Proyectos que completan sus repartos, remakes y adaptaciones de best-sellers que perfilan su carácter con la elección de sus protagonistas y títulos que seguro darán que hablar en los próximos meses como The Physician, The Magnificent Seven, Twelve Years a Slave, The Disapearance of Eleanor Rigby: Him y The Disapearance of Eleanor Rigby: Her. Si ya habíamos leído sobre algunos de estos proyectos, que completan sus repartos con James McAvoy y Paul Dano, aportamos algunos datos sobre otros nuevos proyectos que llegan asociados a los nombres de Tom Cruise y Ben Kingsley.

James McAvoy será esposo en prueba de amor

Joel Edgerton ha sido reemplazado por James McAvoy, para vivir una historia de amor con Jessica Chastain en las dos películas que dirigirá Ned Benson, que también es autor del guión. Una historia que explora la manera en la que una pareja neoyorquina se enfrenta a una experiencia traumática y que veremos por partida doble: desde el punto de vista de él, como desde el de ella. Si antes era The Disapearance of Elanor Rigby: His, ahora será The Disapearance of Eleanor Rigby: Him, mientras que se mantiene el título de The Disapearance of Eleanor Rigby: Her.

Un ambicioso proyecto que sus productores no quieren presentar en un programa doble, sino como dos películas completamente independientes, pero que se puedan complementar al dar dos puntos de vista diferentes de un mismo conflicto. Una apuesta que tiene un gran inconveniente, que si la primera que se estrene no cumple las expectativas, la segunda lo va a tener mucho más difícil, aunque no cabe duda de que se rodarán simultáneamente. Si por un lado resulta muy arriesgado confiar en un debutante como Ned Benson, está claro que contar con un actor y una actriz como James McAvoy y, sobre todo, Jessica Chastain hacen de este un proyecto muy interesante al que un servidor seguirá la pista muy de cerca. ¿Estarán haciendo alusión con el nombre de la persona desaparecida a la popular canción de The Beatles?

Paul Dano se viste de amo tirano con esclavo secuestrado

La carrera de Paul Dano avanza con lentitud, pero con paso muy firme. Y en este nuevo peldaño estará al lado de actores como Michael Fassbender y Brad Pitt en Twelve Years a Salve. Se trata de la nueva película de Steve McQueen, después de Shame, adaptación de una novela autobiográfica de Solomon Northup sobre un hombre de color libre, casado y educado en Nueva York a quien los mismos que le ofrecen un trabajo como violinista en un circo, le secuestran y obligan a vivir como esclavo. Después de verle en filmes como Children of Men o Redbelt, Chiwetel Ejifor interpretará al protagonista, siendo Paul Dano uno de los que tomen ventaja de su condición de amo. El que fuera protagonista de There will Be Blood y Little Miss Sunshine no sólo será uno de los integrantes del reparto, sino que también cumple funciones de productor ejecutivo.

Ben Kingsley estudia para ser doctor de doctores

Seguro que muchas madres estarán encantadas con que se hayan decidido a llevar a la gran pantalla The Physician, el primero de los best-sellers escritos por Noah Gordon, titulado en España El médico. A pesar de tener un trayectoria impecable no creo que a muchas de esas madres les vaya a estimular que uno de los actores elegidos para protagonizar el proyecto sea Ben Kingsley, aunque cuando les recordemos que se trata de aquel actor calvo que se llevó un Oscar por interpretar a Gandhi ya se harán más a la idea de que podrá ser una película a la altura de sus expectativas. Y es que estamos hablando de un proyecto muy ambicioso, sobre todo si tenemos en cuenta que no sale de Hollywood, sino de Europa, y en el que también están involucrados nombres como Olivier Martinez y Stellan Skarsgard.

El argumento gira en torno a la búsqueda de la verdad científica en el siglo XI, una época dominada por la religión y la superstición, lo que lleva a un joven huérfano, Rob Cole, hasta Persia, donde se encuentra con Ibn Sin, al que conocen como Avicena, el doctor de los doctores, que estará interpretado por Sir Ben Kingsley, que ya fuera persa y mago, pero no médico, en Prince of Persia. Si por una lado el cineasta al frente del proyecto es un desconocido como Philipp Stöltz, que parece estar reviviendo la tradición romántica alemana en toda regla a través de filmes como Nordwand o Goethe!, probablemente muchos habrán visto sus trabajos como videocreador de piezas tan interesantes como Du Hast para Ramsstein y The World is Not Enough para Garbage. En junio comienza el rodaje que tendrá lugar en Alemania y Marruecos, para ver la luz a finales del año que viene. No creo que me ponga a leer e libro, ya me dirá mi madre si han sido fieles o no.

Tom Cruise: ¿un vaquero japonés?

Aunque Tom Cruise nunca había hecho una película del oeste, sí que se había acercado a la sensibilidad japonesa, y particularmente al mundo samurai en The Last Samurai, lo que podría haber influido para que Metro-Goldwyng-Mayer le haya escogido para protagonizar un nuevo remake que si casi es el de Shichinin no samaria (Los siete samuráis), la magnífica película dirigida por Akira Kurosawa en 1954, se trata en realidad de un nueva versión de The Magnificent Seven, la versión estadounidense en clave western que John Sturges dirigiera en 1960 de la película nipona.

Pareciera que si una vez tuvieran más estrellas que el firmamento, en MGM no encontraran ya ningún guionista cuando tiran la piedra, pues este remake viene a sumarse a la larga (y aburrida) lista de los que están poniendo en marcha que incluye a RoboCop, Carrie, Poltergeist, War Games, Death Wish o Valley Girl. Lo cierto es que en este caso más que revivir un éxito de antaño, fuera un intento de reunir un reparto espectacular, en la línea de The Expendables, pues tenemos recordar que la película original estaba protagonizada por nombres como Yul Brynner, Horst Bucholz, Eli Wallach, James Coburn, Charles Bronson, Steve McQueen o Robert Vaughn, lo que nos lleva a preguntarnos ¿qué actores completarán el reparto de este nuevo proyecto?

Robert De Niro es un actor capaz de lo mejor, lo sé, lo he visto. Aunque lleva años aplicando la ley del mínimo esfuerzo a sus papeles y apareciendo en películas que no son dignas de un actor con su trayectoria y con su potencial. Sin embargo Being Flynn parece ser una de las pocas buenas elecciones que ha hecho en los últimos quince años. Este drama con pinceladas cómicas se basa en el libro de memorias Another Bullsh*t Night in Suck City de Nick Flynn publicado en 2004.

La historia sigue de cerca aun joven escritor que trabaja como voluntario en un centro de acogida para los sin techo en Boston. Un día se encuentra a su padre en el local, un hombre que los abandonó a él y a su madre cuando no era más que un bebé. La relación entre ambos será compleja y delicada, llena de reproches, ausencias y rabia.

Este drama dirigido por Paul Weitz huele a nominación a los Oscar y parece traer de nuevo al mejor De Niro a la gran pantalla. Weitz, un director que me gusta bastante, gracias a About a Boy y American Dreamz no es la primera vez que trabaja con De Niro al que recientemente ha dirigido en Little Fockers. Being Flynn es un proyecto muy personal para este director que se ha pasado varios años puliendo el guión de la película para retratar de manera real y sin ambages el conflicto entre padre-hijo que el escritor tan bien plasmó en su obra.

El reparto se completa con la joven promesa Paul Dano, Julianne Moore, Lily Taylor y Olivia Thirlby. Todos ellos actores con sobrado talento que ya no tienen nada que demostrar a nadie y que, bajo la dirección adecuada, son capaces de elaborar grandes y sugestivas interpretaciones. La película se estrenará el próximo año y es una de las que apuntaré en mi agenda para no olvidarme de ir al cine a verla.

