¿Qué es lo imperdonable? El fondo de lo que realmente termina perdonándose, lo que se perdona sin mediación, sin pensamiento mediador, quiero decir, el perdón como un acto casi de arrojo que está lejos de la especulación, lo impensable mismo. Así lo argumenta el filósofo Jacques Derrida en El siglo y el perdón en torno a situaciones tan complejas como el perdón estatal-nacional en torno a temas tan complicados como los crímenes de la humanidad: ¿se puede perdonar calculando que es beneficioso para una sociedad en un momento dado? ¿El verdadero perdón no es aquello que se da sin ningún tipo de medida o cálculo? Creo que toda esta serie de problemas aparecen nuevamente en una película con una temática tan compleja como “Beatiful Boy”, de Shawn Ku, con Michael Sheen y Maria Bello como protagonistas. Esta cinta, por estos días, ha tenido su correspondiente tráiler.

La historia se centra en una pareja conformada por los recién mencionados actores al borde de la separación. Armándose para un día más dentro de su rutina, reciben la noticia de que en la escuela donde su hijo asiste a clases ha ocurrido una masacre, una de esas terribles situaciones tan trágicamente recurrentes en donde un jóven toma la decisión de asesinar a sus compañeros y luego suicidarse. Tiempo más tarde, reciben una noticia fatal: el responsable de la masacre es su propio hijo, por lo que quedan completamente desarmados: ¿qué es lo que ha sucedido? ¿Qué le ha pasado a su hijo? ¿Qué responsabilidad tienen ellos en el hecho?

Si bien las preguntas son complicadas, la idea es mostrar una cinta con cierto aire de redención frente a una situación por demás complicada para la cual no hay soluciones simples. Es el perdón, precisamente, lo que se pone en escena en un filme en donde lo contado tiene el vicio de lo imperdonable desde muchísimos aspectos éticos y morales.

Esta película, galardonada en el Festival de Toronto, recorre ahora el correspondiente circuito oficial pese a haber aparecido en la cartelera estadounidense el año pasado: esperemos que llegue a algunos puntos hispanoparlantes, no sólo por lo complejo del tema, sino porque es una producción independiente que, una vez más, necesita un fuerte apoyo por parte de la audiencia para que sus responsables puedan meterse con otros proyectos.

Aquí les dejo el tráiler: es bastante elocuente con respecto a lo que se narra en toda la película, y creo que a ustedes también les va a dar la impresión de que nos estamos metiendo en un tema más que complicado.

Con David Cronenberg venimos de dos instancias en donde se presenta eso que caracterizamos como “erotismo ascético”: de “Crimes of the Future” (1970) a “Crash” (1996), podíamos ver dos formas de encarar con cierta distancia científica, propia del mundo occidental y de ciertas obras artísticas del siglo XX —- como la literatura de J.G. Ballard, uno de los escritores ingleses más importantes del período —-, las prácticas sexuales que, en definitiva, incumben al mundo de lo corporal, a la administración de los cuerpos —- tema que estaba absolutamente presente en “Crimes of the Future” y que se va a convertir en esta obsesión recurrente del director, esta idea rectora de su producción artística: la transformación de los cuerpos a partir de su vinculación con lo social, lo económico y, sobre todo, lo tecnológico como nueva forma de corporalidad —-. En el momento de su salida, la primera colaboración de Cronenberg con lo que podemos considerar en la actualidad uno de sus actores fetiches, Viggo Mortensen, es una cinta que, si se quiere, descoloca un poco: estamos hablando, claro está, de “A History of Violence” (2005).

