzado más de una vez en esto de representar a candidatos opuestos. Tanto Duffy como Zara saben que Stephen es un joven de 30 años con un excelente manejo con los medios, por lo que se disputan su ubicación aunque, claro, el chico tiene las cosas en claro y sabe que no va a abandonar la campaña de su candidato.

En el medio de este conflicto de intereses, surge el problema privado: Stephen empieza a vincularse con una de las internas, encarnada por Evan Rachel Wood, y, al mismo tiempo, asiste a una reunión con Duffy, el jefe de campaña del “equipo contrario”. ¿Qué saldrá de este cruce de posiciones? ¿Qué secretos esconde la propia interna que pueden afectar a la campaña? ¿Cuáles son las consecuencias y cuál la estrategia que se esconde detrás de la inocente reunión con Tom Duffy? Cada una de esas preguntas obtendrá sus respectivas respuestas, claro, con el riesgo que conlleva para la propia vida de Stephen.

Muchas cintas norteamericanas se encargan de revisar los meandros de la vida política y de ofrecerles cierto drama, siempre, claro, con el objetivo de que una estructura narrativa mínima pueda poder el verdadero problema en cuestión: la aclaración de algunos hechos oscuros que rebelan que todo lo político es el ejercicio de la violencia y la fuerza, no tanto de los ideales más prístinos. Logradas cintas como “J.F.K.” (1990) de Oliver Stone o “All The President´s Men” (1976) de Robert Redford o bastante malas como la reciente “J. Edgar” (2011) de Clint Eastwood demuestran que, a la larga, todo lo referente al manejo del gobierno de turno no sólo es oscuro, sino que adquiere precisamente ese color porque se insiste que en algún momento pueden llegar a haber buenos intereses, excelentes ideales. Y ahí está el error: la política es el ejercicio de violencia y decisiones particulares, no tanto el pleno funcionamiento de un sistema de ideales que cuajan perfectamente en la República, no, para nada. Cada día, en nuestra vida cotidiana, podemos comprobarlo, y cintas como la mencionada no dejan de mostrar que la idea de “conspiración” es en realidad el choque contra un concepto ideológico determinado (como el de la “buena” República, algo que se puede remontar perfectamente a Platón) y la verdad del mundo político, estrictamente, el debate en torno a las palabras para definir lo Real que esto implica. No creo que haya sobreabundancia de palabras, sino que, muy por el contrario, estamos sumergidos en un género que habilita, precisa eso para poder ejercer su comentario crítico: la efectividad o no ya no depende de una cinta particular, sino de todo el sistema que la contiene — ¿cómo una película norteamericana va a terminar hablando mal de su propio país? —.

Poder, poder, poder: el cinismo que lentamente comienza a avanzar en la vida de Stephen no es otra cosa que la puesta por delante de las estrategias para triunfar en la política, esto es, manipulación de la información, de las influencias, etc. La cinta no nos va a cambiar la vida, pero no por eso deja de ser un excelente trabajo que, en la línea de la genial “Good Night, and Good Luck” (2005), nos muestran a un cada vez más afilado Clooney, o sea, nos muestran a un artista íntegro que puede trabajar con temas candentes sin por eso renunciar a hacer una buena película.

Seguro que todos estamos de acuerdo en el mensaje de The Ides of March, la última película escrita, producida, dirigida y protagonizada por George Clooney. En lo que probablemente podemos discrepar es en la efectividad de la película para convencer de la validez de su propuesta, es decir, en los métodos que el cineasta utiliza para desarrollar su relato que, desde mi punto de vista, denotan demasiadas buenas intenciones, para unos resultados algo cuestionables.

La mayoría de las veces que nos enfrentamos a una película dirigida por un actor, pareciera que fuera sometido a un examen algo más exhaustivo que si de cualquier otro director de cine se tratara. Si algunos como Robert Redford, Sean Penn o Barbra Streisand han superado de largo ese estigma, en el caso de George Clooney parece que se puede prescindir de ese examen tras sus tres títulos previos. Pero en The Ides of March, lo que delata al cineasta es un ligero empeño por hacer que su película parezca más una obra que un producto. En ocasiones también una característica común a algunos de esos actores convertidos en directores.

Esta percepción se desprende (o la interpreto) de la segunda secuencia de la película, que se cuela en la primera a través de un tema musical que después se revelará diegético, pero que no parece que tenga nada que ver realmente con la trama de la película, si no fuera para otra cosa que embellecer la secuencia. En un momento dado podría pensarse que se trata de una manera de vincular emocionalmente su película con aquella paranoia militar (y política) de Stanley Kubrick, pero una vez avanza la proyección acaba diluyéndose cualquier referencia a Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrting and Love the Bomb.

Tampoco estamos hablando de una película mediocre. Todo lo contrario, es entretenida, con una fina fotografía, una banda sonora elegante y, sobre todo, un excepcional reparto. Desde Ryan Gosling al propio George Clooney. Pasando por las siempre efectivas y estimables aportaciones de Marisa Tomei, Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman. Y con una mención especial para Evan Rachel Wood, que transmite más y mejor que el sector masculino del reparto.

Quizás el problema de The Idus of March sea en la adaptación que George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon hacen de la obra de este último, que si por un lado dibuja unos personajes muy precisos y concretos, no acaba de encontrar un equilibrio entre lo que quiere contar y la manera de hacerlo. O lo que es lo mismo, acaba desbordado por un exceso de palabras en detrimento de acciones que tardan demasiado en llegar. Para colmo, cuando las acciones llegan no consigue llegar a conmover o sorprender. Quizás ya estamos, desgraciadamente, acostumbrados a este tipo de escándalos. Dada la efectividad de los componentes del reparto, no me cabe ninguna duda de que todos ellos habrían sido capaces de aportar lo mismo con muchos menos diálogos que, en la mayoría de los casos, resultan meramente decorativos y altamente pretenciosos.

Quizás la historia hubiera tenido mucha más fuerza si su crítica se pudiera relacionar con alguna pugna política contemporánea. Ejemplos no le hubieran faltado. Pero Clooney decide ubicar a su político y su equipo en una tesitura neutral. Aunque se decanta por un lado político para desarrollar su historia, deja claro que su interés no es criticar político o partido alguno, sino el sistema en general. Una diplomacia que esconde la hipocresía de quien no parece querer mostrar sus cartas. Y quizás por eso, aunque su relato es interesante, no acaba de llegar con toda su contundencia.

Tom McCarthy ha demostrado, con sólo tres películas como director, que al menos sabe contar historias, algo que a día de hoy lamentablemente tenemos que agradecer porque no encontramos tantos ejemplos como deberían. Además sus historias son muy características: son personas normales y corrientes que sufren algún tipo de problema interior que les influye en su vida exterior, aunque todo ello lo oculten bajo una máscara de absoluta normalidad. Todo esto cambia cuando se introduce un elemento nuevo y completamente diferente que les hace replantearse sus vidas y si lo que habían hecho hasta entonces es lo correcto.

Esto es justo lo que ocurre en “Win Win”: Paul Giamatti es un abogado obsesionado con ayudar a la gente, algo que no es muy viable económicamente, pero que encuentra en entrenar chavales para lucha libre su vía de escape. Sin embargo la frustración que siente al no ver recompensado su trabajo entrenándoles desaparece cuando se ve obligado a acoger a un chico que es todo un maestro en este deporte.

Evidentemente la historia tiene mucho más pero no os la quiero destripar demasiado. Y es que las cintas de McCarthy comienzan desde un punto que mediante el clásico método de introducción-nudo-desenlace acaba en algo completamente distinto. Todo esto hay que cogerlo con pinzas puesto que, aunque el argumento es elaborado y los arcos de transformación de los personajes complejos, también hay que reconocer que la historia en sí es tremendamente previsible. El director utiliza recursos demasiado manidos, resolviendo la trama y las subtramas de una forma bastante simple aunque efectiva, pero que después de comprobar cómo se desenvuelve en todo el metraje deja una sensación de que podía haber conseguido algo más.

Sin embargo si la película falla en la historia y el desarrollo de las subtramas, gana con los personajes, y mucho. Tanto el protagonista como el resto de secundarios que le acompañan están muy bien perfilados, bien trabajados e ideados, lo que aporta una gran riqueza al conjunto. Cada uno de ellos tiene un trabajo específico dentro de la historia, consiguiendo aportar grandes cosas y sobre todo muy variadas, teniendo en cuenta que cada uno de ellos es diferente al resto. Aunque a veces las decisiones que toman son un poco antinaturales teniendo en cuenta como nos los definen, son errores menores que no cambian su buen trabajo.

Pero aparte del gran trabajo del guión, también hay que reconocer que a esto ayuda mucho las buenas interpretaciones del reparto. Desde el protagonista, Paul Giamatti, hasta el secundario que menos aparece en la cinta, todos saben cuál es su papel y cómo interpretarlo de manera correcta, y eso ayuda mucho al espectador a transmitir una sensación de naturalidad, de que lo que estamos viendo puede ser real, algo capital para entrar dentro de una película. Giamatti está como casi siempre: con un personaje dramático pero que sabe cuándo aportar los toques cómicos sin que parezca forzado.