Uno ya intuye que no puede esperar demasiado de un argumento que comienza así, pero teniendo en los créditos, al menos, a cinco guionistas más un escritor de cómics, sí esperaba por lo menos pasar un rato entretenido. Ante la falta de empatía por casi ninguno de los personajes, pues si unos te caen mal, los otros te dan lo mismo, y una sucesión de acciones que no sólo no aportan nada a la evolución de la trama, sino que además provocan la pérdida de interés en la resolución final, provocan una inevitable precipitación al más puro tedio. Un servidor echa en falta en estos personajes algún rasgo psicológico o emotivo al que agarrarse. Sin ir más lejos, Ridley Scott conseguía mucho más con mucho menos en “Alien”, y desde luego, me caían mucho mejor cualquiera de los personajes de “Rango”, por hablar de otra película reciente ambientada en el Oeste.

Pero es que claro, no estamos en el mismo oeste de “Rango”, si Gore Verbinski sí tiene en cuenta las revisiones que se han realizado del género en las últimas décadas, Jon Favreau, muy acorde con su ideología política, totalmente republicana y conservadora —impresión puramente personal y subjetiva—, parece más interesado en aquellos westerns clásicos de las décadas de los treinta de los que se decía que morían cincuenta de golpe y no pasaba nada. Me refiero a esos westerns tan criticados por hablar de los indios nativos americanos como si fuesen seres inferiores, maltratando y malogrando la imagen de un pueblo invadido y erradicado por aquellos mismos que protagonizan la película.

Sin embargo, en la película de Jon Favreau no hay ningún intento de metáfora ni reconciliación con los nativos americanos, sino que encima y en la línea de aquella insoportable película de John Ford, “Fort Apache”, los blancos vuelven a mofarse de las estrategias de los indios, para demostrarse que tenían razón. Yendo todavía más lejos, y lanzando un capote al fallecido Charlton Heston, la película se marca con disimulo y discreción un alegato en favor de la necesidad del individuo a estar armado, e incluso a que los adolescentes aprendan a manejar un arma.

Con lo que respecta al reparto, pareciera que a Daniel Craig, más que contratarle por su parecido físico con Yul Brynner, a través del que se intenta homenajear una película como “The Magnificent Seven”, pareciera que le hubieran escogido por sus dotes para las cabriolas adquiridas en la franquicia de James Bond. Curiosamente Harrison Ford aparece en mucho mejor forma de la que aparentaba en “Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull”, lo que traduzco como que el que estaba mayor no era él, sino Steven Spielberg. Paul Dano está tan correcto como siempre, pero el que mayor partido saca a su breve intervención es sin duda Ketih Carradine, único que sabe aportar a su personaje algo más que las líneas que le marcaron aprenderse. De la intervención de Sam Rockwell prefiero ni hablar, porque no he entendido ni sus caras ni sus muecas, ni nada.

Como suele pasar en productos de esta índole, no lo digo por el género, sino por la ideología política de su director, la mujer es tan sólo un objeto más de atrezzo de la película (o no es exactamente aquello que representa), por lo que no puedo destacar ni la intervención de Olivia Wilde ni la de Ana de la Reguera. Es curioso (y sospechoso) que estos extraterrestres parezcan una versión negativa de la maternidad pues parecen querer tragar la vida humana de manera inversa a la que las mujeres dan a luz.

Por lo menos a un servidor, le encantan tanto Kate Winslet, desde que la descubriera en la maravillosa “Heavenly Creatures” —-y a pesar de “Titanic“—-, como Annette Bening, desde que la viera por primera vez en “The Grifters” —-y a pesar de “The Boys Are All Right”. Por eso me encanta cualquier noticia que se refiera a su participación en un nuevo proyecto —-y a pesar de que no sea en la misma película.

Según confirman en Entertainment Weekly, Kate Winslet será una madre soltera en “Labor Day”, que junto a su hijo, decide socorrer a un extraño que está sangrando y del que se enamora durante el transcurso del fin de semana en que se celebra el día del trabajador. Este extraño resulta ser, un ex-convicto que estará interpretado por Josh Brolin. Se trata de la adaptación al cine de una novela de Joyce Maynard, publicada en 2009, de cuyo guión se está encargando quien también será su director: Jason Reitman. Precisamente el año en que se publicaba la novela, el que será director de su adaptación a la gran pantalla obtenía nominaciones al preimo Oscar por escribir, producir y dirigir “Up in the Air”, que actualmente se encuentra ultimando los detalles de “Young Adult”.

Con respecto a Annette Bening, todavía se encuentra en negociaciones para protagonizar “He Loves Me”, tal y como comentan en Variety. Una película en la que sería Gertrude, una pintora preocupada por la hostilidad de su hijo hacia su segundo marido. El hijo estaría interpretado por Paul Dano, quien sería Calvin, un joven que una vez fuera novelista cuya creatividad se bloquea debido a la soledad y un ataque al corazón, para el que todo cambia cuando escribe la que sería la chica de sus sueños, quien cobra vida para convertirse en su novia. Curiosamente, este personaje sería interpretado por Zoe Kazan, novia en la vida real del que fuera protagonista de “Little Miss Sunshine”.

Precisamente, dirigiendo el proyecto nos reencontramos con Jonathan Dayton y Valerie Faris, que se enfrentan aquí a su primer proyecto tras “Litle Miss Sunshine”, para la que también se reencontrarán con Albert Berger y Ron Yerxa, que fueran productores de la sorpresa cinematográfica de 2006. Se había especulado con que Jeff Bridges podría ser el marido hippie de Gertrude, pero parece que sus compromisos con otro proyecto que se rueda a la vez, dificultarían su participación. Con o sin él, el rodaje de “He Loves Me” comienza el mes que viene.

Foto: Listal

Nuevo México, en 1873. “Cowboys & Aliens” cuenta la historia de un hombre (Daniel Craig) que aparece en un pueblo desértico, sin memoria alguna de su pasado. Su única pista para saber quién es un misterioso artefacto que lleva en su muñeca. Lo que descubre es que la gente de Absolución no le da la bienvenida a extraños y nadie se mueve en las calles hasta que sea ordenado por el Coronel Dolarhyde (Harrison Ford). Es un pueblo que vive y respira el miedo.

Pronto el pueblo de Absolución experimentará el miedo como nunca antes, cuando es atacado por seres que vienen del cielo. Vienen con naves que alcanzan una velocidad impresionante, equipadas con luces que abducen a todo aquel que sea señalado. Unos entes nunca antes imaginados por los lugareños. El extraño que en su momento señalaron es su única esperanza para la salvación; con ayuda de Ella (Olivia Wilde) forman un grupo que peleará en contra de un enemigo en común, en una batalla épica por la supervivencia.

Si bien el nuevo tráiler parte de material antes visto, tanto en el primer como el segundo tráiler, en esta ocasión nos presentan más acción, una línea mejor trazada sobre la trama, con un montaje más atractivo. El resultado final es un tráiler que deja con ganas de más. En el metraje también podemos apreciar a Paul Dano, quien interpreta a Percy, el hijo malo del Coronel. También tenemos un pequeño vistazo de los alienígenas que provocarán el caos en pleno salvaje oeste. Pensar en una historia sobre vaqueros y alienígenas puede resultar extraño… pero gracias a este tráiler resulta una premisa llamativa.

“Cowboys & Aliens” ha sido adaptada por Roberto Orci y Alex Kurtzman — guionistas de “Star Trek” y la serie Fringe —.

