Previo al estreno de “Knigt and Day” y esperando también el de “The Extra Man”, podemos calentar motores con otra interpretación de Paul Dano en “The Good Heart”, además de disfrutar de la profesionalidad y buen hacer del escocés Brian Cox.

A causa de un ataque al corazón, Jacques (Brian Cox) termina una noche en una habitación de hospital al lado de Lucas (Paul Dano), quien se recupera tras haber intentado suicidarse, esa misma noche. Esta conexión en el tiempo y el espacio acabará teniendo un significado más allá de lo esotérico, sobre todo para Jacques, solitario, huraño, arisco y antipático propietario de un bar, que se empeña en llevarse a Lucas a su casa, no para que se recupere, sino porque tiene un plan trazado: desde ese momento va a ser su alumno y le va a enseñar todo lo que él sabe, o la menos todo lo que merece la pena ser aprendido. La relación entre ambos se complementa y consolida encajando poco a poco el uno con el otro. Hasta que aparece April (Isild Le Besco) y rompe, involuntariamente, este equilibrio.

A primera vista, “The Good Heart” no parece un historia mística, parece casi una historia de buddies atípicos, en la que todo guarda un doble sentido o un inesperado giro bajo el que aflora un misticismo del que su director, Dagur Kári, también guionista, no parece querer hacer su seña de identidad. La primera secuencia es una buena muestra de ello en la que parece que pudiera denostar las prácticas de relajación, siendo al final lo que más necesita el protagonista. El mismo título encierra un doble sentido dado puede referirse tanto al estado físico del deteriorado corazón de Jacques, como al emocional dado que se le ha endurecido con el tiempo y la soledad. Este doble significado de muchos acontecimientos nos conduce a un final en el que será Lucas quien acabe por dar más de lo que hubiera esperado —-tal y como es su naturaleza—-, invirtiendo los roles iniciales de profesor y alumno, padre e hijo, médico y paciente, establecidos a decisión voluntaria de Jacques —-quien se convertirá en el verdadero alumno—- y marcando el tema central de la historia, que pretende indicar que la vida transcurre por derroteros independientes a las decisiones de los individuos, resultando, a veces, más enriquecedoras y afortunadas las circunstancias casuales e inesperadas, el azar, que todo lo que se haga con premeditación.

La ironía está presente a lo largo de todo el relato, no sólo en la manera en la que Jacques se expresa: “día tras día me dejo la piel intentado conservar mi vida”, cuando hace todo lo contrario con su actitud pendenciera, siendo incapaz de dejar de fumar hasta cuando está en el hospital. Me llama particularmente la atención esa sentencia que hace cuando dice: “no estamos aquí para salvar a la gente, sino para destruirla”, cuando lo cierto es que él mismo necesita, inevitablemente, al otro, a Lucas, para proyectarse y realizarse como persona. En un retorcido giro irónico sí es cierto que podríamos decir que, en lo que respecta a sí mismo, Jacques dice la verdad, pues parece que todo aquello que él destruye le sirve para medrar como persona, reforzando nuevamente la idea de que necesita al otro para fortalecerse.

Ambos actores están excelentes en sus interpretaciones, si acaso sobresale Brian Cox, que consigue imprimir una especial ternura y sensibilidad a su lobo estepario. Contribuye a esta excelencia la construcción física de ambos personajes y las comparaciones que se establecen, por ejemplo, con sus animales de compañía, que contribuyen a extrapolar las características entre ambos, así, el perro que tiene Jacques, viene a decirnos que tiene una personalidad dependiente, que necesita que le cuiden y estar acompañado, y el gato de Lucas, que le presenta como una persona independiente y que es capaz de sobrevivir por sí mismo. Aunque la breve interpretación de Isild Le Besco transmite a la perfección lo que su personaje significa dentro de la historia, desmerece un tanto el tono general al estar retratado de una manera bastante más superficial que resume el universo femenino a poner manteles y flores en las mesas, velas por doquier, una encomiable capacidad para perdonar yéndose de compras y una natural tendencia al coqueteo con cualquier varón que se le cruce por delante.

