El universo de Hong Sang-soo es un universo desublimado. Hay protagonistas desgarrados, que en otros films coparían el protagonismo y trasladarían su dolor a la composición del plano, de modo que todo su sufrimiento está en el personaje y se filtra en la imagen. En Hong Sang-soo, este dolor no se intensifica en su proyección en la imagen, sino que se diluye en un universo plagado de ironía, donde enseguida tenemos el punto de vista de otro personaje que le corta las alas al primero. Y así, con el perspectivismo, con la yuxtaposición de puntos de vista, Hong Sang-soo sustituye el dramatismo por la ironía.

Pero el dolor tiene una salida para los personajes: el cine. La escritura o dirección cinematográfica les sirve como catarsis para purgar sus heridas y seguir adelante. Y Hong Sang-soo mezcla hábilmente cine y realidad hasta confundir sobre el estatuto real o ficticio de cada historia, pues admite que toda creación tiene dosis de autobiografía, y es imposible crear sin recurrir a la vida del entorno. Es lo que ocurría en Cuentos de Cine (2003), dividida en dos mitades: la primera es una película, y la segunda la historia del director, donde descubrimos los motivos sentimentales que le han llevado a su rodaje, y a la vez son relativizados a través de la ironía. Un film en dos mitades que, como Vértigo, de Alfred Hitchcock, deconstruye todo el universo creado hasta entonces.

En In another country, la joven coreana llega a la escritura cinematográfica por la desestructuración familiar, y se refugia en él. No obstante, enseguida es relativizada esta ruptura de la unidad familiar, pues bromean sobre la posibilidad de que su padre se haya suicidado. La joven se dedica a escribir tres posibilidades de guiones sobre unos mismos personajes y una misma situación. Y así, Hong Sang-soo nos muestra todas las posibilidades que nos ofrece el entorno a la hora de iniciar la creación. Y la joven lo hace de tres maneras, que parten de la llegada de Anne, una directora francesa interpretada por Isabelle Huppert, a Corea del sur.

En cada historia, el personaje parte de una situación diferente: en la primera, ella llega soltera a Corea, en la segunda con su marido, y en la tercera viuda, buscando consuelo en el país oriental. Y en todas se verá envuelta en una aventura amorosa con un socorrista. Aquí entra en juego uno de los elementos más recurrentes del director: la repetición, que Hong Sang-soo utiliza para demostrar nuestra fijación a un determinado modelo de vida, a una rutina que nos obliga a realizar una sucesión de comportamientos similares y reduce nuestra posibilidad de innovación, al cohibir la introducción de nuevos gestos. Y esta repetición, que funda nuestro sistema de vida, es la que produce lo cómico, al revelar lo inconsistente de la vida.

Pero en esta repetición con variaciones se muestra también una esperanza: la visión del mundo como una baraja de posibilidades, la vivencia de un presente lleno de opciones que poder tomar. Hong Sang-soo critica nuestra proyección de ideales, que aborta nuestro presente y nos hace tomar el camino más apagado de vivir. De ahí que cada historia se rehaga con diferentes posibilidades, aunque todas ellas parten de los mismos elementos semánticos, pues la realidad es el fondo común que el cine transforma.

Para afrontar el mundo desde el presente, es preciso otro modo de relación con el entorno. De ahí la actuación antinatural de Isabelle Huppert, su relación primera con las cosas, sin prejuicios, que le lleva a una vivencia más directa con la realidad. Mientras tanto, el resto de personajes están encorsetados por prejuicios y rutinas de vida.

Hong Sang-soo sigue con su estilo aparentemente descuidado, con violentos zooms que encuadran lo que le interesa, bruscos travellings y sin encuadres bien compuestos, pero esto otorga una frescura y una ironía al universo que retrata. En esta forma es imposible la sublimación del drama, sólo es posible el reino de la ironía. De ahí que el monje que intenta aconsejar un cambio de vida a Anne se vea como alguien tan terrenal como cualquier otro personaje, y de hecho se sugiera una relación sexual con la dueña de la casa que acoge a Anne.

Todo es relativización de sufrimiento, y así Hong Sang-soo construye una obra tan irónica que es imposible resistirse a la carcajada sonora. Esta relativización está presente en toda conversación, como la que mantiene Anne con el marido de la chica embarazada:
- Quiero hacer una película sobre esta zona.
- ¿Por qué?
- Porque la gente ha sufrido mucho.
- ¿Por qué ha sufrido mucho la gente?
- En realidad, nunca me lo he preguntado. Espero descubrirlo haciendo la película.

Ser o no ser, es lo que Shakespeare nos plantea desde Hamlet. Y ser o no ser es lo que Resnais nos plantea 400 años después en Vous n´avez encoré rien vu. Y es que el actor es un ser escindido: es y no es, es actor y personaje, ficción y realidad, vida y obra, en un mismo momento. En un mismo presente, tiene dos posibilidades, que desarrolla simultáneamente, y que sirven como catarsis. Y eso ocurre en el film de Resnais: los actores se contagian del personaje y luchan todo el metraje por su fusión.

La obra parte de la muerte de un director teatral, que cita a las grandes estrellas de las tablas francesas para interpretar la obra de Jean Anouilh, Eurídice. Así, Vous n´avez encoré rien vu se convierte en toda una declaración de amor hacia las grandes figuras del teatro francés, entre las que se encuentran Michel Piccoli, Mathieu Amalric, Lambert Wilson, Sabine Azéma y Anne Cosigny.

Eurídice, enamorada de Orfeo, es raptada por Aristeo el día de su boda, y Orfeo debe descender a los infiernos a buscarla. Orfeo logra liberarla, pero la condición de su liberación es la imposibilidad de mirarla directamente a los ojos, de modo que deben salir del infierno espalda con espalda. Resnais trata de narrar esta obra de forma no realista, siguiendo la vía de su cine iniciada por L´année dernière à Marienbad (El año pasado en Marienbad).

La obra desarrolla el teatro dentro del cine, pues los personajes interpretan toda la obra en el film. Pero a la vez, el cine dentro del teatro, pues todos los actores asisten a una proyección de una representación de Eurídice filmada. De este modo, Resnais analiza las relaciones entre cine y teatro, admitiendo la capacidad del teatro para connotar elementos extraños a la narración, fingiendo que un lugar es tal lugar, o que un objeto es tal objeto, aunque sea lo contrario, mientras que el cine ofrece una mayor impresión de realidad, tal y como señala Christian Metz, pues la presencia radical de los actores en el teatro impide una continuidad de la obra representada con la realidad vivida, y se antoja como constructo.

Pero Resnais intenta quebrar estas capacidades diferentes de cada arte, para lo que recurre a espacios inverosímiles, que parecen quebrar el pacto de verosimilitud pero que cobran coherencia por la continuidad que ofrece la obra representada de Eurídice. De hecho, todos los espacios están construidos con croma, dando apariencia de teatralidad y falsedad a los escenarios. Así, en el cine se puede apostar por la ruptura de espacios, que en el cine narrativo se desarrolla menos por temor a parecer inverosímil.

Asimismo, Resnais utiliza varios actores para interpretar el mismo papel, pues todos los grandes actores franceses han encarnado a Eurídice o a Orfeo. Con esto trata de señalar que los grandes relatos míticos, como Eurídice, forman parte del patrimonio cultural, y son una forma de cohesión social. Todos los actores están conectador por haber interpretado el mismo papel, tienen una íntima unión entre ellos, como todos los individuos de la cultura occidental están emparentados por compartir los grandes mitos, desde Grecia hasta el cristianismo.

Ahora bien, a la obra se le puede reprochar un exceso de duración o una desconexión del público, que pueden llevar al no funcionamiento de la estrategia narrativa. El texto es muy interesante, porque la obra en la que se basa es magistral, pero puede no interesar a gran parte de los espectadores la propuesta de Resnais. Interesante, aunque algo fallida, da gusto ver que un señor de 89 años sigue haciendo cine y continuando con sus rupturas propias de la modernidad.

Fotos: Tout le cinéma

Otra de las favoritas para ganar la Palma de Oro, junto a Kiarostami o Haneke, es la esparadísima obra del director canadiense David Cronenberg, Cosmópolis. Una obra en la que parece volver a la senda habitual de su filmografía, abandonada en sus últimas tres películas por un mayor realismo, y que han llegado de forma más mayoritaria al público: A History of Violence (Una Historia de Violencia), Eastern Promises (Promesas del Este) y A Dangerous Method (Un método peligroso). Así, los fans acérrimos del David Cronenberg de siempre están de enhorabuena, y esperan ansiosamente el nuevo estreno.

Además, Cronenberg parte de la novela de uno de los escritores más arriesgados de EEUU, Don deLillo, lo que todavía ha generado una mayor intriga acerca del resultado de la conjunción de dos mentes que siempre quiebran convenciones. La obra se ha presentado un día después que The paperboy, de Lee Daniels, y que Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas.

Cosmópolis narra un día en la vida de un millionario en su rumbo por Manhattan, mientras la ciudad se encuentra sumida en un caos financiero, colmada de manifestantes como ocurrió este mismo año con el movimiento Occupy Wall Street. Denuncia la sumisión del ser humano al dinero, pues llega a fundar una relación del individuo con el mundo basada en la transformación de los sujetos en objetos. Del mismo modo, la obra denuncia la evaporación de la producción en finanzas, de modo que el capitalismo se vuelve incorpóreo, inmaterial y, por ello, volátil y falso. Cronenberg, obsesionado con el tema, escribió el guión en 6 días:

Es un tema importante, y que nunca había tratado realmente: el dinero. El poder del dinero, la forma en que configura el mundo. Para hablar de este tema, no he necesitado realizar investigaciones concretas sobre el mundo de las finanzas. Podemos ver a sus representantes por todas partes.

La obra cuenta con un casting impresionante, y va a suponer una prueba de fuego para demostrar la capacidad interpretativa de la estrella británica Robert Pattinson, que encarna al millonario desalmado. Pero no hace sombra al resto de participantes, entre los que encontramos a la francesa Juliette Binoche, Paul Giamatti y Mathieu Amalric.

En la rueda de prensa, Cronenberg ha hablado de su concepción del cine y su aplicación en Cosmópolis:

Los últimos veintidós minutos de esta película son como una pieza de teatro. Es como si la película tuviera un cortometraje. La cámara se acerca y luego se aleja del actor. En mi opinión, la esencia del cine es lo que dice el rostro de un ser humano. De regreso en mi caravana, miro las tomas, la iluminación… Me fijo en todos los detalles. Hacer esta película no fue fácil.

La película se sustenta en el personaje interpretado por Robert Pattinson, del que habla Cronenberg:

Sería muy fácil decir que el personaje de Robert es una especie de vampiro que chupa la sangre de Wall Street. Pero un actor no puede encarnar algo abstracto. Es un personaje auténtico, que tiene un pasado. Cosmopolis evoca el espectro del capitalismo. Prácticamente cito el manifiesto de Karl Marx.

Robert Pattinson habló también sobre la preparación del personaje:

Pasé dos semanas encerrado en la habitación del hotel, preocupado, no sabía muy bien qué hacer. Fui a hablar de la película con David y él me dijo: “¡Comencemos y ya veremos!”. No es posible preparar este personaje como lo haría con otro. El guión me gustó porque era lírico, parecía que estuviéramos entonando una canción. Presentamos un mundo que no tiene sentido y que debe ser purificado.

Y también habló sobre su colaboración con Cronenberg:

David se ausenta a menudo para verificar lo que hemos filmado. Habitualmente, los directores nos hacen preguntas y se cansan. David nos escucha. Se fija en todo. ¡Tienes que permanecer atento cuando trabajas con él!

Cronenberg lleva una trayectoria fundada en un concepto que ha roto los esquemas de representación audiovisual: la nueva carne. Se trata de una nueva forma de relación del individuo con el cuerpo, que se funda en el masoquismo y en la deformación. Es la forma más extrema de protesta, y la única que queda, cuando el sistema impide la libertad de acto. Si el ser humano no puede modificar el entorno, se modifica a sí mismo, y cada agujero que se perfora, cada deformación que se realiza, se convierte en un acto de protesta y en una reivindicación de la libertad. En este concepto entran películas como La mosca, o Existenz. Pero a estos temas también añade la locura, muy presente en la vida familiar del director, y que irrumpe con fuerza en Videodrome. Con Cosmópolis parece regresar el Cronenberg más radical.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

Ayer se estrenó la película francesa más bizarra del festival. Se trata de la nueva obra es Leos Carax, un director que invierte años en cada película, y que en esta ocasión nos trae Holy Motors, una obra de ciencia ficción que narra las 24 horas de Monsier Oscar, interpretado por Denis Lavant, que cambia de cara y vive diferentes vida. Así, realiza vida de ejecutivo, de mendigo, de asesino, de padre de familia, de monstruo… Todo ello en la búsqueda del acto verdaderamente bello, y acompañado por una rubia despampanante que le ayuda a desplazarse por todo París. Se presenta el mismo día que On the road, de Walter Salles, y Sueño y silencio, de Jaime Rosales.

Monsier Oscar es un actor que actúa sin cámaras ni escenografía, un ser que desarrolla las múltiples posibilidades vitales de todo ser humano. Sartre decía que la angustia del hombre es la absoluta libertad que posee para elegir, pues la incertidumbre nos acongoja. Para Monsieur Oscar, la libertad es su única posible forma de vida, y la transmutación, su rutina diaria. Sin duda la más extraña obra del festival y la que más polémica ha generado, cuenta entre su casting con singulares figuras como Kylie Minogue, Eva Mendes o Michel Piccoli.

En la rueda de prensa, el director ha hablado, con su personal lenguaje, de las referencias explícitas al cine que colman la película, y que han servido para realizar una definición sobre el cine:

Odio el término referencia. El cine es como una isla, una isla hermosa, con un gran cementerio. Cuando se hace una película, se hace cine”

En una conferencia de prensa al alimón, Carax y Lavant han hablado sobre la relación de la película con el público. Leos concibe las películas como una relación directa entre espectador y obra:

Me importa que me vean. ¿Gustar? Con que a una persona le guste, ya me daré por satisfecho (…). No me gustan las películas públicas, yo hago películas privadas.