Sin embargo, pese al título y al argumento, según Coming Soon lo más interesante de la noticia son los nombres que estarán en el reparto: Paul Dano como protagonista y Robert de Niro como su vagabundo padre. Podéis pensar que es demasiado mayor para ser su padre, aunque el maquillaje hace milagros, pero creo que los dos ya han demostrado que cuando quieren son capaces de dejarnos grandes interpretaciones, y si esta vez las consiguen los dos juntos seguro que será una película muy a tener en cuenta.

A estos dos roles masculinos les acompañará Julianne Moore como la madre de Dano, por lo que al menos el trío protagonista resulta de lo más interesante. Juntos a ellos también nos encontraremos otros secundarios como Olivia Thirlby, Lili Taylor y Dale Dickey.

En cuanto al director, este papel lo tomará Paul Weitz, que afirma haber estado siete años trabajando en el guión para realizar esta adaptación cinematográfica, por lo que al menos parece que tratará bastante bien al material original o al menos se lo habrá estudiado lo suficiente como para distinguir los puntos fuertes del discurso. Weitz ha trabajado especialmente el género de comedia, con películas como “American Pie”, “Abour a Boy” o “Little Fockers”, por lo que ya veremos cómo se desenvuelve en esta película dramática.

Por ahora el rodaje ya está en marcha y todo apunta a que su estreno llegará a finales de este mismo año, casualmente cuando llegan las últimas películas para ser nominadas al Oscar. Todavía es muy pronto para hablar de esto pero muchos ya han apuntado esta película como una de las posibles candidatas a ser nominadas por su reparto, y en teoría así debería ser. ¿Nos encontraremos con un gran trío protagonista como este año en “The King’s Speech” o pasará la película sin pena ni gloria por las carteleras?

Foto: BlogDeCine

Como podéis comprobar, cualquiera que no sepa nada de lo que se le va a mostrar parece que está ante un nuevo western. Sin embargo la aparición de las primeras naves espaciales desorientan completamente y parece que se trate más de una parodia del género que de otra cosa. Pero por lo menos me parece una gran idea como punto de partida y espero que no se quede sólo en eso.

Desde luego los nombres con los que cuenta la película son para, en teoría, tenerla muy en cuenta: Jon Favreau como director, Spielberg como productor ejecutivo y en el reparto actores como Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Sam Rockwell o Paul Dano. Sin duda es un elenco de intérpretes envidiable y que muchas películas querrían contar con la mitad de ellos.

El resultado parece que será una película con unos muy buenos efectos especiales y con buenas interpretaciones. La única duda que me queda es si Favreau sabrá mantener intacto el espíritu de un buen western, al menos hasta que aparezcan las primeras naves especiales, y si a partir de ahí conseguirá combinar de manera efectiva este género con la ciencia ficción. Por ahora, sólo podemos esperar hasta el verano de 2011 para comprobarlo con nuestros propios ojos.

Vía: MovieWeb

La reciente proliferación de títulos como “Zombielnad” o “Kick-Ass” que incluyen un estereotipo anteriormente denostado, el denominado nerd —-o lerdo en español—-, me llevan a preguntarme si estas producciones incluyen este tipo de personajes por aceptación, o simplemente, por moda, por la asimilación a nivel popular de un perfil psicológico que ya no necesita de grandes explicaciones, por lo que aparece integrado en la maquinaria del cine comercial convirtiéndolo en un cliché más.

En el otro lado, estarían las producciones que siguen utilizando este tipo de personajes con coherencia como “Splice”, en donde realmente se retrata al personaje como el fruto profesional de tantas horas de biblioteca; “How to Train Your Dragon”, donde la reivindicación del personaje es clara y evidente en oposición a los jóvenes interesados única y exclusivamente en el deporte, la acción y la violencia, pero con ninguna expectativa intelectual; o el breve personaje que aparece en “Knight and Day”, Simon Fleck (Paul Dano), que con apenas unos minutos calca a la perfección la esencia de este estereotipo.

No deberíamos confundir friki con nerd, aunque alguna vez se puedan dar ambos casos en una misma persona, si acaso lo mejor es que comencemos definiendo el estereotipo en cuestión. Nerd sería aquel individuo que vive por y para los libros, sin vida social, lo que comúnmente se denomina una rata de biblioteca, y que, en la mayoría de los casos, son objeto de burla e incluso bulling por parte de fornidos atletas y capitanes del equipo de baloncesto (aquellos con carencias afectivas y falta de autoestima, no por todos).

No les interesa el deporte o cualquier actividad que implique ejercicio físico, respondiendo a un perfil físico denominado ectomorfo —-según la división en categorías de tipos de cuerpo humano marcada por William Sheldon—- que coincide con las características psicológicas del nerd que tienden a ser introvertidos, tímidos y retraídos. En ocasiones puede darse el efecto contrario, que la inactividad y la falta de ejercicio les lleve a engordar, pero son casos excepcionales.

Su ausencia total de ínterés por la moda y las últimas tendencias estilísticas conduce al predominio de la comodidad sobre la estética en su manera de vestir, aunque, desde luego, sí están al tanto de los últimos avances tecnológicos, pues son ávidos consumidores de informática y videojuegos, siendo además consumidores de cómics y juegos de rol y teniendo una particular predilección por la ciencia ficción en cualquier formato: cine, televisión, cómic, videojuego, etc.

A continuación ofrezco una lista absolutamente subjetiva de los títulos que considero reflejan a la perfección al nerd:

1. “Welcome to the Dollhouse”: a través de cualquiera de las películas de Todd Solondz se puede llegar a la conclusión de que el director de New Jersey habla de lo que conoce, siendo la historia de Dawn Wiener (Heather Matarazzo), tan divertida como triste, la de una nerd completamente marginada, incluso por su propia familia. Se puede intuir cómo fueron los años de instituto del propio Solondz, sobre todo cuando vemos una fotografía suya.
2. “American Splendor”: siempre se ha dicho que la realidad supera a la ficción y esta fabulosa película basada en el autor de cómics, Harvey Pekar (Paul Giamatti) —-recientemente fallecido—- y su esposa, Joyce Brabner (Hope Davis), lo demuestra con creces al incluir en la misma película a los personajes ficticios con los reales, siendo estos increiblemente más nerd que aquellos que los representaban, y eso que la representación ya parecía exagerada.
   
