En los últimos años el joven actor Taylor Lautner se ha convertido en uno de los actores más cotizados, no sólo porque su simple aparición en la pantalla pueda causar desmayos en muchas de las adolescentes de medio mundo, sino porque, además, es uno de los actores más rentables de los últimos años. Aunque este actor haya comenzado con una saga algo pastelada, como lo es la saga de Twilight, no se ha querido centrar en este tipo de papeles y, tras terminar con la grabación del personaje que le hizo famoso, ha optado por hacer otro tipo de cine.

Para sorpresa nuestra y, como buen impulso para su carrera como actor, ha dado un paso más allá, y ha decidido pasarse al cine independiente de la mano del director Gus Van Sant. Aunque todavía no se sabe cuál será la trama de su nueva película, sólo se sabe que la trama está basada en un artículo que publicó el diario The New Yorker, tenemos claro que será de la misma calidad como otros de sus títulos anteriores, como lo fueron Finding Forrester y Milk.

Deberíamos pensar que un chico joven que comienza en el mundo del espectáculo y que consigue la fama desde pequeño no es capaz de conseguir un gran futuro, pero Taylor tiene las cosas muy claras, y él no sólo quiere centrarse en actuar, sino que ya sabe cómo administrar lo que ha podido ganar durante estos años de fama indiscutible. Con sus ganancias ya ha fundado una productora de cine, Quick Six, que ha creado exclusivamente para su padre, y que producirá algunas de las películas que veremos en un futuro, incluyendo esta, y de la que ya ha comprado los derechos.

De esta manera, se aleja de su imagen de hombre lobo enamoradizo que, posiblemente, no esté capacitado para poder hacer otro tipo de papeles. Suponemos que ya había pensado en esto cuando aceptó aparecer en Abduction. No tenemos claro si conseguirá quitarse de encima esa imagen de chico bueno y ligón, lo que sí sabemos es que las féminas apostarán por él siempre y cuando sus músculos aparezcan en pantallas, sea la película independiente o comercial.

La producción de remakes no es algo nuevo, ni propio del Hollywood que conocemos actualmente. A lo largo de la historia del cine, ya con un poco más de 100 años, se han contado y recontado varias historias, en diferentes épocas, una y otra vez. Cada versión surge por diferentes razones, con distintos resultados. “Ben-Hur” , la versión que todos conocemos, la protagonizada por Charlton Heston en 1959, fue la tercera versión que llegó al cine; aclamada por la crítica y el público, recibió 11 premios Oscar.

Lo vemos con las películas consideras extranjeras en Hollywood, las cuales adoptan y adaptan. Se retoman historias clásicas, fórmulas que funcionaron en algún momento. Con cada remake se intenta plasmar la visión del director en turno. Hasta existen casos, pocos, en donde el mismo director hace un segundo ejercicio con una misma historia. “The Man Who Knew Too Much”, de Alfred Hitchcock, es un gran ejemplo de esto.

Pero qué ocurre cuando un director decide hacer un remake a copia calca de un clásico del cine. Hoy confieso que no soporto el intento de Gus Van Sant por recrear “Psycho”.

En 1998, como homenaje a Alfred Hitchcock, Gus Van Sant presenta su versión de “Psycho”. La historia es la misma que la original, exactamente igual: una secretaria, de nombre Marion Crane, roba dinero de su trabajo y, posteriormente, llega a un motel donde conoce a Norman Bates, quien vive bajo en dominio de la Madre. Pero no sólo la historia es la misma.

Aquí las palabras copia calca toman sentido. Los encuadres, los movimientos de cámara, la música, cada detalle fue cuidado para emular el trabajo de Hitchcock. El director hasta tenía un reproductor con “Pyscho” como guía, como si fuera el storyboard. Hasta los pequeños errores en la película original, Gus Van Sant los reprodujo tal cual. El director tuvo la oportunidad de seguir cada pauta de su Maestro. Desafortunadamente, se preocupó más en realizar una copia exacta (ahora a color) que darle una voz propia contando su versión.

“Psycho” de 1998 es una película tan similar a la original, pero también se perciben ciertas diferencias. Y no sólo hablo del salto al color. Aunque los personajes son los mismos, por desgracia, el reparto tiene mucho que ver en esto. En la versión de 1998, Marion Crane es interpretada por Anne Heche, quien no termina de encajar en el personaje; más parece una marioneta que una actriz siguiendo un libreto. En el papel de Norman Bates tenemos a Vince Vaughn, que por momentos le creemos su locura, sin embargo, no llega ni a los talones a la interpretación de Anthony Perkins.