En la cinta, un hombre aparentemente “normal”, queremos decir, dueño de una vida absolutamente rutinaria, aitende un bar en un pequeño pueblo norteamericano. El arrbio de dos maleantes que tienen el objetivo de robar el bar pone al dueño en una situación límite de la cual sale más que aireado: masacra, casi sin transpirar y utilizando técnicas de lucha inesperadas para él, a los dos ladrones. A partir de allí, el pueblo lo tomará como héroe, pero despertará en él un elemento latente reprimido luego de tantos y tantos años: ¿quién es realmente este hombre? ¿Qué tiene que ver con un mafioso llegado desde lejos, interpretado porel genial Ed Harris, que reclama su cadaver? ¿Con quién se caso se esposa, Maria Bello, con qué hombre, dueño de qué pasado? Con todas estas dudas flotando en la cinta, la historia de violencia se desencadena hasta llegar a límites insospechados.

La idea de los cuerpos marcados vuelve a funcionar dentro del filme: Harris, mafioso, tiene una inmensa cicatriz en el rostro, la cámara, al momento de que Mortensen aplique una violencia particular sobre un cuerpo, se detiene más de la cuenta para retratar la agonía, la muerte, la masacre —- se podría decir: funcionamiento “gore” dentro de una cinta que no es “gore” —-; luego, y este es el gran tema de la cinta: viaje hacia lo otro, en el sentido teórico más estricto, epifanía: el término en griego, etimológicamente, significa aparición, acontecimiento, si se quiere, mientras que el uso religioso para hablar del clásico día de los Reyes Magos nos da esta idea de traslado, de viaje, de desplazamiento hacia la aparición. Tom Stall/Mortensen no hará otra cosa que hacerse cargo de ese pasado que ha reprimido, ese otro dentro suyo que desconoce, y decide “viajar” hacia él, enfrentándose al grupo de mafiosos. Una de las escenas finales, con el protagonista lavándose en una acumulación de agua, limpiándose, redimiéndose con su pasado, es una de las escenas más elocuentes de la cinta en el sentido que estamos planteando.

¿Dónde se encuentra este erotismo tan animal como ascético, visto desde la distancia? Luego de descubrir el pasado de su marido, llena de sospechas, Edie Stall/Bello mantiene una relación sexual con su esposo en donde parecen desencadenar toda una serie de prácticas bastante lejanas al sexo cotidiano que seguramente tendrían: hay cierta animalidad casi propia de los insecotos —- por la manera en que los cuerpos se colocan —- que soprende, turba, casi como si se retratara una nueva violencia despertada por todo el pasado del personaje.

Entre estos dos límites, entre el viaje hacia lo otro y la violencia corporal-erótica, este filme es uno de los mejores trabajos de Cronenberg, a mi juicio, abriendo toda una nueva perspectiva que el director canadiense continua en la actualidad. Nos vemos mañana para ver una nueva película del citado director y continuar con nuestro humilde repaso.

Foto: Couch Potatoes

El tráiler de “The Company Men” destaca por el talento de un singular grupo de actores: Tommy Lee Jones, Ben Affleck, Kevin Costner y Chris Cooper. Ellos están dirigidos por John Wells, el cual realizó está cinta pensando en todas las personas que viven dependiendo de los grandes corporativos.

La cinta promete para ser un drama hecho para el lucimiento de los actores. Affleck se nota mucho más maduro actoralmente. Tanto Tommy Lee Jones y Chris Cooper tienen un manejo de miradas que contienen un poder dramático. La cinta se estrenará el 22 de octubre de manera limitada en Estados Unidos.

John Wells ha dirigido capítulos de la popular serie E.R. Sin embargo, esta cinta marca su debut en el mundo de la cinematografía. Una cinta con una poderosa carga dramática y sencillez audiovisual. Sin duda, completamente hecha para que los actores destaquen en lo que mejor saben hacer, actuar en drama y lograr bellas interpretaciones. Espero con ansias el estreno de esta cinta.

Vía: Coming Soon | Foto: Boston Movies

“The Private Lives de Pippa Lee” es una excelente muestra de la reciente proliferación de cine realizado por mujeres que profundiza, con responsabilidad, en uno de los perfiles femeninos más infravalorados: la esposa, a la vez que nos regala una estupenda interpretación de Robin Wright.