El actor, Denis Lavant, ha precisado esta opinión:

La relación del cineasta con el público es una relación privada, una relación de un individuo con otro individuo, no con una masa anónima.

Leos Carax regresa al cine tras 4 años de silencio. Es un director personal, con escasas películas en su haber y con problemas de financiación, pues quiere reflejar su personal universo sin traicionarse y no encuentra productores. De ahí la distancia entre película y película. Su obra más célebre es Les Amants du Pont Neuf (Los amantes del Pont Neuf), una historia de amor sobre dos mendigos en el puente parisino.

Fotos: Página Oficial de Cannes

Ayer, Cannes bullía de estrellas y expectación. Y es que la adaptación de uno de los libros clave de la historia de la literatura estadounidense, que ha marcado generaciones de jóvenes desde los años cincuenta, era presentada en el Festival. On the road (En el camino), obra clave de la generación Beat, llevaba tiempo buscando una versión fílmica, y la responsabilidad ha caído en el brasileño Walter Salles. Se ha presentado el mismo día que Sueño y silencio, de Jaime Rosales.

La obra y la película narran el viaje en coche por todo EEUU de las figuras más relevantes de la generación beat en los años cincuenta, en lo que supone un viaje iniciático de desenfreno, y también de conocimiento. Un viaje exterior que supone un viaje interior, un autoconcimiento. Se trata de un cántico al descubrimiento, la gran epopeya de la época moderna en EEUU, cuando aún es posible la aventura en el seno del país, pues la civilización no ha cultivado todo. Una huída de la modernidad a lo más indómito de la naturaleza y a lo más primitivo.

Y debido a la relevancia de las figuras retratadas, el casting ha sido muy cuidado. Así, importantes figuras como Kerouac, Burroughs o Ginsberg son interpretados por un plantel de jóvenes celebridades del star-system hollywoodiense: Garret Hedlund, Sam Riley y Kristen Stewart… Pero también encontramos actores más consolidados, como Viggo Mortensen o Kirsten Dunst. Walter Salles habla de la importancia de esta elección en la rueda de prensa:

Para mí, los actores son coautores de la película. Fuimos más allá del libro haciendo todo lo posible por conservar su esencia. Queríamos trabajar con un espíritu de improvisación permanente.

Walter Salles lleva un tiempo pensando en realizar la adaptación, como ha señalado en la rueda de prensa:

Nos tomó ochos años hacer esta película. Incluso pensamos en hacer un documental para utilizarlo como base. La historia es más bien la de la época anterior a la Beat Generation. Cuenta el despertar político y social de dos jóvenes que descubren una geografía humana de la cual no sabían nada.

Viggo Mortensen habló de la pertinencia de la adaptación, pues ve en sus conflictos la época contemporánea:

Leí el libro nuevamente para hacer la película y me di cuenta de que es muy actual. Hoy en día, también vemos cierto rechazo por parte de los jóvenes hacia la crisis económica y hacia las autoridades. Creo que era el momento oportuno para lanzar la película. Las personas de mi generación, que probablemente releen el libro con algo de nostalgia, y también los jóvenes, se identifican con la época, con lo que sucedió. Lo que me gusta del libro es la extraordinaria libertad de interpretación que ofrece. Walter hizo algo nuevo con los personajes, no se limitó a hacer una copia idéntica.

Y Kristen Stewart habló sobre su personaje Marylou:

Me gusta mucho el personaje de Marylou. Tiene una personalidad muy fuerte y lo que dice es pertinente. No es una rebelde, es ella misma. Su prioridad es ser humana. Para mí, ella encarna el espíritu del libro. Cuando tenía dudas sobre el rodaje, realmente sentía su presencia.

Walter Salles es el realizador por excelencia de Road Movies, tras el retrato de los viajes del Che en Diarios de motocicleta, o Estación central Brasil (1995). Sus personajes siempre buscan su identidad en el viaje, en la salida de la seguridad del hogar. Como él mismo parece hacer, pues su carrera se ha desarrollado por diferentes países, como Brasil, Argentina y EEUU.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

Abbas Kiarostami radicaliza sus propuestas narrativas. O mejor dicho, radicaliza sus propuestas no narrativas, porque despoja a la historia de todo ornamento hasta dejar un esquema esencial, apenas un esbozo, que se quiebra antes del estallido del conflicto. Porque la película de Kiarostami contiene lo que otras contendrían en 15 minutos.

Like someone in love, de momento la propuesta más experimental del festival, narra la relación entre una joven call-girl japonesa (Rin Takanashi), que recurre a la prostitución para pagar sus estudios, con un anciano (Tadashi Okuno) que demanda sus servicios y la protege de la furia de su novio dominante (Ryo Kase). Y nada más, todo está podado de giros narrativos, es una historia sencilla, pero que permite fijarse mejor en su desarrollo.

Todo está narrado en tiempo real. Apenas hay una elipsis, en la noche en la que ambos comparten cama (no sabemos si se acuestan o no, pero no importa). Y el resto son paseos en tiempo real por Japón, y en coche, como siempre en Kiarostami. Ese coche que ofrece protección y aventura a partes iguales, un espacio de intimidad en un entorno abierto. El coche le sirve al director para lograr el recogimiento necesario para la expresión de la emoción y la confidencia, tal y como observamos en El sabor de las cerezas, película con la que obtuvo una Palma de Oro en 1997.

Como suele ocurrir en su filmografía, el film comienza in media res, en un bar con música jazz donde se relaciona la joven con el chulo. Pero no conocemos sus intenciones hasta la mitad de la película. Y es que Kiarostami quiere evitar juicios morales del espectador sobre el personaje: el personaje irrumpe con gestos y acciones incomprendidas por el espectador, y sólo con el paso del tiempo lo iremos aprehendiendo, pero al principio es una tormenta de incertidumbre.

Todo está surcado por el sonido del teléfono, que impide el contacto real entre los personajes. La mediación electrónica parece abortar el diálogo, y más en una sociedad ultratecnológica como la japonesa. Y aquí entra quizá una de las mayores innovaciones del film, en un momento que supone todo un avance del lenguaje cinematográfico. La call-girl escucha todos los mensajes del contestador en el taxi y, mientras observa el Japón que se cuela por la ventanilla, escuchamos la voz de su abuela, abandonada por la chica, que le ha mandado varios mensajes al móvil para tratar de quedar con ella. Kiarostami narra todo el pasado de la joven sin mostrarlo, en una brutal elusión de información que nos llega indirectamente a través de la voz del contestador. Magistral escena, quizá la más arriesgada del film.

Como la palabra está mediada por los medios electrónicos, sólo queda la mirada. Porque los films de Kiarostami son siempre films sobre la mirada. De ahí que la call-girl ausculte el salón del anciano, pues a través de la mirada de su decoración logra desentrañar su psicología. Y de ahí también los paseos en coche, que sirven para disminuir la subjetividad del ocupante del vehículo y colmar el yo con el exterior. El exterior entra en sus personajes a través de la observación, los personajes se convierten en nadies, en puras miradas que tratan de adivinar el caos del mundo, y que no logran desentrañar totalmente.

Como el film de Haneke, de nuevo aborda el tema del encierro. Ante el mundo inabarcable, queda el hogar, tan esencial para el personaje del anciano. El hogar y el coche. Pero ese encierro tiene sitiadores. Así, Kiarostami plantea el conflicto entre el aislamiento del mundo a través de la electrónica y el conocimiento, o la salida a él, pese a incurrir en momentos duros, como la prostitución de la joven.

Todo ello sin final ni comienzo: comienza in media res y termina donde otra desarrollaría el nudo de la narración. Un presente continuo es lo que desarrolla en el film, de ahí que los personajes se equivoquen en su camino en coche y rectifiquen o haya desvíos que parezcan aportar poco a la narración. Y es que no hay narración, sólo presente que se actualiza, con todas las posibilidades que ello aporta para el personaje, con toda la libertad que les ofrece. Importa el proceso, no la llegada, la vida, y no los objetivos. El tiempo en presente, con todas las opciones vitales por delante. Y como consecuencia, la mirada, pues para mirar (mirar como sinónimo de conocer, y no ver únicamente, que es sobrevivir), hay que abortar pasado y futuro.

Todo este mundo de opciones que se condensa magníficamente en un plano típico de Kiarostami y que aquí lleva a las últimas consecuencias: el plano de los personajes en el coche desde fuera, con el espejo reflejando el cielo. Así, en un plano, que es un instante, la vida interior y exterior se funden, cielo y tierra, sujeto y mundo. Ése es el cine de Kiarostami, un cine de la vida. Como decía Godard, el cine comienza con los Lumière y termina con Kiarostami. Y tiene razón: la destrucción de la narración que proyecta finales se ha desmoronado, y sólo queda la vivencia de un presente que la mirada permite conocer mejor.

Fotos: Anomalous Material

Filmar el dolor siempre ha sido difícil. ¿Dónde reflejarlo, en los personajes o en la composición del plano? Eso es lo que se ha planteado Jaime Rosales en su última película, Sueño y silencio, presentada esta mañana en la Quincena de realizadores de Cannes, un día después de la presentación de las obras de Andrew Dominik y Ken Loach. Partiendo de un argumento arquetípico, un matrimonio burgués que pierde a su hija en un accidente de coche, Rosales ha creado una sutil obra sobre la necesidad de pasar el duelo, que casi es el despertar a la lucidez.

De hecho, el duelo permite una progresión en la relación de los personajes con el entorno, que en el film se muestra a través de una degradación de la geometría en favor de líneas orgánicas y onduladas. Al comienzo, la familia parece apresada por la rutina burguesa, de modo que los planos están cerrados por marcos de puerta u objetos que oprimen a los personajes, y dominan las líneas rectas y los planos interiores. El hogar burgués, que se desploma por los personajes. Tras la superación del duelo, los personajes se sumergen en los parques, en la calle, e incluso en el mar, en un bello plano silencioso en el que caminan sobre las aguas, superando el tsunami anterior. Domina la ondulación de las olas del mar, lo árboles azotados por el viento y celebrando la vivencia de la presencia de la hija. El dolor estalla en curvas.

El accidente de coche se elude totalmente, porque le interesan los efectos del dolor, no la causa. De ahí la desorientación del espectador cuando asiste al plano más largo y formidable del film: el entierro de la niña, en el que se muestra el proceso de cierre de la tumba completo. El trabajo mecánico, con el ruido del motor del coche que trae la tumba, domina sobre la emoción, deshumanizando totalmente el momento. Y es que aquí el dolor es tal, que la cámara debe alejarse, y no se atreve a irrumpir en la intimidad. Y por encima, un avión, pura mecánica, que interrumpe el sepulcral silencio del cementerio.

En Sueño y Silencio, Rosales logra consolidar su sistema formal. En su filmografía se notaba un anhelo de experimentación, en busca de una forma en la que encontrarse cómodo, tal y como vemos en las conversaciones mostradas en un mismo plano dividido en La soledad (2005), con un rostro de frente y otro rostro de perfil. Pero en Sueño y Silencio, al fin lleva su elección formal hasta sus últimas consecuencias, mostrando una clara herencia del cine de Antonioni.

Toda la película se engarza a través de planos secuencias, y normalmente fijos, y con una gran precisión en su elección, normalmente frontales a los actores y mostrando un gran respeto por sus emociones, y que pueden mostrar a través de sus gestos gracias a la gran duración de cada plano.

Un blanco y negro elegantísimo domina toda la cinta, otorgando un gran intimismo a la obra. Solamente se rompe esta escala de grises en dos momentos: en el plano final, donde asistimos al proceso creativo de Miquel Barceló (mientras dibuja crucifixiones, dando cuenta del duelo superado por la familia), y en un plano dentro del coche, aludiendo así al accidente de coche eludido en la filmación. En la conversación con el público al final del film, Rosales ha comentado que la elección del único plano coloreado se debe a la intuición, a una necesidad de mostrar una esperanza y una trascendencia dentro del dolor en el que transitan los personajes.

En esta conversación, ha desvelado su proceso creativo: él desdobla la puesta en escena en dos momentos. Por un lado, la distribución de los actores en el decorado, de la que se encarga el propio Rosales; por otro lado, la elección del encuadre, que delega al operador de cámara. De ahí que encuadre y personaje no coincidan, y haya fragmentos de cuerpos deslavazados, pues hay una improvisación en el seno del trabajo que generan aire dentro del cuidado formal del film. Además, la irrupción de cuerpos cortados por el encuadre muestra que la vida transita más allá de los límites de la pantalla, que la vida está ahí y después llegó el encuadre.

Una vida que se dispersa y proyecta por todo cuando la rigidez de los encuadres se desploma. Y esto ocurre al final, cuando una cámara volátil se pasea, junto a paseantes espontáneos que miran a cámara (no parecen ser extras) por el parque Buttes Chaumont, de París, y todos los matrimonios con hijos se dan a la vida cotidiana. Por allí pasea una respetuosa cámara de Jaime Rosales que, en dos planos magistrales, asciende hasta la cima para luego descender y filmar el bienestar que provoca la definitiva superación del duelo. Fundido en negro, y el color de la obra de Miquel Barceló zanja todo el dolor. Un dolor transitado por el silencio, que después, en su superación, deviene en ensoñación.

Fotos: Fotogramas

Ken Loach sigue añadiendo más pinceladas a ese gran fresco de las clases bajas inglesas que lleva realizando desde el comienzo de su filmografía. The Angel´s Share, su última obra presentada hoy en Cannes, continúa con la línea de realismo crítico que teje toda su carrera, aunque en este caso centra su interés en la economía sumergida. Y como Lawless, de John Hillcoat, parte de la apertura de una destilería ilegal por parte de un joven escocés, presionado por el paro y la falta de dinero. Y es que la economía sumergida parece ser una de las pocas salidas para evitar la crisis económica.