En el caso de Lila Crane y Sam, estos son los únicos personajes que parecen transportados a un contexto contemporáneo, respetando su misma función en la trama. Es su vestimenta, su expresión, su actitud. Aunque se hace nota la intensión de plantear de manera distinta estos personajes, el trabajo de Julianne Moore y Viggo Mortensen resulta insuficiente para sacar los personajes adelante (¿o será la mala dirección?). El cuadro por cuadro, la copia de la narrativa, no tiene punto si no se logran los personajes.

Gus Van Sant, si acaso, modificó algunos movimientos de cámara, empleando tomas que Hitchcock quería pero que en 1960 era imposible lograr por las limitaciones tecnológicas. La toma inicial es un gran ejemplo; se establece el lugar hasta entrar al cuarto donde vemos a la pareja en cama. Así como esta toma y el movimiento de cámara, ocurrió lo mismo con un par de líneas que en aquellos años eran motivo de censura — como la escena en la oficina, cuando el cliente le sugiera a Marion tomar unas vacaciones en Las Vegas —.

Otra diferencia es la escena donde Bates observa a Marion a través de un agujero, mientras se masturba. Con una buena edición, hubiera logrado mejor efecto (pero dejemos al autor hablar por si mismo aunque sea en esta escena). Y, por supuesto, el montaje de la clásica escena en la regadera. Además, a color, termina perdiendo fuerza. Alfred Hitchcock logró dicha escena, a blanco y negro, con un presupuesto mínimo; de hecho, el equipo técnico de su filme fue el mismo que trabajaba con él en su programa de televisión Alfred Hitchcock presents…

En general, el resultado es un filme fallido, pero que queda como un ejemplo importante para todos los cineastas que tengan en mente realizar algo similar. Si bien los remakes seguirán existiendo, “Psycho” de Gus Van Sant muestra que un ejercicio realizado cuadro por cuadro termina siendo una copia sin chiste, donde lo único que se logra es imitar, más no aprender de una obra clásica. No existe propuesta. No hay evolución en el lenguaje cinematográfico. Nada. ¿Cuál es el punto de re-producir un filme? Creo que seguiré sin entender el propósito de Gus Van Sant.

Ya habíamos visto un primer trailer de “Restless”, la última película dirigida por Gust Van Sant que, si en un principio, tenía su estreno previsto para el pasado 28 de enero, finalmente ha sido pospuesto para el 16 de septiembre, tras haber inaugurado la sección Un Certain Regard del pasado festival de Cannes. Probablemente con el objetivo de que no decaiga la expectación, Sony Pictures presenta, vía Yahoo! Movies, un nuevo trailer de una película que trata sobre dos inconformistas cuyas personalidades se han ido perfilando en función de unas circunstancias que les han llevado a conocerse, forjando un profundo y duradero amor.

Así a simple vista, da la impresión de que esta película ya la hemos visto. La verdad. Mia Wasikowska interpreta a una adolescente enferma terminal que, en los últimos meses que le quedan de vida conoce a un joven, interpretado por Henry Hopper, quien tiene como mejor amigo al fantasma de un piloto kamikaze japonés de la Segunda Guerra Mundial. Ya me imaginaba yo que no debíamos esperar del director de “Elephant”, “Milk” y “Paranoid Park”, nada parecido a “Love Story”, aunque sí parece que en algunos momento nos recuerde a la maravillosa “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Ryo Kase, Schuyler Fisk y Jane Adams completan el reparto de “Rentless”, que está basada en la obra original de Jason Lew: Of Winter and Water Birds.

Visto el trailer, podemos percibir que Gus Van Sant no cuenta su historia de una manera convencional, pero tampoco es bueno que encendamos los fuegos artificiales, todavía, pues para sitios como The Playlist, constituyó una de las más grandes decepción que Gus Van Sant haya proporcionado… Y lo cierto es que alguna ya nos la ha metido doblada. Pero como siempre esta no fue la tónica, sino que en Cannes, la crítica se dividió en dos bandos opuestos, uno a favor y otro en contra. Como debe ser.

