En el día de la resurrección de Cristo, qué mejor que pasar la tarde disfrutando de una buena sesión de cine religioso. Mejor si es doble. Puede que algunos estén pensando que mi propuesta va a ir enfocada a cualquiera de las fantasías romanas con que las parrillas televisivas nos atormentan cada año: cine homo-erótico como “Ben-Hur”, “Quo Vadis”, “Spartacus” o “The Fall of the Roman Empire”, que no voy a negar que yo mismo he disfrutado muchas veces, pero que no me parece el adecuado para incitar a la reflexión sobre misticismo y religión. Si acaso recomendaría “Clockwork Orange” en las que se veían esas maravillosas interpretaciones que de las sagradas escrituras realizaba el drugo Alex (Malcolm McDowell), particularmente si eres de tendencia dominante, pero si eres sumiso, seguro que disfrutas más con las enseñanzas de Escrivá de Balaguer en “There will Be Dragons”. Aunque como película yo no la recomendaría.

Quizás aquellos que tengan una (oculta) vena sadomasoquista y disfruten con prácticas como el bondage, CBT, spank y tantas y tantas posibilidades para asimilar el dolor y el sufrimiento como el camino hacia la vida eterna, se reconforten con cualquiera de las películas que sobre la vida de Jesucristo se han realizado. Desde mi punto de vista las dos películas más interesantes sobre el tema serían aquellas que se toman el asunto más al pie de la letra, teniendo en un extremo “The Passion Of The Christ”, que deberían reabutizar como lo que es: “La pasión de Mel Gibson”; y por otro lado, la magnífica obra de Pier Paolo Pasolini, “Il Vangelo Secondo Matteo”, cuyos diálogos todavía son fuente de inspiración para multitud de homosexuales: “deja de pescar peces y ven conmigo a pescar hombres” —-cito de memoria, pero la esencia está ahí. La interpretación la ponen ustedes.

Podríamos hacer un tercer grupo, aquel que por oposición, tal y como hacían en “The Rite”, encontraría en películas satánicas la manera de encontrar el camino hacia Cristo, desde “The Exorcist” hasta “The Omen”, teniendo la posibilidad de disfrutar con una sesión de la videoclips de bandas como Marilyn Manson o Rammstein para relajar la tensión y preparar un tentempié. Sin embargo, la selección que propongo dista bastante de estos títulos, pues he preparado una selección que, independientemente de cuales sean las creencias religiosas de sus autores, ofrecen una reflexión mucho más sincera y profunda que cualquiera de los títulos mencionados, incluidas las películas sobre Cristo. Espero sinceramente que nadie se haya sentido ofendido por la interpretación que hago de algunos títulos, pero si así ha sido, debo recordarles que de lo que estoy hablando es de cine, no de religión, y ninguna obra artística (por comercial que sea) está exenta de interpretaciones. Por supuesto, están invitados a dejar sus sugerencias a favor o en contra de las siguientes propuestas:

10. “Journal d’un curé de campagne” | “Procès de Jeanne d’Arc”

A falta de una versión cinematográfica de la magnífica novela de Miguel de Unamuno, San Manuel Bueno Mártir, bien está la adaptación que de la novela de Georges Bernanos hiciera un director como Robert Bresson, que cuenta las dificultades de un cura y su crisis de fe al fracasar con la primera parroquia a la que es enviado. Cineasta místico y asceta como ninguno que, siguiendo los pasos de otro místico como Carl Th Dreyer, también se acerca a un personaje tan controvertido como Juana de Arco en “Procès de Jeanne d’Arc”.

9. “Hannah and her Sisters” | “Crimes and Misdemeanors”

Si Robert Bresson seguía los pasos de Dreyer, Woody Allen siempre ha seguido los de otro cineasta nórdico como Ingmar bregan, que tantas veces se preocupara en su filmografía de las relaciones del ser humano con Dios. Aunque la mayor parte su filmografía contiene personajes que se cuestionan la existencia de Dios y la validez de la religión para encontrar un sentido a la vida, puede que sea “Hannah and her Sisters” una de las que mayor relevancia tenga un personaje, interpretado por el propio Woody Allen, que recurre a todo tipo de religiones para encontrar el camino que ilumine sus pasos. Sin embargo, la más profunda, reflexiva y descorazonadora, desde mi punto de vista, es uno de los varios acercamientos a la magnífica obra de Fiódor Dostoievski, Crimen y castigo, que el cineasta neoyorquino realizara en “Crimes and Misdemeanors”.