El guión de la película ha sido escrito por su colaborador habitual, Paul Laverty, que lleva junto a Loach desde Carla´s Song (1995). En la rueda de prensa, el guionista ha dado ideas acerca de la difícil situación de Escocia:

La idea era mostrar que a pesar del desempleo, a pesar de la crisis, los jóvenes se proyectan hacia el futuro y tienen el deseo de hacer algo con sus vidas.

Por su parte, el director Ken Loach ha hablado sobre la censura en la película:

Sólo pudimos usar algunas palabrotas. En realidad, sólo pudimos conservar las que no eran agresivas. Tuvimos que cubrir las otras. El problema es que la clase media británica está obsesionada con las palabrotas.

Ken Loach es una figura mitica del cine británico, siempre infiltrándose en los problemas cotidianos que causa el capitalismo y sus crisis en la clase obrera. Paradigma del realismo social, entre sus obra de denuncia destaca Raining Stones (Lloviendo piedras). Tambien ha realizado obras recuperando la memoria histórica, como Tierra y libertad, ambientada en la guerra civil espagnola y adoptando un punto de vista trotskista del conflicto (denuncia la purga comunista del partido trostskista POUM), y The wind that Shakes the Barley (El viento que agita la cebada), Palma de Oro en 2006.

Y llegados al ecuador del festival, considero que es necesario realizar un breve repaso de las películas presentadas hasta ahora en la Sección Oficial. Para ello, transcribo las notas medias de todas las películas, resultado de las votaciones de los críticos internacionales más prestigiosos y que se publica en la revista Screen. Esta revista se reparte gratuitamente cada mañana en Cannes, y el público siempre pasa rápidamente a la última página, donde están publicadas las votaciones. Son las siguientes:

Moonrise Kingdom: 2,6
Rust & Bone: 2,9
After the battle: 1,5
Reality: 1,9
Paradise:love: 1,5
Lawless: 1,7
Beyond the hills: 3,3
Love: 3,3
The hunt: 2,9
Vous n´avez encoré rien vu: 2,6
Like someone in love: 2,4
In another country: 2

Fotoz: Pagina Oficial de Cannes

La narración se basa en una novela de George V. Higgin, y en la rueda de prensa Dominik ha hablado de la elección de la obra:

Me parece que los personajes de la novela de George V. Higgin, Cogan’s Trade, son formidables. Se trata de un libro que describe la criminalidad. Pero cuando comencé a adaptarlo, me di cuenta que también explicaba la historia de una crisis económica, la del capitalismo. Es una historia eterna.

Andrew Dominik trata de mostrar que la crisis también ha hecho estragos en el lado oscuro del capitalismo, en la economía sumergida protegida por la mafia. Y para ello, recurre a un estilo cartoon y exagera la violencia y la intriga para lograr retratar la ridiculez que engendra esta decadencia. Y es que el mismo director afirma que ”el cine no es un medio para contar historias, es un medio para superar traumatismos”. Con esto anuncia una película llena de acción y violencia, de la que habló en la rueda de prensa:

Me gusta la violencia en las películas. ¿Cómo mostrar los dramas sino es con violencia? Los cuentos de Grimm son violentos pero difunden un mensaje a los niños. Es un poco lo que hace Killing Them Softly. En la película, los personajes saben qué matar puede entrañar un sentimiento de culpa. Así que intentan que la violencia sea indolora. Desean que sea lo menos cruel posible para sus víctimas”.

También habló sobre los personajes y su único afán monetario, que llega desbordarlos:

Son personajes típicos de las películas criminales, pero tienen un lado cómico. El personaje de Brad Pitt piensa que el mundo en el que vivimos es producto de la selección natural.

Y Brad Pitt también habló sobre el personaje que encarna:

Jackie Cogan intenta asesinar con precisión, para que no sea demasiado doloroso para su víctima, que debe morir pase lo que pase. Este último punto tiene que ver con el business, que no tiene por qué tener piedad.

Andrew Dominik se hico célebre con su gran western El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, una película de casi 3 horas de duración con un tono melancólico y poético muy diferente de la violencia que impregna Killing them softly. Recoge la historia del bandido Jesse James, un aventurero que es incapaz de adaptarse a una sociedad que ya empezaba a asentar los límites de la propiedad privada.

Fotos: Pagina Oficial del Festival de Cannes

No, de Pablo Larraín

El sábado fue presentada en la Quincena de realizadores No, del chileno Pablo Larraín, en la que participa el conocido actor mexicano Gael García Bernal. La película aborda el referéndum celebrado para iniciar la transición entre la dictadura de Augusto Pinochet y la democracia en 1989 en Chile, y de ahí el contundente No del título, el No lanzado por el pueblo contra la continuación de la dictadura. El No que obtuvo el 55 % de los votos de la población.

La película, basada en una obra del escritor chileno Antonio Skármeta, narra la preparación de la campaña por unos jóvenes opositores al régimen, encabezados por el publicista René Saavedra, encarnado por Gael. Para su filmación, Larraín utilizó cámaras de la época, generando así una confusión entre las imágenes de archivo y las rodadas. Ha sido acogida con grandes aplausos por parte de la crítica del festival. Pablo Larraín es un cineasta comprometido con la historia de su país, y en su filmografía ha abordado diferentes etapas de la dictadura de Pinochet, como en su último trabajo, Post-morten (2010), sobre los días previos al golpe de Estado de 1973.

Elefante Blanco, de Pablo Trapero

El mismo compromiso encontramos en la nueva obra del argentino Pablo Trapero, Elefante Blanco, presentada en la sección Un certain Regard el mismo día que las obras de Kiarostami, Resnais y Hong Sang-soo. El film cuenta con los clásicos de su cine: Ricardo Darín, la estrella del cine argentino, y su mujer Martina Gusman, que ya participó en su anterior película presentada en el festival en 2010, Carancho. Pero también cuenta con uno de los actores fetiches de los hermanos Dardenne, Jérémie Renier, conocido por su aparición en obras como La Promesse (La Promessa) o L´enfant (El niño), Palma de Oro 2005. Además, Trapero presenta un episodio del film colectivo 7 días en la Habana, un fresco de la ciudad cubana realizado por varios realizadores como Benicio del Toro o Julio Medem.

En Elefante Blanco, dos sacerdotes prestan servicios a un poblado de chabolas situado en los alrededores de Buenos Aires, pero pronto comienzan a dudar sobre la efectividad de su trabajo en cuanto a resultados producidos en el deprimido entorno. El argumento plantea varias formas de afrontar el compromiso social: a través de la Iglesia, cuestionado por Géronimo (Jérémie Renier), directamente, o a través de la política, defendido por Julián (Ricardo Darín). Y entonces aparecerá una abogada atea que hará tambalear todos los principios que guiaban la vida de ambos sacerdotes.

Trapero es un cineasta de la emoción, busca captar el reflejo de los hechos externos en la vida interior de los personajes, como ocurre en Carancho o Leonera. Lo repite constantemente en la rueda de prensa de presentación de su film:

Me gustan las películas que cambian mi punto de vista, que me emocionan, por los sentimientos que provocan o por su temática. En todos los casos, valoro la capacidad de una película para emocionarme (…). Espero que la película Elefante blanco sea capaz de emocionar, que los espectadores se sientan implicados, los espectadores de muchos países, los críticos de cine y los curiosos.

3, de Pablo Stoll

De tono más psicológico, el uruguayo Pablo Stoll ha presentado película en la Quincena de realizadores. Contrariamente al número de obras dirigidas (éste es su cuarto proyecto), el film  se llama 3, pues tres son las historias que se cruzan en el film. Tres personajes, encarnados por Sara Bessio, Humberto de Vargas y Anaclara Ferreyra Palfy, que son tres naufragios familiares, tratan de rehacer su vida mediante el establecimiento de nuevos lazos de familia, de los que habían renegado. Pablo contó a la agencia EFE el origen del proyecto: *”La idea original es que mis padres se divorciaron cuando tenía ocho años y viví toda mi vida con ellos separados y la idea sería pensar qué pasaría si algún día mi padre decide volver a mi casa”.

Pablo Stoll ha recordado que durante el rodaje del proyecto murió el que fue su guionista y colaborador en sus tres películas anteriores, Juan Pablo Rebella. Entre su haber se encuentran 25 Watts (2001), sobre la vida ociosa de varios personajes y rodada en blanco y negro y con bajo presupuesto, siguiendo las influencias de Richard Linklater y Jim Jarmusch; Whisky (2004) e Hiroshima (2009), basada en un relato de Mario Levrero.

Fotos: Página Oficial de la Quincena de realizadores

España cuenta con El Cid, Francia con La Canción de Roldán, Noruega con Las Sagas, etc. Pero Estados Unidos carece del verbo con el que otros países fundan su patria, debido, en parte, a su tardía y artificial fundación. Para justificar su comunidad, debieron inventar relatos fundatorios, pero ya no recurrieron a la literatura, sino al cine, para generar sus mitos. De ahí la existencia de géneros cinematográficos: condensan en su campo semántico todos los elementos que justifican la existencia de EEUU. Y entre ellos destacan dos: el western, el relato de la conquista, lo más cercano a la Ilíada; y el género de gangsters, el relato del asentamiento, más que la Odisea, quizá lo que ocurriría tras el regreso de Odiseo a Ítaca.

Ambos géneros no suelen darse de forma simultánea, pues el western se genera en épocas de optimismo y el cine de gangsters en épocas de depresión. Quizá ése sea el motivo de que, después de la revitalización del western en los noventa y años 2000 (recordemos Sin Perdón, de Clint Eastwood o Valor de Ley, de los hermanos Coen), vuelva a revitalizarse ahora, en tiempos de crisis, el género gangsters. De ahí la presencia de Andrew Dominik, un de gángsters contemporáneo, y de Lawless, de John Hillcoat, presentada el mismo día que la obra del rumano Mungiu.

Lawless juega conscientemente con los mitos del asentamiento de EEUU, en concreto el relato del nacimiento de la mafia debido a la prohibición de venta de alcohol en los años veinte, a través de la fundación de una destilería ilegal por los tres hermanos Bondurant. Para ello, parte de unos personajes arquetípicos que carecen de toda profundidad psicológica, porque lo que le interesa al director es recoger las figuras que encarnan el mito: de ahí los hermanos rudos (Shia LaBeouf, Tom Hardy), la camarera con aires de femme fatale (Jessica Chastain), la joven ingenua (Mia Wasikowska). Y su objetivo es deconstruir ese mito, haciendo cada vez menos heroicos a unos personajes que se querían protagonistas de un relato fundador.

No obstante, el problema del film es que no llega a generar una mitificación de los espacios. En las primeras secuencias recorre todos los espacios que configuran la vida de EEUU en los años veinte: la Iglesia baptista, la taberna, la destilería de whisky. Pero la rápida sucesión de planos impide una auscultación del espacio para generar un mito que destruir, todo se disuelve en el fragmentarismo.

Los personajes sí que inician un camino de evolución, de modo que su esquematismo se va resquebrajando, pero aún así, no ganan en suficiente complejidad psicológica como para desmontar el mito. Por ejemplo, de los tres hermanos, el mediano carece de volumen. Y la mafia contraria sigue con los clichés de maldad, todo está observado desde el punto de vista reduccionista de la familia heroica. Es más interesante la evolución del hermano mayor y del menor: el rudo hermano mayor (Tom Hardy) termina refugiándose en el hogar, y el menor (Shia Labeouf) adquiere el anterior espíritu aventurero de su hermano mayor. Aún así, la escasa duración de los planos apenas dejan respirar a los personajes para su desarrollo.

El film termina destruyendo el mito en un epílogo que asusta por la exaltación de los valores más conservadores del país: el hogar, la familia unida, etc. Pero es un epílogo que sirve como contrapunto al heroísmo anterior: ahora los hermanos son simplemente dueños de una granja, una clase media con un pasado mítico, como el del propio país, que ya no recuerda a sus antiguos héroes y recurre a antihéroes. Es una película sobre la incapacidad actual del país para generar nuevos mitos, pues una vez conocido todo el espacio, ya sólo queda la inercia de los relatos fundatorios, representados sin fin en los géneros cinematográficos.

Lawless desmonta lo que no pudo montar en su comienzo, de modo que el film se sostiene por el conocimiento del espectador de los elementos del cine de gánsters. Aún así, es un film totalmente disfrutable, entretenido, y con una ambientación muy lograda, pues se respira la época en cada vestuario, en cada decorado, incluso en el tono mortecino de los planos. Y Jessica Chastain le da el toque de color, que aparece en una memorable escena de desnudo, quizá una de las escenas más bellas del film. No es justificable su presencia en Cannes, que quizá se deba a la necesidad de la presencia de estrellas en el festival, como Jessica Chastain. En todo caso, el público disfrutará del metraje, y es recomendable si eres fiel espectador al cine de gángsters.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

En Cannes se concentran las tres edades del hombre, pues encontramos desde los más precoces, como Xavier Dolan, que con 23 años ya tiene varias películas en su haber, hasta los más veteranos, creadores de una filmografía que ha influenciado la marcha de la historia del cine. Es el caso de Alain Resnais, un cineasta clave de la Rive Gauche, un movimiento paralelo a la Nouvelle Vague francesa de los años sesenta, que a sus 89 años ha presentado un nuevo film en Cannes, el mismo día que Hong Sang-soo o Kiarostami.

Se trata de Vous n´avez encore rien vu (Todavía no habéis visto nada), que en su título esconde toda una declaración de intenciones sobre el vitalismo que todavía destila este reputado director. En la rueda de prensa, el director explicó la génesis del título:

Se deslizó solo en la sala de montaje, primero lo dijimos como una broma y se convirtió en un proverbio entre el responsable del montaje, Hervé de Luze, y yo. Y luego fue escrito en las cajas, el laboratorio nos envió las etiquetas y lo adoptamos. Pero no teníamos ninguna intención.