Entre las quejas del popular sitio en lengua inglesa, nos encontramos con un excesivamente emocional uso de una banda sonora plagada de éxitos indie de autores como Sufjn stevens, Iron & Wine o, incluso, Nico. Según ellos facilitando la labor al espectador indicándole donde tiene que llorar. Aunque eso sí, también encuentran muchos valores a tener en cuenta como el original planteamiento del guión, el peinado de Mia Wasikowska, o el maravilloso vestuario vintage que lucen sus protagonistas. Aunque eso sí, advirtiendo que tienes más probabilidades de disfrutarla si no has visto otras películas con historia de amor poco convencional, como era “Harold & Maudeharold-and-maude”, aquella maravillosa y divertida película que dirigiera Hal Ashby y que protagonizaran la magnífica Ruth Gordon y un joven Bud Cort. ¿Que no la has visto? Pues sinceramente, ¡¡¡no sé qué estás esperando!!!

Si no hay visto alguna de las cintas de Gus Van Sant, simplemente no han experimentado ese denso sentimiento que te dejan sus cintas. Personalmente, he visto sólo un par, no todas, pues no es mi director favorito ni nada. Pero debo decir que “Elephant” es de esos filmes que te marcan en la vida. Por historia, por pausas y por la forma en que el director se encargó de retratar el hecho verídico de Columbine. Ahora, y luego de ya varios años de esa cinta y con varias otras entre medio, el realizador vuelve para entregarnos otra de sus extrañas, sencillas y atmosféricas producciones. Esta vez, se mete en el mundo de las enfermedades y el riesgo inminente de muerte, además del amor entre dos jóvenes que se conocen en extrañas circunstancias. ¿Les suena bien? A mí, sí, además que el tráiler está muy bonito.

La cinta lleva por título “Restless” y se encuentra protagonizada por Mia Wasikowska y el joven Henry Hopper. En cuanto a trame se refiere, la cinta nos cuenta una triste y a la vez conmovedora historia entre dos adolescentes. Ella, tiene una enfermedad terminal y él se esmera en conocerla. Ambos tienen un cierto gusto y obsesión con la muerte, lo cual los lleva a , de vez en cuando, meterse en funerales ajenos, donde no están invitados. Ahí se conocen. Sin duda esta cinta, que mezcla varios tópicos como lo son el conocimiento, amor, muerte, tiempo y varias otras cosas; será una película para reflexionar y con varios momentos reflexivos extensos. Realmente una apuesta bastante interesante.

El estreno de “Restless” está presupuestado para el 28 de enero de 2011 en los cines estadounidenses y, estoy seguro, se demorará más en llegar a nuestros cines locales. Tengo la esperanza de que se estrene en festivales o si en sus ciudades hay lo que por acá conocemos como “Cines Arte”, donde estrenan este tipo de cintos que no son del todo mainstream.

Vía y Foto: TalkingFilms

¿Ven los rostros que se presentan en la imagen de arriba? Señoras y señores, queridos lectores, les presento a los directores que Summit Entertainment considera como candidatos para dirigir la última entrega —- las últimas dos películas —- de la historia de amor adolescente humana/vampiro, “The Twilight Saga: Breaking Dawn”. Quien iba a imaginar que la productora pensaría en directores como: Sofia Coppola, Gus Van Sant y Bill Condon para cerrar con broche de oro la franquicia.

De acuerdo con ScreenRant, Summit no ha querido dar declaraciones al respecto; tampoco los representantes de Coppola, ni Condon. Gus Van Sant es el único que ha confirmado el acercamiento de la productora con la propuesta. Claro que hay que considerar que Melissa Rosenberg aún se encuentra trabajando en el guión adaptado de la novela, elemento que podrían estar esperando los cineastas para tomar una decisión.

Personalmente creo que Summit Entertainment está pensando en grande. Tenemos a tres cineastas nominados a los Oscars —- dos de ellos en la terna de Mejor Dirección —-, cada uno con su estilo particular de narrar historias. Si me preguntan a quién me imagino tomando el control de “The Twilight Saga: Breaking Dawn”, tendría que responder que a Sofia Coppola; podría resultar algo interesante —- aunque dudo que llegue a ocurrir —-. No me extrañaría que en algunos días se manejaran otros nombres para el puesto de director.