No es la primera vez que cineastas europeos, que nada tienen que ver con Nueva York y lo que representa, ubiquen sus historias en la gran manzana o en los Estados Unidos —-casi cualquiera de las películas de Isabel Coixet o Wim Wenders son un buen ejemplo. En el caso de Dagur Kári, islandés de origen, aprovecha muy bien la impersonalizad que esta ciudad ofrece, centrándose en su intimista historia y evitando darse una vuelta por Central Park, Rokefeller Center, el Empire State Bulding o cualquier otro característico lugar y edificio que nos distraiga sobre el discurso. Igual que no interesan a los protagonistas, no nos interesa a nosotros. Si acaso, sí resulta algo inverosímil el inusitado calor que médicos y enfermeros muestran por Lucas en el hospital. Una actitud propia de cualquiera de los cientos de series sobre hospitales que pueblan la parrilla de cualquier cadena de televisión, pero que no sucede en la vida real, ni siquiera en los hospitales de ciudades de provincia a no ser que conozcan a la familia del suicida. Hubiéramos tenido otra percepción si se nos hubiera mostrado algo que enterneciera a médicos y enfermeras como para tratarle así, pero no es el caso. Puede que la intención sea mostrar a Lucas como una persona cuyo candor atrae y conmueve a su alrededor, siendo esa la razón por la que Jacques le escoge para que sea su protegido, otra detalle que tampoco está bien esclarecido. De cualquier manera, como son situaciones que transcurren al principio del filme, a medida que nos sumergimos en la historia, nos olvidamos de ellas, centrándonos en los personajes. Lo que sí mantiene toda la película es una coherencia visual tras la que no se aprecia el origen de su autor y podríamos pensar, perfectamente, que estuviéramos viendo un filme independiente norteamericano en la línea de Jim Jarmusch.

En este caso la casualidad juega con el propio director facilitado una broma inesperada pues, desconociendo si hay algún motivo intencionado para escoger un animal como un pato, Estragón en la ficción, y el nombre de su cuidador como Lucas, el público hispano hablante puede interpretar esta elección como una alusión al pato Lucas—-Daffy Duck en su idioma original. Impagable resulta, por lo menos al público español, el nombre del toro, Butragueño, en alusión al que fuera jugador del Real Madrid, cuyos atributos masculinos fueran expuestos en un partido de fútbol ante su imposibilidad de mantenerlos dentro del pantalón.

Fotos: Film Affinity Cineol

El festival Jameson Notodofilmfest está a punto de cerrar su VIII Edición. Como cada año ya han elegido a sus finalistas, y también como cada año, algunos miembros del jurado han realizado sus [“Cortos Invitados”]. Son cortometrajes que se ajustan a las condiciones del festival, pero que no compiten en el certamen.

Este año se han estrenado tres. Javier Fesser ha vuelto a la comedia “sustancial” con “Depresión”, un excelente monólogo de un torturado de la edad media, al que quizá le falte algo de chicha. Por otra parte a Isabel Coixet parece que se le olvidó aquello de que tenía que realizar un corto, así que ha cogido varias imágenes “supuestamente bellas” que tenía guardadas por ahi, y ha montado una cosa que no funciona ni siquiera como videoclip, a la que le ha puesto el título de “Dear John”.

Por eso me quedo con el que os traigo ahora y que ha circulado por la red a la velocidad del rayo. “Un novio de mierda” es el título que Borja Cobeaga le ha puesto a su último corto, un cortometraje totalmente coherente con el resto de su filmografía en el que vuelve a tratar temas humanos y tiernos con un humor muy bien llevado. “Un novio de mierda” está protagonizado por Ernesto Sevilla (vaya cantera de actores que está saliendo de “Muchachada Nui”) y Bárbara Santa-Cruz. Prefiero no contaros nada del argumento y dejar que lo descubráis vosotros mismos. Es una historia sencilla, pero que esconde mucha verdad y una situación que le podría pasar a cualquiera. Disfrutadla.

Via | Foto: Jameson Notodofilmfest

La Organización Mundial de la Salud (OMS), parte de la Organización de las Naciones Unidas (ONU), festejó el jueves 4 de febrero, el Día Mundial de la Lucha contra el Cáncer. Según la OMS “Cáncer es un término genérico para un grupo de más de 100 enfermedades que pueden afectar a cualquier parte del organismo”. El cáncer es una de las principales causas de mortalidad en todo el mundo. La OMS calcula que, de no mediar intervención alguna, 84 millones de personas morirán de cáncer entre 2005 y 2015.

