Si te estabas preguntando la pinta que tendría una película colectiva en la que confluyen cineastas con sensibilidades estéticas tan dispares como Juan Carlos Tabío, Julio Medem, Pablo Trapero, Gaspar Noé, Laurent Cantet, Elia Suleiman y Benicio del Toro, no sólo te mostramos el cartel de 7 días en La Habana, sino que también puedes echar un vistazo a su tráiler, aunque no te garantizamos que puedas intuir a qué director corresponden cada una de las imágenes.

Desde un lunes a un domingo, en la ciudad de La Habana, se desarrollan siete historias rodadas en inglés y en español, en función de las necesidades reales de los personajes. El escritor y periodista cubano, Leonardo Padura, se encarga de coordinar los guiones a los que dan vida una colección de actores y actrices tan dispares como Josh Hutcherson, Daniel Brühl, Emir Kusturica, Melissa Rivera, Jorge Perugorría, Mirta Ibarra o Vladimir Cruz.

• Lunes: El Yuma es el episodio que dirige Benicio del Toro en la que es su primera incursión detrás de las cámaras después de que hace casi veinte años dirigiera su cortometraje, Submission. Se trata de una mirada a las primeras veinticuatro horas de un joven turista estadounidense en la capital cubana, a quien da vida Josh Hutcherson. Si próximamente podremos ver a Del Toro como actor, primero en la película dirigida por Oliver Stone, Savages, y después en la de Martin Scorsese, Silence, el actor portorriqueño no tiene, por el momento, otros proyectos a la vista como director.

• Martes: en Jam Session, Pablo Trapero sigue a un actor que llega a La Habana para recoger un premio. Mundo grúa, El bonaerense o Carancho son algunos de los títulos más destacados de la filmografía de este cineasta argentino que ya tiene a punto su próximo largometraje, Elefante blanco.

• Miércoles: La tentación de Cecilia es el nombre del segmento que dirige Julio Medem que, como no podía ser de otra manera, gira en torno a un triángulo amoroso. Por mucho que el cineasta español se hiciera la promesa de hacer un cine menos intimista, no ha conseguido convertir en película su drama griego ambientado en el siglo V antes de Cristo, cuyo guión a terminado publicando como novela con el título de Aspasia. Espero que con su aportación a este filme colectivo pueda quitarse la espina de la mala acogida que han tenido entre público y crítica sus títulos recientes, como la incomprendida Caótica Ana, y la incomprensible Room in Rome, y que pueda remotar su fascinante carrera cinematográfica con nuevos proyectos.

• Jueves: Diary os a Foreigner es el título del relato de Elia Suleiman, que no sólo dirige, sino que también protagoniza en lo que será su deambular por las calles de la ciudad. Nacido en Israel, no es la primera vez que este cineasta palestino participa en proyectos colectivos, pues además de largometrajes como The Time that Remains, Yadon ilaheyya (Intervención divina) -con la que ganaba el premio del jurado en el festival de Cannes- o Chronicle of a Disappearance, también ponía su granito de arena en Chacun son cinema y Harb El Khalij… wa baad. Ningún otro proyecto a la vista para este cómico que se ha comparado con figuras como Jacques Tati o Buster Keaton.

• Viernes: Ritual será, sin duda, uno de los platos fuertes de la película, dado que es el que está dirigido por Gaspar Noé que fijará su mirada en un exorcismo. De origen argentino, aunque afincado en Francia, la breve filmografía de Noé incluye filmes tan impactantes como Seul contre tous, Irreversible, o Enter the Void, que ha ido alternando con diferentes incursiones en el cortometraje, por lo que no me cabe ninguna duda de que su efectividad en este segmento será la misma que la de sus largometrajes. Tomaremos aire con la llegada del fin de semana.

• Sábado: Dulce amargo, que mejor que un cineasta cubano para mostrar el lado mas cotidiano de la vida en La Habana. En 1994 saltaba a la palestra internacional el nombre de Juan Carlos Tabío, asociado a su colaborador Tomás Gutiérrez Alea, en la entrañable película Fresa y chocolate. Después vendrían Guantanamera, y ya en solitario títulos como Lista de espera, o la más reciente El cuerno de abundancia en una carrera dilatada pero constante. Para su aportación a 7 días en La Habana vuelve a rodearse del elenco que dirigiera en Fresa y chocolate, pero tampoco tiene ningún otro proyecto a la espera.

• Domingo: La fuente, si Laurent Cantet nos mostrara en un tono documental las vicisitudes de un profesor en su última película, Entre les murs (La clase) -Palma de Oro en Cannes-, nos muestra ahora la ofrenda de una familia a la antigua religión de Yoruba. El director de títulos como Ressources humaines o Vers le sud, está también ultimando los detalles de Foxfire, que se desarrolla en 1950 en Nueva York, donde un grupo de chicas jóvenes organizan su propia banda.