Mientras esperamos una confirmación —- o más nombres en la lista de deseos —- les pregunto:

Vía: Collider | Foto: ScreenRant

Siempre dije que Hugh Jackman sería el próximo Cary Grant. Ya saben: carismático, multifacético, apuesto… Tuve la oportunidad de “enfrentarlo” y decirle en entrevista para “X-Men Origins: Wolverine”: “Estoy completamente de acuerdo que tú puedes ser el Cary Grant del milenio”. Abrió sus hermosos ojos azules, exclamó “wow!” y, acto seguido, se sonrojó.

Si algún día yo hubiera imaginado que cualquiera de los filmes protagonizados por Grant se produjera nuevamente, Jackman sería buena elección para representarlo o, por lo menos, no habría pensado en Will Smith. Sin embargo, hay rumores de que el remake de la cinta “Sospecha”, de Alfred Hitchcock, será realizada en estas fechas y protagonizada por este moreno, que también tiene lo suyo.

La “sospechada” nueva version de la cinta que se estrenó en 1941, aún no contempla ni director ni coprotagonista femenina. Este papel corrió a cargo de Joan Fontaine, como Lina, la ingenua y adinerada chica de anteojos, que es seducida por el galante casanova, Johnnie –Cary Grant–, de quien, a su vez, desconfía, pues cree que quiere asesinarla. Se dice también que Smith fungirá como productor.

Ahora veo que el protagonista y reproducir ese delator y luminoso vaso de leche será lo de menos, y posiblemente este sea un antojo del señor Smith en memoria de este clásico de la intriga. Lo que podría perturbarme es la gran dimensión del compromiso a la hora de elegir quien lo dirija, ya que hubo un intento por parte de Gus Van Sant en la obra del maestro del suspenso y, quizá, uno de sus más emblemáticos filmes de Hitchcock, “Psicosis”, cuyos resultados en la nueva versión fueron altamente devastadores para quienes admiramos a Sir Alfred. Estoy aterrada.

Vía: Coming Soon | Foto: No Solo HD

El ganar un premio Oscar no determina la perdurabilidad y la calidad a una película. Películas que han gozado de innovaciones, grandes actuaciones y magníficos procesos creativos han sucumbido ante productos medianamente bien realizados que han sido del gusto de los miembros de la Academia. ¿Ustedes han sentido el sentimiento de frustración, cuando la película que creén que merece ganar pierde ante otra que no lo merecía? Bueno, me ha pasado en diversas ocasiones en los últimos años:

“The Hours” (Stephen Daldry, 2002)

Cuando en el 2002, “The Hours” pierde ante “Chicago”, fue un insulto a mi razón. En primer lugar, esta cinta es un duelo interpretativo entre tres grandes actrices: Meryl Streep, Nicole Kidman y Julianne Moore. Un elenco secundario perfectamente sincronizado con la entereza de estas actrices. [Stephen Daldry con elegancia y aplomo sostiene una película que media la vida y la muerte con una sensibilidad tan grata vista desde una producción bien cuidada.

El score de Phillip Glass te envuelve y lleva por lo más recóndito de la vida de Virginia Wolf; las tribulaciones de una mujer casada en los ciencuentas; y el peso de la sociedad actual ante una mujer que gozó su juventud y que en su vida adulta se ha dedicado a cuidar a su mejor amigo infectado por VIH. Adaptación de la novela de Michael Cunninghamm, “The Hours” es un pedazo de plena vida en poco menos de dos horas.

“Milk” (Gus Van Sant, 2008)

Hace un año, la favorita de la noche “Slumdog Millionaire” vence a “Milk”, en un tiempo que políticamente se están discutiendo los derechos civiles de personas homosexuales a lo largo del mundo.

Lo que consigue Gus Van Sant es imprimir su forma de hacer cine a un relato que resulta interesante en todo momento. “Milk” es, pues, una obra de calidad estimable. Pero lo que más sorprende es que si hace unos 5 años alguien hubiera dicho que Sean Penn sería capaz de crear un personaje totalmente ameno, no lo hubiera creído. No es porque no lo considere un actor de calidad —-creo que es de los mejores de su generación—- sino porque comparando sus otros papeles o incluso sus apariciones públicas me parece increíble que lo lograra —-y de gran manera—-.

El guión está bien elaborado, al igual que sus aspectos técnicos desde una original banda sonora a cargo de Danny Elfman así como un excelente montaje y fotografía. La fuerte crítica que realiza Gus Van Sant a la homofobia y a la doble moral norteamericana es excelente, presentando a los opositores de Milk, propulsores de la Propuesta 6 con material extraído de filmotecas, presentando a los verdaderos personajes sin necesidad de ser interpretados por actores.