3. “Carrie”, adelantándose a la moda cinematográfica, Stephen King —-quien debe ser el nerd más famoso de Maine—- escribe en forma de cuento del patito feo la historia de una nerd (Sissy Spacek) objeto de burla de todo el colegio, incluso de sus profesores. Lástima que el apoyo y ayuda de Mrs. Collins (Betty Buckley) y Sue Snell (Amy Irving), no fueran suficientes para contener su contundente venganza.
4. “Napoleon Dynamite”: hipnótica e hilarante es la tierna historia de Napoleon (Jon Heder), que busca desesperadamente encajar en un mundo al que no pertence.
5. “Bananas”: debido a su larga trayectoria y a su indiscutible éxito a nivel intelectual, podría habernos pasado desapercibido que Woody Allen responde al dedillo con las características del nerd neoyorquino. De hecho, en los primeros años de su filmografía, los que se corresponden con su etapa más cómica, utiliza conscientemente este mismo estereotipo para buscar el chiste y el gag visual, hasta que se cruza en su camino Diane Keaton y evoluciona hacia un personaje más intelectual.
6. “Edward Scissorhands”: más que Edward (Johnny Depp), sería su creador (Vincent Price), el que encajaría como auténtico nerd marginado y dotado para los experimentos de laboratorio que se ve obligado a crear a un compañero, un amigo con el que poder hablar y compartir sus “aficiones”. Su criatura vendría a representar los deseos de encajar en la sociedad de su auténtico creador, Tim Burton, que a base de cine gótico ha conseguido con creces su objetivo, estando actualmente plenamente aceptado dentro de la industria cinematográfica americana.
7. “Wierd Science”: productor, guionista y director muy querido por las generaciones de adolescentes de los años ochenta, John Hughes, siempre ha incluido personajes que encajan en perfiles muy variados del adolescente contemporáneo, incluyendo el perfil nerd en algunos de ellos, como la magnífica “The Breakfast Club”, pero siendo en “Wierd Science” donde les da todo el protagonismo al tratar el caso de dos típicos nerds, adictos a la informática y tan cualificados para la ciencia como incapacitados para las relaciones personales con el sexo opuesto, por lo que deciden fabricar a su mujer perfecta, por aquellos años representada en la fisonomía de Kelly LeBrock: el sueño de todo nerd.
8. “Spider-Man”: Peter Parker (Tobey Maguire) responde a la perfección a las características de este perfil que prefiere enfrentarse a complicados experimentos universitarios antes que revelar su amor incondicional por su vecina, Mary Jane Watson (Kristen Dunst). Otra cosa es lo que sucede cuando una araña radioactiva le muerde proporcionándole unos fantásticos poderes que todo nerd, o no nerd, quisiera para sí mismo.
9. “Superstar”: Mary Katherine Gallagher (Molly Shannon) desea conseguir un beso del hombre de sus sueños, Sky (Will Ferrer), quien bailará con Evian (Elaine Hendrix) en el mismo concurso de talentos que May va a utilizar como plataforma para convertirse en superestrella.
10. “Revenge of the Nerds”: dirigida por Jeff Kanew en 1984, esta simpática película norteamericana marca el inicio cinematográfico de este estereotipo (como tal), que fuera tomado prestado del filósofo Timothy Charles Paul, quien utilizara el término para referirse a un tipo de persona inteligente con reducidas habilidades sociales.

Bonus: me siento en la obligación de dejar constancia, como un caso aparte, de la inclusión en “The Silence of the Lambs”, de un grupo de tres nerds, que aparecen jugando al ajedrez en una biblioteca y a los que la agente Starling (Jodie Foster) acude para solicitar información acerca del capullo de mariposa encontrado en la garganta de una víctima de Buffalo Bill (Ted Levine). Estos tres personajes serán, sin duda, el germen que se materializaría en otro grupo de tres nerds, que resolverían las más complicadas dudas de Mulder (David Duchovny) y Scully (Gillian Anderson) en la serie de televisión “The X Files”, y sus consiguientes largometrajes, constituyendo, probablemente, el ejemplo más conocido de nerds tanto en el cine como en la televisión.

No dejes de reivindicar tu película nerd favorita en tu comentario.

Fotos: Mapache Ninja Cahiers du Cinéma Cine Quo Humanamente Eonline The Driftless Area Review

Antes de leer esta nota pueden les dejo la crítica de mi compañero Luis. Pasando a mi texto les diré que entré de mala gana a ver esta cinta y creyendo que me toparía con un fiasco, por todas los escritos que había leído antes, me llevé una agradable sorpresa por ver una película que me sacara unas cuantas sonrisas y me entretuviera de principio a fin.

Si bien “Knight and Day” no es perfecta, cosa que lo sabemos de sobra, el film se sostiene por un gran carisma de los protagonistas. Cameron Diaz encuentra en esta cinta un personaje dentro de su zona de confort, que si bien no le exige tanta capacidad actoral sostiene un personaje agradable y con mucha soltura bien podría llevarse una nominación como actríz de comedia en los Globos de Oro. Tom Cruise está en un personaje similar a Ethan Hunt pero que con un poco de chiste logra aún emocionar al espectador.

Seré realista, James Mangold es un director más artesanal, su técnica reside en explotar a sus actores con todo su potencial. Dentro de su filmografía está “Girl, Interrupted”, “Kate & Leopold” y “Walk the Line”; cintas donde su mayor éxito radica en la química desarrollada por sus protagonistas. De esta manera, Mangold no es un director preocupado en el apartado técnico, ni mucho menos, en sorprender en ese peldaño, creo que su ojo radica en el peso actoral.

Leí también que Paul Dano se encuentra desperdiciado y me parece que esta aseveración es incorrecta. Si bien no es su mejor trabajo tampoco es algo que merezca olvidar. Su trabajo secundario está sencillo y da pie al lucimiento protagonista. Al igual que Viola Davis, quien en esta cinta se encuentra más medida. Davis puede devorar escénicamente a quien comparta el cuadro con ella. Los villanos de la cinta un tanto más apartados su actuación queda más acartonada y fría.

El guión de Patrick O’Neill está bien cuidado, y como toda película de agentes, cuenta con elementos repetitivos: viajes por lo largo del mundo, un científico joven y genio, armas al por mayor, etc. Todo lo ideal para los aficionados de estas películas en dónde esta aparte de ser entretenida, tiene ligeros toques que la hacen muy agradable y sencilla para pasar un rato en dónde podemos poner nuestros pensamientos en off y dejarnos llevar.

La película goza de buen ritmo y si, es predecible y tiene algunas fallas en guión, al final te queda un cierto sabor de ambigüedad en la ingenuidad del personaje de Diaz, pero vamos, se los dejo a su criterio. Genial el uso de las canciones de Scorpions y Gotan Project. Y si bien no es el mejor score de John Powell, no se siente tan ajeno a la imagen.

Al final de cuentas esta es una de esas películas en las que se antoja pasar una tarde con palomitas, refresco y una buena compañía. Todos salimos contentos si no nos ponemos tan exigentes. Al fin y al cabo está hecha para eso, entretener.

Fotos: IMP Awards / Cache Studio

El nuevo proyecto de Spike Jonze, “Where the Wild Things Are”, es una aventura cinematográfica hacia la madurez. La cinta basada en el libro de Maurice Sendak es un ejemplo de cómo entender el lugar que ocupamos en el lugar llamado “familia”; es un proceso de crecimiento a través de un viaje en la imaginación.

Max (Max Records) es un niño como cualquier otro, siempre buscando con quien interaccionar y quien cree que no tiene un espacio en su familia. El viaje que Max emprende se da a partir de un enfrentamiento con su madre — interpretada por Katherine Keener, actriz recurrente en la filmografía del director —. Max cruza mares peligrosos hasta llegar a una isla, habitada por seres especiales parecidos a seres monstruosos.

La cinta dota al protagonista de una madurez al interaccionar con estos complejos seres, los cuales cuentan con diferentes personalidades. Sin embargo, esta travesía no es tanto miel sobre hojuelas y ahí es donde creo que la cinta no es tanto para niños a pesar de que así se muestre por su material original.

A mi gusto, creo que la cinta cuenta con una violencia visual y psicológica que no es tan agradable a la vista de niños menores de 10 años. Algunos personajes están dotados de personalidades muy depresivas y otros con actitudes negativas.

Parece que cada personalidad de los monstruos construye la de Max: la ira que siente por el rechazo de su hermana y el enojo que tuvo con su madre, la búsqueda constante del mismo por un “lugar seguro”, la depresión que lo persigue, el ser soñador e inseguro. Estas características hacen que los monstruos cuenten con un carácter oscuro y violentos. Pero también hay que mencionar que estos seres ofrecen a Max la visión de comprender lo que es una familia, pues ellos siguen las normas de una comuna.