¿Se atreven a reconocer quién hace qué? Quizás después de arrojar un poco de luz sobre cada uno de los fragmentos sea más fácil reconocer a qué cineasta corresponden cada una de las imágenes. Y no se pierdan la colección de fabulosos carteles de todos y cada uno de los episodios, que también aclaran bastante por dónde van a circular emocionalmetne cada una de las historias.

Parece que Benicio del Toro va recuperando progresivamente sus lazos latinoamericanos pues tras protagonizar (en español) el díptico de Steven Soderbergh, “Che: Part One” y “Che: Part Two”, y que sonara su nombre para interpretar tanto a Maradona como a Pancho Villa, el actor portorriqueño salta detrás de las cámaras para participar en el proyecto colectivo “Siete días en La Habana”, cuyo rodaje acaba de comenzar según informa Europa Press.

Se trata de un largometraje compuesto por siete segmentos que tratan de ofrecer un retrato retrato contemporáneo en el que se plasmará la realidad y la vida cotidiana de La Habana. Se mostrarán así las características y peculiaridades de esta ciudad a lo largo de los siete días de la semana, a través de las miradas de cineastas internacionales como el estadounidense Benicio del Toro, el español Julio Medem, los argentinos Pablo Trapero y Gaspar Noé —-este último afincado en Francia—-, el palestino Elia Suleiman y el francés Laurent Cantet.

Cada director cuenta una historia acontecida en uno de los días de la semana a través de personajes que se cruzan en los distintos episodios, teniendo como nexo lugares reconocibles de la ciudad como el Hotel Nacional o el Malecón. El escritor cubano Leonardo Padura colabora como coordinador de guiones, estando confirmados para el reparto presencias como las de Jorge Perugorría, Mirta Ibarra, Vladimir Cruz y Ana de Armas.

Co-producción entre España, a través de Morena Films, y Francia, con la productora Full House, el rodaje se prolonga hasta el seis de mayo, contanto también con la participación de artistas internacionales como Josh Hutcherson, Emir Kusturica o Daniel Brühl. El estreno de la película está previsto para octubre de este mismo año.

Recientemente se ha estrenado en las salas españolas la que hasta la fecha es la última película del cineasta belga Jaco Van Dormael, “Mr. Nobody”, de la que se avanzaran imágenes y tráilers y que también es la primera película que estrena desde la aclamada “The Eight Day”.

“Mr. Nobody” es una película que podemos englobar en lo que, personalmente, denomino “turn of the screw cinema (cine de vuelta de tuerca)”, es decir, que no sabemos realmente ni quien cuenta la historia ni cuando lo hace. Es el espectador el que decide lo que es real y lo que es inventado, lo que es sueño y lo que es realidad, lo que forma parte de la vida del personaje y lo que forma parte de su fantasía. ¿Está muerto Nemo (Jared Leto) desde el principio como en “Sunset Boulevard”? ¿Está realmente en el año 2093 y tiene 118 años? ¿Eligió vivir con su padre (Rhys Ifans) o con su madre (Natasha Little) cuando se divorciaron? ¿Se casó con Anna (Diane Kruger), con Elise (Sarah Polley) o con Jean (Linh Dan Pham)?

“Mr. Nobody” es una película que no da soluciones, tan sólo plantea preguntas, no para que las resuelva el espectador, sino para que se las pregunte a sí mismo, buscando en sus propias experiencias, no en las de los personajes. En ese sentido te captura desde el principio pues su comienzo es realmente impactante visualmente, así como temáticamente con la fábula de “la superstición de la paloma”, iniciando un recorrido de cuestiones existenciales que incluyen el destino, el azar o la responsabilidad de elegir.

Jaco Van Dormael presenta una película absolutamente libre y espectacular visualmente, montada como si fuese un vídeo musical en el que el repetido uso de música asincrónica proporciona unas sensaciones contradictorias, enrarecidas, estando escogidas las canciones por el significado de sus letras con las imágenes que acompañan, no sólo por su belleza armónica.

Destaca la cuidada fotografía de Christophe Beaucarne que abarca una cuidada paleta de colores en función de la historia que Nemo está contando, baja temperatura en la historia de Anna, consiguiendo unos tonos cálidos y agradables; alta temperatura en la historia de Elise, consiguiendo unos tonos fríos muy adecuados para su estado de sempiterna depresión; y una especial saturación de colores para la parte de Jean; además de otras gamas perfectamente adecuadas para el futuro, para Marte, para…

Impresiona realmente la labor de maquillaje —-premiada en el Festival de Sitges—-, especialmente en las partes en las que Nemo aparece envejecido, dado que en lugar de escoger a otro actor para cuando tiene 118 años, es el propio Jared Leto el que interpreta debajo de una capa de arrugas que, en ningún momento, ofrecen un aspecto grotesco o exagerado. Así mismo, los efectos especiales pasan totalmente desapercibidos, como deben hacerlo en beneficio del desarrollo de la acción, para que el espectador se centre en la historia que se está contando y no en cómo la han realizado.