“Lost in Translation” (Sofía Coppola, 2003)

Con todo respeto, quiero dejar en claro mi desacuerdo de que “The Lord of the Rings: The Return of the King” ganara mejor película en el 2003 —-siempre he creído que esta trilogía es una serie sobrevalorada—-. Sin embargo, ese mismo año es en que la gente deja de ver a Sofía Coppola como sólo la hija de Francis Ford Coppola, sino que comienza a verla como una verdadera cineasta.

La obra maestra de Sofia Coppola va más allá de lo simple. Plasma en imágenes lo intangible, lo inexpresable, lo que todo el mundo siente pero pocos saben expresar. Una cabeza apoyada en un hombro una madrugada cualquiera en una ciudad lejos de todo lo cotidiano; una complicidad subterránea que se va forjando de manera invisible, un amor de los que no se olvidan. Unas frases de karaoke que esconden un esplendoroso mensaje de amor; dos personas corriendo de noche por la ciudad. Fuegos artificiales en una discoteca; pistolas lasers en medio de un callejón, recreativas que encierran un mundo noctámbulo.

Y en su momento más hermoso es un encuentro fortuito: una lágrima cayendo por una mejilla; un abrazo apasionado; unas palabras susurradas al oído, una sonrisa, una despedida, unas miradas desgarradoras. Unas vidas encontradas.

“Little Miss Sunshine” (Jonathan Dayton - Valerie Faris, 2006)

Es muy raro que la Academia premie a comedias y es por eso que el premio de “The Departed” sobre “Little Miss Sunshine” no resultó tan sorpresivo. Sin embargo esta comedia retoma el ingenio y la sátira de una manera correcta y bien estructurada, sin necesidad de chistes escatológicos, reforzados en las actitudes y talento de un cast maravilloso.

“Little Miss Sunshine” es un canto a la diferencia, al ser uno mismo y no tener complejos; al saber disfrutar de nuestras limitaciones y aprovecharlas. Es un canto a la vida. Además de una comedia cínica con un reparto de lujo, que emociona y saca lo más bonito de todos nosotros. La galería de personajes que forma la disparatada familia protagonista es excelente. Mezcla perfectamente lo cómico con lo dramático, lo freak con lo cotidiano, lo absurdo con lo profundo.

¿”The Hurt Locker” (Kathryn Bigelow, 2010)?

¿Sucumbirá “The Hurt Locker” ante la fastuosa “Avatar”? Esperemos que este año sopese más la calidad que la cantidad ofertada por el señor Cameron. A mi personal criterio una cosa es segura, “Avatar” no es la mejor película. “The Hurt Locker” ha conquistado la crítica unánimemente, y aunque no la he visto todavía, respondo por ella como una respuesta a la guerra en Iraq. Y cualquier película que ejemplifique el horror que produce esta pugna, es digna de una mención honorífica.

Foto Actores: Upi |
Poster “The Hours”: Sight Awards |
Poster “Milk”: Opal Films | Poster “Lost in Translation”: Art | Poster “Little Miss Sunshine”: Real Critic | Poster “The Hurt Locker”: Fotogramas

Uwe Boll quiere ser un director digno, y lo mismo se presenta con su reinterpretación de Un día de furia a lo Gus Van Sant, que se cuelga la cámara al hombro y nos sorprende con su visión del genocidio en el continente africano. Lamentablemente, todo lo que hace sigue desprendiendo un tufillo a serie B sin encanto, a pesar de que haya sectores de la crítica deseando encumbrarle como un genio en un acto de transgresión que se ve a leguas.

Pero ojo, no quiero decir con esto que no le vaya a dar una oportunidad, para eso estoy aquí. Al igual que Manuel Galea, aún tengo ciertas esperanzas en Rampage, y casi puedo decir que me ha gustado el tráiler de The final storm, ese que tienes un poquito más abajo. Antes, te aviso: se trata de una cinta de tintes bíblicos sobre el fin de los días protagonizada por Luke Perry (Lástima que Boll no sea precisamente Tarantino) en el papel de un profeta que llega a una granja para anunciar a una de las últimas familias que quedan la llegada del apocalipsis.