8. “Jungfrukällan (El manantial de la doncella)” | “Säsom i en spegel (Como en un espejo)”

Quizás más filosófico que religioso, pero no podía faltar en una lista de títulos que se cuestionan la existencia de Dios alguna de las muchas reflexiones que hiciera Ingmar Bergman, que de hecho era hijo de un pastor luterano. Si por un lado “Jungfrukällan (El manantial de la doncella)” es una fascinante parábola que incluye lo pagano con lo religioso en una fábula milagrosa en la que el dolor de la sangre tiñe cualquier dogma de fe, un año después se acercaría de una forma más contemporánea y realista en “Säsom i en spegel (Como en un espejo)” en la que pone en la picota a una familia incapaz de afrontar la vida siguiendo los preceptos de su fe.

7. “Simón del desierto” | “La voie lactée (La vía láctea)”

La conocida frase de Luis Buñuel: “soy ateo, gracias a Dios”, es perfectamente esclarecedora de la condición española de un cineasta que hizo cine en España, en México y en Francia, pero que no pudo escapar de la tradición religiosa de sus orígenes que le llevaban a cuestionar reiteradamente la existencia de Dios y, particularmente, los caminos que la iglesia había establecido para acceder a la gloria divina. Teniendo como alternativa otros títulos religiosos como “Nazarín” o “Viridiana”, me inclino por el que fuera su último título en tierras mexicanas: “Simón del desierto”, en el que un estilita sucumbe a las tentaciones del demonio, tras una penitencia de seis años en una columna, para acabar sus días como filósofo existencialista por los clubes de New York. En época de procesiones, cómo no incluir el peregrinaje de dos franceses siguiendo el Camino de Santiago en una de las más atípicas (y divertidas) road-movies que recuerde en la que no deja anatema sin cuestionar.

6. “Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo boom (Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera)” | “Baraka”

El cine de Kim Ki-duk no se acerca a la religión de la misma manera que puedan hacerlo cineastas cristianos, pero el budismo y la búsqueda del equilibrio entre el hombre y la naturaleza, también pueden guiar nuestros pasos hacia la iluminación. Algo parecido podemos encontrar en la propuesta de Ron Fricke, anterior director de fotografía de un filme como “Koyaanisqatsi”, que se lanza, en trampolín y sin red, a defender la idea de que el ser humano necesita volver a encontrar su lado espiritual en un filme a mitad de camino entre el cine documental y las sinfonías urbanas, aquí mundiales, o planetarias.

5. “Breaking the Waves” | “Dancer in the Dark”

Y si el sufrimiento es el camino para llegar a la redención, ninguno como el sufrimiento que experimentan las heroínas de Lars Von Trier, primero en “Breaking the Waves”, que alude directamente a otro título de un danés tan místico como Carl Theodor Dreyer, con el milagroso y delicioso final de las campanas tañendo en el cielo, y después por la dolorosa procesión del calvario por la que pasa Selma (Bjork), con tal de conseguir el milagro de la vista para su hijo, a pesar de su propia vida. Sacrificada como Cristo en la cruz.

4. “La Passion de Jeanne d’Arc” | “Ordet”

Milagroso, más que religioso, denomino, personalmente, el cine de Carl Theodor Dreyer, que si ya me impresionara en su momento con su majestuosa película muda sobre Juana de Arco, no fuera menor la huella que en mi produjera “Ordet”. Una película que va más allá de creencias religiosas y cuya aproximación estética es tan poderosa como el tema que aborda.

3. “Akira”

No creo que sorprenda a muchos la inclusión del título de Katsuhiro Ôtomo en esta lista, pues si bien estaríamos hablando de un futuro distópico, lo cierto es que en el renacimiento de Tetsuo como un ser súperpoderoso, podemos encontrar muchas similitudes con el surgimiento de una nueva religión, y no hablo precisamente de la del manga.