Siendo coherentes, hay una cosa que no puedo dejar pasar por alto, las fatídicas referencias a otras películas, que si en el caso de “Citizen Kane”, “Sunset Boulevard”, “The Night of the Hunter”, “2001: A Space Odyssey” , “Europa”, “Requiem for A Dream” —-ya desde la elección del actor principal—-, o incluso el vídeo musical “Bachelorette”, dirigido por Michel Gondry para Björk, podrían ser simpáticos homenajes, hay otros casos que parece se le han ido de las manos: la poderosa influencia de Charlie Kaufman y su manera de narrar e hilvanar lo fantástico con lo físico y la ficción con la realidad en películas como “Adaptation” o “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” que contaminan excesivamente la narrativa de Jaco Van Dormael, además de quedar contaminado con la poderosa gracia visual tanto de Spike Jonze como de Michel Gondry; la estructura circular que se permite robar de “2046”, apropiándose también de la capacidad del personaje protagonista (Tony Leung Chiu Wai) para mezclar relatos con recuerdos confundiendo realidad con ficción, incluyendo un pasaje de ciencia ficción; y la más descarada de todas, “Los amantes del círculo polar”, de la que no sólo toma el nombre de una de las protagonistas, Anna, sino una parte considerable de la trama de la cinta de Julio Medem, además de muchos de sus planos, imagen por imagen.

También es justo avisar de una repentina sensación de dilatación en el tiempo, al alargarse demasiado en algunas partes, evidenciando un desajuste rítmico que puede bloquear a algún espectador, aunque pasado el apuro, retoma la fluidez hasta el final y es perfectamente asumible dada la riqueza visual de una película cargada de momentos oníricos, interpretaciones metafóricas —-como la hermosa visualización de la depresión de Elise o las múltiples imágenes acuáticas aludiendo al líquido amniótico en el que se produce el nacimiento.

Me llama la atención que entre las muchas posibles muertes para el personaje, está presente el agua, algo que uniendo superstición con destino me recuerda la trágica historia de Natalie Wood, quien tenía un miedo patológico al agua y falleciera ahogada en circunstancias sospechosas. También, como curiosidad, mencionar que la fecha de nacimiento de Nemo en la película, el 7 de febrero, es la misma fecha de nacimiento de Jaco Van Dormael, aunque naciera en distinto año.

También es curioso que coincida en la cartelera española con otra película de similares características, “Inception”, con la diferencia de que no viene precedida de una portentosa campaña de promoción, ni incluye grandes estrellas en su reparto, ni se organizarán foros de debate sobre su significado, ni nada de nada. Tan sólo hay una sutil diferencia entre ambas películas, el tiempo en el que su sabor permanece en el paladar.

Fotos: Cinéfagos Anónimos Extracine

Si ya dimos cuenta de la confirmación de Clive Owen para el reparto de “Intruders”, ahora podemos confirmar el rodaje del tercer largometraje de Juan Carlos Fresnadillo, que habiendo comenzado a finales de junio, se prolongará a lo largo de 12 semanas por diferentes localizaciones de Londres y Madrid.

A Clive Owen —-quien esperamos se haya recuperado del descomunal bodrio que fue “The Boys Are Back“—- se suman en el reparto Daniel Brühl, Pilar López de Ayala, Carice Van Houten, la debutante Ella Purnel y Kerry Fox, para dar vida a los personajes de un guión escrito por Jaime Marques y Nicolás Casariego —- finalista del premio Nadal con su novela Cazadores de luz—-, en lo que será el próximo largometraje del cineasta canario, quien reivindica con esta historia su amor por la fantasía, según sus propias palabras:

Un universo visual que nace de lo más oculto, de los fantasmas que están enterrados en el inconsciente

Producida por Enrique López Lavigne, habitual colaborador de Julio Medem y de las anteriores películas de Fresnadillo y por Belén Atienza, involucrada en las exitosas “El laberinto del fauno”, “Alatriste”, “El orfanato” o las dos partes de la película sobre Che Guevara, “Che: Part One” y “Che: Part Two”, para Apaches Entertainment, Antena 3 Films y Universal Pictures International, “Intruders” será un thriller psicológico sobre una niña de 11 años de edad y su cuento, en el que un monstruo imaginario llamado Carahueca, se libera en el mundo real provocando terribles consecuencias.