Si has llegado hasta aquí, incluso después de haber observado con cuidado el póster de la película, ya no te puedes echar atrás. El tráiler:

Vía y foto: AFM 09: LUKE PERRY IS THE PROPHET OF THE COMING APOCALYPSE IN UWE BOLL’S THE LAST STORM

Si el titular te parece jugoso, sigue leyendo. En 2008, Vanity Fair publicó The golden suicides, un artículo que no pasó desapercibido para los productores de Lionsgate. Los protagonistas de la foto, un matrimonio bien relacionado en los círculos artísticos (ella, Theresa Duncan, era diseñadora de videojuegos, y había dirigido alguna película. A Jeremy Blake se refieren tan solo como un artista), comenzaron a mostrar un comportamiento caótico y extraño. Se quejaban a menudo de la persecución que sufrían por la Iglesia de la Cienciología, exigían a sus amigos juramentos de lealtad… Esta fase de enajenación terminó como no podía ser de otra manera: ambos acabaron con su vida. Ella se ayudó de un bote de pastillas. Él se dejó llevar por la corriente del mar.

Lo que Gus Van Sant y Brett Easton Ellis (American Psycho, Menos que cero) pueden hacer con un material como este puede ser, simplemente, brutal. Nos queda cruzar los dedos para que el director americano se involucre en este proyecto más allá de la escritura del guión. Tal vez así podremos disfrutar de una cinta al nivel de Elephant o Paranoid Park, con el morbo añadido de ver que aporta Ellis a un relato decadente y psicótico (de esos que le sientan tan bien).

Vía: Gus Van Sant and Bret Easton Ellis Team to Write Suicide Film | Foto: Vanity Fair

Si alguien me habla de una película y me dice que, bueno, es un cruce entre Donnie Darko y los últimos trabajos de Gus Van Sant, lo menos que puedo hacer es escucharle. Si acto seguido me dice que es una película española, posiblemente arquee la ceja en un acto involuntario, y no me quede más remedio que decirle: demuéstramelo.

Contra todo pronóstico, tenemos la prueba en forma de tráiler: tres minutos maravillosos rodados por Marçal Forés en catalán e inglés, subtitulados al español. Lamentablemente, no hay apenas información disponible acerca de este proyecto, así que espero que disfrutes de cada segundo como lo he hecho yo… Es todo lo que tenemos por el momento.

Vía y foto: This robot bear is rad! Promo teaser for Spanish scifi/fantasy flick ANIMALS

El próximo viernes 10 de julio se estrena “Paranoid Park”, de Gus Van Sant, en los cines españoles. Y se estrena con bastante retraso, ya que esta película es de 2007 y anterior, por tanto, a “Mi nombre es Harvey Milk”, filme con el que Van Sant recuperó el favor unánime de crítica y público. Con “Paranoid Park”, el director da nuevas vueltas de tuerca en torno a un universo habitual en su filmografía: el de los adolescentes y los pasillos de instituto. La estética, sin ir más lejos, recuerda mucho a las de otros títulos suyos, como “Elephant” o “Last days”.

En “Paranoid Park”, Alex (Gabe Nevins) es un adolescente aficionado al monopatín que mata accidentalmente a un guardia de seguridad en los alrededores de Paranoid Park, un conflictivo parque público de Portland. Sin embargo, él decide no comentar nada a nadie… cargando a cuestas con su conciencia.

La película es una adaptación de la novela homónima de Blake Nelson y en su reparto, además de Gabe Nevins, están Taylor Momsen (actriz que poco después se haría muy popular interpretando a Jenny en la serie “Gossip girl”) y Lauren McKinney. De cara a conseguir actores adolescentes no profesionales, Van Sant realizó un casting mediante Myspace. “Creo que eso sería lo que haría cualquier agencia a la hora de seleccionar a actores de esa edad, especialmente ahora que MySpace está tan extendido, así que lo hicimos a su manera, intentado usar todos los elementos a nuestro alcance para que jóvenes no profesionales pudieran llegar a actuar en el proyecto”, ha comentado el director de “El indomable Will Hunting”.

Via y foto: Avalon

Actor principal y de reparto. Actriz principal y de reparto. Tocan los directores. Cinco elegidos por su excelencia en la narrativa cinematográfica. Nunca llueve a gusto de todos, y algunos quitarían o pondrían nombres, pero no cabe duda que sus realizaciones son todas comprometidas y la delicadeza y pasión son las banderas con las que navegan.

