Chritian Magalhaes y Bob Snow ya se encuentran escribiendo esta nueva versión de la historia partiendo de una idea original de Mike Weber. Una historia que ya en sí fuera una vuelta de tuerca del tradicional cuento de hadas europeo La Bella y la Bestia, que igual que la propia historia de King Kong, ha sido llevada al cine en múltiples ocasiones, teniendo también su versión animada, de la mano de Disney en “The Beauty and the Beast”, que tomara prestada gran parte de su concepto visual de la magnífica y encantadora obra maestra de Jean Cocteau: “La belle et la bête”.

Con lo que respecta a las versiones con monstruo gigante, lo cierto es que mi favorita sigue siendo, a pesar de los efectos especiales, la que Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack realizan en 1933, protagonizada por Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot. Una película cuya ingenuidad sigue siendo uno de sus mayores atractivos, aparte de haberse rodado en la que fuera considerada séptima maravilla del mundo: el Empire State Building.

En los años setenta, el productor de origen italiano Dino De Laurentiis se embarcaría en una interesante actualización de la historia que, dirigida por John Guillermin, estaría protagonizada por la debutante Jessica Lange, Charles Grodin y Jeff Bridges. Una historia mucho más verosímil, dentro de sus posibilidades, que llevaba al gorila a escalar por el World Trade Center.

Si las dos películas anteriores tuvieran sus respectivas secuelas, la que no dejó más secuelas que los daños psicológicos producidos en la mente del espectador, fueron lo que dejó la que hiciera Peter Jackson más recientemente, demostrando que dinero y efectos especiales no lo son todo en el cine. Su patética adaptación de la película original sólo sirvió para demostrar que Naomi Watts es realmente capaz de dar credibilidad a cualquier personaje que interprete. Ni me acuerdo donde se desarrollan las últimas secuencias de la película.

“Rise of the Apes” ha encontrado a su simio principal. Se trata del actor/trabajo-con-tecnología Andy Serkins, mejor conocido como Gollum en la trilogía de “Lord of the Rings”. Serkins interpretará a Ceasar, un chimpance que que pierde fé en la humanidad, por lo que inicia una rebelión en su contra —- mismo personaje que interpretará Roddy McDowall en “Conquest of the Planet of the Apes”. Este fichaje es el primero de los simios para el proyecto.

Y hablando de simios, olviden el maquillaje… Estos primates serán generados por computadora. Serkis será, de nuevo, el material base para Weta Workshop, la casa de efectos especiales neozelandesa que capturó los movimiento del actor para “Lord of the Rings” y “King Kong” —- compañía consentida de Peter Jackson como ven —-. El trabajo que la compañía realizó con Gollum es tomado como precedente, pero ¿simios en CG? Sería interesante ver el resultado.

Serkins es perfecto para el personaje; después de todo, tiene la experiencia de trabajar con el equipo de efectos especiales. De manera oficial, se une al cast de humanos interpretados por James Franco, John Lithgow y Freida Pinto, los actores confirmados hasta el momento. Queda pendiente el rumor sobre la incorporación de Don Cheadle. Más vale que completen el reparto pues el rodaje inicia en algún punto de este verano para presentar el largometraje en junio de 2011.

Vía: Worst Previews | Foto: Cinema Retro/IMDb

Enfrascado ya en la preparación de su próximo proyecto, Daniel Monzón es homenajeado en Cinema Jove, (Festival Internacional de Cine de Valencia), recién clausurado el pasado 25 de junio y entre cuyas secciones con las que ha celebrado su vigésimo quinta edición se encuentra Cuadernos de Rodaje, que ha consistido en una programación escogida por el director de “Celda 211”, en la que da cuenta de las películas de la Historia del Cine que más le han influido.

Si algo tiene de glorioso el cine es esa capacidad única para transmitir vívidamente sensaciones tan abstractas de forma colectiva.

Flamante vencedor de la última edición de los premios Goya, a pesar de su todavía breve carrera dentro del cine, Daniel Monzón había desarrollado una carrera profesional como periodista y crítico de cine en medios como la revista Fotogramas, los programas radiofónicos Dos horas de nada y La radio de Julia y como subdirector de uno de los pocos programas de televisión sobre cine en España: Días de cine. Comienza su carrera cinematográfica como guionista de “Desvío al paraíso”, saltando pocos años después a la dirección cinematográfica con “El corazón del guerrero”, a las que siguen “El robo más grande jamás contado”, “The Kovak Box” y “Celda 211”. En una carrera caracterizada por una inclinación al cine de género, comprobemos cuales fueron los títulos que le empujaron a ponerse detrás de una cámara:

1. “Touch of Evil”. No era de extrañar un título de Orson Welles, entre los que podría haber escogido cualquier otro, decantándose por este y ubicándolo en primera posición “por su turbiedad, su atmósfera enrarecida, su fascinante forma de encuadrar y narrar, por su ambigüedad moral, por ese ‘toque de maldad’ que cala tan hondo en la naturaleza humana, en la que remueve y hurga hasta llegar al hueso”.
2. “The Man Who Would Be King”. La fabulosa película de John Huston, ocupa el segundo lugar y es considerada por el mallorquín como “la mejor película de aventuras de la historia”.
3. “M”. Dirigida por Fritz Lang cuando todavía estaba en Alemania y en la que se intuye todo lo que vendría después. Seleccionada por su estilo osado y el innovador tratamiento del sonido, “aspecto aún más notable si tenemos en cuenta que es la primera película sonora de Fritz Lang”.
4. “El ángel exterminador”, primer y único título en español de la lista, gracias seguramente, a lo impresionado que quedara el cineasta en su primer visitando en un cine de Valencia, de una de las obras maestras que rodara Luis Buñuel en México.
5. “The Devil-Doll”. Este filme de Tod Browning le impresionara cuando la viera de niño, enterándose más adelante que era del mismo director de otras, no menos míticos, filmes como “Freaks” o “The Unknown”, y que además contara en el guión con la firma de Erich von Stroheim, uno de los grandes genios del cine mudo junto con F. W. Murnau.
6. “L’armee des ombres”. “Un tipo de cine maduro, áspero, directo… y apasionante, como no se ve a menudo estos días y que, para mi, significa la obra cumbre de su director”, así se pronuncia el cineasta sobre la obra de Jean-Pierre Melville, quien fuera el creador del cine polar galo e influyera en los jóvenes cineastas de la nouvelle vague.
7. “Amarcord”. Dirigido por Federico Fellini, “uno de esos cineastas que le hacen a uno sentirse orgulloso del cine europeo”, que cuenta con una de las más inolvidables bandas sonoras del no menos mítico compositor Nino Rota.
8. “Paths of Glory”. La primera de las contundentes obras antibélicas que rodara Stanley Kubrick, estrenada en España a finales de los años setenta debido a una prohibición de la censura frnaquista.
9. “The Elephant Man”. Compartiendo calado emocional con “Umberto D”, la película de David Lynch suele aparecer en muchas de las listas de directores (españoles), que contando con “una de las más bellas fotografías en expresionista blanco y negro que recuerdo”, de Freddie Francis, y de la que destaca la habilidad de su director para contar una historia que podría haber caído en el melodrama más sentimental.
10. “The Beguiled”. Responsable de otros títulos afines a su gusto, como “Dirty Harry” o “Escape from Alcatraz”, Monzón destaca este filme dirigido por Don Siegel, que cuenta con la presencia de Clint Eastwood en su reparto y en la que Don Siegel da “uno de sus Do de pecho, en un cuento cruel y envenenado, a caballo entre el western y el terror gótico, al que en su día se le dio la espalda por su negritud e indomable espíritu contra corriente”.
11. “Le locataire”. Uno de los más inquietantes títulos de Roman Polanski, escrito por uno de los grandes colaboradores del cineasta, el guionista Gérard Brach, y que se acerca a las atmósferas inquietantes de David Lynch y para la que tiene palabras como “inquietante, sugerente, malvada… Un billete sin retorno a la paranoia”.
12. “Frenzy”. Obligatorio era incluir una película de Alfred Hitchcock y, de la misma manera que con Orson Welles, resulta difícil escoger, por lo que se decanta por esta película
    debido a que es la más cruda del maestro del suspense.
13. “King Kong”. Una elección puramente sentimental y que, según el propio Daniel Monzón, “es la película por la que yo soy director de cine”.
14. “Jaws”. La mejor película de Seteven Spielberg para el director de “Celda 211” y la que más veces a visto en toda su vida.
15. “The Thing”. Considerada por Mozón como una de las mejores películas de John Carpenter, de la que destaca que “es el remake menos remake posible. Supera al original con creces y se convierte en quintaesencia del cine de su autor”.

Busquen, comparen y si encuentran algo mejor cómprenlo, pero hasta aquí, la selección de Daniel Monzón en la que incluye menos títulos americanos de lo que cabría pensar y en la que puede que se eche en falta algún título más en español y en la que pesa más el cine de los años setenta, debido, probablemente a que fuera el que el cineasta viera en su época adolescente. De cualquier manera una lista bastante personal y coherente con el cine que el director mallorquín ha realizado hasta la fecha. ¿No crees?