Vía: Europa Press | Fotos: Más allá de Orión

Producida por Lazona y Telecinco Cinema, con participación de AXN y Canal Plus y tras seis semanas de rodaje en el complejo cinematográfico Ciudad de la Luz, de Alicante, continúa en Madrid el rodaje del que será el retorno del magnífico director de cine negro Enrique Urbizu tras siete años dedicado a la enseñanza y ser vicepresidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

Ambientado en un Madrid multirracial y con un título que alude a un versículo del profeta Isaías, “No habrá paz para los malvados” cuenta, en clave de thriller, el camino de expiación a sangre y fuego que inicia el inspector de policía Santos Trinidad, fracasado tanto en lo personal como el lo profesional, cuando sigue la pista de una joven desaparecida y se ve involucrado en un tiroteo en el que mueren tres personas.

Es una película de cine negro, contemporáneo. El filme trata sobre determinadas conexiones ocultas y sobre los individuos que determinan quién vive y quién muere.

El guión, que guarda cierta relación con los acontecimientos que sucedieran en Madrid aquel fatídico 11 de marzo de 2004, está escrito en colaboración con Michel Gaztambide, quien escribiera junto a Julio Medem el guión de “Vacas”. Michel y Enrique escribieran juntos los guiones de dos obras muy influyentes del reciente cine español: “La vida mancha” y la espléndida “La caja 507”, a la que tanto le debe Daniel Monzón en su mucho menos espléndida “Celda 211” y en su película anterior, “The Kovak Box”.

El 11-M es un acontecimiento histórico que se me antojaba interesante para investigar algo que en principio parecía imposible. La película pretende poner el foco en ese tipo de acontecimientos, que no son exclusivos de Madrid. Pasaron en Nueva York y Londres y podrían ocurrir en cualquier ciudad occidental”

El reparto de la película está integrado por colaboradores habituales de Urbizu como José Coronado protagonista de las mencionadas “La vida mancha” y “La caja 507” o Rodolfo Sancho, con el que ya trabajara en “Cachito”, completando el reparto con Helena Miquel, Karim El-Kerem y el televisivo Juanjo Artero.

Enrique Urbizu forma parte de aquella fértil generación de cineastas vascos, entre los que se incluyen Julio Medem, Juanma Bajo Ulloa, Pablo Berger y el actual presidente de la Academia española, Álex de la Iglesia, que iniciaran su carrera cinematográfica a principios de los años 90, gracias a lo que se diera en llamar el cine de las autonomías que beneficiaba, a través de subvenciones, a los cineastas que emprendían su carrera cinematográfica vinculados a su autonomía de origen.

Lo que en manos de cualquier otro director no sería más que una historia casposa, fantástica e inverosímil, seguro que Enrique Urbizu convierte en una historia emocionante, imprevisible y emocionante, por lo que estaremos expectantes al estreno de la que será la octava película del cineasta vasco con cine en las venas.

Vía: 20 minutos | Foto: Mi Versión Original Fotolog

Nominado a un Goya al Mejor Director Novel por “La vergüenza”, David Planell, prepara el rodaje de su segunda película que tiene como título provisional, “La última de Almodóvar”.

Protagonizada por Carmen Machi, Lola Dueñas y Luis Callejo, la historia pretende contar treinta años de la historia de España a través de una familia y de las películas del cineasta manchego, desde “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” hasta “Los abrazos rotos”. Producida por la productora y distribuidora independiente Avalon, está previsto que el rodaje comience la próxima primavera.

Qué duda cabe que el internacional cineasta y su cine, que surgen tras el franquismo, representa a la perfección todo el periodo histórico que abarca la democracia española. Lo que dudo se muestre tan claro es el cambio temático y estético del cineasta, que en los años ochenta (r)evoluciona cercano a una imagen, a una forma de vida, a un pensamiento, a la estética kitsch, al contraste entre lo castizo y lo posmoderno, hablando en su cine de sí mismo y de todos sus amigos, convirtiéndose en el cineasta representativo —-que no fundador, no nos equivoquemos, antes estaban Iván Zulueta, Fernando Colomo o Félix Rotaeta—- de un colectivo social coronado con el atractivo nombre de la movida madrileña. Claros exponentes de esta etapa serían “Laberinto de pasiones”, “Entre tinieblas”, “¿Qué he hecho yo para merecer esto!!” o “La ley del deseo”.

Pareciera que en los años noventa, buscando una aceptación popular, se alejara de sus premisas iniciales y se volviera menos auténtico, igual de castizo y cañí pero como más de diseño, cambiando la bata de guatiné por las telas de Vittori & Luchino, las plataformas por tacones de aguja, con los mismos travestís pero vestidos de Channel y Valentino, y en lugar de buscar en sí mismo, recurriera a las páginas de sucesos —-y a sus películas favoritas—- en busca de temas y hechos que le permitieran hablar de un supuesto cine social de diseño como puede verse en “Tacones lejanos”, “Kika” o “Carne trémula”.

