Ser o no ser, es lo que Shakespeare nos plantea desde Hamlet. Y ser o no ser es lo que Resnais nos plantea 400 años después en Vous n´avez encoré rien vu. Y es que el actor es un ser escindido: es y no es, es actor y personaje, ficción y realidad, vida y obra, en un mismo momento. En un mismo presente, tiene dos posibilidades, que desarrolla simultáneamente, y que sirven como catarsis. Y eso ocurre en el film de Resnais: los actores se contagian del personaje y luchan todo el metraje por su fusión.

La obra parte de la muerte de un director teatral, que cita a las grandes estrellas de las tablas francesas para interpretar la obra de Jean Anouilh, Eurídice. Así, Vous n´avez encoré rien vu se convierte en toda una declaración de amor hacia las grandes figuras del teatro francés, entre las que se encuentran Michel Piccoli, Mathieu Amalric, Lambert Wilson, Sabine Azéma y Anne Cosigny.

Eurídice, enamorada de Orfeo, es raptada por Aristeo el día de su boda, y Orfeo debe descender a los infiernos a buscarla. Orfeo logra liberarla, pero la condición de su liberación es la imposibilidad de mirarla directamente a los ojos, de modo que deben salir del infierno espalda con espalda. Resnais trata de narrar esta obra de forma no realista, siguiendo la vía de su cine iniciada por L´année dernière à Marienbad (El año pasado en Marienbad).

La obra desarrolla el teatro dentro del cine, pues los personajes interpretan toda la obra en el film. Pero a la vez, el cine dentro del teatro, pues todos los actores asisten a una proyección de una representación de Eurídice filmada. De este modo, Resnais analiza las relaciones entre cine y teatro, admitiendo la capacidad del teatro para connotar elementos extraños a la narración, fingiendo que un lugar es tal lugar, o que un objeto es tal objeto, aunque sea lo contrario, mientras que el cine ofrece una mayor impresión de realidad, tal y como señala Christian Metz, pues la presencia radical de los actores en el teatro impide una continuidad de la obra representada con la realidad vivida, y se antoja como constructo.

Pero Resnais intenta quebrar estas capacidades diferentes de cada arte, para lo que recurre a espacios inverosímiles, que parecen quebrar el pacto de verosimilitud pero que cobran coherencia por la continuidad que ofrece la obra representada de Eurídice. De hecho, todos los espacios están construidos con croma, dando apariencia de teatralidad y falsedad a los escenarios. Así, en el cine se puede apostar por la ruptura de espacios, que en el cine narrativo se desarrolla menos por temor a parecer inverosímil.

Asimismo, Resnais utiliza varios actores para interpretar el mismo papel, pues todos los grandes actores franceses han encarnado a Eurídice o a Orfeo. Con esto trata de señalar que los grandes relatos míticos, como Eurídice, forman parte del patrimonio cultural, y son una forma de cohesión social. Todos los actores están conectador por haber interpretado el mismo papel, tienen una íntima unión entre ellos, como todos los individuos de la cultura occidental están emparentados por compartir los grandes mitos, desde Grecia hasta el cristianismo.

Ahora bien, a la obra se le puede reprochar un exceso de duración o una desconexión del público, que pueden llevar al no funcionamiento de la estrategia narrativa. El texto es muy interesante, porque la obra en la que se basa es magistral, pero puede no interesar a gran parte de los espectadores la propuesta de Resnais. Interesante, aunque algo fallida, da gusto ver que un señor de 89 años sigue haciendo cine y continuando con sus rupturas propias de la modernidad.

Fotos: Tout le cinéma

Otra de las favoritas para ganar la Palma de Oro, junto a Kiarostami o Haneke, es la esparadísima obra del director canadiense David Cronenberg, Cosmópolis. Una obra en la que parece volver a la senda habitual de su filmografía, abandonada en sus últimas tres películas por un mayor realismo, y que han llegado de forma más mayoritaria al público: A History of Violence (Una Historia de Violencia), Eastern Promises (Promesas del Este) y A Dangerous Method (Un método peligroso). Así, los fans acérrimos del David Cronenberg de siempre están de enhorabuena, y esperan ansiosamente el nuevo estreno.