Una fábula generacional sobre la vida y la muerte. Un combate dialéctico-político por la verdad. Una odisea por los derechos civiles más básicos. Un relato de vergüenza y arrepentimiento teñido de amor imposible. Un cuento de superación vital y consecución del amor.

Los nominados, analizados después del salto, al Oscar a mejor dirección son…

David Fincher, por El curioso caso de Benjamin Button

Pro: Fincher es considerado desde hace tiempo como un genio absoluto, pero nunca había realizado una obra que escapase de los límites del cine de género hasta llegar al corazón del gran público. Maneja la épica con maestría, con academicismo pero con un innegable toque personal.

Contra: puede haber más ocasiones para dárselo. Su película no ha terminado de cuajar en Estados Unidos dado su largo metraje y el poso de tristeza que deja ese viaje mágico-generacional.

Ron Howard, por El desafío: Frost contra Nixon

Pro: Howard, normalmente un resolutivo y anodino realizador que contenta a productores y espectadores carentes por completo de exigencias, realiza quizás su trabajo más comprometido, aunque de innegable inofensividad al final. Su trabajo es fuerte y eficaz. Está muy asentado en Hollywood.

Contra: ya tiene dos Oscar (“afortunadamente” el mismo año), y dados con un calzador exageradamente grande. Tiene oficio, pero para de contar. Da 8 de cal por una de arena, y es una proporción demasiado turbia. Su película es buena, pero no tanto.

Gus Van Sant, por Mi nombre es Harvey Milk

Pro: es un cineasta comprometido, reconocido internacionalmente por la comunidad cinematográfica, que ha sabido remangarse la camisa y salir del laberinto onanístico narrativo en el que estaba inmerso para utilizar su lenguaje en términos más asequibles y así hacer llegar un mensaje importante con calidad y cualidad.

Contra: esto mismo está visto por un sector de la crítica como un chaqueterismo barato, y ha sido muy criticado por ello. Su trabajo es preciso, pero el mensaje político es lo que menos quiere escuchar una audiencia hoy día, por bien que se lo cuenten. Es comprometido, y nadie quiere comprometerse.

Stephen Daldry, por El Lector

Pro: el realizador británico es infalible. Película que hace, nominación al canto. Sólo Fincher le compite en sensibilidad rodando. Su película podría haber sido un drama más sobre nazis y judíos con un leve toque picantón en otras manos, pero Daldry se las ingenia para sacar a la superficie toda la tormenta emocional en detalle que sufren los personajes.

Contra: su anterior película, Las Horas, era un trabajo más completo y preciso si cabe. Por mucho que Daldry se esfuerce, la película sigue siendo presa de los espacios comunes por los que transita. Sin duda existe la noción general que, al igual que su protagonista, tarde o temprano dará en el clavo y se lo llevará, pero su trabajo no es redondo.

Danny Boyle, por Slumdog Millionaire

Pro: su trabajo de dirección saca un libreto muy bien construido pero plagado de tópicos al grado de excelencia. En un año de crisis, Boyle ha dado justo lo que la gente pide: buen rollo. Y además, fiel a su imprescindible toque personal, es buen rollo muy fresco, dinámico y moderno. Boyle ha sido un corredor de fondo, ha hecho y posiblemente haga el cine que le de la gana, y eso implica que es probable que se aleje del cine mayoritario y por lo tanto sea difícil premiarlo en el futuro. Se ha llevado todos los premios habidos y por haber en las categorías de dirección por esta cinta.

Contra: tiene muy poco en contra. Al igual que le pasaba a Rourke o Cruz, el pasado filmográfico de Boyle es muy poco académico, pero este es el año de los olvidados. Su película no deja de ser una americanada muy chula revestida de bollywood, con un clímax y happy end hiperalmibarados, por mucho que la maestría de Boyle, un visionario imaginador visual, sublimen el fondo de la película.

Voten, voten, que es gratis, queda poco, y hasta el momento no han dado ninguna sorpresa, damas y caballeros….

Milk, dirigida por el independiente Gus Van Sant, con guión de Dustin Lance Black y comandada por Sean Penn, nos cuenta la historia real de Harvey Milk, el primer hombre abiertamente homosexual que obtuvo en Estados Unidos un alto cargo de responsabilidad política en 1978 en la ciudad de San Francisco. Su lucha imparable por la igualdad civil de todos los hombres y mujeres, su inspiracional mensaje sobre el triunfo del amor y sus conquistas sociales en base al discurso sobre la tolerancia y la esperanza son un legado vigente que hoy, más que nunca, debe estar en portada.