También es cierto que muchos de sus compañeros (y de los nuestros) siguieran el mismo camino, ahí están Bibiana Fernández —-antes Bibi Andersen, que cambia de nombre más que de sexo—-, sentada de colaboradora en los mismos programas televisivos que el manchego critica en su cine; Antonio Banderas que hace las Américas afianzando su sitio en la meca del cine aprovechando un vulgar braguetazo; y el propio Almodóvar pareciera le diera la espalda al cine de sus inicios dejando de trabajar con su actriz fetiche Carmen Maura —-aprovechando una treta marica—- y dejando de trabajar con colaboradores habituales como el compositor Bernardo Bonezzi, el director de fotografía Ángel L. Fernández o hasta su musa petarda, Fabio MacNamara, a la que tanto le debe.

Otros quedan inalterables y saben evolucionar, tal es el caso de la mentada Carmen Maura, Chus Lampreave, Rossy De Palma, Marisa Paredes, Verónica Forqué, Kity Mánver o Julieta Serrano, todas señoras bien posmodernas. No incluyo en este grupo ni a Eusebio Poncela, ni a Will More, ni a Cecilia Roth, ni a Marta Fernández Muro, pues estos entraron vía “Arrebato”, con Iván Zulueta, él sólo los coge prestados. De la misma manera va asimilando en su estética la de otros cineastas contemporáneos como Bigas Luna de quien recoge a Penélope Cruz y Javier Bardem o de otros más jóvenes y renovados como Julio Medem, de quien coge prestado al compositor Alberto Iglesias del que no le separa ni Dios ni la virgen; o de la televisión que incorpora para el cine a Javier Cámara, Blanca Portillo y a Carmen Machi, sin duda buscando a su lado, la misma aceptación popular que tienen en sus series de televisión, “7 vidas” y “Aída”. Si bien es cierto que los televisivos entraron en esta última década, una época en la que parece que Pedro sea cosciente del cambio y añore su travieso pasado, reflexionando sobre sí mismo y evocándolo en títulos como “La mala educación” o “Los abrazos rotos”.

Lo que sí es cierto es que con cambio o sin él, con evolución o sin ella, cada estreno de Pedro Almodóvar se convierte en un acontecimiento social que te absorbe y te arrastra para ir al cine a ver “la última de Almodóvar”, aunque ya no comulgues, aunque no te interese. Confiemos en que Planell sepa, y quiera, reflejar estos cambios o, por lo menos, se vea a través de esta familia la evolución del cineasta hacia un camino, mientras algunos de sus admiradores tomamos otro camino y, aunque todos estamos encantados con su éxito internacional y valoramos algunos de sus últimos títulos, añoramos un cine mucho más personal.

Foto: Películas Es la Tele

Ouka Leele, fotógrafo emblemático de la denominada movida madrileña, ha sido la encargada de realizar el cartel publicitario de “Room in Rome”, la última historia de amor de Julio Medem.

¿Quien no se ha plantado en la puerta de un cine y a escogido la película que iba a ver por lo que le sugería el cartel? Puede ser cierto que no suele suceder cuando uno va en solitario, con su pareja o con su mejor amigo, que se establece de antemano el programa adecuado, pero cuando ir al cine se convierte en un acto social y se hace en grupo, uno tiende a dejar de lado sus gustos personales y dejarse llevar por la preferencia colectiva. Es en estos casos, al no ser todo el grupo aficionado cinéfilo uno se percata de lo importantes que son los elementos de marketing. Uno puede acordarse de aquel tráiler que vio en Internet, el que promocionaron en el noticiario del día anterior o, incluso, en el que precedió a la película de la sesión anterior, pero si al llegar al cine el cartel no transmite aquello que esperas de la película, probablemente busques otro más sugerente. A no ser que seas un espectador cultivado y te entretengas indentificando en el cartel los nombres del director, el actor o la actriz que inclinen la balanza por un filme o por otro.

No es que los anteriores carteles de la filmografía de Medem no estuviesen cuidados, al contrario, todos ellos son, además, muy coherentes con la estética y el aspecto visual de la película que anuncian. Pero, quizás siguiendo el rastro de otro cineasta español, de sobra curtido en las lides del reclamo y la promoción como es Pedro Almodóvar, y dado que “Habitación en Roma” incluye un homenaje explícito a un filme de temática homosexual del manchego, “La ley del deseo”, el cineasta vasco haya estado más preocupado de lo habitual en la promoción de su retorno tras la vilipendiada “Caótica Ana”. Si Pedro contara para el cartel de su historia de amor —-en la que también había un personaje que se autodeterminaba como heterosexual siendo después el más gay de todos—- con uno de los más renombrados artistas de la movida madrileña, el dibujante Ceesepe, Julio cuenta para su historia de amor femenino con otra mujer, Ouka Leele. ¿Buscaba otro miembro de la movida madrileña o otro artista con “e” doble en su nombre para rizar el rizo?