El conflicto central de la cinta es el entendimiento por parte de Max de reflexionar que ocupa un lugar en la “familia”. La familia es un espacio donde cada integrante dota un engrane para el movimiento de la misma. Por eso, Max es vital en su familia así como lo es cada monstruo para el grupo.

El score de la cinta — Orquestado en conjunto por Carter Burwell y Karen Orzolek— es increíble y acompaña la evolución de Max. El soundtrack dota de dinamismo y fuerza a cada una de las escenas de la película. Cada acorde es una reflexión a los sentimientos de los personajes.

La fotografía tiene momentos muy bellos, sin embargo, éstos se ven desdibujados al contar con un manejo de cámaras en constante movimiento y un tanto nervioso. Es interesante la unión entre ligeros momentos de animación CGI y que los monstruos sean de peluche, la cual me recordó en algunas secuencias a los trabajos realizados en cine por Jim Henson como “The Dark Crystal” y “Labyrinth”. La expresión facial de los monstruos es emotiva y realista.

Estos detalles hacen que la cinta se mueva entre la media. El ingenio visual de Jonze deja en claro que volvió a ser niño con este proyecto ya que en éste, su tercer largometraje, se siente fresco y libre de la visión de Charlie Kaufman; pero no es un trabajo completamente redondo al mostrar un trabajo para niños con toques muy oscuros, posee un ligero exceso en la violencia y a ratos se siente sin un ritmo constante.

No es una película para niños, ni exclusivamente para adultos. Es una película para adultos con el fin de entender como vive, siente y piensa un niño de 8 años. El que espere una historia infantil que nace desde una mente adulta, se equivoca. El que espere una historia adulta entre líneas en un ambiente de cuento, se equivoca.

Vía Fotos: FanPop y MovieMobsters

“Knight and Day” es una divertida vuelta de tuerca, que ironiza sobre el cine de acción y de espías, apoyada en un soberbio reparto que se beneficia de las espléndidas habilidades cómicas de Cameron Diaz.

June Havens (Cameron Diaz) se ve envuelta una serie de retenciones, persecuciones, asaltos y todo tipo de inusitadas y rocambolescas situaciones tras las que se encuentra Roy Millar (Tom Cruise), quien dice estar en posesión de un objeto megapeligroso que le lleva a ser perseguido por la CIA, además de estar protegiendo a su inventor. Sin embargo, la CIA tiene otra versión y asegura que es un peligroso espía capaz de mentir con tal de cumplir su objetivo.

Podríamos resumir “Knight and Day” como un cruce entre las películas de James Bond y las películas de espías en general —-entre las que se incluye la saga “Mission: Impossible“—- con las de Alfred Hitchcock en particular. Para ello, James Mangold hace uso de la hipérbole más descarada para realizar una sólida, casi hilarante, crítica irónica sobre el cine de espías —-y el de acción—- y sus inverosímiles situaciones, que se sostiene gracias a un sólido reparto que incluye actores como Peter Sasgaard, Paul Dano, Marc Blucas, Viola Davis o Jordi Mollà.

Lo mejor de la película es, sin ningún tipo de dudas, el humor del que hace gala, que convierte cualquiera de las situaciones en una excelente oportunidad para demostrar las dotes cómicas de sus protagonistas. Resalta particularmente la de Cameron Diaz, que borda el papel de rubia, que ya practicara en “There’s Something About Mary”, y que aquí eleva a una categoría superior, gracias a un estupendo personaje, escrito por el principiante Patrick O’Neill, que coloca al espectador en jaque desde el primer momento —-la broma del control de seguridad cuando Cameron abre sus maletas en las que transporta tubos de escape y otras piezas para un coche, además de su femenino secador de pelo, es la primera de una lista de gags impagables. Un guión que utiliza la elipsis para evitar cualquier tipo de explicación lógica o verosímil que, indudablemente, carecería de sentido si se pretendiese explicar, pero de las que están llenas cualquiera de los títulos tradicionales de cine de espías.

Más allá de la hipérbole o la elipsis, es la ironía dramática, que coloca al espectador en posesión de mucha más información que June en la primera parte de la película, la que facilita esos momentos cómicos, llevándonos por el camino de, las llamadas, screwball comedies —-o comedias alocadas—-, y todo tipo de situaciones hilarantes, para la reconsideración posterior, una vez que June está en posesión de toda la información. Esta ironía dramática se invierte siendo Roy el perjudicado, quien jugará en desventaja en la última parte de la película, convirtiendo la máxima de una conocida canción de la etapa del cine clásico —-etapa sobre la que planea un discreto homenaje—-, Anything you can do, compuesta por Irving Berlin y que utilizara un dueto compuesto por un hombre y una mujer en lo que representara un duelo entre ambos en el que ella termina como vencedora según la frase más recordada de la canción: “Anything you can do I can do better; I can do anything better than you (cualquier cosa que hagas yo lo hago mejor; puedo hacer cualquier cosa mejor que tú)”.

Las citas al cine de James Bond no parecen utilizados como crítica, sino como guiño, pues más que cine de acción, siempre se ha acercado más al cine de ciencia ficción que permite parecer verosímiles muchas situaciones que escaparían a las leyes de la naturaleza. Los homenajes al cine de Hitchcock funcionan en dos vertientes, por un lado utiliza los mismos recursos narrativos, particularmente los de “Notorious”, “The 39 Steps” o “North by Northwest”, no tanto por sus tramas, sino por la capacidad del mago del suspense para dotar de humor e ironía a sus descabelladas tramas de espías, convirtiendo en absurdas las explicaciones que llevaban a sus personajes a perseguirse de un lugar a otro y centrándose en las historias de amor de sus personajes principales; además del consabido elemento MacGuffin, elemento tras el que corren todos los personajes (la batería que no necesita recarga), pero que realmente no tiene ninguna relevancia en la evolución de la trama, tan sólo en la de la acción. La otra vertiente, la estética, le lleva a utilizar sistemáticamente las transparencias que Hitchcock utilizara en sus películas y que consiguiera convertir en uno de sus sellos visuales y que, al contrario que sucede hoy en día que nadie tolera un fallo en los efectos especiales, era tomando con la mínima importancia en sus películas al ser un elemento superficial, deliberadamente irreal, que poco o nada tenía que ver realmente con la situación retratada.

El trabajo interpretativo de actores como Jordi Mollà haciendo de un histriónico villano hispano, Paul Dano reinterpretando el personaje de nerd, el patético bombero que interpreta Marc Blucas, la seria directora de la Cia que no se entera de nada que compone Viola Davis, o el traicionero y chaquetero malvado que interpreta Peter Sasgaard, aportan credibilidad y, lo más importante, verosimilitud —-que no tiene nada que ver con realidad—-, a la hilarante historia que protagonizan Cameron Diaz y Tom Cruise, una pareja que sorprende por la estupenda química que desprenden en la pantalla y que, si bien no esperábamos menos de la magnífica Cameron Diaz, a mi por lo menos, me sorprende encontrar un Tom Cruise con el sentido de humor suficiente como para reírse de sí mismo.

Sin comentarios sobre el hecho de que San Fermín se celebre en Sevilla, ¿o será quizá una broma con doble sentido por la espectacular incoherencia que supuso mezclar fallas con Semana Santa en “Mission: Imposible II”? Más que nada porque vistos los ríos de tinta, que no de sangre, que derramara Hemingway sobre la típica fiesta pamplonica, me sorprende esta incoherencia. ¿O quizás era más barato rodar en Sevilla que en Pamplona?