Pippa Lee (Robin Wright Penn) está casada con Herb Lee (Alan Arkin), un editor retirado que, con tres infartos a sus espaldas, decide mudarse a Conneticut, “una defensa contra la decrepitud”. Pippa, esposa abnegada, se adapta perfectamente a su nuevo entorno, a pesar de ser treinta años menor que su esposo, diferencia de edad que también lleva con el resto de la urbanización. Un pequeño problema de sonambulismo aflora de repente en su vida y Pippa Lee se cuestiona su vida, las decisiones que ha tomado hasta llegar al punto en el que se encuentra, tratando de reencontrarse consigo misma.

Rebecca Miller, directora y guionista de la película, que adapta de su propia novela, adquiere para su exposición cinematográfica el estilo de algunas películas europeas, como “Die Blechtrommel (The Tin Drum)”, haciendo un recorrido por la biografía del personaje que comienza en el mismo momento de su nacimiento. A través de la alternancia entre presente y pasado —-que enlaza siguiendo un estilo utilizado numerosas veces por Woody Allen, mezclando ambos tiempos dentro del mismo plano—-, nos ofrece los acontecimientos más importantes de la vida de Pippa Lee para llegar a entender su presente.

No cabe duda que el excepcional reparto de la película es uno de sus grandes alicientes, desde su protagonista, Robin Wright Penn, que nos ofrece una Pippa tan cercana como misteriosa, tan sensata como salvaje, al contrario que Blake Lively que resulta bastante superficial; hasta la serena presencia de Alan Arkin, que consigue disipar la diferencia de edad con su esposa a base de carisma y personalidad o la breve pero siempre estimulante presencia de Monica Bellucci, como la segunda esposa de Herb —-que casualmente parece bastante inspirada en la que hiciera Penélope Cruz en “Vicky, Cristina, Barcelona“—-; o incluso Keanu Reeves y Winona Ryder que interpretan dos personajes que parecieran caricaturas de la imagen distorsionada que el espectador parece tener de ellos.

Algunos personajes pueden parecer un poco estereotipados, tanto los masculinos como los femeninos, y algunas situaciones están demasiado forzadas, particularmente las relacionadas con los años setenta y ese ambiente artístico, las drogas, la moda, los peinados, las actitudes que y tan sólo parecen mostrar gente disfrazada —-también es cierto que toda esta parte coincide con la aportación de Blake Lively, que ya he dejado claro no me ha impresionado en absoluto—-, nada que ver, por ejemplo, con la autenticidad de las mismas fiestas en las películas de Woody Allen, al igual que el diseño de producción que sí es igual de verosímil y efectivo que el de las del cineasta neoyorquino. La tía lesbiana y las secuencias que Pippa protagoniza con la amante de su tía, Kat (Julianne Moore), me parecen algo gratuitas, tan sólo aportan que sepamos de la libertad sexual o tolerancia por parte de Pippa, pero poco más, aunque sean presentadas de una manera fresca y divertida.

Pero aún así el discurso plantea dilemas y relaciones muy interesantes, como la que Pippa mantiene con su madre, Suky (Maria Bello), y esa crítica a la drogadicción a la que algunas mujeres han estado sometidas a causa de la tiranía del cuerpo en esta sociedad consumista. También es cierto que parece, por lo menos tal y como se presenta en la película, algo inverosimil que Pippa, tras huir de casa a causa de la drogadicción de su madre, caiga en el mismo infierno, aunque sea por otros motivos. De hecho esta situación no se plantea directamente, sino que se expresa a través de Pippa, no vemos en imágenes el momento en que Pippa ingiere su primera droga, tan sólo se nos muestran diversas situaciones “salvajes” que no llegan a explicar nada. Pareciera que a Rebecca Miller, le diera miedo profundizar en esa faceta, quizás no sea su objetivo, pero entonces podría habérselo ahorrado o contarlo de otra manera.