En cualquier caso, Ouka Leele, ha buscado transmitir ese halo mágico y místico con el que Julio Medem imprime sus filmes, para ello, y cual Cleopatras contemporáneas, ha sumergido a sus protagonistas, Elena Anaya y Natasha Yarovenko, en un baño de leche coloreada en un estanque rebosante de flores exuberantes. El resultado se puede contemplar en cualquiera de los 3000 carteles que pueblan marquesinas y escaparates de cines y ciudades españolas. Bien merece la pena gastarse entre esos 2000 ó 15000 euros entre los que oscila la elaboración de un cartel de estas características, pues como bien dice Elena Anaya:

“Es lo primero que llega al público, y debe ser sugerente. El cartel tiene que invitarle a ver la película, y de algún modo seducirle”

Igual temeroso de alejar de taquilla al público heterosexual —-el heterosexual masculino, claramente—-, los creativos de Kitchen, responsables de la promoción de “Habitación en Roma”, hayan decidido efectuar una campaña, que aunque absolutamente preciosa, también resulta sospechosamente morbosa.

Vía: RTVE, MSN Entretenimiento | Foto: Pixelicia, Flickr, La opinión de Málaga, El séptimo arte

El esperado séptimo filme del cineasta vasco Julio Medem, “Room in Rome”, llega para intentar reparar el descalabro económico (y a juzgar por muchos artístico) que sufriera con su particular “Caótica Ana”.

Sorprendentemente para un cineasta tan personal e independiente como Medem se trata de un encargo, un remake de la película chilena “En la cama”, que si bien en un principio rechaza como hiciera antaño con la oferta de Steven Spielberg de dirigir “The Mask of Zorro”, decide finalmente abordar con un ligero cambio de sexo, que no de género.

La historia comienza en una habitación y en una habitación termina. La sencilla excusa de ubicar la cámara en el balcón para el primer y último plano confiere una coherencia formal a la película que no tendrá la evolución de la historia, lamentablemente. Elena Anaya es Alba, española, huérfana y lesbiana, Natasha Yarovenko es Natasha —-que poco original—-, rusa, gemela y heterosexual. Alba tira de Natasha, que se deja llevar, pero se queda después dormida en la cama sin siquiera empezar la faena ¿revelándole como la parte masculina de la pareja? Natasha aprovecha para huir de la habitación y evitar su, al parecer, primera experiencia lésbica, a la que tampoco se había negado con mucha contundencia, pero en un acto freudiano, se deja olvidado el móvil en la habitación, lo que provoca su vuelta —-una excusa muy poco original pues el espectador tiene claro que volverá, aunque sólo sea por el cartel de la película.

A partir de este momento comienza realmente la película que, compaginando secuencias de sexo fino y elegante con conversaciones más o menos intelectuales, no consigue sino enturbiar a un espectador —-a este—- que no sabe si está asistiendo a una carnal historia de amour fou o a un platónico idilio intelectual a través de la imagen que se construye del otro. Porque si bien es muy significativo el momento en el que Alba y Natasha se desvisten y se despojan de sus uniformes sociales, las ropas que les definen como lesbiana alternativa, a una, y como pija de escaparate, a la otra, y que interpreto como un retorno a sí mismas, sin disfraces, sin prejuicios, sin barreras entre una y la otra: dos personas, dos mujeres; no me parece que se corresponda con la manera en la que realmente acaban intimando, conociéndose y sintiendo en función de lo que les ha sucedido antes de ese momento y fuera de esa habitación.

Pareciera que Medem tuviera miedo de que la limitación espacial acabara produciendo una sensación de claustrofobia por lo que se empeña en recurrir a cualquier elemento a su alcance para sacarnos de la habitación sin cruzar la puerta: Google Earth, un vídeo en un móvil, páginas de Internet, programas de televisión… elementos intangibles, no físicos —-los elementos enumerados son el medio, no el fin—-, que parecen alejarnos de lo que en un primer momento parece necesitar contarnos la historia.