Además, Cronenberg parte de la novela de uno de los escritores más arriesgados de EEUU, Don deLillo, lo que todavía ha generado una mayor intriga acerca del resultado de la conjunción de dos mentes que siempre quiebran convenciones. La obra se ha presentado un día después que The paperboy, de Lee Daniels, y que Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas.

Cosmópolis narra un día en la vida de un millionario en su rumbo por Manhattan, mientras la ciudad se encuentra sumida en un caos financiero, colmada de manifestantes como ocurrió este mismo año con el movimiento Occupy Wall Street. Denuncia la sumisión del ser humano al dinero, pues llega a fundar una relación del individuo con el mundo basada en la transformación de los sujetos en objetos. Del mismo modo, la obra denuncia la evaporación de la producción en finanzas, de modo que el capitalismo se vuelve incorpóreo, inmaterial y, por ello, volátil y falso. Cronenberg, obsesionado con el tema, escribió el guión en 6 días:

Es un tema importante, y que nunca había tratado realmente: el dinero. El poder del dinero, la forma en que configura el mundo. Para hablar de este tema, no he necesitado realizar investigaciones concretas sobre el mundo de las finanzas. Podemos ver a sus representantes por todas partes.

La obra cuenta con un casting impresionante, y va a suponer una prueba de fuego para demostrar la capacidad interpretativa de la estrella británica Robert Pattinson, que encarna al millonario desalmado. Pero no hace sombra al resto de participantes, entre los que encontramos a la francesa Juliette Binoche, Paul Giamatti y Mathieu Amalric.

En la rueda de prensa, Cronenberg ha hablado de su concepción del cine y su aplicación en Cosmópolis:

Los últimos veintidós minutos de esta película son como una pieza de teatro. Es como si la película tuviera un cortometraje. La cámara se acerca y luego se aleja del actor. En mi opinión, la esencia del cine es lo que dice el rostro de un ser humano. De regreso en mi caravana, miro las tomas, la iluminación… Me fijo en todos los detalles. Hacer esta película no fue fácil.

La película se sustenta en el personaje interpretado por Robert Pattinson, del que habla Cronenberg:

Sería muy fácil decir que el personaje de Robert es una especie de vampiro que chupa la sangre de Wall Street. Pero un actor no puede encarnar algo abstracto. Es un personaje auténtico, que tiene un pasado. Cosmopolis evoca el espectro del capitalismo. Prácticamente cito el manifiesto de Karl Marx.

Robert Pattinson habló también sobre la preparación del personaje:

Pasé dos semanas encerrado en la habitación del hotel, preocupado, no sabía muy bien qué hacer. Fui a hablar de la película con David y él me dijo: “¡Comencemos y ya veremos!”. No es posible preparar este personaje como lo haría con otro. El guión me gustó porque era lírico, parecía que estuviéramos entonando una canción. Presentamos un mundo que no tiene sentido y que debe ser purificado.

Y también habló sobre su colaboración con Cronenberg:

David se ausenta a menudo para verificar lo que hemos filmado. Habitualmente, los directores nos hacen preguntas y se cansan. David nos escucha. Se fija en todo. ¡Tienes que permanecer atento cuando trabajas con él!

Cronenberg lleva una trayectoria fundada en un concepto que ha roto los esquemas de representación audiovisual: la nueva carne. Se trata de una nueva forma de relación del individuo con el cuerpo, que se funda en el masoquismo y en la deformación. Es la forma más extrema de protesta, y la única que queda, cuando el sistema impide la libertad de acto. Si el ser humano no puede modificar el entorno, se modifica a sí mismo, y cada agujero que se perfora, cada deformación que se realiza, se convierte en un acto de protesta y en una reivindicación de la libertad. En este concepto entran películas como La mosca, o Existenz. Pero a estos temas también añade la locura, muy presente en la vida familiar del director, y que irrumpe con fuerza en Videodrome. Con Cosmópolis parece regresar el Cronenberg más radical.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

En Cannes se concentran las tres edades del hombre, pues encontramos desde los más precoces, como Xavier Dolan, que con 23 años ya tiene varias películas en su haber, hasta los más veteranos, creadores de una filmografía que ha influenciado la marcha de la historia del cine. Es el caso de Alain Resnais, un cineasta clave de la Rive Gauche, un movimiento paralelo a la Nouvelle Vague francesa de los años sesenta, que a sus 89 años ha presentado un nuevo film en Cannes, el mismo día que Hong Sang-soo o Kiarostami.