Dando la importancia que merece la fecha, me gustaría conmemorar este día haciendo un listado sobre las películas que, a mi parecer, tocan con respeto e ingenio esta enfermedad:

5 - “My Sister’s Keeper” (2009). Dirigida por Nick Cassavettes. La historia nos presenta a una familia a la que le toca vivir la pesada carga de afrontar el cáncer de una de las hijas. La madre (Cameron Diaz) se empecinará en darle batalla a la enfermedad de tal forma que hasta traspasará los límites éticos con tal de evitar el desenlace fatídico. La mujer no aceptará el destino inevitable y, de esta manera, concebirá mediante métodos artificiales otra hija (Abigail Breslin), creada con el sólo propósito de que sea una futura donante que contribuya a mejorar la deteriorada salud de la hija mayor. Cuando la hermana “salvadora” empieza a crecer, se cuestionará si es digno el haber nacido para salvar a su hermana, como si ella sólo se tratase de un conjunto de órganos para ceder en otra persona.

4 - “Funny People” (2009). Para bien o para mal, Judd Appatow es un director que se mantiene en el gusto de la gente con comedias hechas exclusivamente para entretener. Sin embargo, con esta su tercera cinta, dota de tintes trágicos una historia de adaptación a vivir con leucemia. Adam Sandler encarna al cómico veterano George Simmons, el cual tras diagnosticarle este cáncer, se empieza a replantear un poco su vida -logros, reconocimiento, vida social y amorosa-. Al cruzarse con el cómico vocacional -Seth Rogen interpretando a Ira- decide acogerlo como ayudante, en gran parte para que le haga compañía. Mi compañero Alberto realizó la crítica de esta película.

3 - “Y tu mamá también” (2001). Alfonso Cuarón apoyado de Maribel Verdú, traza un personaje (Luisa) que es pivote entre la tensión existente entre Julio (Gael García Bernal) y Tenoch (Diego Luna). Sin embargo la motivación de Luisa es, al saber que tiene cáncer, el acompañar a estos dos personajes a “Boca del Cielo” siendo un pretexto para liberarse y buscar un sitio para encontrar paz.

2 - “The Guitar” (2009) es la ópera prima de Amy Redford, hija del actor Robert Redford. En el espacio de una misma mañana, Mel (Saffron Burrows) pierde su trabajo, a su novio y, además, le informan que tiene cáncer terminal. Ante esa situación, decide perseguir sus sueños durante los dos meses que le quedan de vida. “The Guitar” es una historia de cómo retomar lo que verdaderamente nos hace vivir a sabiendas de que lentamente dejaremos de existir. Es retomar lo que dejamos perdidos por caer en la monotonía cotidiana y revivir eso que alguna vez dejamos atrás.

1 - “My life without me” (2003) ¿Cómo enfrentarse a tu propia muerte? ¿Qué hacer cuando tienes los días contados? ¿Cómo mirar a la cara a quienes más quieres y anunciar que les dejas? ¿Cómo despedirte? ¿Cómo será tu vida sin ti? “Mi vida sin mí” es hermosísima, sincera, sobria, contenida, desgarradora y optimista. El todo puede que sea un tanto irregular pero el fondo esta cinta es una genialidad.

Tal vez películas, pero en esta selección quiero dejar en claro el manejo de la enfermedad como detonante en el conflicto de la historia siendo el cáncer el antoganista de los personajes.

Foto: Allmoviephoto.com

La octava edición del más famoso festival de cortos online, Jameson Notodofilmfest, ha cerrado el plazo de presentación de obras con gran éxito de participación: más de 1000 películas presentadas de 26 países de todo el mundo. Entre los participantes españoles, son los madrileños (344), catalanes (153), valencianos (80) y andaluces (77) los más representados. Hasta el momento, los cortometrajes a concurso han tenido más de un millón y medio de espectadores.

Un comité seleccionará a los finalistas que se anunciarán el 15 de febrero. Daniel Sánchez Arévalo, David Serrano, Isabel Coixet, Borja Cobeaga, Javier Fesser, Lucrecia Martel e Isaki Lacuesta elegirán entre ellos a los ganadores. Aprovecho para enlazaros aquí uno de los dos cortitos con los que participo este año en Notodofilmfest. Se titula “Los gritones” y es una idea muy sencilla, protagonizada por Ruth Armas y Fran R. Castillo. Espero que os guste.

Vía y foto: Jameson Notodofilmfest

Las esperanzas se depositaron para estar en algunos de los festivales más importantes del mundo del cine. En unos hubo frutos, pero en los premios de la Academia no fue así. “El baile de la victoria” del director español Fernando Trueba no pudo lograr un puesto en la carrera de los Oscar.