Vous n´avez encore rien vu trata de analizar la interrelación entre cine y teatro. Un director de escena convoca, tras su muerte y a través de un testamento, a una serie de actores para poner en escena la obra Eurídice, de Kean Anouilh. La película de Resnais se convierte en una declaración de amor al oficio del teatro, y para ello incluye en su reparto a algunos de los intérpretes franceses más explosivos, como Michel Piccoli, Mathieu Amalric y Lambert Wilson. Anny Dupperey, una de las actrices, comenta el trabajo de rodaje:

Estábamos al servicio de Jean Anouilh, del teatro, de la belleza. Aunque me esperaba a una gran dosis de virtuosismo cuando vi la película, no pensé que fuese a emocionarme tanto. Todo el virtuosismo estaba al servicio de la emoción. Ha sido un trabajo maravilloso.

Resnais es el cineasta por excelencia de la memoria. Casi toda su obra cinematográfica versa sobre la necesidad de conservación del recuerdo y su influencia directa en el presente. Ha abordado la memoria histórica en dos obras clave: en el documental Nuit et Brouillard (Noche y Niebla), uno de las primeras obras audiovisuales sobre el holocausto; y en Hiroshima mon amour, un film con guión de Marguerite Duras y que aborda las huellas del holocausto en dos seres humanos que buscan la salvación a través del amor.

Pero quizá su obra culmen, y una de las cimas del surrealismo en el cine, sea L´année dernière à Marienbad (El año pasado en Marienbad), donde el señor X trata de convencer a la señora A para que abandone a su marido M, pero ella no recuerda la promesa realizada el año pasado en en Marienbad. Toda la obra transcurre en un hotel barroco y trata de construir unas relaciones temporales y espaciales propias del sueño. Aquí el recuerdo linda con el onirismo, pues el pasado se convierte en algo tal lejano e irreal como una visión en la duermevela.

Con más de 60 años de carrera cinematográfica, su última etapa tampoco carece de interés, incluyendo el musical de canción francesa On Connait la Chanson, o Les Herbes Folles, estrenada en España hace unos meses. Pero Vous n´avez encore rien vu no supone el final, como afirma en la rueda de prensa:

No pienso en términos de mi carrera. Soy un improvisador. Esta película no se parece a ninguna. Si hubiese pensado en la película como en un testamento, no habría tenido ni la audacia ni la energía para hacerla.

Fotos: Página Oficial de Cannes

Abbas Kiarostami prosigue con su viaje por espacios y contextos de la incomunicación, tras una filmografía dedicada a radiografiar la situación de su país natal, Irán. En su última película, Certified Copy (Copia Certificada) visitábamos la Toscana a través de dos turistas de diferentes nacionalidades. La ambigüedad tiñe todo el metraje, pues no logramos averiguar si ambos personajes, con dificultades para comunicarse entre sí, son una pareja en crisis o acaban de conocerse. Y esta difícil comunicación se repite en su última obra, Like Someone in Love, ambientada en Japón y presentada hoy en Cannes, el mismo día en que el surcoreano Hong Sang-soo presentó su obra con Isabelle Huppert, In another country. Parte como una de las favoritas para ganar la Palma de Oro.

Kiarostami vuelve a historias sencillas, pues no requiere de trama, sino de emociones y realidades, para construir su cine. En este caso se sirve del pretexto del amor entre joven y viejo: una joven japonesa debe prostituirse para pagar sus estudios y conoce a un anciano que le tratará con una dulzura inesperada. Eligió Japón porque admite no ver reflejado en su cine contemporáneo lo que le interesa, mientras que el país ofrece una realidad perfecta para el marco de sus obras:

Lo único que no lograba percibir era el alma y la emoción de esas películas, percibía un pálido reflejo del cine Hollywood. Tal vez no he visto las películas japonesas actuales buenas, pero lo que he visto no me ha gustado.

Una obra minoritaria y que ha encontrado problemas de financiación, tal y como ha señalado el productor en la rueda de prensa:

Encontré dos soluciones para financiar la película: primero el Ministerio de la cultura, y, como soy coleccionista, vendí una obra de Yves Klein.

Mucho se debate sobre la relevancia real del cine iraní en el panorama contemporáneo, pero no podemos dudar de que entre sus exponentes se encuentra una figura de primer orden mundial, Abbas Kiarostami. Y es que si realizamos una historia del cine como progreso de las formas, Kiarostami se encuentra sin duda en la vanguardia. La clave de su cine es abortar la narración, de modo que todos los planos dejan de proyectarse hacia el final y se alimentan a sí mismo. Todo plano en Kiarostami es exaltación del puro presente, pues no condensa ninguna intriga ni ningún progreso narrativo. Su última obra no tiene final, tal y como señaló en la rueda de prensa:

Mi película no empieza y no termina. La vida es así. Nunca llegamos al comienzo, las cosas siempre comienzan antes.

Las consecuencias de esta condensación del tiempo en el plano es de orden cognitivo: la realidad es apresada de forma diferente. Como La fontaine (La fuente) de Marcel Duchamp, el urinario descontextualizado, nos permite observar de modo diferente un objeto cotidiano (el personaje de Certified Copy habla sobre el poder de esta obra dadaísta), Kiarostami nos permite aproximarnos a los objetos por sí mismos, sin que se conviertan en un medio de la narración hacia un fin. Y una vez despojado el fin, la frontera entre ficción y documental se diluye. De ahí el uso del metacine y que una de sus obras cumbre, El viento nos llevará (1999), trate sobre la llegada de un equipo de rodaje a un pequeño pueblo iraní.

Esta aproximación al documental se debe también al naturalismo que busca en sus narraciones, recurriendo en numerosas ocasiones al plano sostenido que permite al personaje expresarse en el fluir del tiempo y que emerjan gestos poco cinematográficos. Un método naturalista que también se cuela en la dirección de actores, tal y como señala Tadashi Okuno, el actor que encarna al protagonista de Like Someone in Love:

No recibimos el guión, era la primera vez que algo así me sucedía. Abbas Kiarostami nos dijo que no teníamos que actuar, que debíamos ser naturales. Seguramente por eso es más sencillo para él trabajar con un actor como yo que no sé hacer gran cosa.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

Hong Sang-soo ha asumido el ritmo frenético de producción de otros directores como Woody Allen o los hermanos Coen, y nos trae de nuevo su película anual al Festival de Cannes. En esta ocasión, está acompañado por la actriz francesa Isabelle Huppert, que también parece adquirir el mismo ritmo de trabajo, pues ayer presentó junto a Haneke la esperada Amour. De hecho, es la propia actriz, que siempre encarna seres desgarrados y hundidos, pues admite sentirse cómoda en ellos, fue la que llamó al director surcoreano para participar en su nuevo proyecto.

In Another Country (En otro país) continúa con su temática predilecta: la relación entre cine y vida. Una joven que huye con su madre de su hogar por problemas económicos decide escribir un guión protagonizado por tres mujeres llamadas Anne, y después, esas tres mujeres irrumpirán en su vida en el hotel en el que escribe el guión. Sigue así la estela de confusión entre ficción y realidad, como vimos en su obra más celebrada, Cuentos de cine (2003), dividida en dos mitades: la primera es una obra cinematográfica y la segunda narra la insatisfecha vida del director del mediometraje primero. Y ambas mitades se interrelacionan entre sí sin fin.

Isabelle Huppert, la actriz que encarna a las tres Annes, ha hablado en la rueda de prensa sobre el trabajo de rodaje del film:

La aventura fue una especie de encantamiento para mí. Me fui sola sin saber lo que iba a suceder. Hong Sangsoo trabaja de una forma muy particular, sin guión. Solo sabía que interpretaría tres papeles. Abandoné Francia con estos únicos datos y algunos vestidos. El cine de Hong Sangsoo no es nada improvisado, al contrario, está extremadamente trabajado, tanto en la forma de filmar como en lo que respecta a lo que pide a los actores. Me sentí muy bien recibida en Corea. He actuado con excelentes actores. Su extrema amabilidad me emocionó profundamente”.

La actriz surcoreana Yu Junsang ha ofrecido un retrato de Huppert, para lograr disociar la personalidad de la actriz francesa de los dramáticos personajes que interpreta:

Trabajar con Isabelle ha sido una felicidad total. Es como una niña: muy alegre. Pero en cuanto comienza el rodaje, se concentra. Y otra vez, cuando la cámara deja de grabar, vuelve a recuperar su alegría. Me daba miedo que se aburriera durante el rodaje, así que le hice visitar los templos budistas”

El cine de Hong Sang-soo es un cine de la conversación, está protagonizado por personajes desorientados que, mientras comen o beben, arreglan y desarreglan sus problemas cotidianos. Y siempre hay un fondo de amarga ironía, pues siempre caen en los mismos errores, aunque están libres dentro del plano. Sus películas tienen apariencia de frescura y descuido, de hecho, realiza numerosos zooms en una época en la que parece estar vedado, sustituido por la sofisticación del travelling. El propio director ha sido preguntado por este uso en la rueda de prensa:

El uso del zoom me permite grabar de lejos y acercarme a los rostros de los actores, lo utilizo para crear un ritmo.

Aparentemente improvisado, evoca el mejor cine del director francés de la Nouvelle Vague Eric Rohmer. Pero su método de trabajo es muy metódico, aunque permite ciertas fugas hacia los accidentes del rodaje: parte de diálogos u ocurrencias que va archivando en un fichero, y que luego une formando un guión completo. Estas idea fragmentarias las desarrolla el mismo día del rodaje, y siempre escribe unas guías del diálogo, pero no lo cierra completamente. De ahí ese aire que respiran sus films, y que tanto ha cautivado a la crítica francesa, que ya la premió en 2010 con el Premio Un Certain Regard por Hahaha.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

El director tailandés de culto de nombre impronunciable, Apichatpong Weerashetakul (sólo el cinéfilo fervoroso logra memorizarlo), ha presentado fuera de documental Hotel Mekong. La obra aborda un concepto que empapa toda la cultura tailandesa, la reencarnación, y para ello retrata dos familias separadas por una frontera natural, el río Mekong, que a su vez funciona como símbolo de la renovación de la vida. Había gran expectación respecto a su presentación, que se realizó el mismo día que otros cineastas como Ulrich Seidl o Matteo Garrone.

El agua, el elemento presocrático más próximo al tiempo, le permite afirmar una concepción temporal diferente a la occidental. Si nuestra cultura está impregnada de la concepción lineal del tiempo, del Cronos basado en la sucesión pasado-presente-futuro, el tiempo en Weerashetakul tiene algo de cíclico, pues en su cine todos los tiempos conviven en un mismo espacio. Y esto lleva a una radical afirmación del presente: en sus planos, pasado, presente y futuro se funden hasta hacer bloquear su diferenciación. A diferencia del cine narrativo de Hollywood, donde el pasado se narra habitualmente en flashbacks, generando una frontera infranqueable entre pasado y presente, Weerashetakul funde ambos tiempos en una misma imagen, como también lo hacía el recién desaparecido director griego Theodoros Angelopoulos en magníficas obras como La mirada de Ulises o La eternidad y Un Día. Y es que no podemos relacionarnos con nuestro presente sin tener en cuenta nuestro camino recorrido (que en el caso tailandés, son sus vidas pasadas).

Así, la reencarnación sirve como medio para fundir, en un mismo instante, todas las vidas pasadas, que a la vez son vidas ajenas. De este modo, presente y pasado, individuo y sociedad, emergen en un mismo plano. De hecho, el propio director exalta el poder de la reencarnación de actualizar el pasado.

No sé si la reencarnación será considerada como algo real, reconocido por la ciencia en el futuro, pero el proceso de hacer que los recuerdos vuelvan es indudablemente parecido al cine.

De hecho, sus personajes, pese a tener una identidad diferente a la asignada socialmente por su existencia contingente, asumen gestos de vidas pasadas, se comportan como poseídos por otras identidades que han vivido, y han dejado su huella en un cuerpo que escapa a su voluntad. El cuerpo es medio de expresión del yo y la sociedad, del presente y del pasado, de ahí que la mujer anciana que aparece en el film devore carne cruda sobre su hija, pues actualiza su vida pasada como animal carnívoro en el presente. Y siempre el río, símbolo de renovación de la vida, de telón de fondo.

Un río que, finalmente, concilia todo: el pasado y el presente. De este modo, en un magistral plano secuencia y totalmente fijo (la cámara no se mueve en ningún instante), un tronco con las raíces al cielo surca el río hasta llegar a la desembocadura, mientras unas lanchas motoras alborotan las aguas a su alrededor. Un tronco que es el pasado cultural de Tailandia, disuelto por una modernidad que es necesaria pero que también desarraiga.

A Weerashakatul debemos una de las filmografías más vanguardistas e innovadoras del cine contemporáneo. En su última obra, Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010), ganadora de la Palma de Oro de Cannes, filmó un género diferente para cada carrete, emulando así al Ulises de James Joyce, donde cada capítulo es un género literario. En su obra trata de integrar la cultura y la religión tailandesas, de modo que accedemos a una realidad espiritualizada, simbólica, donde lo maravilloso y lo cotidiano se dan la mano. Y de ahí que los personajes regresen a la caverna platónica, buscando conciliar mito pasado y desencanto presente.

Del mismo modo, en Tropical Malady (2004), presenta dos historias de amor, una realista, contrapuesta a otra zoofílica, que ronda casi el mito. A través del cine, Apichatpong busca construir un mundo imaginario que de más respuestas que el recurso a la realidad más evidente. Cineasta metafísico, el ritmo pausado y la palabra vertida de forma mesurada hacen que su cine sea de perfecto visionado para las mañanas, pues cambia la concepción del tiempo en el resto del día. De ahí que el madrugar que nos hayamos impuesto los que hemos querido asistir a las sesión de las 9 de la mañana no haya sido molesto.

Fotos: Página oficial de Cannes

Para Matteo Garrone, la realidad se refleja en el cine, pero el cine es mucho más. Para él, la realidad se moldea también respecto al cine, de modo que el mundo se convierte en reflejo del celuloide. Su filmografía es herencia, pero también evolución del neorrealismo italiano, pues si Rossellini buscaba que la realidad emergiese a través del rodaje en bruto de los hechos, accediendo así, a través de las imágenes, a una especie de epifanía, al descubrimiento de una verdad social, Garrone va más allá. Para él, la realidad ya está configurada por el cine en su estructura más interna. Y este tema es el que aborda en Reality, su última obra, presentada en la sección oficial de Cannes esta mañana, tras la acogida ayer de la última película de Audiard.