Además McCarthy se ha sabido rodear de grandes secundarios que siempre tienen mucho que aportar a una película. Entre ellos destacan Amy Ryan y el siempre cumplidor Jeffrey Tambor, que sólo con un gesto puede hacer que nos partamos de risa. Un sorprendente descubrimiento ha sido Alex Shaffer, que tiene un debut cinematográfico verdaderamente remarcable como el chico de problemas familiares que tiene a la lucha libre como su mayor vocación.

Por lo tanto, tenemos una película entretenida que se deja ver, con un buen reparto con grandes interpretaciones que sin duda representar lo mejor de la obra. Pero el conjunto tiene ese aire a refrito que en todo momento nos da la sensación de que ya lo hemos visto en numerosas ocasiones. Igualmente es una película recomendable, especialmente por algunos gags verdaderamente graciosos.

Fotos: Ktarsis & CinemaSeries

Estas últimas semanas estamos viviendo un auténtico bombardeo de tráilers, carteles, y distintos avances de las películas que nos llegarán próximamente. Algunas de ellas se refieren a las superproducciones que nos invadirán el verano del año que viene, que promete ser agotador a este respecto, mientras que otras son de cintas más desconocidas pero no por ello de menor calidad o al menos de menor interés.

Las últimas noticias sobre tráilers y demás hacen referencia a la última película de George Clooney como director, que supondrá su cuarto largometraje asumiendo este rol. Parece que el actor le ha cogido el gusto a dirigir, y también a protagonizar las películas que realiza, porque también repetirá trabajo en la cinta titulada “The Ides of March”. Por otra parte, Clooney sigue manteniendo su buen hacer en cuanto a saber rodearse de buenos actores para sus cintas, ya que esta vez trabajará junto con actores de la talla de Ryan Gosling, Phillip Seymour Hoffman o Paul Giamatti. Desde luego para los que le gustaba Clooney como director, al conocer el reparto ya tienen un argumento más para ver su próxima película.

¿Y de qué tratará la cinta? De nuevo el actor retoma elementos de películas pasadas y volverá a realizar una cinta con temas políticos. Esta vez la historia girará en torno al personaje que interpreta Ryan Gosling, que dará vida a un joven responsable de prensa de uno de los candidatos a las elecciones primarias por el partido demócrata en su carrera hacia la presidencia de los Estados Unidos (papel que interpretará Clooney). Pero no será un trabajo fácil ya que, al parecer desde la sátira y el humor negro, vivirá todo tipo de situaciones que nos harán plantearnos hasta qué punto serán verdad o no. Todo ello queda muy bien resumido en el primer tráiler que ha aparecido, aquí lo tenéis:

Como hoy mismo ha confirmado mi compañero Luis, la película se podrá ver por primera vez en el próximo Festival de Venecia, donde competirá con otras tantas producciones de calidad. En cuanto a su fecha de entrada para el circuito comercial, su estreno está previsto para el próximo 7 de octubre en Estados Unidos.

“Ironclad” relata una gesta que, de estar ubicada en nuestro tiempo, sería calificada como la de unos terroristas que atentan contra un poder establecido de manera legal, siempre según las reglas de su país y de su tiempo, e independientemente de que posteriormente esa legalidad quede cuestionada por otros hechos. Con tal de acercar ese tiempo al espectador actual, Jonathan English presenta su conflicto y personajes como si de una película de acción contemporánea se tratase, pero sin descuidar detalles como la omnipresente suciedad, barro y miseria características de la Edad Media. Así mismo, al recurrir al tono gore de las batallas, confirma las intenciones realistas de su director. Sin embargo, todo este realismo estético queda un tanto enturbiado por el estilo con el que decide afrontar cada una de las batallas y secuencias de acción, que le llevan a un frenético movimiento de cámara que más que mostrar, ensucia aquello que no alcanzan ni barro ni sangre.

Y en un intento por darle a la historia algo más que acción y entretenimiento, Jonathan English parece bucear en las fuentes shakesperianas para dotar a su rey de aplomo y trascendencia, así como a su templario de capacidad de pensamiento y profundidad psicológica. En el caso de este último, se sirve del personaje que llevará el peso de toda la narración para transmitir que la guerra no es un acto de nobleza y heroísmo, sino una acción que catapulta al individuo al infierno personal y la perdida de fe y valores tanto en Dios, como en el ser humano.

Si bien el rey está interpretado por el siempre magnífico Paul Giamatti, el templario tiene los rasgos de James Purefoy, quien a pesar de que en las notas de prensa de la película haya sido definido como un actor versátil, es difícil no pensar que en lugar de a sus dotes como actor, aluden a sus preferencias sexuales, pues sólo dispone de una cara, una mirada y un tono de voz en toda la película. Tampoco ayuda nada al desarrollo de la trama la inclusión del personaje femenino, Lady Isabel (Kate Mara), que se empeña a toda costa en corromper al templario cuando en ningún momento parece estar realmente impresionado ni por sus belleza ni por su verborrea. Me atrevería a afirmar que se trata de un personaje impuesto y metido con calzador, en favor de incluir una presencia femenina en una gesta tan típicamente masculina.

Quedan, eso sí, las presencias de actores tan eficientes y estimulantes como Brian Cox, Derek Jacobi y Charles Dance que, por cierto, son lo que aportan un mayor acento inglés, a un reparto invadido por acentos americanos. Y no deja de ser curioso porque Jonathan English parece haber importado de los Estados Unidos otra curiosa tendencia, que es la de conseguir desviar la mirada crítica sobre aquellos que no son anglosajones pues si por un lado podemos entender la causa de los rebeldes, en un momento dado también comprendemos que el rey lucha por aquello que considera suyo. Queda así los mercenarios daneses, que ha contratado para culminar su cruzada, como los malos malísimos de la muerte. Como si se quisiera dar a entender que el mal (y su eje) nunca está en aquellos que hablan en inglés, sino en idiomas extranjeros.

Puede que un segundo visitando de “Ironclad” me ayude a profundizar y entender la propuesta de Jonathan English, pero también es posible que acabe por alejarme aún más de las pocas virtudes que contiene su relato.

Un nuevo filme del genial Paul Giamatti —- ganador del último Golden Globe como mejor actor por “Barney´s version” — con dirección de Thomas McCarthy, titulado “Win Win” ya tiene tráiler para que comencemos a palpitar lo que se viene. Lo cierto es que esta cinta acaba de ser presentada en el Sundance y ha sido de los más populares, con fecha de estreno para el 18 de marzo de 2011 en Estados Unidos. Pero Giamatti no está solo en esto, viene acompañado de Bobby Cannavale; Burt Young, Jeffrey Tambor, Amy Ryan y el novato Alex Shaffer.

Paul Giamatti es Mike Flaherty, un abogado descorazonado que por las noches es entrenador voluntario de un equipo de lucha libre. Un día junto a su mujer (Ryan) deberán hacerse cargo de un joven adolescente (Shaffer) que es un excelente luchador, mientras que su madre ha sido internada en un centro de rehabilitación. Cuando todo parece estar acomodándose en sus vidas, regresa su madre para reclamarlo generando un cortocircuito en la historia.

El guión ha sido desarrollado por el director Thomas McCarthy —- también conocido por “The Visitor” —- y de Joe Tiboni, mientras que la producción está a cargo de Fox Searchlight Pictures —- quién también la distribuye —-, Next Wednesday Productions y Everest Entertainment.

Lo interesante es que el filme propone un drama sobre la importancia de una familia y cómo lograr tener una. Giamatti me parece un actor extraordinario que de a poco ha podido ir elegiendo papeles interesantes como los actuales que lo han hecho crecer como profesional. Lamento su no nominación a los Oscars por su papel del productor alcohólico en “Barney´s Version”, pero confio que este papel en “Win Win” u otro, le van a permitir insertarse con mayor peso en esta industria del cine y va a lograr algún reconocimiento de relevancia como el Oscar en poco tiempo.

Mientras los dejo viendo las primeras imágenes luego de su presentación el 21 de enero en el Sundance y aguardamos prontas novedades de estreno en Argentina, España, México y Latinoamérica, que por suerte el cine de este actor es muy bien recibido. ¿No les parece?

Win Win
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Vía: Playlist | Foto: MovieCarpet

Paul Giamatti es uno de esos actores que en la actualidad van de proyecto en proyecto ayudados no tanto por el empuje de tal o cual agente —- cosa que, no lo descartemos, es fundamental —-, sino que, ante todo, implica una apuesta por parte de una productora cinematográfica a una actor confiable, que puede interpretar una serie de papeles bastante arriesgados en varios proyectos y salir siempre indemne, o con algo para anotar en la lista de “cómo ser un gran actor”. Este título puede también pesar, claro: siempre bajo el título de “the character´s actor”, Giamatti cae siempre en la casilla del actor que interpreta aquellos personajes que no les cuadra a las estrellas “bonitas” de Hollywood por ser demasiado freaks. De estas y muchas cosas, siempre con el pretexto de presentar “Barney´s Version”, habla en la entrevista dada para Empire Online.