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas anunció que esta cinta basada en la novela homónina, ganadora del Premio Planeta, de Antonio Skármeta, no participará para pelear la presea como Mejor Película Extranjera. Esto confirma que España brillará por su ausencia definitivamente.

Antes del 29 de septiembre de 2009, Trueba y “El baile de la victoria” competían con “Gordos”, de Daniel Sánchez Arévalo, y “Mapa de los sonidos de Tokio”, de Isabel Coixet para ser una de las cintas elegidas por la Academia de Cine. Llegada la fecha, se dio a conocer que el director de “Belle Epoque” había sido el ganador de la terna en la primera selección por representar al país ibérico.

Mientras esto ocurría, nos amanecíamos con la mala noticia de que “Los abrazos rotos” había sido excluida también de la 82 edición de entrega de los Oscar, que se celebrará el próximo 7 de marzo en el teatro Kodak de Los Ángeles. Trueba dijo en su momento sobre la salida de Pedro Almodóvar y su última cinta:

“A todos nos sorprende, pero igualmente no me sorprende la presencia de las que están. Los académicos tenían que elegir”

Vía: Europa Press | Foto: Fauna Nocturna

Entre el 23 y el 28 de noviembre se celebrará la cuarta edición de la Semana Internacional de Cine Ciudad de Cuenca “Mujeres en Dirección”, conocida por mostrar el mejor cine comprometido hecho por mujeres. El certamen consolida su objetivo de premiar la labor de los grandes nombres de mujer en el ámbito cinematográfico con un homenaje a la realizadora española Isabel Coixet, que ha estrenado recientemente “Mapa de los sonidos de Tokio”, seleccionada en el Festival de Cannes.

A modo de reseña bibliográfica, recordemos que Isabel Coixet nació en 1962 en la localidad barcelonesa de San Adriá del Besós y se licenció en Historia por la Universidad de Barcelona, comenzando su vinculación con el mundo del cine en el periodismo -trabajó para la revista Fotogramas- y en la publicidad -creando anuncios para grandes marcas-. Es en 1989 cuando filma su primer largometraje, “Demasiado viejo para morir joven”, que le supuso una candidatura al Goya de dirección novel. A este film le siguieron “Cosas que nunca te dije”, que sigue siendo mi película favorita de las suyas, “A los que aman”, “Mi vida sin mí”, “La vida secreta de las palabras”, “Elegy” y “Mapa de los sonidos de Tokio”.

Guste o no, está claro que Coixet es la directora española más reputada del momento, y también de las más importantes a nivel histórico, con un personalísimo estilo a la hora de contar historias y planificarlas visualmente. Tiene detractores pero también legión de seguidores que reciben con orgasmos cada nueva película suya. Bienvenido sea este homenaje.

Vía: Olaizola Comunicación

Cuenta la directora Isabel Coixet que “las películas, como las melodías o los poemas nacen de extraños encuentros, de asociaciones a menudo incongruentes pero siempre mágicas”. Y creo que tiene razón.

En el caso concreto de “Mapa de los sonidos de Tokio”, ha explicado Coixet que la historia se le apareció en el mercado de pescado de Tsukiji, en Tokyo. Allí descubrió “el rostro pétreo de una chica, que manejaba con destreza una manguera y que se negó enérgicamente, con una decisión poco habitual en Japón, a ser fotografiada por mí”. El recuerdo de de esta chica persiguió a la directora catalana durante el resto del día. “En el metro, lleno a rebosar, volviendo soñolienta al hotel, después de haberme levantado a las tres de la mañana para ver la subasta de pescado, no dejaba de pensar en esa chica y en el porqué de su negativa. Pensaba en sus botas de agua chapoteando entre el hielo deshecho y la sangre de los atunes recién cortados. Y al cerrar los ojos y oír la voz casi infantil de la locutora que anunciaba la próxima parada en la estación de Shinjuku, supe que iba a contar la historia de una mujer con una doble vida: una mujer dura, solitaria, misteriosa, herida. Que trabaja en el mercado del pescado, limpiando y cargando cajas y recibe esporádicamente encargos como asesina a sueldo. Y la de un hombre, obsesionado por los sonidos, que ama en silencio a esa mujer, aún sabiendo que todo lo que va a obtener de ella es el sonido de su respiración, el ruido de sus tacones en un callejón solitario y sus conversaciones y encuentros con un hombre de origen español, por el que ella siente una atracción que pone en cuestión la vida solitaria que ha llevado hasta entonces”, añade en las notas de producción del filme.