2. “2001: A Space Odyssey”

Muchas lecturas ha tenido esta obra maestra de Stanley Kubrick, pero si para algunos las sagradas escrituras constituyen una de las más bastas obras de ciencia ficción, no es de extrañar que para otros una forma de vida que se aparece como un monolito, a través de cuyo contacto se produce la primera muestra de desarrollo intelectual en el cerebro de un primate, sea la manifestación de la evolución hacia el ser humano, como la obra de Dios.

1. “Der Himmel über Berlin”

No me cabe duda que para muchos debe ser una obra insoportable, pero para mi esta magnífica película de Wim Wenders, en la que un ángel no puede evitar cuestionarse la conducta de unos seres humanos condenados a pecar y vagar por una vida en la que los sentimientos son más fuertes que la razón, es la obra mística por excelencia. Pueden completar la sesión con la secuela que años más tarde hiciera el mismo director con “In Weiter Ferne, so Nah”, o tirarse de los pelos con la mundana versión que Hollywood hiciera de ella en “City of Angels”, pero yo, desde luego, les recomiendo la película del alemán. Sale Dios.

Me sorprende la ola de reestrenos que se están dando en el mundo a partir de que un filme de alta impronta dentro de la historia del cine, vuelve a la pantalla para festejar algún aniversario de su primer lanzamiento. Digo, me sorprende pero también me alegra que esto suceda y que se dé de la mano de especialistas que intentan no dejar que la historia se derrumbe, si no todo lo contrario, que se preserve para futuras generaciones. Pues así como lo cuento, ayer miércoles en México se llevó a cabo una proyección con escenas inéditas y final alternativo, el filme “Los Olvidados” del director español Luis Buñel por los 60 años de su estreno y con el fin de inaugurar la “52 Muestra Internacional de Cine” llevada a cabo por la Cineteca Nacional.

Las imágenes inéditas fueron descubiertas hace 15 días en el tráiler de la cinta original por la Filmoteca de la Universidad Autónoma de México —-donde se encuentra archivada actualmente por pedido de sus propietario Televisa —-, cuando se solicitaron dos copias del mismo por pedido desconocido desde la Cineteca. Por otro lado, el nuevo final había sido filmado por el propio Buñuel y fue hallado cuando se buscaba material para una muestra en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México para festejar los 100 años del nacimiento del director poco antes de que en el 2003 fuera reestrenada en el Festival de Cannes con dicho final alternativo.

Según Francisco Gaytán —- subdirector de Rescate y Restauración de la Filmoteca —-, el director ya había previsto un segundo final porque debía haber tenido miedo de ser censurado por el alto contenido social que poseía su obra. Este nuevo desenlace apunta a que uno de los protagonistas, Pedro —- protagonizado por Alfonso Mejía —- se lograba librar en una pelea de “El Jaibo” —- protagonizado por Roberto Cobo —- quien termina cayendo accidentalmente . Obviamente es un final mucho más light, que el original donde Pedro termina asesinado en manos de su atacante.

Entre las 5 escenas nuevas tenemos, a El Jaibo que abraza fuerte a la mamá de Pedro (Estela Inda) en la cocina; o cuando Ojitos (Mário Ramírez) golpea una rata con un palo hasta matarla y se la lleva de la cola; o también la escena que muestra un artilugio usado por Buñuel, donde la abuela y Meche (Alma Delia Fuentes) lanzan a Pedro por los aires y claramente se ve que es un muñeco.

“Los Olvidados” fue declarado Memoria del Mundo por la UNESCO en el 2003 por ser un patrimonio cultural que en su momento se encontraba en peligro, y que debía ser restaurado luego de haber estado perdido por 20 años. La obra es una excelente inmortalización sobre los problemas sociales y económicos que viven un grupo de niños y jóvenes en un barrio pobre de México y que al descubrirse su final alternativo fue sin dudas más valorizado por entender el miedo que su director tenía al momento de rodarla y dejar su trágico final.

El filme al estrenarse en 1950 generó mucha polémica e incluso se suspendió su proyección por la muestra brutal de cómo los jovenes marginados terminaban siendo delicuentes ante las pocas posibilidades que tenían para lograr un futuro mejor. Pero todo cambió cuando un año después, Buñuel ganó el León de Cannes como mejor director, y obtuvo 11 premios Ariel de Academia Mexicana de Artes y Ciencias.