¿De qué se habla en esta entrevista? Bueno, para empezar, algunos datos con respecto a la película en la que participó, las dificultades que representa interpretar a una persona metida en una vida amorosa más que compleja en donde no se sabe qué es lo que se tiene que hacer, para dónde hay que salir: tres matrimonios, tres relaciones, varios años encima desde donde poder ver qué es lo que sucede no sólo con las elecciones de este productor televisivo con proyectos poco exitosos, sino con la vida de cada uno, esa cosa de los buenos actores de cine de generar empatía con el público para después dejarnos una sensación flotando en la cabeza una vez que la cinta ha terminado.

Además de esto, Giamatti comenta su lugar dentro del mundo hollywoodense como actor de personajes complicados, cosa que comentamos más arriba, además de decir algunas palabras con respecto a su venidera participación en la próxima película de George Clooney: “The Ides of March”, una cinta programada para ser estrenada en el 2011. El tema de este proyecto, el cual planea filmarse dentro de poco, es un asunto de relaciones políticas complejas dentro del marco de una campaña: el lado bueno, idealista de estas prácticas y el lado malo, el lado perverso en donde lo que se cuenta no es tanto la maldad, sino el costado especulador de la política, cosa que corresponde, mis muy queridos amigos, a la manera en que la política efectivamente se realiza.

Paul Giamatti es, sin lugar a dudas, uno de mis actores preferidos: cualquier cosa que haga merece la pena ser vista. A disfrutar de la entrevista, entonces, y a prepararse para todo lo que viene.

Vía/Foto: Empire Online

Sí, en el día de ayer se entregaron los tan esperados “Golden Globe” del 2011, una de las antesalas más importantes en lo que se refiere a la entrega de los Oscar y, por su lado, un premio para nada despreciable que constituye el segundo premio más importante otorgado por la crítica norteamericana —- la HFPA, estrictamente —-. Con los resultados publicados, lo último que nos quedaba en la lista era revisar, analizar y comparar qué nos ha dejado la entrega a los fines de dar un cierre coherente a la cobertura que hemos llevado adelante y, de paso, escuchar sus opiniones al respecto.

El show, como siempre, constituyó uno de esos eventos en los cuales es bastante difícil que nos sintamos aburridos: de más está decirlo, uno de los elementos más importantes de este tipo de entregas es el host, papel que ha quedado en manos este año de Ricky Gervais, conocido cómico británico que, como suele ser su costumbre, no se detuvo en nada para realizar algunos chistes que no siempre le caen bien a todo el mundo. Desde mi perspectiva, estoy muy satisfecho con la conducción y el monólogo de Gervais: creo que la idea misma de invitarlo tiene que ver precisamente con esta intención de colocar a alguien con un humor ácido como para desencajar un poco a la audiencia y dar un nuevo aire a la entrega de premios. Les dejo al final un video que encontré con algunas partes de su monólogo de este año, vale la pena revisar su tarea en el año pasado.

¿Qué pasa con los premios de Cine —- recuerden revisar TVLia en lo que respecta a televisión —-? Bueno, si revisamos tanto la opinión de la redacción como de ustedes, nuestros lectores, no ha habido grandes sorpresas en los principales rubros: gran parte de los premios fueron para el lado de “The Social Network”: Mejor Película, Mejor Director para David Fincher, Mejor Guión para Aaron Sorkin. En cada una de estas categorías, el gran competidor, “Inception”, no sólo perdió sino que terminó la noche sin llevarse nada para su casa: ¿injusticia? El tiempo lo dirá.

Las grandes sorpresas de la noche tienen que ver con los premios de Mejor Actor de Comedia o Musical, en donde Paul Giamatti se alzó con el galardón que muchos veían destinado a Johnny Depp —- a mi juicio: concuerdo aquí con el premio otorgado por la HFPA y no tanto con los resultados de la encuesta, Giamatti es un excelente actor y lo tiene más que merecido el reconocimiento —- y el premio a Mejor Actriz de Reparto, premio que se llavó Melissa Leo —- sigo pensando que lo merecía Mila Kunis —-.

El resto de los premios, de una manera u otra, conformaron las expectativas que veníamos teniendo, aunque la gran ganadora que adivinábamos en “Biutiful” termino perdiendo contra la película proveniente de Dinamarca “Hævnen”: habría que ver la cinta, de mi lado, aún no he tenido el placer.

Pero claro, también tenemos que recordar los comentarios de Robert De Niro poco cómodos para con los críticos con respecto a las reseñas obtenidas por “Little Fockers”, o el hecho de que el premio a Annette Benning fuera la excusa para hacer un plano a Jane Lynch, otra ganadora de la noche, pero que en esta ocasión fue mostrada con el fin de destacar su reciente casamiento con su novia, casi a la manera de aprovechar una temática para hacer referencia a la vida personal de los actores y actrices.

En definitiva, ha sido una noche variada, con momentos memorables —- sí, Gervais, pero también algunas entregas de premio, particularmente, la realizada por Robert Downey Jr., carismático como suele ser su costumbre —- y otros que se sumaran a la eterna arena del olvido. Un premio más ha pasado, ahora nos queda el Oscar como para ver en qué termina todo: ¿recibiremos alguna sorpresa más o ya tenemos frente a nuestros ojos los resultados de la contienda?

Foto: Golden Globes Official Web Page

Sí, ya lo sabemos: la cercanía del evento pone nerviosos y entusiasma a cualquiera. Y no hablamos de cualquier evento, claro, sino de uno de los premios más importantes otorgados por la crítica norteamericana que, desde hace mucho tiempo, se ha considerado la mejor antesala para el gran premio de la Academia: el legendario Golden Globe.

Ya fuimos recorriendo entrevistas a actores y directores por igual que están en la lista de nominados y que han dado su opinión acerca del trabajo que han realizado: basándonos en lo que hemos podido ver en pantalla, en lo que la trayectoria marcó como un buen o mal trabajo y en muchas otras cosas, hemos llegado a las siguientes conclusiones con respecto a los nominados. Esperemos que estos resultados les parezcan coherentes, y consideran que, mal o bien, corresponden también a nuestro desempeño como periodistas en el medio, al ponernos en la situación de que tenemos que elegir a alguien o a alguna película en función de todo un año de trabajo.

Mejor Película Dramática.

Aquí tenemos una suerte de opinión general a favor de una cinta que, como he advertido varias veces, se espera con ansias en diversos puntos del orbe: “Black Swan” se levanta como la ganadora de este premio, teniendo en su haber, además de esta preferencia particular, varios otros premios que consideramos justo que se lo lleve.

Interpretación Femenina Dramática.

Y si la mejor película dramática es “Black Swan”, no nos sorprendamos que la mejor actuación femenina en el rubro dramático se la lleve su protagonista, la mismísima Natalie Portman. Desde mi perspectiva, un premio más que merecido que tiene que repetirse en la entrega oficial de la Academia.

Interpretación Masculina Dramática.

Colin Firth ha despertado la preferencia de todos en el última tiempo gracias a su interpretación de Rey Jorge VI en otra de las grandes películas dramáticas de la temporada, “The King´s Speech”, una cinta que en su momento no levantó tanta atención y pasó luego a convertirse en una cinta obligatoria para cualquiera.

Mejor Película de Comedia o Musical.

Señoras, señores, pese a los pronósticos, desde la perspectiva de Extracine el premio se lo lleva: ¡“Red”! Gran película por donde la miremos, una cinta que se concentra en contar una historia original, basada en una historieta con cierto tufillo indie, que reune a una serie de actores envidiables. Ojalá acertemos.

Interpretación Cómica o Musical Femenina.

Se lo lleva Annette Bening por “The Kids are Allright”, nomás, que sorprendió en una película con una temática bastante particular y que encima tiene que competir contra una compañera del cast, Juliane Moore.

Interpretación Cómica o Musical Masculina.

Reñido entre dos grandes actores, Paul Giamatti por “Barney´s Version” y Johnny Depp por “Alice in Wonderland”, el premio, para la mesa de redacción, se lo lleva don Depp, nomás.

Mejor Actriz de Reparto.

No hemos llegado aquí a ninguna conclusión sustantiva, sino a uno de esos crueles, confusos empates. La redacción se divide entre los que consideran que el premio se lo lleva Helena Bonham Carter por “The King´s Speech” o Jacki Weaver por “Animal Kingdom”. Ah, quién tendrá la palabra final.

Mejor Actor de Reparto.

Christian Bale por “The Fighter”, aquí no tenemos ninguna duda. Bale se está perfilando, con el tiempo, como un actor completísimo: esperemos que el premio pueda darle un poco más de energía a esta meteórica carrera.

Mejor Película de Animación.

Y sí, es claro que se lo llevaba “Toy Story 3”, uno de los filmes del año pasado sin lugar a dudas. Si bien teníamos varios películas de animación interesantes, este cierre de franquicia —- veremos por cuánto tiempo —- es efectivamente digno merecedor del galardón.

Mejor Película Extranjera.

“Biutiful” se ha estado llevando la atención del público internacional en el último tiempo, por lo cual no teníamos dudas de que iba a ser el filme extranjero a llevarse el gran premio.

Mejor Director.

Bueno, esta es complicada. Como suele decirlo la regla, la película que se lleve el premio de Mejor Película Dramática tiene en su haber al Mejor Director, y para Extracine así lo es: el premio se lo lleva Darren Aronofsky.

Mejor Guión Original.