Fotos: The Fire Wire CBC

A estrenarse a finales de julio de este año en el mercado estadounidense, ya ha aparecido el tráiler de la película “The Extra Man”, protagonizada por uno de los mejores actores con menos reconocimiento por parte de la audiencia, Kevin Kline, y otro de los venideros grandes actores de otra generación, Paul Dano —- a quien muchos tendremos en la cabeza por haber interpretado al hermano de la pequeña aspirante a reina infantil en “Little Miss Sunshine” (2006)—-.

Junto a los ya mencionado protagonistas debemos contar con la presencia en el cast de otras figuras de renombre, como la propia Katie Holmes, el excelente John C. Reilly —- pensar que en una época se quejaba de que siemrpe le daban papeles dramáticos —- entre otros.

El filme es dirigido por la dupla que ya nos ha dejado como trabajos terminados películas como la excelente, sobresaliente, medular —- sí, me voy en elogios, me gustó muchísimo y se las recomiendo hasta el hartazgo —- “American Splendor” (2003): Shari Springer Berman y Robert Pulcini.

La historia se centra en la vida de Louis Ives, un jóven que sueña con convertirse en una especie de héroe de alguna novela de F. Scott Fitzgerald —- lean “The Great Gatsby” si no lo han hecho, por favor —- quien, forzado a dejar su trabajo en la preparatoria de Princeton, viaja a Nue York con la esperanza de darle otro rumbo, otro quizás más exótico, a su vida. Allí encuentra pronto un trabajo regular en una revista de medio ambiente, gracias a la cual conoce a María, el personaje de Katie Holmes, una chica obsesionada con el color verde. Leugo, aparece en su vida Henry Harrison, interpretado por el propio Kline, vecino de su departamento, que lo introducirá en la vida de los “extras”, homrbes que se dedican a cortejar a las viudas adineradas de la Gran Manzana. Harrison es, él mismo, una especie de dramaturgo frustrado que hará las veces de maestro/mentor de Louis.

La película promete mucho: ya la dupla de directores han sabido ofrecernos un trabajo más que digno, y esta breve sinopsis puede esperanzar hasta al más escéptico: nada mejor en estos días de incertidumbre existencial que recurrir a una película como estas, y ojo que lo digo sin haberla visto todavía. Les dejo el tráiler para ver si los tiento más.

Vía: Magnolia Pictures Official Web Page | Foto: The Extra Man Official Web Page

Previo al estreno de “Knigt and Day” y esperando también el de “The Extra Man”, podemos calentar motores con otra interpretación de Paul Dano en “The Good Heart”, además de disfrutar de la profesionalidad y buen hacer del escocés Brian Cox.

A causa de un ataque al corazón, Jacques (Brian Cox) termina una noche en una habitación de hospital al lado de Lucas (Paul Dano), quien se recupera tras haber intentado suicidarse, esa misma noche. Esta conexión en el tiempo y el espacio acabará teniendo un significado más allá de lo esotérico, sobre todo para Jacques, solitario, huraño, arisco y antipático propietario de un bar, que se empeña en llevarse a Lucas a su casa, no para que se recupere, sino porque tiene un plan trazado: desde ese momento va a ser su alumno y le va a enseñar todo lo que él sabe, o la menos todo lo que merece la pena ser aprendido. La relación entre ambos se complementa y consolida encajando poco a poco el uno con el otro. Hasta que aparece April (Isild Le Besco) y rompe, involuntariamente, este equilibrio.

A primera vista, “The Good Heart” no parece un historia mística, parece casi una historia de buddies atípicos, en la que todo guarda un doble sentido o un inesperado giro bajo el que aflora un misticismo del que su director, Dagur Kári, también guionista, no parece querer hacer su seña de identidad. La primera secuencia es una buena muestra de ello en la que parece que pudiera denostar las prácticas de relajación, siendo al final lo que más necesita el protagonista. El mismo título encierra un doble sentido dado puede referirse tanto al estado físico del deteriorado corazón de Jacques, como al emocional dado que se le ha endurecido con el tiempo y la soledad. Este doble significado de muchos acontecimientos nos conduce a un final en el que será Lucas quien acabe por dar más de lo que hubiera esperado —-tal y como es su naturaleza—-, invirtiendo los roles iniciales de profesor y alumno, padre e hijo, médico y paciente, establecidos a decisión voluntaria de Jacques —-quien se convertirá en el verdadero alumno—- y marcando el tema central de la historia, que pretende indicar que la vida transcurre por derroteros independientes a las decisiones de los individuos, resultando, a veces, más enriquecedoras y afortunadas las circunstancias casuales e inesperadas, el azar, que todo lo que se haga con premeditación.

La ironía está presente a lo largo de todo el relato, no sólo en la manera en la que Jacques se expresa: “día tras día me dejo la piel intentado conservar mi vida”, cuando hace todo lo contrario con su actitud pendenciera, siendo incapaz de dejar de fumar hasta cuando está en el hospital. Me llama particularmente la atención esa sentencia que hace cuando dice: “no estamos aquí para salvar a la gente, sino para destruirla”, cuando lo cierto es que él mismo necesita, inevitablemente, al otro, a Lucas, para proyectarse y realizarse como persona. En un retorcido giro irónico sí es cierto que podríamos decir que, en lo que respecta a sí mismo, Jacques dice la verdad, pues parece que todo aquello que él destruye le sirve para medrar como persona, reforzando nuevamente la idea de que necesita al otro para fortalecerse.

Ambos actores están excelentes en sus interpretaciones, si acaso sobresale Brian Cox, que consigue imprimir una especial ternura y sensibilidad a su lobo estepario. Contribuye a esta excelencia la construcción física de ambos personajes y las comparaciones que se establecen, por ejemplo, con sus animales de compañía, que contribuyen a extrapolar las características entre ambos, así, el perro que tiene Jacques, viene a decirnos que tiene una personalidad dependiente, que necesita que le cuiden y estar acompañado, y el gato de Lucas, que le presenta como una persona independiente y que es capaz de sobrevivir por sí mismo. Aunque la breve interpretación de Isild Le Besco transmite a la perfección lo que su personaje significa dentro de la historia, desmerece un tanto el tono general al estar retratado de una manera bastante más superficial que resume el universo femenino a poner manteles y flores en las mesas, velas por doquier, una encomiable capacidad para perdonar yéndose de compras y una natural tendencia al coqueteo con cualquier varón que se le cruce por delante.

No es la primera vez que cineastas europeos, que nada tienen que ver con Nueva York y lo que representa, ubiquen sus historias en la gran manzana o en los Estados Unidos —-casi cualquiera de las películas de Isabel Coixet o Wim Wenders son un buen ejemplo. En el caso de Dagur Kári, islandés de origen, aprovecha muy bien la impersonalizad que esta ciudad ofrece, centrándose en su intimista historia y evitando darse una vuelta por Central Park, Rokefeller Center, el Empire State Bulding o cualquier otro característico lugar y edificio que nos distraiga sobre el discurso. Igual que no interesan a los protagonistas, no nos interesa a nosotros. Si acaso, sí resulta algo inverosímil el inusitado calor que médicos y enfermeros muestran por Lucas en el hospital. Una actitud propia de cualquiera de los cientos de series sobre hospitales que pueblan la parrilla de cualquier cadena de televisión, pero que no sucede en la vida real, ni siquiera en los hospitales de ciudades de provincia a no ser que conozcan a la familia del suicida. Hubiéramos tenido otra percepción si se nos hubiera mostrado algo que enterneciera a médicos y enfermeras como para tratarle así, pero no es el caso. Puede que la intención sea mostrar a Lucas como una persona cuyo candor atrae y conmueve a su alrededor, siendo esa la razón por la que Jacques le escoge para que sea su protegido, otra detalle que tampoco está bien esclarecido. De cualquier manera, como son situaciones que transcurren al principio del filme, a medida que nos sumergimos en la historia, nos olvidamos de ellas, centrándonos en los personajes. Lo que sí mantiene toda la película es una coherencia visual tras la que no se aprecia el origen de su autor y podríamos pensar, perfectamente, que estuviéramos viendo un filme independiente norteamericano en la línea de Jim Jarmusch.