Reality es una sátira sobre la relación entre la realidad italiana y la televisión, hasta el punto de tratar la vida del país como si de un reality show se tratase. Matteo Garrone ha hablado, en la rueda de prensa, sobre esta interpenetración entre realidad y telerrealidad:

Los programas de televisión evolucionan muy poco en Italia. Nosotros queríamos presentar la televisión como un El dorado, como una especie de paraíso terrenal. Muchas personas consideran que la telerrealidad podrá cambiar su vida, su destino.

El alarmismo no es para menos, en un país donde todas las canales de televisión han dependido de Berlusconi durante años: toda la televisión privada le pertenece, y la pública podía controlarla desde las esferas del poder durante su mandato presidencial. Mediante esta dictadura mediática ha logrado sostenerse en el poder, mostrando en el telediario un orden de caos político, seguido de fútbol y religión, ofreciendo la expiación del espectador ante el desmoronamiento de la realidad.

Esto es lo que busca reflejar Reality: la interacción entre televisión y realidad, que llegan a confundirse en la llamada hiperrealidad desarrollada por el filósofo francés Jean Baudrillard: la realidad es una simulación, más estética de lo que debería ser, pues deviene un reflejo del cine y la televisión. Vivimos en la simulación, configurada por capas de significación procedentes del audiovisual, no en un mundo en bruto.

Esta indiferenciación entre realidad y telerrealidad lleva a una ambigüedad sistemática de la imagen, tanto en espacios como en estética:

Elegimos la ciudad de Nápoles porque en sus lugares conserva una gran contradicción […]. Quisimos darle un aspecto de fábula jugando con la luz y la música. La mayoría de los platós de la película fueron totalmente reconstruidos. La frontera entre la realidad y el sueño es muy sutil en la película.

La crítica coincide en que lo mejor del film es su protagonista, el actor Aniello Arena, que recupera la gran tradición de cómicos italianos como Toto. Pero el actor lleva más de veinte años encerrado en la prisión de alta seguridad de Volterra, en Pisa, y las autoridades ni siquiera le han dado permiso para ir al estreno en Cannes.

Como deudor del neorrealismo, recurre a una estética imperfecta, haciendo del descuido una virtud, pues así logra emerger la realidad. Para ello, recurre a la cámara en mano persiguiendo a sus personajes y el sonido es captado de forma directa. No obstante, también recurre a panorámicas y travellings que revelan el medio social en que se insertan sus personajes marginales, relacionando individuo con contexto.

Es conocido principalmente por Gomorra, que ganó el Gran Premio del Jurado de Cannes de 2008. Se basa en la novela de Roberto Saviano, quien se halla escondido tras ser amenazado y perseguido por la mafia napolitana debido a la publicación de su crítico libro. Garrone buscaba realizar un fresco de la influencia de la mafia en la vida cotidiana de Nápoles, y su película logró poner el libro de actualidad.  No obstante, en los últimos días han aparecido rumores sobre los contactos del director con miembros de la Camorra para poder realizar la película.

Todo cine es un documental, pues hasta la ficción más transparente es, en su esencia, un documental sobre un rodaje. Sobre esta idea, el austriaco Ulrich Seidl pivota toda su filmografía, que se afana en romper las fronteras convencionales entre ambos modos de representación. Él mismo señala su forma de filmar:

Siempre he afirmado que no existían límites entre el documental y la ficción, pero en realidad existen. Sin embargo, siempre he intentado eliminar este límite rodando documentales en los cuales también existían elementos de ficción, o al revés.

En su última película, Paradies Liebe, presentada esta tarde en el Festival de Cannes tras la cálida acogida ayer de la obra de Audiard, busca dinamitar de nuevo estas convenciones genéricas. Para ello, se sirve de un motivo clásico del cine postcolonial: el viaje de turismo sexual a un país subdesarrollado. En el caso de Seidl, tres mujeres viajan a Kenia, y cada una vive un viaje de iniciación totalmente diferente: una busca el amor de Dios, otra busca sexo y la tercera es desvirgada en talasoterapia.

Este tema, tratado por otros cineastas como Laurent Cantet en Dans le Sud (En el sur), en el que dos mujeres viajan al sudeste asiático en busca de sexo, permite desmontar las estrategias de dominación en las que se funda la sociedad occidental respecto al supuesto Tercer Mundo. ¿En esta búsqueda de sexo, el habitante del país descolonizado se transforma en sujeto o todavía es concebido como un objeto productivo, prolongando así la base del colonialismo? ¿La liberación sexual de occidente es tan amplia como se dice, o realmente hay todavía mil cohibiciones que obligan a realizar estos viajes? Si mujeres de avanzada edad deben recurrir a estos viajes clandestinos, es porque algo falla en occidente.

Quizá se trate de lo que dice el filósofo esloveno Slavoj Zizek: la obligación al goce que impone la sociedad contemporánea provoca la neurosis del individuo, incapaz de sumarse al carro del placer. De ahí que deba recurrir a desvíos subterráneos como este viaje. En la rueda de prensa, Ulrich Seidl ha advertido de las causas de esta fuga a países periféricos:

Lo que trato de expresar es más bien el sentimiento de aislamiento, de soledad. Estas mujeres de una determinada edad ya no reciben el amor que necesitan en su país. Y en la película, este deseo de felicidad pasa por la sexualidad. Por otro lado, las relaciones amorosas siempre es algo difícil en la vida. Lo encontramos, lo perdemos, lo buscamos de nuevo y así es toda la vida.

Con Paradies Liebe esta obra, Ulrich Seidl continúa con una filmografía en la que busca revelar ciertas inconsistencias en que se funda la vida occidental. Por ejemplo, en The Last Real Men narra la búsqueda de mujer por varios solteros a través de catálogos de modelos asiáticas. En Animal Love arremete contra la supuesta superioridad del ser humano respecto del animal. En Hundstage, una ola de calor impulsa la inversión de las convenciones sociales, revelando gestos egoístas y bizarros de los personajes. Y Import / Export, la última presentada en Cannes, todo es puro esperpento.

Jacques Audiard ha vuelto a dejar en shock a la sala de espectadores con sus planos como puñetazos. Su cine áspero, social y psicológico a la vez, que trata de acceder a las profundidades del ser, ha cautivado, con su mezcla de dolor y belleza, a los críticos que han asistido al estreno de las 8.30 en el Grand Théâtre Lumière. Y es que De rouille et d´os, su última obra, no es para menos, pues parte de un argumento demoledor: Stéphanie (Marion Cotillard), una domadora de orcas, conoce a Alí (Mattias Schoenaerts), un boxeador retirado y arruinado que debe hacerse cargo de su hijo de 5 años. Stéphanie sufre un accidente que le deja sin piernas y deberá dedicarse para sobrevivir a organizar combates ilegales. Ante ese contexto desolador, dos personajes en crisis sólo se salvan a través de su propia relación. Supone un contrapunto a la comedia Moonrise Kingdom, de Wes Anderson, presentada ayer.

La crítica coincide en que la actuación de Marion Cotillard es devastadora. Con esta obra, parece seguir edificando escalones en su meteórica carrera cinematográfica, que desde su salida al estrellato interpretando a Edith Piaf en La Vie en Rose (La vida en rosa), no ha dejado de crecer. Desde entonces, ha encaminado su carrera hacia obras que logran un perfecto equilibrio entre difusión comercial y autoría, y así ha trabajado con directores de renombre como Woody Allen, Christopher Nolan o Steven Soderbergh. Ahora está preparando su próxima obra con James Grey, director de Two Lovers, y la nueva versión de Batman, de Nolan, y acaba de ser contratada por el iraní Asghar Farhadi, el director de Nader y Sirin (Una separación).

En la rueda de prensa, Marion Cotillard ha hablado de la elección del papel, pues ella siempre es muy selectiva con la selección de sus proyectos:

Cuando leí el guión de Jacques y Thomas, me emocionó la historia. Normalmente, cuando leo una historia, siempre existe una inmensa comprensión del personaje. Sé quién es esa persona. En el caso de Stéphanie, me sumergí a fondo en el personaje y seguía sin saber quién era. Lo comenté con Jacques y me dijo que él tampoco lo sabía y la perspectiva de partir en busca de este personaje con él me entusiasmó.

Asimismo, también ha desvelado secretos de su técnica de actuación para su personaje:

La mayoría del tiempo, ella está en su silla. Después es una cuestión de imaginación. Uno se imagina que no tiene piernas y cuando estaba de pie, hacía falta encontrar algún recurso cinematográfico. También estaba Jacques, que nos decía podríamos imaginar que ella lo olvida y podría levantarse al olvidar que no tiene piernas.

Por su parte, el director Jacques Audiard ha dado detalles sobre los efectos especiales para borrar las piernas de Cotillard del plano:

¡Se las corté! Se trata de una película que no habría podido hacer hace 10 años, era demasiado complicado. Hoy en día, se ponen unas medias verdes y luego se suprime el verde, eso es todo.

Asimismo, también detalla el por qué de la elección del actor francés Matthias Schoenaerts:

Matthias no encaja para nada en mis criterios masculinos. Me gustan más bien los hombres pequeños y me he sorprendido a mí mismo al elegir a este muchacho alto y musculoso. La película trata sobre eso, personajes deformes, en tiempos de crisis, donde la sociedad vive una barbarie, donde se comen los restos que se encuentran en las basuras. Es en ese sentido que se entiende su potencia física. No tiene las palabras pero tiene eso. Y al final, probablemente sabrá utilizar mejor las palabras.

Jacques Audiard siempre realiza un cine de marginados, de seres aplastados por un sistema que no permite resquicio de libertad. Se interesa por las estrategias de supervivencia de estos personajes en situaciones extremas, como ocurría en su obra anterior, Un prophète (Un profeta), un asfixiante drama carcelario protagonizado por un joven árabe que, para salir adelante, debe infiltrarse en la mafia de la prisión. Fue premiado en Cannes en 2009 con el Gran Premio del Jurado.

Pero el día no se ha limitado exclusivamente a Audiard. En la sección oficial, el egipcio Yousry Nasrallah ha presentado Après la bataille (Después de la batalla), la primera obra de ficción cinematográfica que aborda la revolución egipcia del año anterior. La película narra los días siguientes a la participación de Mohamud en las revueltas de la plaza de Tahir, mostrando el progresivo aplastamiento del espíritu liberador por parte del Estado. El director ha hecho hincapié en la necesidad de crear con total libertad, afirmando que “El rechazo a bajar los brazos y a inclinar la cabeza ante la dictadura es la esencia del cine”.

En la sección Un certain Regard, Lou Ye, un cineasta chino que lleva 5 años paralizado a causa de la censura del gobierno de su país, ha presentado Mystery, una obra donde aborda los sucesos de la Plaza de Tiananmen a través del amor de dos estudiantes. Y es que el día de hoy ha sido el de la búsqueda de la libertad por seres cohibidos por un entorno opresor.

El toque más humorístico y luminoso se lo debemos a Michel Gondry, que en La Quincena de realizadores ha presentado el documental The We and The I (Nosotros y Yo), sobre la interacción de jóvenes adolescentes dentro del bus que les lleva a clase el último día del curso. Una obra que indaga sobre las relaciones de grupo que se crean entre seres que todavía no han adquirido las facultades plenas de la convivencia pacífica, revelando así la esencia del espíritu de la pubertad. Ese tránsito entre la inconsciencia y la consciencia, ese despertar al mundo que es sentir el vacío y tratar de colmarlo. Todo ello dirigido con la habitual gracia y absurdez que hacen de cada una de sus películas algo único.

Fotos: Página oficial del Festival

Ayer dio comienzo el Festival Internacional de Cine de Cannes, que se inauguró con la presentación de la nueva película de Wes Anderson, Moonrise Kingdom. Y a falta de claros favoritos, lo mejor es realizar un retrato de grupo del jurado del certamen, que decide quién se va a llevar la Palma de Oro de esta 65 edición. Y así descubrimos que se ha optado por la paridad a la hora de decidir su composición, pues a excepción del presidente, hay una equidad en el reparto de sexos con 4 hombres y 4 mujeres. No obstante, hay una clara tendencia al eurocentrismo, pues 7 de los 9 componentes provienen de países occidentales, por lo que la película premiada podría provenir del llamado mundo desarrollado.

Nanni Moretti

Este director italiano es el presidente del jurado y el referente actual de una cinematografía que, tras la desaparición de los grandes directores de la segunda mitad del s. XX, como Fellini, Antonioni, Visconti o Pasolini, se encuentra en una etapa de menor creatividad. Moretti es un clásico del festival, pues ganó el premio al mejor director con su obra Caro diario (Querido Diario), un film de episodios que radiografía la vida del país. Con él inaugura el género de la autoficción, cultivado en la novela por escritores como Vila-Matas y que consiste en una autobiografía ficcionalizada: el autor de la obra es el protagonista, pero los hechos narrados son ficcionales, por lo que no estamos ante una autobiografía al uso. En 2001 ganó la Palma de Oro del festival con La Stanza del Figlio (La Habitación del Hijo), un drama que narra el desgarro de un matrimonio burgués tras la pérdida de su hijo. El año pasado presentó Habemus Papam, calificada por la crítica de poco arriesgada, pero que, vista desde una óptica cristiana, deviene bastante revolucionaria.

Sus películas oscilan entre la ironía y el drama, y suele analizar el panorama político, por lo que la ganadora de este año podría dirigir su mirada hacia la actualidad político-social: ¿Quizá opte por Abbas Kiarostami, Jacques Audiard, Ken Loach o Matteo Garrone? En la Conferencia de prensa de esta tarde, Moretti ya ha avisado de su modus operandi: ”Vamos a reunirnos cada dos días para hablar de cuatro películas que hayamos visto. Vamos a ver veintidós películas y nuestras sensibilidades individuales se van a enfrentar indudablemente. Yo seré como un director de clase. Lo importante es ver todas las películas con la misma voluntad y el mismo respeto”.