Para mí, este es sorpresivo. Pensé que el premio se lo merecía “Inception” de Christopher Nolan, que hasta ahora no se ha llevado ningún premio, pero no, claro, no contábamos con la presencia del trabajo de Aaron Sorkin para “The Social Network”, cinta que desde nuestra perspectiva se levanta victoriosa en esta categoría.

Mejor Banda Sonora.

Bueno, por fin una. La Mejor Banda Sonora la ha ganado Hans Zimmer por “Inception”: creo que todos podemos leer el por qué.

Mejor Canción Original.

Aquí estamos nuevamente divididos entre un tema country como “Coming Home” de “Country Strong” y “I See the Light” de “Tangled”. No hemos arribado a ninguna respuesta definitiva al respecto, así que a esperar los premios, nomás.

Bueno, estas son nuestras apuestas particulares con respecto a los premios. Espero que les parezcan coherentes los premios otorgados, y consideren que esto ha sido fruto de una votación interna muy parecida a la que ustedes pueden participar. ¡Vos también podés votar y dejarnos tu opinión! Dale, queremos leer quiénes, desde tu perspectiva, merecen llevarse este gran premio: ¿coincidiremos en algo? ¿Nos acercaremos a algún efectivo resultado? Ah, quién lo sabe, sólo tendremos que esperar a la gran gala de las estrellas de cine.

Foto: Cinema Dreamer

Basada en una novela del canadiense Mordecai Richler, ya contamos con el poster correspondiente al venidero proyecto de Paul Giamatti y Dustin Hoffman: hablamos de la película “Barney´s Version”.

La cinta cuenta la historia de Barney, un productor de televisión un poco desencantado con su vida amorosa que va de error en error: primero, con una mujer a la que deja embarazada de joven, luego con su primera esposa, la cual termina engañándolo, y por último con una mujer a la que no se cansa de perseguir de un lado al otro. Con un padre ex-policía con varios asuntos pendientes en su lista —- y, claro está, más de una cosita turbia —- y varios amigos que no dejan de darle consejos acerca de su existencia, Barney tratará de seguir con la vida como puede, siguiendo sus propias determinaciones.

La cinta es más que interesante en su planteo y cuenta con una lista de actores de esas que te dan ganas y al mismo tiempo envidia: Minnie Driver, Rosamund Pike, los ya citados… Ah, qué placer. Giamatti parece ofrecer una de esas interpretaciones con las cuales ha logrado convertirse en un referente en cuanto a películas se refiere: esa cara expresiva que no sobredimensiona y sabe manejar el primer plano de una manera irresistible, ese rostro triste, nada, algo espectacular: vean el tráiler que se encuentra circulando desde hace ya varios días, sino.

Entre muchas otras cosas, creo que el hecho de que se haya adaptado un nuevo libro de este canadiense demuestra a las claras que hay todavía un cine hollywoodense que no aspira a la gran circulación y que, con grandes estrellas, sigue tratando de ofrecer historias concretas sin finales rimbombantes: no hablamos aquí del ajuste a lo “real” o no, sino sencillamente de concentrarse y terminar una historia efectiva, bien estructurada, a partir de un libro que encantó a la crítica y que, esperemos, cautive también a los muchos espectadores de cine que esperan lo próximo del ya citado Giamatti.

De una manera u otra, les dejo el cartel recién aparecido en la web. Me parece que todo lo mostrado es bastante elocuente en lo que se refiere a la película en cuestión, y esperemos que el éxito del trabajo esté más que asegurado. Más allá del circuito básico de festivales, todos sabemos que hay un público internacional esperando este tipo de trabajos para que aparezcan en las salas de cine locales.

Vía: Empire Online | Foto: QPorit

Contábamos con la noticia de que David Cronenberg iba a adaptar la novela de Don DeLillo “Cosmopolis”, y que contaba en el lugar de los protagónicos con la presencia de dos jóvenes actores que rankean alto en el mercado: Colin Farrell y Marion Cotillard. Según los fuertes rumores que se encuentran circulando en la web, Paul Giamatti sería el nuevo nombre a sumarse al cast del proyecto.

La historia de la novela del escritor norteamericano se centra en un joven millonario de 28 años que recorre la ciudad en una sola noche con el objetivo de conseguir un correcto, coherente, bien realizado corte de pelo. En el medio del viaje, y luego de verse involucrado en un asunto relacionado con un affaire que tuvo y que dejó a su esposa en la posición de la engañada, tendrá un cambio radical dentro de su vida además de verse enfrentado a diferentes instancias de combate, de lucha, momentos dentro de este proceso de cambio.

La historia es más que atractiva, principalmente, considerando que una de las grandes temáticas del director es este trabajo con tiene que ver con la transformación, el cambio de un personaje estrictamente relacionado con lo corporal, lo biológico: pensemos en las transformaciones de su época gore, como las que podíamos ver en “The Fly”, con el magnífico Jeff Goldblum o las que nos sacaban el sueño en “Videodrome” (1983), y que luego se transformarían en esas oníricas epifanías de la serie de Viggo Mortensen, como “A History of Violence” (2005) y “Eastern Promises” (2007): de onírico, claro está, tenemos que agarrarnos para hablar de la venidera película que tienen al citado actor como protagonista, “A Dangerous Method”.

Lo que aparentemente está retrasando las negociaciones es, precisamente, el advenimiento de esta nueva película y ciertos temas que seguramente tienen que incumbir números de cachet y esas cosas. El papel de Giamatti aún no se encuentra definido ni nada por el estilo, por lo cual también sospechamos que esta ida y vuelta necesaria para cualquier contratación apenas ha comenzado.

Las películas de Cronenberg son una celebración acerca de lo que el cine tiene que ser: un trabajo para una línea conceptual que se mantiene a lo largo de las diversas producciones, una pantalla entre los sueños y lo que sospechamos real —- ¿acaso el psicoanálisis y el cine no aparecen, casi, en el mismo momento? —-: hacer cine es hacer sueños, con todas las complejidades que este tipo de afirmación implica. ¿Giamatti será o no nuestro nuevo personaje onírico?

Vía: Screenrant | Foto: Cine Clubes de Cordoba

Seguimos recibiendo noticias de una de las secuelas más esperadas del año que viene, y sobre todo sigue el baile de nombres de los posibles actores que aparecerán. Confirmados los tres protagonistas que ya nos hicieron reir a carcajadas en la primera parte: Zach Galifianakis, Bradley Cooper y Ed Helms, veremos qué más caras conocidas encontraremos en la segunda parte.

Se rumoreó de que Mel Gibson podría hacer un cameo, pero esta opción finalmente no se concretó porque no hubo acuerdo con el resto del reparto y del equipo. Y tampoco fue una mala noticia conociendo el nombre del actor que le iba a sustituir: Liam Neeson.

Hoy hemos conocido nuevos datos y la verdad es que son bastante sorprendentes. El primero es que Paul Giamatti recientemente ha aceptado trabajar en la película. Aunque todavía se desconoce el papel que interpretará, puesto que no han trascendido datos por ninguna de las dos partes, parece que no será un cameo propiamente dicho como el de Neeson.

Lo que sí será un cameo será la presencia del Bill Clinton. Se ha confirmado que ex presidente de los Estados Unidos hará una breve aparición en la película, interpretándose a sí mismo —tampoco hay que exigirle demasiado—. Este encuentro ha sido fruto de la casualidad, puesto que Clinton se encontraba en Bangkok en un congreso sobre energías renovables, justo donde se encuentra el set de rodaje de “The Hangover 2”. Así que decidieron ofrecerle un breve papel en la película, algo que aceptó.

No creo que este personaje estuviera ya pensado antes de este encuentro casual, aunque estoy seguro de que sólo veremos a Clinton unos segundos en pantalla. Igualmente, parece que Todd Phillips está convirtiendo a la película en una obra donde aparecerán caras famosas cada pocos momentos. A mi, mientras mantengan el espíritu y los gags de la primera parte, no me importa en absoluto.

Vía: Empire & Collider | Foto: Asisge

Otra de esas producciones que cada día encuentra un nuevo impedimento para seguir adelante, y que actualmente cada vez proliferan más por la industria cinematográfica, es la adaptación que pretenden realizar los hermanos Bobby y Peter Farrelly sobre los famosos “The Three Stooges”, la vertiente física del humor clásico. Las primeras noticias eran tremendamente optimistas, puesto que los directores iban a contar con Benicio Del Toro, Sean Penn y Jim Carrey como Moe, Larry, y Curly respectivamente.

El primer obstáculo apareció cuando Penn se desvinculó del proyecto, alegando que necesitaba pasar más tiempo con su familia puesto que su matrimonio no pasaba por sus mejores momentos. Sin problema. Se contrató a Paul Giamatti como sustituto de Penn y que, aunque no llegue a su nivel, desde luego estoy seguro de que podrían mantener el listón. Sin embargo poco después conocimos la noticia de que Sean Penn volvía a apuntarse al proyecto, quizá porque ya había superado sus problemas personales.