Se trata de Vous n´avez encore rien vu (Todavía no habéis visto nada), que en su título esconde toda una declaración de intenciones sobre el vitalismo que todavía destila este reputado director. En la rueda de prensa, el director explicó la génesis del título:

Se deslizó solo en la sala de montaje, primero lo dijimos como una broma y se convirtió en un proverbio entre el responsable del montaje, Hervé de Luze, y yo. Y luego fue escrito en las cajas, el laboratorio nos envió las etiquetas y lo adoptamos. Pero no teníamos ninguna intención.

Vous n´avez encore rien vu trata de analizar la interrelación entre cine y teatro. Un director de escena convoca, tras su muerte y a través de un testamento, a una serie de actores para poner en escena la obra Eurídice, de Kean Anouilh. La película de Resnais se convierte en una declaración de amor al oficio del teatro, y para ello incluye en su reparto a algunos de los intérpretes franceses más explosivos, como Michel Piccoli, Mathieu Amalric y Lambert Wilson. Anny Dupperey, una de las actrices, comenta el trabajo de rodaje:

Estábamos al servicio de Jean Anouilh, del teatro, de la belleza. Aunque me esperaba a una gran dosis de virtuosismo cuando vi la película, no pensé que fuese a emocionarme tanto. Todo el virtuosismo estaba al servicio de la emoción. Ha sido un trabajo maravilloso.

Resnais es el cineasta por excelencia de la memoria. Casi toda su obra cinematográfica versa sobre la necesidad de conservación del recuerdo y su influencia directa en el presente. Ha abordado la memoria histórica en dos obras clave: en el documental Nuit et Brouillard (Noche y Niebla), uno de las primeras obras audiovisuales sobre el holocausto; y en Hiroshima mon amour, un film con guión de Marguerite Duras y que aborda las huellas del holocausto en dos seres humanos que buscan la salvación a través del amor.

Pero quizá su obra culmen, y una de las cimas del surrealismo en el cine, sea L´année dernière à Marienbad (El año pasado en Marienbad), donde el señor X trata de convencer a la señora A para que abandone a su marido M, pero ella no recuerda la promesa realizada el año pasado en en Marienbad. Toda la obra transcurre en un hotel barroco y trata de construir unas relaciones temporales y espaciales propias del sueño. Aquí el recuerdo linda con el onirismo, pues el pasado se convierte en algo tal lejano e irreal como una visión en la duermevela.

Con más de 60 años de carrera cinematográfica, su última etapa tampoco carece de interés, incluyendo el musical de canción francesa On Connait la Chanson, o Les Herbes Folles, estrenada en España hace unos meses. Pero Vous n´avez encore rien vu no supone el final, como afirma en la rueda de prensa:

No pienso en términos de mi carrera. Soy un improvisador. Esta película no se parece a ninguna. Si hubiese pensado en la película como en un testamento, no habría tenido ni la audacia ni la energía para hacerla.

Fotos: Página Oficial de Cannes

Avalada por el premio al mejor director en el pasado Festival de Cannes, nos llega “Tournée”, la tercera película como director de Mathieu Amalric, más conocido en su faceta como actor en filmes como “Les aventures extraordianires d’Adèle Blanc-Sec” o “Les herbes folles”, aunque más por su participación en filmes estadounidenses como “Quantum of Solace”, “Le scaphandre et le papillon” o “Munich”.

Pareciera que Mathieu Amalric padeciera el síndrome de Kenneth Brannagh, es decir, un incontrolable impulso que le lleva a colocarse en el mayor número posible de planos de la película, siendo preferible que sean primeros planos y centrando toda la atención del relato en su personaje, Joachim Zand, el productor de una exuberante compañía dedicada al new burlesque, pretexto que aprovecha para volver a su patria, Francia, de la que se fuera dejando muchas cuentas pendientes.

Si la interpretación de Almaric resulta un tanto sobreactuada en su desmesurado intento por sobresalir de entre el grupo de actrices que forman el cuadro artístico de este espectáculo, y que sí se entregan en cuerpo y alma a la película, lo cierto es que la naturalidad y simpatía de estas últimas hace que la suya sea una interpretación que raya el patetismo. Hasta los dos niños que interpretan a sus hijos son más naturales y trasmiten mucho mejor las dudas y tormentos por los que viven estos desconcertados personajes.