Lo que sí es efectivo y muy interesante, porque se expone con claridad y efectividad, es el momento en que Pippa Sarkissian se convierte en Pippa Lee. Una metamorfosis que va más allá del cambio de apellido de Pippa, convirtiéndola en una nueva persona, de la misma manera que tiene su nuevo nombre que le relaciona con su nueva realidad. Los últimos treinta y cinco minutos de película, que coinciden con este cambio, difuminan las incoherencias anteriores y compensan cualquier carencia de autenticidad anterior.

En cualquier caso, resulta un tanto irónico, que vista la reivindicación de la mujer por encima de su apellido que se hace en la película, su propia protagonista, Robin Wright, que pudiendo utilizar profesionalmente su nombre de soltera, decida añadir al suyo el de su marido, Sean Penn, viniendo a denominarse Robin Wright Penn.

Fotos: Mi Ventana

Hace tiempo, os hablé aquí del reparto de lujo con el que contaba el filme “The Company Men”, un drama indie sobre las terribles consecuencias de los recortes de plantilla en las empresas. Pues bien, la película se exhibirá por primera vez este mes en el festival de cine de Sundance, y ya hay disponible un teaser promocional de la misma en Internet. Para verlo, solo tenéis que continuar leyendo…

La trama de la cinta gira en torno a Bobby Walker, un ejecutivo de ventas que disfruta de una existencia idílica, hasta que su empresa lo despide de la noche a la mañana. Su jefe, hombre de principios y uno de los fundadores de la compañía, se enfrentará al resto de directivos para que reconsideren su decisión. Mientras, Walker deberá ganarse la vida como sea para sacar adelante a su familia, por lo que aceptará un trabajo junto a su cuñado en la construcción.

Como ya os comenté, el casting está plagado de nombres interesantes: Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Kevin Costner, Maria Bello, Chris Cooper, Craig T. Nelson… Ahí es nada. El productor John Wells ha escrito y dirigido la película, con la idea de brindar un homenaje a los héroes no reconocidos de su país: personas que trabajan de sol a sol, a las que de repente golpea una desgracia inesperada. Desde luego, la película tiene muy buena pinta: además de contar con un gran reparto, trata un tema peliagudo y muy actual, gracias a la crisis financieria mundial que tantos estragos está causando en muchas familias.

Vía: WorstPreviews | Foto: Rope of Silicon

La trama gira en torno a cinco amigos y ex compañeros de piso que se reúnen años después para asistir al funeral de su entrenador de baloncesto, de cuando eran niños. Junto a sus mujeres (Salma Hayek, Maria Bello, Maya Rudolph) e hijos, los cinco pasarán el fin de semana del Cuatro de Julio en la casa del lago donde celebraron su primer campeonato, mucho tiempo atrás. Allí irán descubriendo que hacerse mayor no significa necesariamente madurar.

La cinta está escrita por Fred Wolf, Tim Herlihy y el propio Sandler, y dirigida por Dennis Dugan, colaborador frecuente del bueno de Adam, a quien ha dirigido en títulos como “Zohan: Licencia para peinar”, “Os declaro marido y marido” y “Happy Gilmore (Terminagolf)”. El estreno del filme está previsto para el veinticinco de junio de 2010. No soy un gran seguidor de Sandler (excepto en “Spanglish” y alguna cosilla más) ni del resto de cómicos protagonistas, pero esta película no tiene muy mala pinta. Y además, sale Steve Buscemi.

Vía: WorstPreviews

“The Yellow Handkerchief” es una roadmovie dirigida por Udayan Prasad que gira entorno a tres personajes. Martine (Kristen Stewart) que ha escapado de su familia. Gordy (Eddie Redmayne), nuevo amigo y conductor de la chica. Y, por último, el personaje de William Hurt, un preso recién liberado que aún no sabe si quiere volver a su antigua vida. Además, con ellos, en segundo plano se encuentra Maria Bello, que hace del amor perdido de Hurt. Veremos si llega a España y qué tal es.

Vía: Tráiler de The Yellow Handkerchief con Kristen Stewart y William Hurt