Así nació “Mapa de los sonidos de Tokio”, que, protagonizada por Sergi López y Rinko Kikuchi, calienta motores de cara a su próximo estreno en España, el 28 de agosto, tras su recibimiento tibio, tirando a malo, en el Festival de Cannes. Entre otras perlas, la crítica internacional destacó que la banda de sonido está tan cuidada, que se trata de una película más interesante de escuchar que de ver. Tengo curiosidad por escucharla pues.

Vía y foto: Alta Films

Siempre me gustaron las películas sobre mujeres, y creo que a las mujeres en general nos gustan los filmes donde ciertas personalidades femeninas dejan a la intemperie nuestros rasgos más característicos y al mismo tiempo nos descubren cosas que jamás hubiéramos imaginado que podían surgir en la vida de una mujer.

Personalidades fuertes, débiles, originales, rutinarias, cualquiera sea el caso dependerá de la dirección, de la protagonista y de la trama en si para que podamos sentirnos identificadas o al contrario completamente diferentes, como es mejor que suceda a veces.

En este caso pensé en tres películas que toman a la mujer como protagonista en distintas generaciones y en diversas situaciones; Mi vida sin mi (2003), El nido Vacío (2008) y Amorosa soledad (2009). ¡Las tres muy recomendadas! Así que si están con ganas de ver películas con mujeres a la cabeza, estas son excelentes opciones.

Mi vida sin mi es una película dirigida por Isabel Coixet, protagonizada por Sarah Polley que nos cuenta la vida de una sencilla mujer con una familia hermosa que luego de enterarse que le quedan pocos meses de vida realiza una lista de cosas para hacer antes de morir y así descubre otra parte de si misma que jamás hubiera experimentado de otra manera. Una película dramática y triste, pero recomendada.

El nido vacío es una lindísima e interesante película dirigida por Daniel Burman, protagonizada por Cecilia Roth que si bien tiene como protagonistas a una pareja de casados, el papel de la mujer se destaca muchísimo y resulta muy particular. Más comedia que drama esta película es ideal para conocer a una mujer hiperactiva y alegre que se cuestiona sinceramente sobre la crianza de sus hijos llevando a su marido a un plano más real poniéndolo al día con las costumbres.

Y finalmente la más nueva de todas interpretada por la genia de Ines Efrón que siempre me deja con la boca abierta y dirigida por Victoria Galardi & Martín Carranza, “Amorosa soledad” que nos cuesta la historia de una mujer joven que decepcionada de los hombres decide pasar tres años sola, aumentando así el tiempo para encontrarse nuevas enfermedades y acentuar sus variadas manías. Una película que se estrenó el 3 de marzo de este año pero que aún no tuve la posibilidad de ver asi que mejor saquen sus conclusiones del tráiler.

Foto: cinesargentinos

Estéticamente el tráiler atrae mucho, creo que transmite la pasión de la historia y esa mezcla de culturas que se pueden dar entre una japonesa y un catalán que vende vinos, si algo le faltaba a eso la música es francesa. ¡Me encanta!

El reparto creo que fue muy bien elegido por la producción, entre los actores más importantes están: Rinko Kikuchi, Sergi López, Min Tanaka, Hideo Sakari, Takeo Nakahara y Manabu Oshio. Básicamente en “Mapa de los Sonidos de Tokyo” veremos una historia de amor frustrada que termina en suicidio. ¿Fecha de estreno? 28 de agosto del 2009 en España.

Vía: Tráiler de ‘Mapa de los Sonidos de Tokyo’ l Foto: elpais

El director del Festival Internacional de cine de Berlín, comúnmente conocido como la Berlinale, Dieter Kosslick, anunció la composición total del jurado que determinará el palmarés en la edición 2008. El festival, que se podría considerar tercero en importancia a nivel europeo tras Cannes y Venecia, se considera la puerta de entrada al mercado del viejo continente de producciones, si bien con marcadas intenciones artísticas, pero con intenciones generalistas.

Al nombre de la presidenta del jurado, comunicado hace un tiempo, que no es otro que la andrógina y excelente actriz Tilda Swinton, se suman ahora el realizador Wayne Wang, de nuevo bien considerado tras una etapa cuestionable (¿Maid in Manhattan? ¿hola?), el escritor sueco Henning Mankell, el cineasta Gaston Kaboré, el director escénico Christoph Schlingensief, la cocinera estadounidense Alice Waters, como potenciación de la línea gastronómico-cinéfila iniciada en la anterior edición del festival, algo muy extravagante sin duda, y por último la realizadora española Isabel Coixet.