Ewan McGregor

El popular actor británico, encumbrado tras protagonizar las primeras obras de Danny Boyle, entre las que destaca Trainspotting, no ha dejado de ascender hacia la fama tras protagonizar películas de gran difusión como el musical postmoderno Moulin Rouge o participar a las órdenes de directores de renombre, como Woody Allen en Cassandra´s Dream (El sueño de Cassandra) y Roman Polanski en The Ghost Writer (El Escritor). En la votación, puede decantarse por las películas independientes estadounidenses, como The paperboy, de Lee Daniels.

Alexander Payne

Director estadounidense que, en obras como Sideways (Entre Copas) o  The Descendents (Los descendientes) aborda, con tono cómico y absurdo, los dramas cotidianos de la clase media del país. Puede abogar por obras intimistas, como Another Country, de Hong Sang Soo, o de corte cómico, como Moonrise Kingdom.

Jean Paul Gaultier

El célebre diseñador francés, presente en el mundo de la alta costura desde 1976, ha elaborado el vestuario de cantantes como Madonna o Marilyn Manson y se ha encargado del diseño de vestuario de films de importantes directores, como Pedro Almodóvar, Peter Greenaway, Luc Besson o Jean Pierre Jeunet. Es el único que no pertenece al mundo del cine, por lo que no posee una mirada tan contaminada, como ha advertido en la conferencia de hoy:”soy como un espectador normal. Espero que me sorprendan, quiero sentir emoción. Mi profesión la he hecho a través del cine. La película de Jean Becker me impulsó a la alta costura. Mi infancia fue acunada por películas francesas, alemanas, por Fassbinder y Antonioni. Rocky Horror Picture Show es una de mis películas de cabecera”. Por su gran interés por la estética, quizá se decante por films elaborados visualmente, como Cosmópolis, de David Cronenberg, o The Taste of Money, de Im Sang Soo.

Raoul Peck

Este director haitiano parece haber sido seleccionado quizá coincidiendo con una campaña iniciada por el festival y encabezada por Sean Penn en busca de apoyo para la reconstrucción del país tras el terremoto de 2010. Su obra abarca el documental y la ficción, y destaca Lumumba (2000), sobre la descolonización africana, sobre el genocidio de Ruanda, y Moloch Tropical (2009), sobre las reacciones de un presidente ante la sublevación de la población de su país. Le interesa especialmente la política y el tema del poder, por lo que puede optar por Ken Loach o Cristian Mingiu.

Andrea Arnold

Esta directora británcia acaba de estrenar una versión de Wuthering Heights (Cumbres Borrascosas), donde busca imprimir una mirada femenina sobre una historia dirigida habitualmente por hombres. De hecho, sus declaraciones en la Conferencia de prensa de hoy son reveladoras de su búsqueda de un cine que ofrezca una visión femenina de la realidad, aunque rechaza valorar un film exclusivamente por la presencia femenina tras las cámaras: “No me gustaría que una de mis películas fuera seleccionada en Cannes solamente porque soy mujer. Si la selección cuenta pocas mujeres, es porque son pocas las mujeres que hacen películas. Es una pena”. Quizá abogue por la adaptación de On the road (En el camino), de Walter Salles.

Emmanuelle Devos

Esta actriz francesa debutó a las órdenes de Jacques Audiard y también ha participado con Alain Resnais en su última película Les folles herbes (Las malas hierbas), por lo que puede dirigir su votación hacia cualquiera de los dos directores franceses.

Diane Kruger

La actriz y sex symbol alemana ha participado en numerosas películas estadounidenses, como Troya o La búsqueda, por lo que puede optar por directores estadounidenses como John Hillcoat, Andrew Dominik o Jeff Nichols.

Hiam Abbass

Actriz palestina que ha trabajado también bajo el mandato de directores como Jim Jarmusch, en Los límites del control, o Mihaileneau, en La fuente de las mujeres. Probablemente encamine su voto hacia films de directores de países periféricos, como Carlos Reygadas.

La heterogeneidad del jurado impide seleccionar las claras candidatas a hacerse con los premios, pero podemos advertir que en la decisión habrá una tensión entre la preferencia por una temática social (Moretti y los representantes de países periféricos) y otra más psicológica o cotidiana (Payne, McGregor, Gaultier).

Mención aparte merecen el resto de secciones del festival: el jurado de Un certain regard está encabezado por el actor y director británico Tim Roth; el belga Jean Pierre Dardenne, reinventor del realismo junto con su hermano Luc, preside la fundación de cortometrajes; y el brasileño Carlos Diegues decidirá el destino de la Cámara de Oro, el premio dedicado a la mejor ópera prima.

Hoy mismo ha dado comienzo la edición número 65 del festival de Cannes, que se prolongará a lo largo de diez días y que este año está caracterizada por una alta presencia de veteranos que vuelven a desfilar por su alfombra roja. Como ya viene a ser habitual en nuestras páginas, ofrecemos a continuación una sencilla guía de las películas que optan a la Palma de Oro en su Sección Oficial y que nos servirá para ubicar todos los comentarios que realicemos estos días sobre el festival de cine que más nos gusta del mundo, con permiso de Venecia y San Sebastián.

Moonrise Kingdom

Presente en el festival por primera vez, la película dirigida por Wes Anderson será la encargada de abrir el certamen. En su tono y sentido del humor habituales nos transporta a una isla junto a la costa de Nueva Inglaterra en el verano de 1965, cuando dos adolescentes se enamoran, sellan un pacto secreto y se fugan juntos. Mientras todos los vecinos de la ciudad se movilizan para encontrarles, una violenta tormenta se aproxima a la costa y transformará la vida de la comunidad. En el reparto nombres tan interesantes como los de Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Jason Schwartzman o Bob Balaban en una película que tiene toda la pinta de seguir la personal línea del director de The Royal Tenenbaums y Fantastic Mr. Fox.

Amour

Décima película que Michael Haneke se presenta en el mismo festival en el que ya consiguiera el Premio del Jurado por La pianiste, en 2001, el Premio a la Mejor Dirección por Caché, en 2005, y la Palma de Oro por Das weisse Band, en 2009. En esta ocasión intentará sorprendernos con la historia de Georges y Anne, dos octogenarios cultos, profesores de música retirados, cuya hija, también músico, vive en el extranjero con su familia. Anne es víctima de un accidente por lo que el amor que une a esta pareja se someterá a una dura prueba. Sólo el tráiler ya emociona, conmueve y sobrecoge a partes iguales además de que cuenta con la presencia de la habitual Isabelle Huppert, junto a Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant.

De rouille et d’os (Rust and bone)

De sobra conocido por el festival y por el publico es el cineasta francés Jacques Audiard, que se llevara el premio al mejor guión por Un héroe tres discret, en 1996, así como el Gran Premio del Jurado en 2009 por Un prophète. Su última propuesta comienza cuando Ali se encuentra con Sam, un niño de 5 años, en sus brazos. Es su hijo, al que apenas conoce. Sin domicilio, sin dinero y sin amigos, Ali encuentra refugio en casa de su hermana en Antibes. Todo mejora enseguida. Les aloja en el garaje, se ocupa del pequeño y el clima es agradable. Tras una pelea en una discoteca, su destino se cruza con el de Stéphanie. Ali le lleva a su casa y le deja su teléfono. Él es pobre, ella es hermosa y rebosa confianza. Son totalmente opuestos. Stéphanie es domadora de orcas en Marineland. Hará falta que el espectáculo adquiera tintes dramáticos para que una llamada de teléfono en plena noche les reúna de nuevo. Cuando Ali se vuelve a encontrar con ella, la está atada a una silla de ruedas: ha perdido sus piernas y sus sueños. Ali le ayudará con sencillez, sin compasión, sin lástima. Y ella revivirá. Él es Matthias Schoenaerts y ella Marion Cotillard. Una cinta con muchas posibilidades de estar en el palmarés.

Jagten (The Hunt)

Tras conseguir el Premio del Jurado en 1998 por Festen, Thomas Vinterberg vuelve a Cannes con la historia de Lucas, interpretado por Mads Mikkelsen, un divorciado de cuarenta años que ha encontrado una nueva novia, un nuevo trabajo y se dispone a reconstruir su relación con marcus, su hijo adolescente. Pero algo va mal. Un detalle. Un comentario inocente. Una mentira fortuita. Y mientras la nieve comienza a caer y las luces de Navidad se iluminan, la mentira se extiende como un virus invisible. El estupor y la desconfianza se propagan y la pequeña comunidad se sumerge en la historia colectiva, obligando a Lucas a luchar por salvar su vida y su dignidad. ¿Nos volverá a hacer sentir tan incómodos como con Festen?

Holy Motors

Sexta oportunidad para el francés Leos Carax de conseguir la Palma de Oro con una historia inquirente y peculiar en la que nos muestra, desde el amanecer hasta la noche, algunas horas en la existencia del Señor Oscar, una persona que viaja de vida en vida. Pasa de ser un gran ejecutivo a un asesino, después un mendigo, una criatura monstruosa, un padre de familia… El Señor Oscar parece interpretar varios papeles, sumergiéndose completamente en cada uno de ellos, pero, ¿dónde están las cámaras? Está solo, únicamente acompañado por Céline, una señora grande y rubia que maneja la inmensa máquina que le lleva a París y sus alrededores. Como un asesino concienzudo que va de sueldo en sueldo. En búsqueda de la belleza de un gesto. Del motor de la acción. Mujeres y fantasmas de su vida. Pero, ¿dónde está su casa, su familia, su paz? Puede que a algunos les estimule saber que la película cuenta con la presencia de Eva Mendes o Kylie Minogue, pero personalemnte estoy encantado con volver a ver a Denis Lavant, que fuera protagonista de la maravillosa Les amants du Pount-Neuf.

Da-reun na-ra-e-suh (In Another Country)

Aunque probablemente no sea muy conocido para el gran público, Sangsoo Hong es un gran amigo del festival tras haber presentado seis películas en diferentes secciones. Premiado en la sección Un Certain Regard por Hahaha, opta este año a la Palma de Oro con la historia de una mujer en un país que no es el suyo, por lo que no es por completo ella misma ni tampoco otra, se encontró, se encuentra y se encontrará en el mismo lugar con los mismos personajes, que le harán vivir cada vez una experiencia inédita. Un interesante planteamiento que protagonizará una actriz tan estimulante como Isabelle Huppert.

Baad el mawkeaa (After the Battle)

Cuarta vez que el cineasta Yousry Nasrallah se pasa por el festival de Cannes, este año con la historia de Mahmoud, uno de los “caballeros de la plaza Tahir” que el 2 de febrero de 2011, manipulados por los servicios del régimen de Moubarak, cargan contra los jóvenes revolucionarios. Apaleado, humillado, sin trabajo, sumido en el ostracismo en su barrio, junto a las Pirámides, Mahmoud y su familia se hunden… Es en ese momento cuando conoce a Reem, una joven egipcia divorciada, moderna, laica, que trabaja en publicidad. Reem es militante revolucionaria y vive en un barrio elegante de El Cairo. Su encuentro transformará el curso de sus vidas…

Cosmopolis

Premio especial del jurado por Crash en 1999, esta supone la quinta presentación del cineasta canadiense David Cronenberg en la croisette. Su película viene precedida por una amplia campaña de promoción al estar protagonizada por el conocido Roger Pattinson, que interpreta a Eric Packer, el chico de oro de las altas finanzas en un Nueva York, cuando la era del capitalismo está llegando a su fin. Mientras la visita del presidente de Estados Unidos paraliza Manhattan, Eric Packer solo tiene una obsesión: que le corten el cabello en su peluquería, al otro lado de la ciudad. A medida que transcurre el día, el caos se adueña de la atmósfera y él asiste impotente al hundimiento de su imperio. Además, está seguro de que se disponen a asesinarle. ¿Cuándo? ¿Dónde? El protagonista se dispone a vivir las 24 horas más importantes de su vida. ¿Estará Robert Pattinson a la altura de Cannes?

Dupa dealer (Beyond the Hills)

Flamante ganador de la Plama de Oro en 2007 por 4 luni, 3 saptamini si 2 zile (4 menees, 3 semanas, 2 días), Cristian Mungiu se presenta por cuarta vez en el festival francés. En esta ocasión nos cuenta la hisotria de Alina que vuelve a Rumanía desde Alemania para llevarse consigo a Voichita, la única persona a la que jamás amó y la única que le correspondió. Pero Voichita ha encontrado a Dios y es muy difícil competir con tamaño oponente. Pareciera que el cineasta rumano está empeñado en hacerle la puñeta a la iglesia.

Like Someone in Love

Algo más que veterano se puede considerar a Abbas Kiarostami en la que es su decimotercera comparecencia en un festival en el que se llevara la Palma de Oro por Ta’m e guillas en 1997. Siguiendo la tónica de Copie conforme, que ya le valiera a Juliette Binoche el premio a la mejor interpretación en 2010, vuelve a centrarse en el encuentro entre dos personas, en esta ocasión un anciano y una joven que se encuentran en Tokyo. Ella no sabe nada de él, él cree conocerla. Él le abre las puertas de su casa, ella le ofrece su cuerpo. Pero nada de lo que sucede en el transcurso de esas veinticuatro horas se relaciona con las circunstancias de su encuentro.

Post tenebras lux

Con su cuarta película en festival de Cannes, el mexicano Carlos Reygadas, que fuera Premio del Jurado por Stellet Licht (Silent Light), así como tuviera una mención especial con una Cámara de Oro por Japón, presenta la historia de Juan y su urbana familia, que vine ahora en medio del campo, donde disfrutan al igual que padecen estar alejados del mundo. No se sabe si el mundo rural y el urbano son exactamente complementarios, o si uno lucha para erradicar al otro.

Paradies: Liebe

Segunda oportunidad para el cineasta alemán Ulrich Seidl de conseguir premio en Cannes con la que es la primera parte de una trilogía que traza el retrato de tres mujeres, de tres vacaciones, de tres historias sobre la búsqueda visceral de la felicidad. Para su primer viaje nos lleva a las playas de Kenia, en la que son muy conocidas las denominadas “súper mamás”. Mujeres europeas que a cambio de un poco de amor, facilitan la subsistencia de jóvenes africanos. Teresa, una austríaca cincuentona, pasa sus vacaciones en uno de estos países exóticos. una historia de mujeres mayores y hombres jóvenes, de Europa y de África, y de cómo se puede pasar de explotado a explotador.

