En 1959 se crea una plataforma comercial que facilita y promueve el intercambio de productoras y distribuidoras, convirtiendo Cannes en el punto de encuentro de las cinematografías internacionales. Seleccionando en un principio las películas participantes en función de su país de origen, a partir de 1972 se establece unsistema de selección para participar en la sección oficial que sería después imitado por otros festivales. Un sistema en el que el único responsable sobre la elección de las películas era el propio festival y no los países de origen, que seleccionaban a las películas que les representaban en un principio,

Si en un principio fuera un evento mundano en el que casi todas las películas se fueran con su premio, la llegada de estrellas internacionales y su mediatización contribuyeron a forjar el renombre del festival. Si en un principio el máximo galardón era el Grand Prix, a partir de 1952 e instaura la Palma de Oro, recayendo por primera vez en “Marty”, la película de Delbert Mann que posteriormente también se alzaría con los principales premios de la Academia de Hollywood.

Debo confesar que nos ha resultado bastante difícil escoger entre todas las películas que han sido galardonadas a lo largo de toda la historia del festival con su máximo galardón. A las puertas del ranking quedaron filmes como “Barton Fink”, “Paris, Texas”, “Viridiana”, “Entre les murs”, “Narayama-bushi kô”, “The Piano” o “L’enfant”, quedando finalmente nuestro Top Ten como sigue:

10. “Blow-Up”

Iniciamos nuestra lista con la particular adaptación que del cuento de Julio Cortázar dirigiera Michelangelo Antonioni en 1966. Una película que conseguiría nominaciones al premio Oscar en las categorías de Dirección y Guión Adaptado, además de estar entre las nominadas a los premios Bafta y Globos de Oro. Protagonizada por David Hemmings, Vanessa Redgrave y Sarah Miles, la película sigue a un fotógrafo que tras tomar unas instantáneas en un parque londinense, cree haber capturado con su cámara un asesinato. Una película en la que la realidad y la fantasía son inciertas y dependen de la interpretación del espectador.

9. “The Mission”

La carrera de Roland Joffé en la actualidad está ciertamente muy devaluada, nada que ver con sus inicios en los que con su segunda película, “The Mission”, se alzara con la Palma de Oro en 1986. Una película que se terminara deprisa y corriendo para que pudiera entrar en competición y que contara como protagonistas a Jeremy Irons y el presidente del jurado de la edición actual: Robert De Niro. Si la academia de cine estadounidense tan sólo premiara con un Oscar su magnífica fotografía de Chris Menges, todos recordamos la inolvidable partitura de Ennio Morricone.

8. “Elephant”

La carrera cinematográfica de Gus Van Sant se reconcilió con el cine más independiente con “Elephant”, su película de 2003 que recrea la terrible matanza perpetrada por dos adolescentes en el instituto Columbine. Una película intensa que contrasta con la liviandad de las acciones de la mayoría de los protagonistas en el que sería último día de sus vidas. La película no sólo se llevaría la Palma de oro, sino también el premio al mejor Director.

7. “Apocalypse Now”, “Wild at Heart” & “4 luni, 3 saptamâni si 2 zile”

En el séptimo lugar se produce un curioso empate al coincidir tres de las películas favoritas de alguno de los editores de Extracine. Como Becky que otorga su máxima puntuación a “Apocalypse Now”, la epopeya de Francis Ford Coppola basada en una novela de Joseph Conrad, que recibiera la Palma de Oro, ex aequo con “Die Blechtrommel”, en 1979, además de reportar a Vittorio Storaro un merecidísimo Oscar por su trabajo de Fotografía. La película constituye una curiosa mezcla de road-movie con cine bélico en el que el capitán Willard (Martin Shheen) y sus hombres deben ascender ría arriba hasta llegar al corazón de la selva donde se esconde el coronel Kurtz (Marlon Brando), un oficial renegado al que indígenas y occidentales veneran como si fuera un dios.

“Wild at Heart” era mi candidata para encabezar la lista de las mejores Palmas de Oro. La película dirigida por David Lynch en 1990 que sigue a Sailor y Lula por un una violenta y salvaje carretera de baldosas amarillas mientras son perseguidos por los secuaces de la bruja mala del Norte, la propia madre de Lula. Un título tan odiado como amado cuya Palma de Oro fuera recibida entre aplausos y abucheos por el inefable cineasta estadounidense.

“4 luni, 3 saptamini si 2 zile” es la película que encabeza el ranking de Carlos. Un intensa película del cineasta rumano Cristian Mungiu, que se alzara con a Palma de Oro en 2001, además de ser considerada como Mejor Película y Director por la academia del cine europeo. La película sigue el peligroso y doloroso camino que siguen dos amigas para que una de ellas pueda abortar en un país en el que es un acto delictivo.