La Berlinale dará comienzo el 5 de febrero, continuando la política de celebrarse antes de los Oscar y así no perder brillo, con 26 títulos a competición, entre ellas las nuevas películas de prestigiosos directores como Sally Potter (Rage), Theo Angelopoulos (The Dust of Time), Chen Kaige (Mei Lanfang), Lukas Moodysson (Mammoth), Stephen Frears (Cheri) o Andrej Wajda (Tatarak). El listado, a continuación:

Sección Oficial

Alle Anderen, de Maren Ade (Alemania)

Rage, de Sally Potter (Reino Unido, USA)

The dust of time, de Theo Angelopoulos (Grecia, Alemania, Italia, Rusia)

Forever enthralled (Mei Lanfang), de Chen Kaige (China)

The messenger, de Oren Moverman (USA)

London river, de Rachid Bouchareb (Argelia, Francia, Reino Unido)

Mammoth, de Lukas Moodysson (Suecia)

Cheri, de Stephen Frears (Reino Unido, Alemania, Francia)

Darbareye Elly (About Elly), de Asghar Farhadi (Irán)

Gigante, de Adrián Biniez (Uruguay, Alemania, Argentina)

Happy tears, de Mitchell Lichtenstein (USA)

In the electric mist, de Bertrand Tavernier (Francia, USA)

Katalin Varga, de Peter Strickland (Rumania, Reino Unido, Hungría)

La teta asustada, de Claudia Llosa (España, Perú)

Lille soldat, de Annette K. Olesen (Dinamarca)

Ricky, de François Ozon (Francia, Italia)

Storm, de Hans-Christian Schmid (Alemania, Dinamarca, Holanda)

Tatarak, de Andrzej Wajda (Polonia)

Pronto más y mejor. Extracine, sección nos pirran los premios se despide.

Vía: Público | Web Oficial del Festival: 59ª edición de la Berlinale

No todo va a ser el rodaje, pospuesto casi una década, de la bélica tarantiniana Inglorious Bastards, o el recién finalizado de Almodóvar. Hay muchos rodajes de los que hablar.

Por ejemplo, el desembarco, no por esperado menos insustancial, del brillante director de cortometrajes pero mediocre director de largometrajes Juan Antonio Bayona, quien ostenta el dudoso honor, gracias a su hipertrofiado y torpe El orfanato, de ser el director español más taquillero en muchos años. Todos los que esperábamos que se recuperase con un segundo proyecto más personal y consecuente, gracias a la libertad que otorga (al menos algo otorga) la pasta ganada en las salas, parece que tendremos que esperar, pues va a seguir durante un tiempo a la sombra del sobrevalorado Guillermo del Toro.

Parece ser que el ahora celebrado director mexicano tenía sobre la mesa la posibilidad de adaptar Hater, sobre el original literario homónimo de David Moody, un thriller muy oscuro del que ahora se hará cargo Bayona bajo la producción de su amigo del Toro, y surodaje comenzará en pocos meses.

Una paisana suya, aunque con más experiencia en eso de dirigir largometrajes personales y en viajar por el mundo, la barcelonesa Isabel Coixet, ultima los preparativos del rodaje de Map of the Sounds of Tokyo, precisamente en la capital japonesa, que protagonizarán Rinko Kikuchi (vista en Babel) y Sergi López, sobre una asesina a sueldo con doble vida.

Promete bastante. Su directora finalmente se sumerge en su amada cultura japonesa, con una historia que al menos a priori sugiere un cambio temático estimulante.

Finalmente, los hermanos Coen, que hoy mismo estrenan su Burn After Reading (otro proyecto pospuesto algunos años y que comentaremos en Extracine cuando lo veamos) regresan a su siempre ironizada Minnesota natal con una nueva comedia negra (y van…) titulada A Serious Man, una película que en principio no va a contar con ninguna de las estrellas que han rondado por sus últimas películas.

Con ella, que se está rodando actualmente, podrían cerrar la más prolífica de sus décadas hasta la fecha, ya que en ella han estrenado siete largometrajes más el proyecto plural de Paris, je t’aime. Lástima que su carrera haya declinado con respecto a los 90, donde firmaron cinco obras maestras.

Vía: Imdb