Como he manifestado al inicio y cómo he comentado hace unos días sobre el trabajo de Martín Scorsese sobre “La Dolce Vita”, realmente la importancia de la recuperación y preservación de obras audiovisuales —- patrimonio cultural de toda nación — debe ser una política de estado y esperemos con ansias que estos proyectos de restauración cada vez sean más para que la historia del cine siga latiendo ahora y para siempre.

Si estás interesado de ver este magnífico filme de Luis Buñuel y vivís en México, hay varias funciones para que asistas en la Cineteca Nacional —-Av. México Coyoacán #389 Col. Xoco Del. Benito Juárez Mexico D.F. —-

• Jueves 4 de noviembre 11:00, 17:45 hrs.
• Viernes 5 de noviembre 15:30, 20:00 hrs.
• Sábado 6 de noviembre 12:00, 18:15 hrs.
• Domingo 7 de noviembre 16:00, 20:30 hrs.
• Lunes 8 de noviembre 13:00, 18:45 hrs.
• Martes 9 de noviembre 16:30, 21:00 hrs.

Vía: Yahoo! News | Foto: La Crónica de Hoy - Cineteca Nacional

Enfrascado ya en la preparación de su próximo proyecto, Daniel Monzón es homenajeado en Cinema Jove, (Festival Internacional de Cine de Valencia), recién clausurado el pasado 25 de junio y entre cuyas secciones con las que ha celebrado su vigésimo quinta edición se encuentra Cuadernos de Rodaje, que ha consistido en una programación escogida por el director de “Celda 211”, en la que da cuenta de las películas de la Historia del Cine que más le han influido.

Si algo tiene de glorioso el cine es esa capacidad única para transmitir vívidamente sensaciones tan abstractas de forma colectiva.

Flamante vencedor de la última edición de los premios Goya, a pesar de su todavía breve carrera dentro del cine, Daniel Monzón había desarrollado una carrera profesional como periodista y crítico de cine en medios como la revista Fotogramas, los programas radiofónicos Dos horas de nada y La radio de Julia y como subdirector de uno de los pocos programas de televisión sobre cine en España: Días de cine. Comienza su carrera cinematográfica como guionista de “Desvío al paraíso”, saltando pocos años después a la dirección cinematográfica con “El corazón del guerrero”, a las que siguen “El robo más grande jamás contado”, “The Kovak Box” y “Celda 211”. En una carrera caracterizada por una inclinación al cine de género, comprobemos cuales fueron los títulos que le empujaron a ponerse detrás de una cámara:

1. “Touch of Evil”. No era de extrañar un título de Orson Welles, entre los que podría haber escogido cualquier otro, decantándose por este y ubicándolo en primera posición “por su turbiedad, su atmósfera enrarecida, su fascinante forma de encuadrar y narrar, por su ambigüedad moral, por ese ‘toque de maldad’ que cala tan hondo en la naturaleza humana, en la que remueve y hurga hasta llegar al hueso”.
2. “The Man Who Would Be King”. La fabulosa película de John Huston, ocupa el segundo lugar y es considerada por el mallorquín como “la mejor película de aventuras de la historia”.
3. “M”. Dirigida por Fritz Lang cuando todavía estaba en Alemania y en la que se intuye todo lo que vendría después. Seleccionada por su estilo osado y el innovador tratamiento del sonido, “aspecto aún más notable si tenemos en cuenta que es la primera película sonora de Fritz Lang”.
4. “El ángel exterminador”, primer y único título en español de la lista, gracias seguramente, a lo impresionado que quedara el cineasta en su primer visitando en un cine de Valencia, de una de las obras maestras que rodara Luis Buñuel en México.
5. “The Devil-Doll”. Este filme de Tod Browning le impresionara cuando la viera de niño, enterándose más adelante que era del mismo director de otras, no menos míticos, filmes como “Freaks” o “The Unknown”, y que además contara en el guión con la firma de Erich von Stroheim, uno de los grandes genios del cine mudo junto con F. W. Murnau.
6. “L’armee des ombres”. “Un tipo de cine maduro, áspero, directo… y apasionante, como no se ve a menudo estos días y que, para mi, significa la obra cumbre de su director”, así se pronuncia el cineasta sobre la obra de Jean-Pierre Melville, quien fuera el creador del cine polar galo e influyera en los jóvenes cineastas de la nouvelle vague.
7. “Amarcord”. Dirigido por Federico Fellini, “uno de esos cineastas que le hacen a uno sentirse orgulloso del cine europeo”, que cuenta con una de las más inolvidables bandas sonoras del no menos mítico compositor Nino Rota.
8. “Paths of Glory”. La primera de las contundentes obras antibélicas que rodara Stanley Kubrick, estrenada en España a finales de los años setenta debido a una prohibición de la censura frnaquista.
9. “The Elephant Man”. Compartiendo calado emocional con “Umberto D”, la película de David Lynch suele aparecer en muchas de las listas de directores (españoles), que contando con “una de las más bellas fotografías en expresionista blanco y negro que recuerdo”, de Freddie Francis, y de la que destaca la habilidad de su director para contar una historia que podría haber caído en el melodrama más sentimental.
10. “The Beguiled”. Responsable de otros títulos afines a su gusto, como “Dirty Harry” o “Escape from Alcatraz”, Monzón destaca este filme dirigido por Don Siegel, que cuenta con la presencia de Clint Eastwood en su reparto y en la que Don Siegel da “uno de sus Do de pecho, en un cuento cruel y envenenado, a caballo entre el western y el terror gótico, al que en su día se le dio la espalda por su negritud e indomable espíritu contra corriente”.
11. “Le locataire”. Uno de los más inquietantes títulos de Roman Polanski, escrito por uno de los grandes colaboradores del cineasta, el guionista Gérard Brach, y que se acerca a las atmósferas inquietantes de David Lynch y para la que tiene palabras como “inquietante, sugerente, malvada… Un billete sin retorno a la paranoia”.
12. “Frenzy”. Obligatorio era incluir una película de Alfred Hitchcock y, de la misma manera que con Orson Welles, resulta difícil escoger, por lo que se decanta por esta película
    debido a que es la más cruda del maestro del suspense.
13. “King Kong”. Una elección puramente sentimental y que, según el propio Daniel Monzón, “es la película por la que yo soy director de cine”.
14. “Jaws”. La mejor película de Seteven Spielberg para el director de “Celda 211” y la que más veces a visto en toda su vida.
15. “The Thing”. Considerada por Mozón como una de las mejores películas de John Carpenter, de la que destaca que “es el remake menos remake posible. Supera al original con creces y se convierte en quintaesencia del cine de su autor”.

Busquen, comparen y si encuentran algo mejor cómprenlo, pero hasta aquí, la selección de Daniel Monzón en la que incluye menos títulos americanos de lo que cabría pensar y en la que puede que se eche en falta algún título más en español y en la que pesa más el cine de los años setenta, debido, probablemente a que fuera el que el cineasta viera en su época adolescente. De cualquier manera una lista bastante personal y coherente con el cine que el director mallorquín ha realizado hasta la fecha. ¿No crees?

Vía: 25 Cinema Jove

Amer, el debut en el largometraje de Hélène Cattet y Bruno Forzani, es una película de sensaciones, un relato vital narrado a través de la exacerbación de los sentidos. Los directores potencian la capacidad del espectador para que perciba los estímulos que su cerebro trata de discriminar. Cada gesto, cada tensión en la piel, cada mirada… Especialmente, cada mirada. Los directores nos invitan a mirar, a saciar nuestro voyerismo. No tardarán en amenazar nuestra intromisión en un claro homenaje a Buñuel que te deja clavado en el asiento.

En muchos aspectos, Amer puede considerarse un nuevo giallo. Es el Dario Argento más críptico. Una exposición violenta, perturbadora, sensual. Cattet y Forzani desarrollan un ejercicio estético capaz de atraparte con un arco argumental escuálido, pero suficiente: la infancia, adolescencia y juventud de una mujer ligada a la casa que guarda sus filias y fobias más profundas. A lo largo de la narración, la pantalla se inunda de colores vintage, rojos y verdes salpicados de negro en escenas hipnóticas, donde la música, en su mayoría composiciones de los 70, terminan de perfilar algunos momentos inolvidables.

En definitiva, Amer es una película impactante, hermosa, incómoda. Una película a la que no es fácil acercarse, y a la que luego es imposible dejar atrás.