6. “Pulp Fiction”

Quentin Tarantino asaltó la Croisette en 1994 alzándose con la Palma de Oro por su segunda película: “Pulp Fiction”. Merecedora después del Oscar al Mejor Guión tiene entre sus protagonistas a Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent (John Travolta), un gángster que tiene una revelación por la que cambia su vida y otro heroinómano que tiene por costumbre leer en el cuarto de baño; Mia (Uma Thurman) y Marcellus Wallace (Ving Rhames), jefe y esposa de una banda que se dedica a la extorsión, el tráfico de drogas y a saber qué cosas más; Butch (Bruce Willis) y Fabienne (Maria de Medeiros), un boxeador con integridad y su delicada y corta de memoria esposa; Zed (Peter Greene) y Maynard (Duane Whitaker), que comparten gustos sexuales muy particulares…

5. “Underground”

El 1995 Emir Kusturica consiguiera hacerse con su segunda Palma de Oro por una película tan deliciosa como controvertida que, en clave de fábula, hace un recorrido desde la Segunda Guerra Mundial hasta la Guerra de los Balcanes, por la que mientras unos acusaban al cineasta bosnio de hacer propaganda para el conflicto serbio, a otros no les gustaba la caracterización que de las etnias se hacía en su película.

4. “Das weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte”

Tan amado como odiado, Michael Haneke se hace con el máximo galardón de Cannes gracias a los perturbadores acontecimientos que tienen lugar en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania en vísperas de la Primera Mundial. Unos acontecimientos en los que ya se encuentra el germen del nazismo y de todo lo que conducirá al ascenso de Hitler al poder. Además de ser nominada por las academias estadounidense y española, sería galardonada por la europea como Mejor Película, Guión y Director.

3. “La dolce vita”

No debe extrañar que la mayoría de los títulos de esta lista sean relativamente contemporáneos, pues la impresión que deja una película es mucho más impactante cuando se ve en una sala de cine, y en la misma época en la que está realizada. Aún así, en el tercer puesto de nuestra lista se cuela la magnífica película de Federico Fellini que fuera Palma de Oro en 1960. Un filme en el que seguimos a un paparazzo que se pierde entre fiestas nocturnas y falsos dioses que le precipitan al hedonismo en un vida que acaba siendo vacía.

2. “The pianist”

Ya sabíamos que Roman Polanski era un cineasta espectacular, pero sin duda en 2002 nos sorprendió a todos con su brillante historia del pianista polaco de origen judío, Wladyslaw Szpilman, en su periplo para evitar la muerte a lo largo de la segunda Guerra Mundial. Su película conseguiría también el Goya la Mejor Película europea, siete premios Cesar de la academia francesa y los Oscar correspondientes a la Mejor Dirección, Guión Adaptado y Actor Protagonista para Adrien Brody.

1. “Taxi Driver”

Curiosamente, la película que ocupa el primer lugar de nuestra lista está protagonizada por el presidente del jurado de este año, Robert De Niro, que fuera Palma de Oro en 1976. una película de Martin Scorsese que no corriera la misma suerte en los premios Oscar, a pesar de que tuviera cuatro nominaciones. En este ranking poblado de películas itinerantes, Travis hacia un viaje interior, a la vez que lo hace por las calles de Nueva York, en las que se tropieza con una violencia, sordidez y desolación con las que no esperaba encontrarse a su vuelta de Vietnam.

A partir 2011, cada año el Festival de Cannes reconocerá la trayectoria de aquellos directores cuyas carreras lo merecen. Durante la ceremonia inaugural de la 64ª edición de Cannes se entregará el premio Palma de Oro Honorario. Para comenzar con la nueva tradición, los organizadores del festival han elegido previamente al cineasta italiano Bernardo Bertolucci.

El premio Palma de Oro Honorario será entregado a aquel cineasta que cuente con una carrera importante, pero no ha recibido una Palma de Oro con anterioridad. Esta no será la primera vez que se entrega el distintivo especial. Anteriormente, en 2002, el cineasta neoyorquino Woody Allen fue el primero en recibir la estatuilla, seguido por otro grande, Clint Eastwood, en 2009. En ambas ocasiones, el premio honorario fue entregado por el presidente del festival, Gilles Jacob, representando a la comisión de directores.

Director, guionista y productor, Bertolucci es cuidadoso al extremo; desde los movimientos de cámara, el montaje preciso y la fotografía simbólica. En su obra plasma su visión política, su fascinación por el ser humano, su alma y el psicoanálisis; entre política, sexo y cinefilia. Comienza su carrera con “La commare secca” en 1962, pero gana fama con su siguiente trabajo: “Before the revolution”. Entre sus filmes encontramos “1900” (1976), “The Last Tango In Paris” y “The Last Emperor” (1987) — película que gana nueve premios Oscars, incluyendo Mejor Director y Mejor Película.