Vía: 25 Cinema Jove

¿Quién no ha soñado alguna vez con monstruos de cine? ¿O con batallas estelares? Pues aquellos que alguna vez desearon estar dentro de una película lo tienen ahora un poco más fácil con una nueva exposición dedicada al mundo del cine que acaba de abrirse en Barcelona. Aunque, eso sí, hay que avisar de que igual acaba con un poco de esa magia que rodea al celuloide, ya que se trata de una muestra dedicada a los efectos especiales y desvela algunos de los secretos de los artistas. La exposición se encuentra ubicada en el Palau Robert de Barcelona y bajo el título “El arte del engaño. Efectos especiales no digitales en el cine” repasa la historia de los efectos especiales en el cine con un homenaje especial a David Martí y Montse Ribé, miembros de la empresa DDT y ganadores de un Oscar en 2007 por El laberinto del Fauno.

Pero estos dos españoles no son los únicos representados en la exposición, en la que también puede observarse de cerca el trabajo de maestros como Ray Harryhaussen, responsable de la mítica Jason y los argonautas, Willis O’Brien y su King Kong o Stan Winston y su Terminador. Clásicos de los efectos especiales que harán las delicias de los visitantes con sus réplicas a pequeña escala. Pero sin duda, uno de los grandes atractivos para los amantes de los efectos especiales es visitar la parte dedicada en exclusiva a la stop-motion (animación fotograma a fotograma), que directores como Tim Burton han revitalizado en los últimos años con películas como Pesadilla antes de Navidad y La Novia Cadáver. Sin duda, todo un paseo entre las bambalinas del cine.

Vía: Palau Robert | Foto: Sfuniverse.

En su momento no me molesté en dejar ninguna crítica de esta película. Hubiera sido como prestar atención a algo que de por sí la reclamaba con un aparato de marketing tan impresionante como el de la saga de los anillos (aunque por supuesto sin su tirón popular), y que no se lo merecía en absoluto. Pero ahora, casi tres años después de su estreno, tras haberla visto tres veces, no me resisto a dejar mis impresiones de un film que es un fracaso en todos los sentidos.

King Kong, una película que era el verdadero sueño de su director, más que una innecesaria película, es una película muy mal ejecutada técnicamente, que se construye como verdadero remake de la prodigiosa película de 1933, con un guión que es una tomadura de pelo, sin el menor sentido del ritmo, y que acaba siendo más un cómic carísimo y pobrísimo de ideas e imaginación, que un verdadero filme de aventuras, género para el que Jackson parece cada vez menos capacitado.

Pero su aspecto visual es hijo de este tiempo, en el que sufrimos productos insoportables como Speed Racer o este King Kong, artefactos frenéticos que esconden con millones de dólares la escasez de inventiva, en un esfuerzo por hacer flipar al espectador, atontando los sentidos, mareando con tanto colorido, luces, movimientos alocados que no te dejan ver nada…porque no hay nada que ver.

Jackson, que en la irregular trilogía de los anillos demostró que podía construir una aventura sólida e incluso hermosa (la ciertamente magnífica The two towers), aquí fracasa por una falta de autoexigencia abrumadora e irritante. Filma un guión sin pies ni cabeza, con apariencia de relumbrón pero sin nada dentro, intentando sin ningún éxito un remedo del relato de 1933 transportado 72 años en el tiempo.

La película costó un dineral y no dio ni la mitad de lo esperado.

Sólo la secuencia de la estampida de los apatosaurios, una locura de CGI penosamente integrado, aunque por supuesto con una nitidez y una calidad de imagen alucinante, deja a este título a una bajísima altura técnica. Esa secuencia es un insulto por inverosímil, por estomagante, porque parece de dibujos animados. En ningún momento te crees que los actores estén ahí. Además, para colmo, las proporciones de tamaños entre las personas y los enormes animales varían continuamente.

Por supuesto que el gigantesco mono es una gran creación CGI, pleno de detalles y de personalidad, pero es lo único relevante y trabajado artesanalmente, porque todo lo demás, incluida una fotografía penosa, por preciosista y mentirosa, obra de Andrew Lesnie, es una catástrofe aburrida, que no empieza nunca y que acabas deseando que concluya de una vez.

No se entiende como una actriz del talento inmenso de Naomi Watts (que en 21 gramos hizo una de las mejores creaciones artísticas de la década) puede participar en esta atroz bobada. Ella y su belleza, su indescriptible presencia, son sin duda lo mejor de la película, e incluso se puede justificar su aburrido visionado por observarla a ella, que se deja literalmente la piel.

El maravilloso Adrien Brody le ofrece una digna réplica a esta gran actriz, y ambos, y poco más, destacan sobremanera en esta nadería.