Do-nui mat (The Taste of Money)

Youngjak es el secretario de Madame Maek, dirigente de un poderoso imperio industrial coreano. Se encarga de los asuntos privados de esta familia de turbia moral. Sumergido en una espiral de dominación y secretos, perdido entre sus principios y la posibilidad de trepar rápidamente hacia una vida más acomodada, Youngjak deberá escoger de qué lado está, con el objetivo de sobrevivir en este universo donde el dinero, el sexo y el poder son los reyes… Esta es la propuesta del cineasta coreano Sang-Soo Im, en la que es su ternera presentación en el festival de Cannes.

Reality

Después de alcanzar el Gran premio en 2008 por Camorra, Matteo Garrone vuelve a Cannes para presentar la historia de Luciano, un vendedor de pescado napolitano que completa sus modestos ingresos con pequeñas estafas que realiza con la ayuda de su esposa María. Simpático y sociable, nunca pierde la oportunidad para disfrazarse y entretener a sus numerosos familiares, por lo que un día le animan a presentarse al casting de Gran Hermano. Pero en el camio para alcanzar su sueño, su percepción de la realidad comienza a cambiar.

The Angel’s Share

De todos los veteranos que pasarán este año por la Croisette, ninguno debe tener la soltura que el británico Ken Loach en la que es la decimoséptima película que pasa por el festival. En su palmarés figuran títulos como Looks and Smiles, que obtuviera el premio al cine contemporáneo en 1981, Hidden Agenda, que fuera Premio del Jurado en 1990, de la misma manera que Rainning Stones lo consiguiera en 1993. Aunque su mayor éxito lo logró en 2006 llevándose la Palma de Oro por The Wind that Shakes the Barley. Este año se presenta con una película que se desarrolla en Glasgow, donde Robbie, un joven padre de familia, no logra escapar de su pasado delictivo.

The Paperboy

Presente en la sección Un Certain Reggard en 2009 con Precious, Lee Daniels vuelve ahora a la sección oficial para presentar una hisotria desarrollada en 1969. Ward Jansen es un reportero del Miami Times que regresa a su ciudad natal, Lately (Florida), acompañado por su colega, Yardley Acheman. Vuelve a petición de Charlotte, una extraña mujer que mantiene correspondencia con detenidos en el corredor de la muerte, y se disponen a investigar el caso de Hillary Van Wetter, un cazador de cocodrilos que está a punto de ser ejecutado sin pruebas concluyentes. Convencidos de que se encuentran frente al artículo que relanzará sus carreras, recorren la región, guiados por Jack Jansen, el hermano pequeño de Ward, repartidor del periódico local en su tiempo libre. La investigación avanza hacia el corazón de esta Florida húmeda y aplastante, y revela que, en ocasiones, perseguir la verdad puede originar muchos males… ¿Estaremos ante la milagrosa recuperación de Nicole Kidman? Junto a ella estarán también Matthew McConaughey, Zac Effron, David Oyelowo, Macy Gray y John Cusak.

V tumane (In the Fog)

Encabezada por una cita a Heráclito, “Los ojos y los oídos son malos testimonios para los que tienen alma de bárbaros”, se presenta la película dirigida por Sergei Loznitsa, en la que es sus segunda película en competición. Una historia que revela la dificultad de tomar decisiones morales en circunstancias en las que la moral ya no existe, como sucede durante la Segunda Guerra Mundial. Una época en la que nadie es inocente.

Lawless

Primera ocasión de conseguir una Plama de Oro para John Hillcoat, cineasta estadounidense que nos transporta a 1931, al corazón de la era de la prohibición en los Estados Unidos en Franklin, Virginia, un estado famoso por su producción de alcohol de contrabando. Los hermanos Bondurant son traficantes célebres, pero Jack, el más joven, ambicioso e impulsivo, desea transformar el pequeño negocio familiar en un tráfico a gran escala. Sueña con hermosos trajes, armas y espera impresionar a la sublime Bertha. Forrest, el mayor, actúa como jefe y está decidido a proteger a su familia de las nuevas reglas que impone un nuevo mundo económico. Cuando Maggie desembarca huyendo de Chicago, la recoge también bajo su protección. Solos contra una policía corrupta, una justicia arbitraria y los gángsters rivales, los tres hermanos escriben su leyenda: una lucha por continuar por su propia senda, durante la primera gran ola de criminalidad del país. Shia LaBeouf, Tom Hardy, Jason Clarke, Guy Pearce, Jessica Chastain y Mia Wasikowska encabezan el reparto de una película que no parece vaya a aportar grandes cosas.

Killing Them Softley

Cuando una partida de póker ilegal es atacada por ladronzuelos, toda la mafia se siente amenaza. Los capos de la organización acuden a Jackie Cogan para encontrar a los culpables. Sin embargo, la misión de Cogan se complica entre estafadores de segunda, asesinos cansados y los mismos ladronzuelos, y entonces la situación degenera. Esta es la propuesta de Andrew Dominik que se también estrena en el festival de Cannes con esta película protagonizada por Brad Pitt, James Gandolfini, Sam Shepard, Ben Mendelsohn y Ray Liotta, entre otros, y que tampoco se presenta como la panacea de la originalidad ni dimensión psicológica y moral o un flamante desarrollo visual.

Mud

Ellis y Neckbone, de 14 años, descubren durante una de sus escapadas diarias, a un hombre refugiado en una isla en medio del Mississipi. Se trata de Mud: con un diente menos, una serpiente tatuada en el brazo, una pistola y una camisa que le da suerte. Mud es también un hombre que cree en el amor, algo en lo que Ellis necesita creer desesperadamente para intentar olvidar las tensiones diarias entre sus padres. Muy rápidamente, Mud pide ayuda a los dos adolescentes para reparar un barco que le permitirá abandonar la isla. Sin embargo, para los muchachos resulta difícil discernir lo verdadero de lo falso en las palabras de Mud. ¿Ha matado realmente a un hombre? ¿Le persigue la justicia, los cazarrecompensas? Y por otro lado, ¿quién es la chica misteriosa que acaba de desembarcar en su pequeño pueblo de Arkansas? Estos son algunos de los dilemas que plantea el cineasta estodunidnese Jeff Nichols en la que también es su primera comparecencia en el festival de cine francés. Prepárense para digerir el acento de Matthew McConaughey en este clip. Junto a él tambiçen intervienen en la cinta Reese Witherspoon y Sam Shepard. ¿Otro título de relleno para conseguir la presencia de estrellas?

On the Road

Al día siguiente de la muerte de su padre, Sal Paradise, un aprendiz de escritor neoyorquino, se topa con Dean Moriarty, un joven expresidiario con un encanto arrollador que está casado con Marylou, una mujer muy libre y seductora. El entendimiento entre Sal y Dean es inmediato. Decididos a no dejarse encerrar en una existencia estrecha, los dos amigos rompen sus vínculos y se lanzan a la carretera con Marylou. Sedientos de libertad, los tres jóvenes parten a la búsqueda del mundo, de los demás y de sí mismos. Los que hayan leído la famosa nomela de Jack Kerouac habrán reconocido que se trata de la adaptación que de su novela ha dirigido Walter Salles, en la que será su quinta película en Cannes. En el reparto encontrarán nombres tan dispares como los de Garrett Hedlund, Sam Reiley, Kristen Stewart, Amy Adams, Tom Sturridge, Elisabeth Moss, Kirsten Dunst o Viggo Mortensen. En este caso, la fabulosa trayectoria de este cineasta de origen brasileño responsable de títulso como Central do Brasil, Abril Despedaçado y Diarios de motocicleta, sube las expectativas hasta un nivel bastante razonable.

Vous n’avez encore rien vu

Antoine d’Anthac es un famoso autor dramático, que convoca desde el otro mundo a todos sus amigos, que interpretaron su pieza “Eurídice”. Estos actores tienen como misión ver una grabación de esta obra interpretada por una compañía joven, La Compagnie de la Colombe. ¿El amor, la vida, la muerte o el amor después de la muerte siguen teniendo sentido sobre el escenario de un teatro? Son ellos quiénes deben decidir. Y las sorpresas apenas acaban de comenzar… Esta es la propuesta de Alain Resnais, otro de los ilustres veteranos que se presenta en Cannes por décima vez y tras haber recogido en 1980 el Gran Premio Especial del Jurado y el de la Crítica Internacional FIPRESCI por Mon Oncle d’Amérique, para conseguir casi tres décadas después un Premio Excepcional por su carrera y su contribución a la historia del cine en 2009 por Les Herbes Folles. Un nuevo regalo de este magnífico y original cineasta que convoca a una interesante colección de actores y actrices encabezados por Lambert Wilson.

Esta tarde, Wes Anderson ha abierto la veda a la caza de la mejor obra cinematográfica del año en el Festival de Cannes. Su nueva película, Moonrise Kingdom, ha sido la encargada de inaugurar el certamen y ha sido proyectada a las 20 h en el Gran Teatro Lumière, la principal sede del festival y donde se estrenan las obras de mayor renombre. Hasta allí se ha dirigido el director estadounidense junto con el gran plantel de actores que aparecen en la película, entre los que se encuentran algunas caras conocidas de su cine, como Bill Murray y Jason Schwartzman, junto con otros rostros que añaden renovación a su filmografía, como Tilda Swinton, Bruce Willis, Edwan Norton o Jared Gilman. La película ha sido recibida con risas y aplausos en su primera proyección, a las 23 h está programada la segunda.

Moonrise Kingdom narra la huida de una pareja de jóvenes enamorados en los años sesenta de su pueblo, debido a la estrechez moral de sus habitantes. Entonces, toda la familia y el municipio sale en su búsqueda para convencerles de su regreso, y en esa salida al mundo, viejas disputas emergerán. Así pues, el film se basa en la tradición de amantes huidizos, como Bonnie & Clyde, pero a diferencia de la anterior, que sigue el deambular de los enamorados, Moonrise Kingdom focaliza su atención en el proceso de búsqueda, lo que le permite al director una radiografía de los valores que impregnan la sociedad estadounidense y que bloquean incluso el desarrollo del amor en pareja.

En la rueda de prensa, Wes Anderson ha hablado acerca de la elección de la pareja protagonista, encarnada por Jared Gilman y Kara Hayward:

Ya he dirigido películas con actores jóvenes en papeles importantes, suelo buscar actores jóvenes. La personalidad de Jared Gilman me impactó. Aunque vi sus audiciones, durante la entrevista que tuvimos los dos me hizo reír. En cuanto a Kara Hayward, me dio la impresión de que llevaba tiempo actuando. Me parecía que ella creaba el diálogo. El contacto entre los dos jóvenes actores fue instantáneo.

Por su parte, Jared Gilman ha hablado de su colaboración con Kara:

Participamos en varios ensayos, nos familiarizamos sobre todo con las cartas que aparecen en la película. Aunque nos enviamos e-mails fuera de la filmación, tratamos de hacer algo realmente auténtico. Aprendimos a conocernos.

Asimismo, Edward Norton, en su primera colaboración con Wes Anderson, ha señalado la profesionalidad del trabajo del director:

Es muy agradable trabajar junto a actores que admiran a Orson Wells o el teatro. Wes Anderson formó una auténtica tropa cinematográfica con estos actores que trabajan juntos en un contexto un tanto romántico… Es como cuando tienes deseos de hacer algo cuando eres joven y que quieres hacer tu película en el jardín de la casa de tus padres.

Wes Anderson es un cineasta del absurdo, busca a través del humor desentrañar las inconsistencias que cohesionan la sociedad estadounidense. Y ese absurdo impregna cada plano de sus películas: los personajes suelen estar descentrados en la composición, como dominador por un entorno ridículo en numerosas ocasiones, y los planos tienen una duración más larga de la habitual, lo que genera una degradación del personaje al dejar vía libre al desarrollo de gestos menos cinematográficos de los habituales. Entre su filmografía destacan Rushmore (Academia Rushmore), Life Aquatic (Vida Acuática) y Daarjeling Limited (Viaje a Daarjeling). Su última obra, Fantastic Mr. Fox, fue filmada a través de la técnica del stop motion.

Fotos: Página oficial del Festival de Cannes

En el mismo año en el que Hollywood volvía la vista atrás premiando a The Artist, que ya fuera premiada en año pasado en Cannes, el festival de cine francés rinde homenaje a Marilyn Monroe en el cartel de la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, en el que vemos a la ambición rubia soplando una vela sobre una tarta que sujeta en sus manos. Se trata de una imagen tomada por sorpresa que desvela un momento de intimidad en el que conviven mitología y realidad celebrando la que será la edición del festival número 65. Un cartel tan sencillo como emotivo y entrañable que ha sido elaborado por la agencia Bronx a partir de una fotografía de Otto L. Bettmann, para anunciar el festival, que tendrá lugar entre los días 16 y 27 de mayo.

En realidad el festival de Cannes ya se adelantara a Hollywood en el ejercicio de nostalgia cinematográfica, pues el año pasado ya utilizara la imagen de Faye Dunaway para los carteles del festival. Ahora que está de actualidad debido al biopic que My Week with Merilyn le rinde, es un momento más que oportuno para recordar a la actriz que se convirtiera en una auténtico mito en vida, muy a pesar suyo y cuando el star system estaba ya en plena decadencia.

Nacida Norma Jean Baker, Marilyn Monroe sería reconocida por el que fuera pareja de su madre cuando nació, pero nunca sabría quien fue su verdadero padre. A causa de los desequilibrios emocionales de su madre que estaría la mayor parte de su infancia ingresada en un hospital psiquiátrico, pasaría de vivir con unos padres adoptivos, a manos de su madre, para vivir después con la mejor amiga de su madre, Grace McKee, para pasar después por varias familias cuando McKee se casó, quien la reclamaría después para entregarla después a su tío Olive Brunings, después de que el marido de Grace tratara de abusar de la pequeña Norma Jean, para sufrir un nuevo abuso sexual por parte de su tío. Todo este periplo cuando contaba sólo doce años de vida, no es de extrañar que en su vida adulta fuera tan insegura y que necesitara tan desesperadamente cariño y afecto.