En lo que es el retorno de Van Sant a una audiencia más generalista, vuelve a contar con Danny Elfman, el compositor que ya le acompañó en sus últimas incursiones en este sentido, la incomprensible Psycho y la excelente El indomable Will Hunting. Y parece que el compositor retoma el testigo dejado en ésta última, lo amplía y potencia en esta Milk, una partitura emotiva, contenida y colorida.

Alejado de lo que vendría a ser el sonido burtoniano, Elfman desarrolla lo que podríamos llamar entonces un sonido van-santiano, es decir, orquestraciones mínimos, leves atonalidades, texturas mixtas entre electrónica, violines, alguna guitarra y piano, viéndose en este caso aomplificadas por ciertos aportes jazzisticos, con ese saxo que asoma en los main titles.

Quizás como resumen de lo que ha venido siendo su año, Elfman no teme usar esas referencias a lo Glass que ya practicó en S.O.P., esos ritmos progresivos minimalistas, y se atreve definitivamente a incluir sus tan conocidos coros de voces infantiles, que otorgan inocencia y epicidad cuasi religiosa a la música.

Es casi al final de la partitura donde encontramos el bello tema que describe el fatal día de Milk, el 17 Harvey’s Last Day, que por contra es, como el resto de la composición, solemne y esperanzador, como aquello que decía el mismo protagonista, y es que hay que dar esperanza, porque sin ella no merece la pena vivir. O morir.

La mejor composición de Elfman en mucho tiempo, mucho pero mucho tiempo, y sin duda una de las mejores del año, a falta de escuchar título punteros por venir, se desmarca por su carácter épico a escala humana, por ser melancólica, juguetona, ecléctica pero coherente, compacta y arrolladoramente preciosista. Y más que nada es Elfman, del bueno, del puro y duro, el que recoge todas las trazas que le caracterizan a lo largo de una incomparable y fructífera carrera y es capaz de casarlas sin que descuadren nada del conjunto.

Puede sonar a Oscar si lo agitan. Nadie negará que el bueno de Danny se lo merece como pocos.

PUNTUACIÓN: 8.5 / 10

LO MEJOR: Su solemne épica.

LO PEOR: Quizás un tema principal más potente, pero tiene una serie de compases terriblemente identificatorios y diferenciadores que pueden funcionar a ese nivel.

TRACKLIST:
1. Harvey’s Theme 1 (01:11)
2. Main Titles (03:06)
3. Harvey’s Will (01:41)
4. The Castro (00:59)
5. The Kiss (00:45)
6. Politics Is Theater (03:15)
7. New Hope (01:46)
8. Harvey Wins (00:31)
9. Proposition 6 (01:25)
10. Repealed Rights (01:03)
11. Gay Rights Now! (02:20)
12. Dog Poo (00:25)
13. Vote Passes (00:53)
14. Briggs Pushing (00:44)
15. The Debates (02:48)
16. Weepy Donuts (00:52)
17. Harvey’s Last Day (03:11)
18. Give ‘Em Hope (04:42)
19. Postscript (02:03)
20. Harvey’s Theme 2 (01:00)
21. Anita’s Theme (00:52)
22. Main Titles Sax Solo (02:32)

De su rodaje, que se está llevando a cabo estos días en la bella ciudad de San Francisco, han aparecido estas fotos que podéis encontrar en /Film. Yo me he limitado a juntar dos fotografías, para poder que podáis comparar al auténtico Harvey y al perfectamente caracterizado personaje que interpreta Sean.

Para los que no conozcan la historia de este personaje (entre los que me incluyo), diré que Harvey Milk fue, en el año 1977, el primer gay en recibir un cargo político, al ser elegido concejal del distrito 5 de dicha ciudad. Lamentablemente, a penas un año después, fue cosido a balazos, junto al alcalde George Mascone, por el concejal conservador Dan White.

Por último, mencionar que hay un documental de 1984 que ganó el Oscar, titulado The Times of Harvey Milk. Y que según parece, también existe un proyecto idéntico de Bryan Singer, pero parece que está bastante parado.

El film se estrenará en los Estados Unidos en marzo.

Enlace: MovieWeb