Aunque claro, pudiera ser que la intención inicial fuera precisamente esa, mostrar cómo se conocen dos personas de una manera intelectual, con la imagen que cada una de ellas se hace de la otra a través de las experiencias que han vivido con otras personas, pero en ese caso parece que algo ha funcionado mal pues la campaña publicitaria se centra en presentar “Room in Rome” emparentada con títulos como “Last tango in Paris”, “Une liaison pornographique” o “Nine 1/2 weeks”, historias en las que dos personajes se conocen, se aman y se separan y todas ellas teniendo alguna limitación espacial o temporal siendo la primera la ciudad de París, la segunda una habitación de hotel y la tercera el espacio temporal al que alude el título mismo, de la misma manera que sabemos antes del comienzo de la proyección de “Room in Rome” que vamos a ver una historia de amor en una noche en una habitación de un hotel en Roma. No pretendía buscar los referentes de Medem, pero mucho me temo que hayan aflorado por sí mismas.

Tendremos que esperar pues a su siguiente proyecto para intentar reencontrarnos con el Medem genuino, el de “Vacas”, “La ardilla roja” o “Los amantes del círculo polar”. Puede que este paréntesis de sí mismo le sirva para recuperarse de tanta emoción y sentimiento como los que puso en “Caótica Ana”, un título que, me aventuro a vaticinar, el tiempo acabará por poner en un sitio mucho mejor que el que público y crítica le pusieron en el momento de su estreno, a tenor de la favorable acogida que tuvo en el extranjero y a que la he visto de nuevo.

Foto: tumblr, El séptimo arte

El 7 de mayo se estrenará la última película de Julio Medem, “Habitación en Roma”, de la que ya os hablamos aquí. Pero el vasco no se ha quedado con las manos cruzadas y ya ha anunciado el que será su próximo proyecto. Y parece ser que “Ágora” ha sentado escuela, y el Peplum se ha puesto de moda en el cine español. “Aspasia” se ambientará en el siglo V a.C y narrará la vida de Aspasia de Mileto, prostituta y esposa de Pericles.

El cineasta lleva ya cuatro años de documentación y dice que probablemente le queden un par de años más, por lo que habrá que esperar para ver la particular visión del Peplum que nos puede dar el director de “Tierra”. Medem dio a conocer sus planes en la rueda de prensa del próximo Festival de Cine Español de Málaga, el cual clausurará con el preestreno mundial de “Habitación en Roma”.

Personalmente espero que “Aspasia” ofrezca al género una visión mucho más particular y con más interés que la que virtió Amenábar sobre la historia de Hipatia. Medem es un director que por mi parte cuenta siempre con el beneficio de la duda, ya que pese a algunos traspiés, ha realizado aunténticas maravillas como “Los amantes del Círculo Polar”.

Vía y Foto: Fotogramas

La décimo tercera edición del Festival de Cine Español de Málaga tendrá lugar del 17 al 24 de abril y ya calienta motores anunciando que, este año, Julio Medem recibirá el Premio Retrospectiva (Málaga Hoy). Con este motivo, se programará la filmografía completa del director vasco y, en colaboración con la editorial Cátedra, se publicará un libro sobre su trayectoria, escrito especialmente para esta ocasión por Zigor Etxebeste.

Además, el plato fuerte: la nueva película de Medem, “Habitación en Roma”, protagonizada por Elena Anaya y Natasha Yarovenko, será la encargada de cerrar el festival. Su estreno mundial se producirá así en la gala de clausura, el día 24 de abril. Y veremos cuál es la reacción del público. El tráiler que podéis ver abajo, que complementa al internacional que ya vimos hace unas semanas, deja pocas dudas acerca de lo explícitamente erótica que resultará esta historia sobre dos mujeres a lo largo de una noche en una habitación de hotel en Roma. Estaremos expectantes.

Vía y foto: Festival de Cine Español de Málaga

Hace unos meses, mi compañero Roberto nos hablaba aquí de la nueva película del cineasta español Julio Medem, “Habitación en Roma”, una erótica historia de sexo y pasión entre dos desconocidas, que transcurre en la habitación de un hotel de la capital italiana. Pues bien, ya está disponible en Internet el primer tráiler del filme, y viene cargadito de desnudos integrales y escenas candentes (menores de dieciocho años, abstenerse).

La película está protagonizada por la actriz española Elena Anaya (quien ya trabajó con Medem en “Lucía y el sexo”) y la rusa Natasha Yarovenko. La primera interpreta a Alba, una mujer casada y con dos hijos, y la segunda, a Natasha, una chica que está a punto de contraer matrimonio; para las dos, es su última noche en Roma, pero antes de partir, ambas vivirán en la habitación de un hotel una aventura repleta de placer y nuevas experiencias, durante doce intensas horas de sexo, palabras, humor y caricias.

La cinta, producida por Morena Films, es una adaptación libre de la película “En la cama”, del director chileno Matías Bize, y se rodó en inglés, en localizaciones de Madrid y Roma. Su estreno en España esta previsto para esta primavera. De momento, el filme ya ha sido adquirido por distribuidoras de dieciocho países (como Israel, Japón, Rusia o Australia, entre otros).