Viendo el cartel de la película —-en el que Almaric vuelve a colocarse en el centro—- y leyendo en el dossier de prensa que vamos a ver un espectáculo lleno de mujeres voluptuosas, uno no puede dejar de pensar que va a encontrarse con algún guiño o referencia al cine de Federico Fellini. Pero no sólo no es así, sino que pareciera que el director trata de evitarlo deliberadamente. Tampoco es que pueda decir que me disguste esta estética, más cercana al cinema vérité que al de la nouvelle vague, pero echo de menos una intención, una propuesta por parte del relato que no sea mostrar todos y cada uno de los números protagonizados por este sin par grupo de artistas del vodevil.

¿Donde quedaron las notas de Collette —-que algunos conocerán por ser la autora de las novelas que inspiraron filmes como “Gigi” o, más recientemente, “Chéri“—- que dejara publicadas en un periódico y en las que reflejara su vida como actriz de pantomima, un poco escandalosa, y que se supone sirvieron de base para la gestación del proyecto?

Lo cierto es que lo único por lo que realmente merece la pena ver “Tournée” es por asomarse a la intimidad de unos personajes tan fascinantes como desaprovechados, tanto los personajes como las actrices que los interpretan, que son realmente fabulosas. Bueno, y si eres drag-queen o te dedicas al transformismo, ni te cuento las cosas que vas a aprender. ¿Mi favorita? Dirty Martini, sin lugar a dudas.

La sexagésima tercera edición del Festival de Cannes llega a su fin después de doce días de galas, glamour, inconvenientes, lluvia de cenizas —- por la “intervención” de Eyjafjallajökull —- y horas de proyecciones de la mejor selección de obras cinematográficas. Para dar cierre con broche de oro, el jurado oficial del festival —- presidido por Tim Burton —- dio a conocer la lista de ganadores en todas sus categorías.

Kristin Scott Thomas dirigió la ceremonia en el Grand Théâtre Lumière donde se anunciaron un total de dieciséis premios —- en algunos casos empates —-. Al finalizar la entrega, se proyectó como película de clausura “The Tree”, de Julie Bertuccelli.

Dentro de los largometrajes en competencia, el premio máximo, Palme d’Or, fue otorgado al tailandés Apichatpong Weerasethakul, por “Loong Boonmee raleuk chat” —- producción que tiene como título internacional “Uncle Boonme Who Can Recall His Past Lives” —-. El considerado segundo premio, el Grand Prix, quedó en manos del francés Xavier Beauvois, con “Des Hommes et Des Dieux” —- “Of Gods and Men” —-. El también francés Mathieu Amalric recibió el premio a Mejor Director por su trabajo en “Tournée” —- conocida como “On Tour” —- mientras que el Premio del Jurado lo obtuvo el chadiano Mahamat-Saleh Haron por “Un Homme Qui Crie”.

Entre los premios de actuación, encontramos un empate a Mejor Actor entre Javier Bardem y su actuación en “Biutuful” (Alejandro González Inárritu, 2010) y Elio Germano en “La Nostra Vita” (Daniele Luchetti, 2010). Juliette Binoche —- figura del presente festival —- recibe el reconocimiento a Mejor Actriz por su interpretación en “Copie Conforme”, de Abbas Kiarostami. Y, el premio a Mejor Guión fue entregado a Lee Chang-dong, por “Poetry”, largometraje que también dirige.

Largometrajes en Competencia

• Palme d’Or: Apichatpong Weerasethakul, por “Loong Boonmee raleuk chat”

• Grand Prix: Xavier Beauvois, con “Des Hommes et Des Dieux”

• Premio al Mejor Director: Mathieu Amalric, por “Tournée”

• Premio del Jurado: Mahamat-Saleh Haron por “Un Homme Qui Crie”.