En este caso la casualidad juega con el propio director facilitado una broma inesperada pues, desconociendo si hay algún motivo intencionado para escoger un animal como un pato, Estragón en la ficción, y el nombre de su cuidador como Lucas, el público hispano hablante puede interpretar esta elección como una alusión al pato Lucas—-Daffy Duck en su idioma original. Impagable resulta, por lo menos al público español, el nombre del toro, Butragueño, en alusión al que fuera jugador del Real Madrid, cuyos atributos masculinos fueran expuestos en un partido de fútbol ante su imposibilidad de mantenerlos dentro del pantalón.

Fotos: Film Affinity Cineol

Teniendo fecha de estreno el próximo 30 de julio, en suelo Americano, y con una formidable acogida en el pasado Festival de Sundance, aunque fuera de concurso, nos llega el trailer de “The Extra Man”, la última excentricidad de Shari Springer Berman y Robert Pulcini.

Rodada en New York, donde se desarrolla la historia e incluyendo en el reparto a al espléndido Kevin Kline, Paul Dano, John C. Reilly y Katie Holmes, “The extra Man” cuenta la historia de Louis Ives, un soñador solitario que se cree un héroe de una novela de F. Scott Fitzgerald y deja su trabajo para trasladarse a Manhattan a convertirse en escritor. Allí conoce a Henry Harrison al alquilar una habitación en su destartalado apartamento, un excéntrico alocado, pero brillante, que resulta ganarse la vida haciendo de “extra”, de acompañante de viudas ricas de la alta sociedad neoyorquina.

No es difícil encontrar parejas de hermanos en el mundo cine: Paolo y Vittorio Taviani, Joel y Ethan Coen, Andy y, antes Larry, ahora Lana Wachowski, Allen y Albert Hughes o, incluso en España, Eduardo y Juanma Bajo Ulloa. Lo que no es muy normal, o por lo menos usual, es encontrar un matrimonio, como el formado por Shari Springer Berman y Robert Pulcini, que sacan adelante juntos todos sus proyectos profesionales. La compenetración laboral y artística de ambos es la que debe haberles llevado a conseguir una nominación a la mejor dirección por “American Splendor”, aquella magnífica película que narrara, precisamente, la historia de otra pareja laboral y artística, la de los dibujantes de cómic Harvey Pekar y Joyce Brabner y su peculiar novela gráfica.

“The Extra Man” filme supone el primer personaje protagonista para el divertido y original Kevin Kline, más involucrado estos últimos ocho años en el teatro, quien parece haber encontrado un excelente contrapunto en la interpretación de Pual Dano, a quien conocemos de “Little Mis Sunshine” o “There Will Be Blood”. Siendo el estreno en España previsto para otoño, tendremos que conformarnos con el tráiler, en espera de ver el nuevo trabajo de unos directores capaces de mostrar con humanidad, sinceridad, ternura y humor a unos personajes peculiares, tratados en muchos casos de nerds, que tan sólo viven su vida a su manera, sin molestar ni incordiar y aportando una gran dosis de ingenuidad y creatividad.

Vía: iTune Movie Trailers | Fotos: Katie Holmes Suri e Cia…

Lucas (Paul Dano) es un joven de buen corazón que vive en una caja de cartón debajo del puente de Brooklyn. Sin perspectivas para el futuro, intenta suicidarse, pero su intento acaba fallando, como todas las cosas que ha intentado en su vida. Mientras se recupera en el hospital, tiene que compartir la habitación con Jacques (Brian Cox), un malhumorado propietario de un bar, de carácter colérico y estilo de vida nada saludable, que acaba de sufrir su quinto infarto.

Decidido a que su bar siga funcionando, y consciente de que sus días están contados, Jacques toma a Lucas bajo su cuidado y lo instruye en las reglas por las que él se rige. Lamentablemente para Lucas, el método pedagógico preferido de Jacques consiste en gritar, despotricar y tirar cosas. Algunas de sus estrictas normas incluyen no tener nuevos clientes, no confraternizar con ellos y, la más importante, nada de mujeres. Su amistad se ve puesta a prueba cuando la aturullada April (Isild Le Besco) entra en el bar y Lucas insiste en que tienen que ayudarla.

Diriga por Dagur Kári, “The Good Heart” muestra ser un interesante proyecto para Paul Dano, quien se ha mostrado inteligente en las elecciones de sus trabajos: “There will be blood” y “Pequeña Miss Sunshine” son ejemplos de ello.

Quien quiera ver un documental sobre Woodstock, con sus míticas actuaciones, que busque un documental, un DVD musical del festival o los innumerables discos que debe haber al respecto. Lo que aquí Ang Lee nos presenta no trata sobre el festival en sí, sino sobre lo que había detrás, sobre sus cimientos, los ideales que lo crearon y la fiesta alternativa que tenía a su alrededor.

Utilizando como excusa e inspirándose libremente (lo que no indica una adaptación) en las memorias de Elliot Tiber (Demetri Martin) sobre los orígenes de este mítico evento, la película pretende recrear y rememorar unas sensaciones olvidadadas y obsoletas por nuestra sociedad actual.

Nos sitúa en las verdes y hermosas praderas del pueblo de White Lake, utilizando con ingenio la pantalla partida, que ayuda a esparcir nuestra atención ante las múltiples visiones y emociones que se vivieron aquellos días.
Nadie puede negarle al sabio Lee que sabe dónde colocar una cámara y como moverla sin que el espectador note su presencia, y es así como entramos de lleno en esos tres días de paz y música sin comparación alguno.

Es una historia sencilla al servicio de la nostalgia y el ambiente, más que para contar una historia al uso, contiene una multitud de personajes y actitudes tan vivas y tan bien recreados que, si no le pedimos lo que no nos quiere ofrecer y aceptamos lo que sí nos ofrece, hacen de esta aventura una fiesta tan emocionante como la que se relata de fondo.

No es casualidad que el protagonista jamás llegue a ver el festival, porque Ang Lee desea centrarse en el contexto, en sus vehículos pintados de colores psicodélicos y flores estampadas, las largas colas de gente que llenaban las carreteras y los lagos llenos de hippies bañándose completamente desnudos.

Ves la libertad y la ausencia de prejuicios, de esa gente danzando sin ropa con sana alegría e ingenuidad, llenos de amor por la música, alucinados por las drogas, amando al ser humano y no limitarse por la orientación sexual, dejándose llevar y siendo puramente uno mismo.

Desde el comienzo, con el retrato que se hace de la familia protagonista, la película se mueve en el terreno de la comedia ligera, y lo hace con gracia, algo a lo que ayudan las interpretaciones de los tres protagonistas, especialmente la hilarante Imelda Staunton. Me hubiera gustado que se profundizara un poco más en el poder político del festival, el cuál hubiera sido interesante capturar esa pugna.

Foto: REHAVYA

20th Century Fox ha colgado en Internet el primer póster de la comedia de acción “Knight and Day”, protagonizada por Tom Cruise y Cameron Díaz. Es curioso, porque el cartel solo muestra dos siluetas, una masculina y otra femenina, armadas con pistolas. En este tipo de filmes, lo normal es ver la cara de las dos mega estrellas de turno en primer plano, como mínimo.