Pero esto no es todo. Cuando se conoció la noticia de que Giamatti participaría en la película, Jim Carrey decidió abandonar la producción, sin razones aparentes. Hoy, en una entrevista a la MTV, el actor ha expuesto los argumentos por los que tomó esta decisión y también nos informa de cómo se encuenta el proyecto actualmente:

Creo que está muerto… Al menos está muerto para mí. Realmente no me gusta hacer nada a medias y no me siento con fuerzas para ponerme gordo. Estuve experimentando un poco, y gané 35 ó 40 libras (de 15 a 18 kilos). Ahora tendría que ganar otras 40. Cuando Robert de Niro [tuvo que engordar para su papel en “Raging Bull”] lo hizo fueron 20 ó 30. Para mí ahora es muy difícil, y no me gustaría tener un paro cardíaco.

Vamos, que dejó claro que por ahora no piensa participar en el proyecto. Es una auténtica pena porque el trío de actores que estaba propuesto inicialmente era realmente bueno, y creo que sí podrían haber conseguido una adaptación bastante buena de esa locura de gags que protagonizaban The Three Stooges. Sin embargo, Carrey también hizo referencia a la situación en la que se encuentra y que no se siente con una edad como para realizar este tipo de escenas:

No sería bueno estar todo el día con Sean Penn y Benicio Del Toro dándonos bofetadas en la cabeza. Alguien podría perder un ojo. Sería como “Midnight Express”. Sería horrible.

Vía: Collider | Foto: TopNews

Del filme “Barney`s Version” del director Richard J. Lewis (CSI: Crime Scene Investigation), protagonizado por Paul Giamatti, Dustin Hoffman, Minnie Driver y Bruce Greenwood, presentamos su tráiler para promocionar inicialmente su participación en dos de los festivales de cine más importantes: 67th Venice International Film Festival y Toronto International Film Festival en este querido mes de septiembre.

La historia está basada en la novela de igual nombre del escritor canadiense Mordecai Richler, que fue adaptada por el guionista de televisión Michael Konyves y que narra la vida de un borracho y malhablado productor de televisión y fanático del hockey de 65 años de nombre Barney Panofsky (Paul Giamatti), que aparentemente con una vida normal algo confusa ha tenido tres esposas —- Rosamund Pike, Minnie Driver y Rachelle Lefevre —-; un padre extravagante (Hoffman) y un amigo encantador (Scott Speedman).

Lo interesante de este proyecto es que luego de 13 años y 5 guionistas logró rodarse y este año se presenta en el festival de Venecia y en el de Toronto, los días 11 y 12 de septiembre respectivamente. El productor Robert Lantos inició el primer guión junto al autor antes de que éste muriera en el 2001; pero el interés de Lantos por llevarlo adelante fue creciendo por lo que nunca se dio por vencido.

The Globe and Mail argumenta que ese interés fue debido a que el personaje del libro Barney, era un productor de una empresa de nombre Totally Unnecessary Productions, que al parecer era una paródia en referencia a la empresa Alliance Communications de la que Lantos era dueño. La relación entre autor y productor era muy estrecha para cuando se publicó el libro en 1997, ya que Lantos había llevado al cine otro libro del Richler: “Joshua Then and Now” en el año 1985 protagonizada por James Woods y dirigida por Ted Kotcheff.

El tráiler no es sumamente atractivo —- si pensamos que tiene como objetivo vendernos el filme —- pero las actuaciones de Hoffman y de Giamatti —- en ese orden—- me parecen muy interesantes, graciosas y dignas de ver. Las locaciones que quizás no se distinguen mucho seguro aportarán a la historia ya que todo fue rodado en Montreal, Laurentides, Roma y Nueva York. Y algo más que importante para decir del adelanto es que no delata claramente cómo va a ser contada esta historia, ya que Barney es un personaje que sufre de la enfermedad de Alzheimer. Los dejo con la intriga hasta su estreno, que por el momento no está confirmado.

Vía: Demasiado Cine | Foto: The Peoples Movies

Hace algunos años —- sí, años —- teníamos algunos rumores referentes a una posible colaboración entre George Clooney y Leanordo DiCaprio para la adaptación de la novela de Beau Willimon, “Farragut North”, filme que dramatiza los tratos sucios detrás de varias campañas políticas. Bueno, ha cambiado un poco el plan original en lo que se refiera, al menos, a la lista de actores. Según informa Vulture, los nombres que ahora se encuentran circulando son, nada más ni nada menos, los de Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman y Chris Pine.

Pensada para ser filmada a comienzos de febrero del venidero año, estrictamente la película cuenta la historia de un responsable de marketing que decide meterse en el trabajo de jefe de campaña de un candidato —- papel aparentemente destinado a Pine—-, mientras que debe enfrentarse tanto a su pasado —- el jefe, a cargo de Hoffman —- como de su presente —- Giamatti, jefe de campaña del candidato opositor —-.

Otro de los nombres que circulan es el de Marisa Tomei como una posible periodista encargada de llevar adelante una investigación referente al desarrollo de la campaña, en donde el joven encargado de marketing encontrará el lugar ideal para desarrollar sus ambiciones personales.

Lo interesante del proyecto es que el libro está basado en la experiencia particular del escritor, quien efectivamente participó en el desarrollo de una campaña política allá por el año 2004. Si bien el filme lleva varios años de desarrollo, la idea de que el propio Clooney piense dirigirlo y se tome su tiempo para dar pasos seguros en el tema entusiasma bastante: Clooney ha demostrado poseer una capacidad más que interesante para dirigir excelentes cintas como “Good Night, and Good Luck” (2005). Esperemos que en esta oportunidad vuelva a realizar un trabajo notable, cosa que me parece bastante problable en la medida en que todas sus producciones anteriores se basaban en un fuerte trabajo actoral antes que en el manejo de otros recursos cinematográficos: un buen cast, claro está, ya te da un par de puntos ganados en este tema.

Vía: Vulture | Foto: Dentro Cine

Concluye hoy el especial que durante tres semanas he dedicado a M. Night Shyamalan, con un análisis a sus dos últimas películas (si no contamos “The Last Airbender”). Si en el primer post vimos su meteórico ascenso al cielo de la fama, y en el segundo vimos su particular manera de tratar temas trascendentales, hoy analizaremos el giro radical que le dio a su carrera a partir de “Lady in the Water”.

Si bien hasta entonces Shyamalan era conocido por sus giros de guión a última hora, con “Lady in the Water” y “The Happening” se olvidó de lo que desde primera hora había sido “marca de la casa”. Tal vez porque las historias no lo necesitaban, tal vez para intentar callar la boca a todos los que le acusaban de basar todas sus películas en una sorpresa final.

La cosa es que desde “Lady in the Water”, Shyamalan intentó demostrar que era algo más que un buen inventor de finales sorprendentes. Para algunos, tan solo demostró lo que intentaba negar, para otros, su cine va mucho más allá de esos finales sorpresa, y éstas dos películas son buena muestra de ello. Comenzamos… o mejor dicho, terminamos (éste especial).

“Lady in the Water”

Estamos tal vez ante el mayor fracaso de público de una película de Shyamalan. Una vez más, a mi parecer, por una mala publicidad y unas expectativas no acorde con el producto que el director ofrecía.

“Lady in the Water” es la primera película “made in Shyamalan” que no guarda un giro final sorprendente. Tal vez por eso muchos salieron del cine decepcionados. Lo que Shyamalan ofrece en “Lady in the Water” no es más que un cuento infantil de los de toda la vida, una “Bedtime Story” en toda regla, más cercana a “La princesa prometida” o “La historia interminable” que a sus primeros films.

El problema (o la virtud, según se mire) de “Lady in the Water” es precisamente el que azota la filmografía de Shyamalan désde sus comienzos, el que ha sido, más allá de los finales sorpresas, el gran sello de autor del director: Sus películas parecen una cosa, pero son otra muy distinta. Porque más allá de un cuento de hadas, que lo es, y con todas las de la ley, “Lady in the Water” es una excelente fábula metalingüística sobre la naturaleza de la narración, los arquetipos y mecanismos de las historias (no en vano la protagonista se llama Story) y el papel del autor cómo mesías de un mundo encantado.

A Shyamalan le encanta contar historias, es un narrador nato, y ese es el tema de “Lady in the Water”: las narraciones, los cuentos, su origen e implantación cultural, su tradición oral… Y para ello, nada mejor que enmarcar su discurso precisamente dentro de un cuento. Un cuento, en efecto, algo megalómano, algo egocéntrico, un cuento en el que Shyamalan no deja de mirarse el ombligo. Pero es lo que pasa cuando un autor decide hablar de si mismo, su film acaba siendo, por naturaleza, un ejercicio onanista. Ya sea éste autor Fellini, Moretti o Woody Allen. O Shyamalan.

¿Hubiese cambiado algo que el personaje de Vick Ran no hubiera estado interpretado por Shyamalan? Probablemente, sí. La película habría ganado a un actor al menos decente (Shyamalan como actor no vale nada) y la crítica no se le hubiera echado tan encima. Sin embargo el sentido de la historia hubiera sido exactamente el mismo: El narrador, el autor de las historias, es quién salva el mundo. Es él el que tiene el don de crear historias. Y eso es precisamente lo más bonito de crear, saber que el fruto de tu trabajo puede, en algún momento, cambiarle la vida a alguien.

Aparte de su mensaje, de su discurso, la película a mi parecer funciona a la perfección como un cuento “extraño”. Un cuento para niños desde el punto de vista de un adulto. Ahí cabe destacar el excelente trabajo de Paul Giamatti, como el guía espiritual de un grupo de gente a la que debe convencer de algo de lo que él mismo no está convencido.