• Premio al Mejor Actor: Javier Bardem “Biutuful”, de Alejandro González Inárritu
  en empate con: Elio Germano, “La Nostra Vita”, de Daniele Luchetti

• Premio a la Mejor Actriz: Juliette Binoche, “Copie Conforme”, de Abbas Kiarostami

• Premio al Mejor Guión: Lee Chang-dong, por “Poetry”

Cortometrajes en Competencia

• Palme d’Or: “Chienne d’histoire”, Serge Avedikian

• Premio del Jurado: “Micky Bader”, Frida Kempff

Camera d’Or

• “Año Bisiesto”, Michael Rowe

Un Certain Regard

• Premio Un Certain Regard: “Hahaha”, Sang-soo Hong

• Premio del Jurado: “Octubre”, de Daniel Vega y Diego Vega

• Premio a la Mejor Actriz de Un Certain Regard: Adela Sánchez, Eva Bianco, Victoria Raposo en “Los Labios, Iván Fund y Santiago Loza

Cinéfondation

• Primer Premio de la Cinéfondation: “Taulukauppiaat”, de Juho Kuosmanen

• Segundo Premio de la Cinéfondation: “Coucou-les-nuages, de Vicent Cardona

• Tercer Premio de la Cinéfondation: “Hinkerort zorasune”, de Vatche Boulghourjian
  en empate con: “Ja vec jesam sve ono sto zelim da imam”, de Dane Komljen

Via | Foto: Festival de Cannes

Marjane Satrapi y Vicent Paronnaud —- artistas gráficos que nos presentaron la hermosa Persepolis —- nos contarán otra historia acontecida en Irán, la que llevará por título “Waiting for Azrael”. Adaptación de la novela gráfica de Satrapi, Chicken with Plums, tiene como personaje principal a su tío abuelo, Nasser Ali Khan, un músico que entra en una fuerte depresión y decide dejarse morir. Lo sorprendente de está producción es que, de acuerdo con IonCinema, se realizará en life-action.

Hasta el momento, el único actor confirmado en el proyecto es el francés Mathieu Amalric, quien tomará el papel principal. Para acompañarlo se esperan actores de renombre, aún sin revelar. Se está considerando la integración de una actriz estradounidense, lo que hace dudar si la producción será en francés o inglés. También suena fuerte una participación especial de la actriz Sophia Lauren. El rodaje iniciará este verano en Studio Babelsberg a las afueras de Berlín.

En la novela Chicken with Plums, cuando el músico descubre que su tar está dañado de forma irreparable, entra en una terrible depresión que lo lleva a dejar el mundo y todos los placeres. Durante este periodo recuerda algunos pasajes de su vida: encuentros con familiares y amigos, flashbacks a su infancia, hasta tiene visiones del futuro con sus hijos. Se trata de una historia sobre las razones que una persona tiene para vivir.

Por la sinopsis del libro se antoja una interesante producción. Sin tener prejuicios sobre el live-action, me hubiera gustado que Satrapi/Paronnaud se hubieran decido por la animación, arte que ambos conocen a la perfección.

Vía: Collider | Foto: Books and Rooibos

La verdad es que el nuevo proyecto del cineasta francés Luc Besson, “Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec”, tiene muy buena pinta. Se trata de la adaptación cinematográfica de la serie de comics homónima de Jacques Tardi, protagonizada por Adèle Blanc-Sec, una escritora muy curiosa que vive extrañas aventuras en el París de los años veinte, donde, inmersa de lleno en el conflicto de la Primera Guerra Mundial, tendrá que vérselas con seres sobrenaturales y fantásticos.

Con un presupuesto de veinticinco millones de euros, “Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec” será el comienzo de una trilogía; el guión del filme -escrito por el propio Besson- está basado en los cuatro primeros volúmenes de la serie de comics (hay nueve en total). Según ha declarado el bueno y orondo de Luc, el estilo de las tres películas será una mezcla entre Amélie e Indiana Jones. Curioso, ¿no? Algo así como si el cine francés y el cine made in Hollywood se estuvieran dando amistosamente la mano por una vez.

El reparto contará con Louise Bourgoin, Mathieu Amalric (el villano de “Quantum of Solace”), Frédérique Bel y Jean-Paul Rouve, entre otros; la cinta verá la luz en la gran pantalla durante la primavera del año que viene. Eso sí, antes Besson tiene pendiente el estreno de su último proyecto, la cinta de animación “Arthur y la venganza de Maltazard”, segunda entrega de la trilogía -otra más- iniciada con “Arthur y los Minimoys”.

Vía: ABCGuionistas