Este es el octavo trabajo en la filmografía de Medem, un cineasta que nunca deja indiferente: o se le ama, o se le odia. Desde luego, su última película, “Caótica Ana”, no fue precisamente un éxito. ¿Conseguirá remontar el vuelo con “Habitación en Roma”?

Vía: El Blog del Cine Español

La nueva película de Julio Medem, “Habitación en Roma”, ha sido adquirida durante el American Film Market por la distribuidora IFC para estrenarla en salas en Estados Unidos en 2010. Hasta el momento, la película ya ha sido adquirida por distribuidoras de dieciocho países (Inglaterra, Japón, Israel, Latinoamérica, Rusia y Australia, entre otros). ¿Volverá el director de “Lucía y el sexo” a la senda del éxito tras su tropiezo con “Caótica Ana”? Espero que sí.

De momento, poco se sabe de este octavo trabajo de Medem. Ni siquiera hemos visto un fotograma y mucho menos un tráiler. Supongo que no tardarán en llegar. “Habitación en Roma” está protagonizada por Elena Anaya y Natasha Yarovenko, y parece que gran parte de la acción transcurre, como indica el título, en una habitación de un hotel romano. Allí, dos mujeres jóvenes que se acaban de conocer, una española y otra rusa, se internan juntas en una aventura física que les tocará el alma.

Se trata de una producción de Morena Films que se rodó en inglés entre Madrid y Roma. Su estreno en España tendrá lugar en primavera de 2010. Os dejo con un vídeo del programa “Días de cine” donde se muestran algunas imágenes del rodaje.

Vía y foto: DYP

Sólo se puede calificar de pasmosa la entrevista concedida a El País por el ínclito director español Julio Medem. Ese periódico parece tener una serie de artistas predilectos (notables o indefendibles), y aunque sea para cuestionarlos, los mantiene vivos en sus páginas. A veces se pregunta uno qué han debido hacer para ingresar en la nómina de PRISA, porque a muy pocos debe escapárseles ya que estas entrevistas son un puro acto promocional.

Resulta que debido al estrepitoso fracaso de Caótica Ana debe ser que tanto Medem como PRISA han pensado que necesita un poco de buena publicidad para recomenzar su carrera, y se explaya en la entrevista, haciéndose el mártir de lo lindo, y provocando, al menos en mí, la vergüenza ajena.

Quiero hacer un cine más directo para el espectador, salirme un poco de mí. Hasta ahora he contado lo que me ocurría dentro y me quiero distanciar.

En pocas palabras, va a ser más comercial, porque añade:

Es una cuestión de claves de lenguajes, de planos, quiero ponérselo más fácil al espectador, aunque a mí me cueste más trabajo hacerlo.

Es decir, la razón por la que su última película, y otras, hayan sido fracasos, es porque los espectadores lo teníamos tan difícil, tan difícil, que no podíamos entrar en su propuesta narrativa. Nada de auto crítica, salvo un leve:

Me viene bien admitir mis errores para quitarme vicios, defectos repetidos.

Que sinceramente, suena a falsa modestia. Él no puede entender, le amarga, le obsesiona, que sus películas, la mayoría unos embolados mentales de cuidada factura pero vacías y que nada te cuentan, sean ignoradas por el público. Le parece mal, vaya:

…yo no me podía imaginar el juicio sumarísimo al que he sido sometido…creía que encontraría más ayuda, que me animarían el alma…

En definitiva, esto es una persecución (aunque nadie sabe a santo de qué) contra el pobrecito de Medem. No tiene nada que ver que Caótica Ana sea un filme desastroso, lo que ocurre es que la peña le odia. Y en respuesta le va a dar a esa peña que le odia productos más fáciles de ver (o quizá…menos enmarañados con sus arrítmicas y confusas ideas) para que acudan a las salas y así pueda ganar mucho dinero de nuevo, porque produciendo la última se ha arruinado, y según él, que es tan sincero que se le ve el plumero, ese es el motivo del cambio. Demencial.

Lo cierto es que Medem, que tiene una imaginación visual notable, es un director de cine muy mediocre, que desconoce por entero el arte de la dirección de actores y de la escritura de películas, que confía todo su relato a su visión personal y su forma de captar con la cámara (en ocasiones muy bella en sí misma, pero cansina y retórica), y ha llegado a un punto de no retorno del que quiere salir, con su ceguera y su ego.

Éste es el gurú progre de una generación de cineastas, cinéfilos y profesionales que le tienen por ídolo, o le tenían, y que a parte de la notable Vacas no ha hecho nada defendible, endiosado y pretencioso creador de chorradas de diseño que los ‘progres’ sin seso elevaron temerariamente a la cúpula de los directores de éste país…hasta que han descubierto que no es más que directorzucho sin talento…

Enlace: Julio Medem empieza de cero