Si “Lady in The Water” hubiera estado ambientada en un entorno de “capa y espadas”, contaría hoy día con un millón de fans, y estaría mucho mejor considerada. Shyamalan se arriesgó ambientando una historia mágica, un discurso sobre el hecho de contar historias, en un bloque de apartamentos contemporaneo, que funciona como la típica pequeña aldea de un cuento infantil, en la que todo es posible.

“Lady in The Water” es la mezcla perfecta entre cine adulto y cuento infantil. Objetivo cercano al que tuvo Spike Jonze con su “Where the Wild Things Are”, aunque con un look visual muy distinto, basado en la excelente fotografía de un excéntrico cómo Christopher Doyle. Para mí, funciona perfectamente como cuento infantil, con su moraleja incluida de que todos tenemos un papel en ésta vida. Como ejercicio cinematográfico metalingüístico me parece aún mejor. Como película de suspense, o misterio, lógicamente, suspende.

“The Happening”

Tras el varapalo que supuso que gran parte de público y crítica no supiera valorar “Lady in The Water”, Shyamalan decidió, en parte, volver por su antiguo camino, y decidió hacerlo sin preocuparse en exceso. “The Happening” es una película “serie B” dentro de la filmografía de Shyamalan, una película que sólo trata de entretener, y que en ocasiones, lo logra con creces. El principal problema de “The Happening” es que Shyamalan se olvida de ser él mismo. Y en éste caso la historia personal de los protagonistas es muy, muy floja, está mal contada y es, en ocasiones, carente de interés. Por eso digo lo de “serie B”, porque Shyamalan se preocupa más de contarnos qué pasa con “El incidente”, de mostrarnos una serie de violentas, originales y excelentemente bien rodadas muertes, que de darle a sus personajes una historia interesante.

Es así como hay que ver “The Happening”, como una simple cinta de entretenimiento, en la que un grupo de personajes se ve acosado por una amenaza exterior, al más puro estilo del género catastrofista. Que la naturaleza de dicha amenaza te guste o no te guste, te convenza o no, depende de cada espectador, y precisamente de eso depende que te guste o no la película.

Shyamalan ha sido conocido siempre como “el director de los finales”. Sin embargo “The Happening” es la película con el mejor principio de toda la filmografía de Shyamalan. Con la secuencia de Central Park y la de los obreros el espectador se queda pegado al asiento sin atreverse ni a respirar. Acto seguido a ese prometedor principio, Shyamalan nos desvela toda la trama de la película en una sola frase. La dice uno de sus alumnos a un Mark Whalberg algo mejor que de costumbre: “Es un acto de la naturaleza que nunca llegaremos a comprender”. No es casualidad que esta misma frase, palabra por palabra se repita al final de la cinta en boca de un analista.

Shyamalan tiene su discurso claro: Nos estamos cargando el planeta y algún día éste se encargará de nosotros. Ese mensaje impregna toda la película. No hay trampa, ni cartón. Es una película cien por cien sincera. Desde un primer momento te dice que son las plantas las culpables. Antes de cada suicidio siempre hay un plano de un árbol o arbusto agitado por el viento. Gran parte de la huida de los protagonistas está rodada en planos bajos con plantas en primer término. Y si quieres saber la causa de tanto desastre, tras la muerte del hombre a manos del cortacésped un cartel que anuncia una urbanización lo deja bien claro: “Te lo mereces”. Nada en el cine de Shyamalan es casual. En todo momento los personajes y la historia nos dejan claro qué está pasando. Por momentos esta insistencia es incluso excesiva, y parece que Shyamalan nos está dejando claro que no esperemos uno de “sus finales”.

Si vemos la película como una historia de catástrofes con mensaje ecológico, funciona a la perfección. Algunas escenas como la del iPhone (clara alusión a “Signs”) o todo el episodio final con la Sra Jones, son momentos de pura tensión, muy bien llevados. Lástima que la historia de los protagonistas no esté a la altura, y nunca lleguemos a entender el carácter del personaje de Zooey Deschanel. En las escenas eliminadas del DVD encontramos una conversación entre los protagonistas en la que ella le dice a él que no quiere tener hijos porque no lo ve a él capaz de protegerlos a los tres. Lástima que fuera retirada del montaje final, porque con ésta aclaración la relación entre ellos y la pequeña Jess se entendería mejor.

Igual que un acto final de amor, que podría haber sido totalmente emotivo, se convierte en intrascendente por la falta de información que tenemos de los personajes.

Aún así, hay que reconocer en “The Happening” una cinta de género más allá que cualquier otra que haya hecho su autor. Entretenida y sin pretensiones, con un mensaje claro y contundente (la secuencia final en París me parece magistral y consecuente con el resto de la historia), mermada por unos personajes principales poco definidos pero, a mi parecer, bastante entretenida si no esperas mucho más.

Hasta aquí nuestro “Especial sobre M. Night Shyamalan”.
Hoy mismo se estrena aquí en España “The Last Airbender” de la que espero que, al menos, me entretenga. Hay quién lo ama, hay quién lo odia. Hoy mismo habéis podido conocer la opinión de mi compañero Luis sobre el director, en aspectos similar a la mía, en otros muy distinta. Por eso quiero terminar éste especial con una encuesta. ¿Que os parece Shyamalan?

La reciente proliferación de títulos como “Zombielnad” o “Kick-Ass” que incluyen un estereotipo anteriormente denostado, el denominado nerd —-o lerdo en español—-, me llevan a preguntarme si estas producciones incluyen este tipo de personajes por aceptación, o simplemente, por moda, por la asimilación a nivel popular de un perfil psicológico que ya no necesita de grandes explicaciones, por lo que aparece integrado en la maquinaria del cine comercial convirtiéndolo en un cliché más.

En el otro lado, estarían las producciones que siguen utilizando este tipo de personajes con coherencia como “Splice”, en donde realmente se retrata al personaje como el fruto profesional de tantas horas de biblioteca; “How to Train Your Dragon”, donde la reivindicación del personaje es clara y evidente en oposición a los jóvenes interesados única y exclusivamente en el deporte, la acción y la violencia, pero con ninguna expectativa intelectual; o el breve personaje que aparece en “Knight and Day”, Simon Fleck (Paul Dano), que con apenas unos minutos calca a la perfección la esencia de este estereotipo.

No deberíamos confundir friki con nerd, aunque alguna vez se puedan dar ambos casos en una misma persona, si acaso lo mejor es que comencemos definiendo el estereotipo en cuestión. Nerd sería aquel individuo que vive por y para los libros, sin vida social, lo que comúnmente se denomina una rata de biblioteca, y que, en la mayoría de los casos, son objeto de burla e incluso bulling por parte de fornidos atletas y capitanes del equipo de baloncesto (aquellos con carencias afectivas y falta de autoestima, no por todos).

No les interesa el deporte o cualquier actividad que implique ejercicio físico, respondiendo a un perfil físico denominado ectomorfo —-según la división en categorías de tipos de cuerpo humano marcada por William Sheldon—- que coincide con las características psicológicas del nerd que tienden a ser introvertidos, tímidos y retraídos. En ocasiones puede darse el efecto contrario, que la inactividad y la falta de ejercicio les lleve a engordar, pero son casos excepcionales.

Su ausencia total de ínterés por la moda y las últimas tendencias estilísticas conduce al predominio de la comodidad sobre la estética en su manera de vestir, aunque, desde luego, sí están al tanto de los últimos avances tecnológicos, pues son ávidos consumidores de informática y videojuegos, siendo además consumidores de cómics y juegos de rol y teniendo una particular predilección por la ciencia ficción en cualquier formato: cine, televisión, cómic, videojuego, etc.

A continuación ofrezco una lista absolutamente subjetiva de los títulos que considero reflejan a la perfección al nerd:

1. “Welcome to the Dollhouse”: a través de cualquiera de las películas de Todd Solondz se puede llegar a la conclusión de que el director de New Jersey habla de lo que conoce, siendo la historia de Dawn Wiener (Heather Matarazzo), tan divertida como triste, la de una nerd completamente marginada, incluso por su propia familia. Se puede intuir cómo fueron los años de instituto del propio Solondz, sobre todo cuando vemos una fotografía suya.
2. “American Splendor”: siempre se ha dicho que la realidad supera a la ficción y esta fabulosa película basada en el autor de cómics, Harvey Pekar (Paul Giamatti) —-recientemente fallecido—- y su esposa, Joyce Brabner (Hope Davis), lo demuestra con creces al incluir en la misma película a los personajes ficticios con los reales, siendo estos increiblemente más nerd que aquellos que los representaban, y eso que la representación ya parecía exagerada.
   