Foto: Twitch

“El último guión” es el título de un documental dirigido por Javier Espada y Gaizka Urresti en torno a la figura de Luis Buñuel. “Es un recorrido físico y sentimental por la vida de uno de los más importante cineastas y pensadores de la historia del siglo XX”, dicen sus artífices.

El documental está protagonizado por Juan Luis Buñuel, hijo primogénito del director de “Viridiana”, acompañado de Jean Claude Carrière, guionista y amigo. Ambos rememoran cronológicamente episodios de la vida de Luis Buñuel desde los lugares en que transcurrieron: un viaje que comienza en su Calanda natal, continúa en Zaragoza, Madrid, Toledo y Paris, antes de saltar a Nueva York y Los Ángeles y terminar en México. El espectador es invitado, por tanto, al privilegio de sumergirse en estas conversaciones íntimas entre ellos dos y con otros amigos.

Además de la vida de Buñuel y de su obra, “El último guión” también profundiza en su periplo vital, intrínsecamente ligado a la Historia del siglo XX: la España rural, la Residencia de Estudiantes, el surrealismo, la Guerra Civil, el exilio, la censura franquista… El documental se estrena en salas españolas el 28 de agosto, y seguro que es muy interesante.

Vía y foto: Aquelarre

Se cumplen 25 años de la muerte del que para muchos es el más importante director español de la historia, si bien de los treinta y dos largometrajes que dirigió sólo cinco son netamente españoles, y la gran mayoría, una veintena, de nacionalidad mexicana, que fue su segunda patria, y en cuya cinematografía dejó una profunda huella (tan profunda como la que la cinematografía mexicana dejó en él).

Es Buñuel el prototipo de artista resbaladizo, huidizo, esquivo. Casi imposible de etiquetar o de enmarcar en una corriente estética. Vivió ocho décadas y pico del siglo XX, desde su mismo comienzo, y se marchó cuando España comenzaba a caminar hacia un futuro algo más prometedor que el que tuvimos hasta 1975. No cumplía, desde luego, el perfil de un intelectual, ni reunía las condiciones de un poeta atormentado. Sus ideas políticas eran todo menos previsibles, y su mirada escapaba al cliché aún cuando era tan famoso como los más grandes y respetados cineastas de su generación. En suma: era, y sigue siendo, un misterio.

Porque, ¿acaso no es un misterio Ford, Mizoguchi, Tarkovski? Ahí radica parte del encanto, en no saber, en no imaginar qué clase de pulsiones emocionales y psicológicas empujan a un artista a contar la historia de un grupo de burgueses decadentes encerrados, ni Dios sabe por qué, en una casa, de la que no pueden salir aunque se mueran de sed y enloquezcan de tedio. ¿De dónde nace el amor por las arañas de este singular director? Los analistas más clásicos se retrotraen a su infancia, en la que al parecer jugaba con ellas fascinado. Pero, para ser realmente incisivos habría que preguntarse ¿de dónde nace la fascinación de un niño por determinado animal?

Animales, mujeres, depravados, falsos santos, torpes moralistas, frágiles vírgenes, lascivos demonios, ricachones abyectos. Un bestiario que emanaba de su fértil y salvaje imaginación. Las arañas no eran más que el maestro de ceremonias, pues el héroe puede ser el cadáver de un buey mutilado. Buñuel, maestro de lo onírico, de lo oculto, es el Hitchcock del pueblo polvoriento con más indigentes que potentados y el de la burguesía adormecida e hipócrita.

Nació en Calanda, Teruel, donde por 26 horas consecutivas, sin descanso, suenan sus tambores en Semana Santa. Cuentan que su sonido es tan emocionante que el compás de sus tambores dicta los latidos del corazón más escéptico y gélido. Puede que sea la definición más poética del cine de Buñuel: el que te conmociona, el que te sacude aunque no quieras, el que dicta la mirada del adormecido, del aburguesado, instándole a descubrir qué hay más allá de lo meramente real.

En su prodigiosa vida experimentó de todo: la escuela irrepetible, el exilio, el éxito de culto, la miseria, el trabajo profesional, el respeto. Y a todos: a Chaplin, a Eisenstein, a Lorca, a Dalí. No hubo tiempo para el aburrimiento, para la desidia: sólo para el cine. ¿Qué más da si es español, francés o mexicano? ¿Qué más da si sus películas no son películas, sino provocaciones? A Buñuel no me lo toca nadie.