Destaco tres etapas en su filmografía. Una primera en la que pareciera que se propusiera a robar planos en breves apariciones de una o dos secuencias en películas como The Asphalt Jungle o All About Eve, una segunda en la que compagina personajes protagonistas con papeles secundarios en filmes como Clash by Night, Niagara, Gentlemen Prefer Blondes, How to marry a Millionaire o River with No Return o The Seven Year Itch, que termina de consagrarla definitivamente. A mediados de los años cincuenta hace una parada en su carrera para mudarse a Nueva York donde a sugerencia de Truman Capote se inscribe en las clases de actuación de Constance Collier, quine moriría pos días después de iniciarse el curso, por lo que se matricularía después en el Actor’s Studio, que le proporcionaría una nueva y esplendorosa etapa cinematográfica que comenzaría con Bus Stop, con cuyo personaje recibiría una nominación a los Globos de Oro.

The Prince and the Showgirl, Some Like it Hot y Let’s Make Love serían las películas en las que intervendría antes de protagonizar la que sería una de sus más emotivas y recordadas interpretaciones, como Roslyn Taber en The Misfits. Dirigida por John Huston y junto a un excepcional reparto que incluía a Clark Gable, Montgomery Clift, Thelma Ritter y Eli Wallach, se trataba de un guión que Arthur Miller, quien fuera su tercer marido, le había regalado a la actriz y en el que mostraba su percepción personal de Norma Jean, la persona que se escondía detrás del personaje. Si además de echar un vistazo a su filmografía, alguno de ustedes quisiera profundizar en la vida de Norma Jean, no deberían dejar pasar el magnífico libro de Donald Spoto, llamado sencillamente Marilyn Monroe: The Biography.

En 1959 se crea una plataforma comercial que facilita y promueve el intercambio de productoras y distribuidoras, convirtiendo Cannes en el punto de encuentro de las cinematografías internacionales. Seleccionando en un principio las películas participantes en función de su país de origen, a partir de 1972 se establece unsistema de selección para participar en la sección oficial que sería después imitado por otros festivales. Un sistema en el que el único responsable sobre la elección de las películas era el propio festival y no los países de origen, que seleccionaban a las películas que les representaban en un principio,

Si en un principio fuera un evento mundano en el que casi todas las películas se fueran con su premio, la llegada de estrellas internacionales y su mediatización contribuyeron a forjar el renombre del festival. Si en un principio el máximo galardón era el Grand Prix, a partir de 1952 e instaura la Palma de Oro, recayendo por primera vez en “Marty”, la película de Delbert Mann que posteriormente también se alzaría con los principales premios de la Academia de Hollywood.

Debo confesar que nos ha resultado bastante difícil escoger entre todas las películas que han sido galardonadas a lo largo de toda la historia del festival con su máximo galardón. A las puertas del ranking quedaron filmes como “Barton Fink”, “Paris, Texas”, “Viridiana”, “Entre les murs”, “Narayama-bushi kô”, “The Piano” o “L’enfant”, quedando finalmente nuestro Top Ten como sigue:

10. “Blow-Up”

Iniciamos nuestra lista con la particular adaptación que del cuento de Julio Cortázar dirigiera Michelangelo Antonioni en 1966. Una película que conseguiría nominaciones al premio Oscar en las categorías de Dirección y Guión Adaptado, además de estar entre las nominadas a los premios Bafta y Globos de Oro. Protagonizada por David Hemmings, Vanessa Redgrave y Sarah Miles, la película sigue a un fotógrafo que tras tomar unas instantáneas en un parque londinense, cree haber capturado con su cámara un asesinato. Una película en la que la realidad y la fantasía son inciertas y dependen de la interpretación del espectador.

9. “The Mission”

La carrera de Roland Joffé en la actualidad está ciertamente muy devaluada, nada que ver con sus inicios en los que con su segunda película, “The Mission”, se alzara con la Palma de Oro en 1986. Una película que se terminara deprisa y corriendo para que pudiera entrar en competición y que contara como protagonistas a Jeremy Irons y el presidente del jurado de la edición actual: Robert De Niro. Si la academia de cine estadounidense tan sólo premiara con un Oscar su magnífica fotografía de Chris Menges, todos recordamos la inolvidable partitura de Ennio Morricone.

8. “Elephant”

La carrera cinematográfica de Gus Van Sant se reconcilió con el cine más independiente con “Elephant”, su película de 2003 que recrea la terrible matanza perpetrada por dos adolescentes en el instituto Columbine. Una película intensa que contrasta con la liviandad de las acciones de la mayoría de los protagonistas en el que sería último día de sus vidas. La película no sólo se llevaría la Palma de oro, sino también el premio al mejor Director.

7. “Apocalypse Now”, “Wild at Heart” & “4 luni, 3 saptamâni si 2 zile”

En el séptimo lugar se produce un curioso empate al coincidir tres de las películas favoritas de alguno de los editores de Extracine. Como Becky que otorga su máxima puntuación a “Apocalypse Now”, la epopeya de Francis Ford Coppola basada en una novela de Joseph Conrad, que recibiera la Palma de Oro, ex aequo con “Die Blechtrommel”, en 1979, además de reportar a Vittorio Storaro un merecidísimo Oscar por su trabajo de Fotografía. La película constituye una curiosa mezcla de road-movie con cine bélico en el que el capitán Willard (Martin Shheen) y sus hombres deben ascender ría arriba hasta llegar al corazón de la selva donde se esconde el coronel Kurtz (Marlon Brando), un oficial renegado al que indígenas y occidentales veneran como si fuera un dios.

“Wild at Heart” era mi candidata para encabezar la lista de las mejores Palmas de Oro. La película dirigida por David Lynch en 1990 que sigue a Sailor y Lula por un una violenta y salvaje carretera de baldosas amarillas mientras son perseguidos por los secuaces de la bruja mala del Norte, la propia madre de Lula. Un título tan odiado como amado cuya Palma de Oro fuera recibida entre aplausos y abucheos por el inefable cineasta estadounidense.

“4 luni, 3 saptamini si 2 zile” es la película que encabeza el ranking de Carlos. Un intensa película del cineasta rumano Cristian Mungiu, que se alzara con a Palma de Oro en 2001, además de ser considerada como Mejor Película y Director por la academia del cine europeo. La película sigue el peligroso y doloroso camino que siguen dos amigas para que una de ellas pueda abortar en un país en el que es un acto delictivo.

6. “Pulp Fiction”

Quentin Tarantino asaltó la Croisette en 1994 alzándose con la Palma de Oro por su segunda película: “Pulp Fiction”. Merecedora después del Oscar al Mejor Guión tiene entre sus protagonistas a Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), un gángster que tiene una revelación por la que cambia su vida y otro heroinómano que tiene por costumbre leer en el cuarto de baño; Mia (Uma Thurman) y Marcellus Wallace (Ving Rhames), jefe y esposa de una banda que se dedica a la extorsión, el tráfico de drogas y a saber qué cosas más; Butch (Bruce Willis) y Fabienne (Maria de Medeiros), un boxeador con integridad y su delicada y corta de memoria esposa; Zed (Peter Greene) y Maynard (Duane Whitaker), que comparten gustos sexuales muy particulares…

5. “Underground”

El 1995 Emir Kusturica consiguiera hacerse con su segunda Palma de Oro por una película tan deliciosa como controvertida que, en clave de fábula, hace un recorrido desde la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes, por la que mientras unos acusaban al cineasta bosnio de hacer propaganda para el conflicto serbio, a otros no les gustaba la caracterización que de las etnias se hacía en su película.

4. “Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte”

Tan amado como odiado, Michael Haneke se hace con el máximo galardón de Cannes gracias a los perturbadores acontecimientos que tienen lugar en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania en vísperas de la Primera Mundial. Unos acontecimientos en los que ya se encuentra el germen del nazismo y de todo lo que conducirá al ascenso de Hitler al poder. Además de ser nominada por las academias estadounidense y española, sería galardonada por la europea como Mejor Película, Guión y Director.

3. “La dolce vita”

No debe extrañar que la mayoría de los títulos de esta lista sean relativamente contemporáneos, pues la impresión que deja una película es mucho más impactante cuando se ve en una sala de cine, y en la misma época en la que está realizada. Aún así, en el tercer puesto de nuestra lista se cuela la magnífica película de Federico Fellini que fuera Palma de Oro en 1960. Un filme en el que seguimos a un paparazzo que se pierde entre fiestas nocturnas y falsos dioses que le precipitan al hedonismo en un vida que acaba siendo vacía.

2. “The pianist”

Ya sabíamos que Roman Polanski era un cineasta espectacular, pero sin duda en 2002 nos sorprendió a todos con su brillante historia del pianista polaco de origen judío, Wladyslaw Szpilman, en su periplo para evitar la muerte a lo largo de la segunda Guerra Mundial. Su película conseguiría también el Goya la Mejor Película europea, siete premios Cesar de la academia francesa y los Oscar correspondientes a la Mejor Dirección, Guión Adaptado y Actor Protagonista para Adrien Brody.

1. “Taxi Driver”

Curiosamente, la película que ocupa el primer lugar de nuestra lista está protagonizada por el presidente del jurado de este año, Robert De Niro, que fuera Palma de Oro en 1976. una película de Martin Scorsese que no corriera la misma suerte en los premios Oscar, a pesar de que tuviera cuatro nominaciones. En este ranking poblado de películas itinerantes, Travis hacia un viaje interior, a la vez que lo hace por las calles de Nueva York, en las que se tropieza con una violencia, sordidez y desolación con las que no esperaba encontrarse a su vuelta de Vietnam.

A partir 2011, cada año el Festival de Cannes reconocerá la trayectoria de aquellos directores cuyas carreras lo merecen. Durante la ceremonia inaugural de la 64ª edición de Cannes se entregará el premio Palma de Oro Honorario. Para comenzar con la nueva tradición, los organizadores del festival han elegido previamente al cineasta italiano Bernardo Bertolucci.

El premio Palma de Oro Honorario será entregado a aquel cineasta que cuente con una carrera importante, pero no ha recibido una Palma de Oro con anterioridad. Esta no será la primera vez que se entrega el distintivo especial. Anteriormente, en 2002, el cineasta neoyorquino Woody Allen fue el primero en recibir la estatuilla, seguido por otro grande, Clint Eastwood, en 2009. En ambas ocasiones, el premio honorario fue entregado por el presidente del festival, Gilles Jacob, representando a la comisión de directores.

Director, guionista y productor, Bertolucci es cuidadoso al extremo; desde los movimientos de cámara, el montaje preciso y la fotografía simbólica. En su obra plasma su visión política, su fascinación por el ser humano, su alma y el psicoanálisis; entre política, sexo y cinefilia. Comienza su carrera con “La commare secca” en 1962, pero gana fama con su siguiente trabajo: “Before the revolution”. Entre sus filmes encontramos “1900” (1976), “The Last Tango In Paris” y “The Last Emperor” (1987) — película que gana nueve premios Oscars, incluyendo Mejor Director y Mejor Película.

La calidad de su trabajo, que aparece ahora en toda su singularidad y en la medida que nosotros la recibimos intacta, la fuerza de su compromiso con el cine y los lasos que unen, hacen a este, para Cannes, el primer premio honorario legítimo. — Gilles Jacob, Presidente, y Thierry Frémaux, Delegado General del Festival de Cannes.

Bernardo Bertolucci recibirá el reconocimiento Palma de Oro Honorario el 11 de mayo, durante la ceremonia inaugural del Festival de Cannes, con la presencia de Robert De Niro como presidente del jurado de la Sección Oficial, Michael Gondry a la cabeza del jurado de la sección Cinéfondation y Emir Kusturica presidiendo al jurado de la sección Un Certain Regard.

Foto: Huffington Post

Tanto la actriz como el fotógrafo estarán presentes en esta edición del festival, pero no por el cartel, sino debido a la proyección de la que fuera su ópera prima como director, “Puzzle of a Downfall Child”, en la que la actriz fuera la protagonista. La película ha sido restaurada recientemente por los estudios Universal y en ella se puede percibir que mantiene sus cualidades como fotógrafo, pues mantiene su sentido del encuadre y de la iluminación —-algo que perdería en su cine de los años ochenta. Precisamente, Jerry Schatzberg sería Palma de oro con su tercera película: “Scarecrow”.

Aunque ya sabemos que el festival será inaugurado por “Midnight in Paris”, aún tendremos que esperar al próximo 14 de abril para conocer su sección oficial. Lo que también podemos recordar es que Robert De Niro presidirá el jurado de la sección oficial y que Michel Gondry presidirá el jurado del programa de cortometrajes y la sección Cinéfondation, y Emir Kusturica, que recibiera una Palma de oro en 1985 por “Otac na sluzbenom putu (Papá está en viaje de negocios)”, que presidirá el jurado de la sección Un Certain Regard. También asistirá a esta edición del festival el actor Jean-Paul Belmondo que será objeto de un caluroso homenaje, tal y como se desprende del comunicado de Gilles Jacob y Thierry Frémaux, presidente y delegado general del festival, respectivamente:

Nos complace que haya aceptado asistir a la velada festiva organizada para rendir tributo a su talento y su trayectoria. La amplitud de su registro, el carisma de su personalidad, la precisión de su interpretación, sus comentarios burlescos y su aspecto desinhibido lo han convertido, junto con Jean Gabin y Michel Simon en uno los actores franceses más importantes de todos los tiempos. Muchas películas están ahí para demostrarlo. No hay duda de que la tribu de los actores franceses, con Jean Rochefort, Claude Rich, Pierre Vernier y Jean Pierre Marielle, sus amigos del Conservatorio, a la cabeza, querrán subir las escaleras de Cannes para rendir homenaje a “Bébel” bajo la ovación de su público de siempre.

La carismática actriz, Mélanie Laurent será la maestra de ceremonias de esta 64ª edición del Festival de Cannes.