3. “Carrie”, adelantándose a la moda cinematográfica, Stephen King —-quien debe ser el nerd más famoso de Maine—- escribe en forma de cuento del patito feo la historia de una nerd (Sissy Spacek) objeto de burla de todo el colegio, incluso de sus profesores. Lástima que el apoyo y ayuda de Mrs. Collins (Betty Buckley) y Sue Snell (Amy Irving), no fueran suficientes para contener su contundente venganza.
4. “Napoleon Dynamite”: hipnótica e hilarante es la tierna historia de Napoleon (Jon Heder), que busca desesperadamente encajar en un mundo al que no pertence.
5. “Bananas”: debido a su larga trayectoria y a su indiscutible éxito a nivel intelectual, podría habernos pasado desapercibido que Woody Allen responde al dedillo con las características del nerd neoyorquino. De hecho, en los primeros años de su filmografía, los que se corresponden con su etapa más cómica, utiliza conscientemente este mismo estereotipo para buscar el chiste y el gag visual, hasta que se cruza en su camino Diane Keaton y evoluciona hacia un personaje más intelectual.
6. “Edward Scissorhands”: más que Edward (Johnny Depp), sería su creador (Vincent Price), el que encajaría como auténtico nerd marginado y dotado para los experimentos de laboratorio que se ve obligado a crear a un compañero, un amigo con el que poder hablar y compartir sus “aficiones”. Su criatura vendría a representar los deseos de encajar en la sociedad de su auténtico creador, Tim Burton, que a base de cine gótico ha conseguido con creces su objetivo, estando actualmente plenamente aceptado dentro de la industria cinematográfica americana.
7. “Wierd Science”: productor, guionista y director muy querido por las generaciones de adolescentes de los años ochenta, John Hughes, siempre ha incluido personajes que encajan en perfiles muy variados del adolescente contemporáneo, incluyendo el perfil nerd en algunos de ellos, como la magnífica “The Breakfast Club”, pero siendo en “Wierd Science” donde les da todo el protagonismo al tratar el caso de dos típicos nerds, adictos a la informática y tan cualificados para la ciencia como incapacitados para las relaciones personales con el sexo opuesto, por lo que deciden fabricar a su mujer perfecta, por aquellos años representada en la fisonomía de Kelly LeBrock: el sueño de todo nerd.
8. “Spider-Man”: Peter Parker (Tobey Maguire) responde a la perfección a las características de este perfil que prefiere enfrentarse a complicados experimentos universitarios antes que revelar su amor incondicional por su vecina, Mary Jane Watson (Kristen Dunst). Otra cosa es lo que sucede cuando una araña radioactiva le muerde proporcionándole unos fantásticos poderes que todo nerd, o no nerd, quisiera para sí mismo.
9. “Superstar”: Mary Katherine Gallagher (Molly Shannon) desea conseguir un beso del hombre de sus sueños, Sky (Will Ferrer), quien bailará con Evian (Elaine Hendrix) en el mismo concurso de talentos que May va a utilizar como plataforma para convertirse en superestrella.
10. “Revenge of the Nerds”: dirigida por Jeff Kanew en 1984, esta simpática película norteamericana marca el inicio cinematográfico de este estereotipo (como tal), que fuera tomado prestado del filósofo Timothy Charles Paul, quien utilizara el término para referirse a un tipo de persona inteligente con reducidas habilidades sociales.

Bonus: me siento en la obligación de dejar constancia, como un caso aparte, de la inclusión en “The Silence of the Lambs”, de un grupo de tres nerds, que aparecen jugando al ajedrez en una biblioteca y a los que la agente Starling (Jodie Foster) acude para solicitar información acerca del capullo de mariposa encontrado en la garganta de una víctima de Buffalo Bill (Ted Levine). Estos tres personajes serán, sin duda, el germen que se materializaría en otro grupo de tres nerds, que resolverían las más complicadas dudas de Mulder (David Duchovny) y Scully (Gillian Anderson) en la serie de televisión “The X Files”, y sus consiguientes largometrajes, constituyendo, probablemente, el ejemplo más conocido de nerds tanto en el cine como en la televisión.

No dejes de reivindicar tu película nerd favorita en tu comentario.

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Harvey Pekar es uno de los nombres más importantes en cuanto a la historia de los cómics se refiere. ¿Qué tiene que ver con el mundo del cine? Mucho, muchísimo, en la medida en que la manera en que se adaptó la biografía particular de Pekar, su obra en su totalidad es uno de los ejemplos de lo que tendría que ser una adaptación de un cómic a la gran pantalla, una labor coherente, que apueste por ser una obra en sí misma y no una mera reproducción de un “original”. La noticia en cuestión que nos obliga a volver a pensar en el particular aporte de este historietista es impactante: Pekar, de 70 años, fue encontrado muerto el lunes en su casa de Ohio.

Claro que, en el caso de este autor, los límites estrictos entre lo que es obra y vida son bastante difusos, digo, considerando que una de las puntas de lanza del trabajo de Pekar tenía que ver, precisamente, con contar la vida cotidiana de un hombre mediocre, en el sentido estricto, medio, atosigado por el trabajo, sin éxito sentimental, con serios problemas pero que después de todo elige seguir viviendo a su modo particular.

Con la fama alcanzada por el cómic autobiográfico que sacó al mercado en el circuito independiente en el año 1976 gracias a la ayuda de su amigo Robert Crumb, encargado de los dibujos de los primeros números, Pekar fue convocado para participar en populares programas como el de David Letterman en NBC; show en el que su salida terminó causando más impacto que todas sus presentaciones anteriores.

En la medida en que este espacio está dedicado al cine, no quiero dejar de aprovechar la ocasión para reflexionar alrededor del problema de la adaptación de historietas para la pantalla grande, estrategia que en los últimos años se ha empezado a explotar hasta el punto de que muchas productoras tienen los derechos de adaptación de historias que ni siquiera están terminadas, situación similar a varios y varios libros pensados originalmente para públicos masivos, operando antes por la supervivencia de la franquicia y no por la calidad de la historia —- pensemos en lo que recientemente ha sucedido con Miramax, sino —-.

¿Que distingue a “American Splendor” (2003) de cualquier otro trabajo de adaptación de cómics? En principio, la propuesta, la aceptación de una diferencia de base que obliga a repensar qué es una adaptación. Con estrategias metadiscursivas —- autorreferenciales: el cine dentro del cine, vean sino “Adaptation” (2002) —- utilizadas con sutileza, respetando un estilo antes que exhibiendo de manera grosera un saber que cualquiera que se haya detenido dos segundos en una obra podría realizar, la película logra poner en escena, ante todo, la soledad del hombre contemporáneo, alienado en cada una de las prácticas vitales que debe ejecutar todos los días.

Uno de los puntos más importantes de ese filme es el soberbio trabajo de Paul Giammatti, quien nos regala nuevamente una interpretación grandiosa por humilde, inmensa por meticulosa, adaptando gestos, tonos, realmente encarnando a Harvey Pekar. La escena que aparece al final de esta entrada es uno de los grandes momentos de Giammatti y el momento central del citado filme: ¿Qué hay realmente en un nombre?

El trabajo de los directores, Shari Springer Berman y Robert Pulcini, es también una de las notas a tener en cuenta en lo que respecta a este trabajo. En ningún momento se oculta que se está adaptando una historieta, sino que, por el contrario, retoman las complejidades que la obra original plantea y las mantienen en un trabajo pensado para otro medio, por momentos sucitando los cruces —- muy diferentes a tomar a la historieta como el storyboard de una película, cosa que ha sucedido con “Sin City” (2005) de Frank Miller y Robert Rodriguez —-, por momentos permitiendo cierto vuelo propio o incrustando en la cinta material de archivo correspondiente a la TV.

La desaparición de Pekar es una de las noticias más dolorosas para el medio historietístico y, si logran ver “American Splendor”, también para el mundo cinematográfico. Frente a las complejidades que cualquier obra suscita tanto para el pensamiento de lo estético como para cualquier instancia del pensamiento en general, sigue quedando la obra, la Obra, en mayúsculas, mejor, ese gran gesto ético, ese gran intento de poder entablar la compleja comunicación con algún otro siempre insospechado, imposible.

Vía: Heat Vision | Foto: Terra

Cuando se cumplen 100 años de la muerte de León Tolstoy, Michael Hoffman nos sorprende con “The Last Station” al abordar temas tan controvertidos como el derecho de autor o la prensa sensacionalista, a la vez que nos conmueve con la intensa historia de amor entre Tolstoy y su mujer.

Valentin (James McAvoy) es contratado por Vladimir Chertkov (Paul Giamatti) como secretario personal de León Tolstoy (Christopher Plummer), con la intención de que recoja en un cuaderno todo lo que suceda durante su estancia con el mítico escritor ruso y, en especial, su relación con su esposa, la condesa Sofya Tolstaya (Helen Mirren). Una vez en casa del escritor percibirá que las cosas no son tal y como le había explicado Chertkov, además de recibir un segundo encargo, esta vez por parte de la propia condesa, para que haga exactamente lo mismo, plasmar todo lo que vea por escrito.

Escribe lo que veas, lo que él sea.

Gozando con el beneplácito de la familia Tolstoy, Michel Hoffman, escribe y dirige esta adaptación de la novela de Jay Parini, en la que si bien destaca el texto y el desarrollo de la historia sobre la aproximación visual que realiza el director, son los personajes los que consiguen arrebatarnos en una historia tan realista como romántica, tan comprometida como polémica.