La trama de la película gira en torno a una mujer solitaria (Díaz) cuya vida da un vuelco tras acudir a una cita a ciegas: allí conoce a un espía de primerísimo nivel (Cruise), con quien emprenderá un violento viaje a través del mundo, para proteger una poderosa pila que contiene la clave de una fuente de energía infinita.

Completan el reparto nombres como Maggie Grace (Shannon en “Perdidos”), Paul Dano (el adolescente mudo de “Pequeña Miss Sunshine”) o Peter Sarsgaard, entre otros. El guión del filme ha corrido a cargo del actor y productor Patrick O’Neill; tras las cámaras, el cineasta James Mangold, responsable de títulos tan interesantes como “CopLand”, “Identidad” o “El tren de las 3:10”. El estreno de la película está previsto para el dos de julio de 2010 en EE. UU. A ver si la Fox nos enseña pronto el primer tráiler, porque a priori el proyecto no tiene mala pinta.

Vía: WorstPreviews

La cara de Paul Dano comenzó a hacerse popular cuando dio vida al poco hablador hijo de la familia disfuncional de “Pequeña Miss Sunshine”. Luego coprotagonizó “There will be blood”, junto a un inmenso Daniel Day-Lewis. Ahora estamos a punto de escuchar su voz en la versión original de “Donde viven los monstruos”, y el año que viene veremos a Dano en “The good heart”, coproducción entre Francia, Islandia, Dinamarca y Alemania que se ha rodado en Nueva York bajo la dirección del islandés Dagur Kári y con Brian Cox como coprotagonista.

En “The good heart”, Lucas (Paul Dano) es un joven de buen corazón que vive en una caja de cartón debajo del puente de Brooklyn. Sin perspectivas para el futuro, intenta suicidarse, pero su intento acaba fallando, como todas las cosas que ha intentado en su vida… Mientras se recupera en el hospital, tiene que compartir la habitación con Jacques (Brian Cox), un malhumorado propietario de un bar, de carácter colérico y estilo de vida nada saludable, que acaba de sufrir su quinto infarto. Decidido a que su bar siga funcionando, y consciente de que sus días están contados, Jacques toma a Lucas bajo su maltrecha ala y lo instruye en las reglas decididamente misteriosas por las que él se rige.

“Esta película no supone un salto a la industria norteamericana. Aunque todos los diálogos están en inglés y la historia discurre en Nueva York, no hay en absoluto financiación estadounidense en la producción, porque cuando se utilizan tales fondos se ganan tantos medios como se pierde poder e independencia. Los productores norteamericanos quieren controlar las películas que producen, mientras que en Islandia y en Europa todavía se es relativamente libre de elegir”, aclara Dagur Kári. Aún no parece haber tráiler de “The good heart”, pero he encontrado este avance que muestra a Cox instruyendo a Dano. En España la veremos a mediados de 2010.

Vía y foto: Alta Films

Ya que dentro de unos meses esta película será estrenada en España, más precisamente el 2 de octubre, me pareció que podía interesarles tener el tráiler de esta curiosa película doblada al español a su disposición. Como ya lo habíamos nombrado en varias oportunidades, se trata de un filme basado en las memorias de Elliot Tiber acerca de la gestación del tremendo festival en Woodstock.

Ang Lee es quien dirige la comedia con un guión de James Schamus, contando con el protagonismo de Demetri Martin y la actuación de Emile Hirsch, Imelda Staunton, Jeffrey Dean Morgan, Liev Schreiber, Paul Dano, Eugene Levy y Dan Fogler, entre muchos otros.

Me parece una película interesante para visualizar la magnitud de este festival considerado como un ícono de los años 70 y disfrutar de muy buena música. Solo que en Argentina tendremos que esperar hasta el 10 de diciembre y en México hasta el 11 del mismo mes.

Foto: screenhead

Lo de Spike Jonze, celebrado director de Adaptation o Cómo ser John Malkovich, por la cual fue nominado al Oscar en la categoría de mejor dirección, con su última película no tiene nombre. Y si lo tiene ni le debe hacer gracia ni debe sonar muy educado.

Jonze lleva varios años con la adaptación al cine del cuento infantil “Where the Wild Things Are”, de Maurie Sendak, producido por Warner. Rodada en su mayor parte en la segunda mitad del 2006, su estreno estaba previsto para este mismo año, pero ahora no aparece en ninguna parrilla de lanzamientos de la casa para lo que queda de 2008.

El cuento original nos relata la historia de un chico, bastante travieso y cabroncete, que es castigado a su cuarto sin cenar, y allí, encorajado, crea un mundo imaginario lleno de bestias exóticas donde es el rey indiscutible. Y a ver quién es el chulo que le deja sin postre.

La película cuenta con un reparto encabezado por Catherine Keener, Paul Dano, James Gandolfini y la voz del oscarizado Forest Whitaker. Y en verdad las primeras críticas del guión, realizado a cuatro manos por el novelista Dave Eggers y el propio Jonze, fueron muy buenas. Pero luego llegaron los pases de la película con público, y se dice que los niños lloraban asustados en la sala, precisamente no lo que Warner esperaba del proyecto.

Cuentan que las criaturas, actores en grandes trajes de peluche con caras animadas, eran demasiado bizarras y frías, que en la película realmente no pasaba nada, y que el tono general era más mezquino que travieso. Vamos, contratas a Jonze y te hace una película Jonze. A quién se le ocurre.

VIDE-O-RAMA 1: prueba de pantalla de las criaturillas salvajes, en un estado muy previo de la producción, ni siquiera con el chico que finalmente sería el protagonista.

¿Y qué hacen los americanos pudientes en estas situaciones? Pues lo normal. Entrar en pánico. El estreno se retrasa indefinidamente, y durante un tiempo se habla insistentemente con el re-rodaje completo del film y la desvinculación de Jonze del proyecto por las consabidas “diferencias creativas”, vamos, el “la mía es más larga que la tuya” de toda la vida.

Es ahora cuando Alan Horn, al que es muy fácil mandar al cuerno en español, uno de los jefazos de la compañía, en una entrevista con el L.A. Times dice que Jonze no está fuera del proyecto. Que si bien es cierto que el resultado no es lo que se esperaba para un proyecto dirigido a grandes audiencias, apoyan totalmente la visión del director, dándole más tiempo y dinero para redondear el resultado. ¿Cómo? Por ejemplo retocando con CGI las criaturas para hacerlas más achuchables. Que en las navidades deben venderse como churros, for the love of Disney.

Espremos que no sea un arranque de correctismo y lavado de imagen del proyecto, y que realmente podamos disfrutar de un buen Jonze, que es como tomar un buen vino. Por la percepción deformada de la realidad que deja si se toma mucho, digo.

VIDE-O-RAMA 2: cuando se menciona a Disney, nunca es en vano. Lo repites 3 veces y te aparece John Lasseter, mr. Pixar, versión mozo friki de 1983, con una prueba de integración de animación tradicional y por ordenador para una posible adaptación del cuento.

Enlace: Can Spike Jonze save “Where the Wild Things Are”? | Vía: Rotten Tomatoes

El siguiente paso en su carrera quizá no sea tan grande ni llamativo, pero sin duda será firme y en el sentido adecuado, porque va a protagonizar junto a Zooey Deschanel la comedia con la que debutará Matt Aselton como director, Gigantic. Escrita por el propio Aselton, con la ayuda de Adam Nagata.

El rodaje comenzará a principios de Marzo en Nueva York.

Enlace: Paul Dano Gets Gigantic