Aunque todo el relato gira en torno a las figuras del escritor y la condesa, la importancia de muchos de los personajes como Valentin, Chertkov o, incluso, Masha (Kerry Condon) y Sasha Tolstoy (Anne-Marie Duff), casi podríamos decir que se trata de una película coral, emulando el estilo del cine ruso que se desarrollara poco después de la muerte del escritor, propiciado por la Revolución Rusa de 1917.

Yo digo muchas cosas, tú que dices, ¿qué opinas tú?

Siguiendo esta premisa en la que Valentin tendrá que escribir dos diarios, desde diferentes puntos de vista, pues queda claro que las intenciones de sus mentores son opuestas, el tono de la película se caracteriza por un enunciado apelativo en un intento porque el espectador se forme su opinión propia sobre las relaciones entre todos los personajes y sobre los temas tan controvertidos que se debaten como el derecho de autor que, evidentemente, nada tienen que ver la actividad que realizan en la actualidad algunas, denominadas, asociaciones sin ánimo de lucro, que curiosamente, parecen más identificadas con las maneras de Chertkov que con las de la condesa, y que pareciera que están más interesadas en la desaparición de las expresiones artísticas que en su expansión.

¿Porqué deberíamos sacar provecho de mi trabajo, cuya meta es que llegue al pueblo?

Otro tema interesante es el de la prensa que, si bien parece tan rosa como la actual, por lo menos a principios de siglo XX se interesa por personalidades de gran talla humana y cultural, como los que trata la película.

Una idea expuesta con destreza es la que muestra que los pensamientos no se corresponden con las emociones, las ideas con los actos. El mismo Tolstoy advierte que otros son más tolstoyanos que él mismo, pues se toman demasiado en serio palabras que dice sólo por decir, sin reflexionar. En este sentido el personaje de Valentin es clave pues es en el que más claramente muestra que termina sobrepasado por las emociones que le invaden, irremediablemente, a pesar de que había llegado con un firme propósito de no ceder a las tentaciones de la carne. Pero como bien se dice en la película:

Amar y ser amado es la única realidad del mundo

Las nominaciones a los Oscar de este último año se hacen eco de las excelencias del reparto, pero es que es realmente excepcional, Paul Giamatti y Christopher Plummer son siempre actores efectivos y resolutos que encarnan a la perfección “una extraña pareja”. Puede que destaquen un poco más James McAvoy o Kerry Condon, sobre todo porque sus personajes son más agradecidos, más simpáticos y cercanos al público. Pero la que consigue emocionar, arrebatar y arrancar de nosotros auténticas lágrimas de pasión y emoción es la maravillosa interpretación de Helen Mirren, que consigue demostrar por qué el escritor estaba enamorado de la condesa.

Fotos: Películas.info Séptimo vicio

Tal como lo señala el reportaje, la batalla de 10-12 minutos proyectada en una sala especial para unas ochenta personas situa rápidamente al espectador en los medievales años de 1215, tiempo después de que el Rey John —- o Juan, como más les parezca—- firmara la Carta Magna y que luego, de una manera bastante poco elegante, rechazara cada uno de los puntos del pacto, traicionándolos tiránicamente.

Lo curioso es el punto en donde comienza el film: mientras que “Robin Hood” de Ridley Scott incluye como escena la firma del pacto, “Ironclad” comienza específicamente desde ese punto para mostrar los movimientos posteriores del Rey —- interpretado por el genial actor Paul Giamatti—- quien, sumergido en un afán de conquista, se enfrenta al último punto de resistencia de su campaña de conquista: el castillo de Rochester, un estratégico punto geopolítico en aquellos días.

La película, absolutamente ambientada en el castillo, muestra como los soldados de su interior se enfrentaron a la avanzada del Rey —- comandada por una elite de caballeros traídos de diferentes partes del reino, como “Shichinin no Samurai” (“Los Siete Samurais”, 1954)—- durante varios días, incluso semanas.

English comentó en la entrevista con respecto al set de filmación que se creo ex profeso para este filme, una réplica del castillo de Rochester:

“La gente responsable del castillo de Rochester original hubiera adorado el hecho de que filmaramos allí. El problema es que es un monumento nacional de mil años de antigüedad, y fue como ´Sí, hubiera estado genial filmar aquí, pero no creo que les guste mucho lo que voy a hacer en el lugar si me dejan´. Además, está rodeado por un pueblo: no hubiera sido posible, realmente. Y debido a que todo el film se desarrolla en un castillo, siempre pensé, en el planeamiento original, que tendríamos que gastar una gran cantidad de dinero —- 1.000.000 de dolares —- construyendo el set del castillo. Porque ese sería el set de exteriores en donde toda la película se llevaría adelante.”

Con un presupueto que convierte al filme en uno independiente —- 25.000.000 de dolares —-, English preparó esos escasos minutos a los fines de conseguir financiación tanto para el proceso de post-producción como para la ulterior distribución. Con la intención de mostrar una cinta repleta de la violencia física que, si bien siempre se solicita como un elemento a destacar en cualquier película, termina generalmente por sorprendernos o impresionarnos, escaso presupuesto y un fuerte trabajo de guión, “Ironclad” puede completar toda esta renovada pasión por las historias medievales desde un ángulo un poco más “certero”: no por nada English quiere hacer de esa batalla de minutos algo que produzca el mismo efecto que los 15-16 minutos iniciales de “Saving Private Ryan” (1998) de Steven Spielberg, if you know what I mean.

Vía: Heat Vision | Foto: JamesPurefoy.es

El actor Tom McCarthy, a quien recientemente vimos en la película Duplicity (Tony Gilroy, 2009), regresa a la silla de director con la cinta “Win-Win”, un drama que será protagonizado por Paul Giamatti (“Sideways”, 2004) y Amy Ryan (“Gone Baby Gone”, 2007). McCarthy ha realizado películas muy interesantes como “The Station Agent” (2003) y “The Visitor” (2007). Fox Searchlight está encargada de distribuir esta cinta.

El drama trata sobre una familia de los suburbios de New Jersey y su encuentro con un muchacho que forma parte importante en sus vidas, pues lo adoptan y lo educan. Ya en la escuela el chico se vuelve campeón de los encuentros de pelea deportiva en su escuela. La filmación de esta cinta comenzará en abril.

Esta cinta se perfila para ser similar a “The Blind Side”, tanto por su estructura dramática como por el enfoque que le dan al cuidar a una persona y guiarla en un destino deportivo.

Por lo pronto, el señor McCarthy es un respaldo muy interesante pues ha demostrado una inteligencia narrativa en sus cintas anteriores.

Vía: First Showing | Foto: IMDb

Hace tiempo se dio la noticia que Sean Penn no iba a participar en el ambicioso proyecto de los hermanos Peter y Bob Farrelly, regresar a “Los tres chiflados” a la vida en el cine después de protagonizar varios cortometrajes. El reparto era por más impresionante con Benicio del Toro, Jim Carrey y el mismo Penn.

Tiempo después otra mala noticia llegó para los hermanos Farrelly: Jim Carrey abandonaba el proyecto sin razones aparentes. Por lo que la realización del filme ya se tornaba complicada, sin embargo como reemplazo de Penn se había anunciado a Paul Giamatti quien ha demostrado con creces que es un actor serio y profesional.

Ahora recibimos la noticia del regreso de Sean Penn al barco de los Farrelly. En un principio se había manejado que el actor quería dedicarle más tiempo a su familia por lo que se retiraba momentaneamente. Pero en palabras de los directores “lo tenemos de regreso, él siempre quiso hacer la película después de, tu sabes, cuidar de su familia” Por lo pronto parece que los Farrelly tienen un problema resuelto, pero con el abandono de Carrey sin explicación alguna, tienen un hueco que llenar.

Pero, ¿qué pasará con Paul Giamatti? ¿acaso le dirán gracias pero no gracias o le pondrán el papel que iba a interpretar Carrey en un principio?

En lo personal el reparto se me hace increíble pero el humor de “Los tres chiflados” nunca ha sido de mi favorito —el clásico pastelazo y humor físico—, pero lo más importante es que Peter y Bob Farrelly hagan una excelente cinta de comedia, porque desde mi punto de vista han quedado a deber los creadores de una de las comedias más exitosas de la década los 90.

Vía: Comingsoon.net
| Foto: Go get a life

La cinta, basada en una novela de Jay Parini, narra los últimos días del novelista ruso León Tolstói (Plummer), en los que, bastante influenciado por su discípulo Vladimir Chertkov (Giamatti), se da cuenta de las contradicciones que hay entre su modo de vida y su ideología, y decide abandonar toda clase de lujo para mezclarse con los campesinos de su pueblo natal, hacerse vegetariano y mantenerse célibe hasta su muerte. Sofía Bers (Mirren), su mujer, intentará por todos los medios recuperar el estatus social y las riquezas que ambos habían conseguido. McAvoy interpreta a Valentin Bulgakov, un secretario personal enviado por Chertkov a la casa de Tolstói.

Completan el reparto Anne-Marie Duff, Kerry Condon, Tomas Spencer y Patrick Kennedy. El filme, una coproducción entre Reino Unido y Alemania, ha sido escrito y dirigido por Michael Hoffman (responsable de títulos como “El club de los emperadores” o “El sueño de una noche de verano”), y su estreno está previsto para el cuatro de diciembre de este año. Tiene buena pinta, la verdad.

Vía: WorstPreviews