La calidad de su trabajo, que aparece ahora en toda su singularidad y en la medida que nosotros la recibimos intacta, la fuerza de su compromiso con el cine y los lasos que unen, hacen a este, para Cannes, el primer premio honorario legítimo. — Gilles Jacob, Presidente, y Thierry Frémaux, Delegado General del Festival de Cannes.

Bernardo Bertolucci recibirá el reconocimiento Palma de Oro Honorario el 11 de mayo, durante la ceremonia inaugural del Festival de Cannes, con la presencia de Robert De Niro como presidente del jurado de la Sección Oficial, Michael Gondry a la cabeza del jurado de la sección Cinéfondation y Emir Kusturica presidiendo al jurado de la sección Un Certain Regard.

Foto: Huffington Post

Tanto la actriz como el fotógrafo estarán presentes en esta edición del festival, pero no por el cartel, sino debido a la proyección de la que fuera su ópera prima como director, “Puzzle of a Downfall Child”, en la que la actriz fuera la protagonista. La película ha sido restaurada recientemente por los estudios Universal y en ella se puede percibir que mantiene sus cualidades como fotógrafo, pues mantiene su sentido del encuadre y de la iluminación —-algo que perdería en su cine de los años ochenta. Precisamente, Jerry Schatzberg sería Palma de oro con su tercera película: “Scarecrow”.

Aunque ya sabemos que el festival será inaugurado por “Midnight in Paris”, aún tendremos que esperar al próximo 14 de abril para conocer su sección oficial. Lo que también podemos recordar es que Robert De Niro presidirá el jurado de la sección oficial y que Michel Gondry presidirá el jurado del programa de cortometrajes y la sección Cinéfondation, y Emir Kusturica, que recibiera una Palma de oro en 1985 por “Otac na sluzbenom putu (Papá está en viaje de negocios)”, que presidirá el jurado de la sección Un Certain Regard. También asistirá a esta edición del festival el actor Jean-Paul Belmondo que será objeto de un caluroso homenaje, tal y como se desprende del comunicado de Gilles Jacob y Thierry Frémaux, presidente y delegado general del festival, respectivamente:

Nos complace que haya aceptado asistir a la velada festiva organizada para rendir tributo a su talento y su trayectoria. La amplitud de su registro, el carisma de su personalidad, la precisión de su interpretación, sus comentarios burlescos y su aspecto desinhibido lo han convertido, junto con Jean Gabin y Michel Simon en uno los actores franceses más importantes de todos los tiempos. Muchas películas están ahí para demostrarlo. No hay duda de que la tribu de los actores franceses, con Jean Rochefort, Claude Rich, Pierre Vernier y Jean Pierre Marielle, sus amigos del Conservatorio, a la cabeza, querrán subir las escaleras de Cannes para rendir homenaje a “Bébel” bajo la ovación de su público de siempre.

La carismática actriz, Mélanie Laurent será la maestra de ceremonias de esta 64ª edición del Festival de Cannes.

La sorpresa hubiera sido que no fuera así, pero se ha confirmado que tanto Terrence Malick como Woody Allen presentarán sus últimas películas, “Midnight in Paris” y “The Tree of Life”, respectivamente, en el próximo festival de Cannes, según confirma Deadline, aunque ambas fuera de la sección oficial, probablemente.

Lo que ahora mismo es incierto es si Fox Searchlight, distribuidora de la película, realizará proyecciones previas al festival en los Estados Unidos, dada la cercanía del lanzamiento de la película en Francia, entre los días 11 y 22 de mayo. Quizás se reserven para realizar un estreno mundial en Cannes para darle un espaldarazo a través de todos los medios de comunicación congregados para dar cobertura al festival, tal y como sucediera el año pasado con el “Robin Hood” de Ridley Scott.

Protagonizada por Sean Penn y Brad Pitt, se había especulado desde hace casi un año sobre la fecha de estreno de “The Tree of Life”, recordemos que Terrence Malick está incluso involucrado con su siguiente proyecto. Cierto es que la Riviera francesa ha sido el lugar idóneo para el proyecto, pero no estaba lista en la pasada edición, aunque el delegado del festival, Thierry Fremaux, viera una copia de la película y decidiera incluirla el año pasado. Desde entonces se habían barajado otros puntos habituales del esquivo cineasta como Telluride, Toronto, Sundance o hasta South By Southwest, dado que la residencia de Malick está fijada en Texas. Tribeca no parecía un punto de partida lo suficientemente importante, así que volvieron a Cannes, lugar más que idóneo para el cine de autor.

Aunque todavía no se sabrá hasta el próximo mes las películas que estarán incluidas en la sección oficial, sí se ha marcado la película que abrirá el festival: “Midnight in Paris”, la nueva película de Woody Allen. Tortas se van a dar en la Croisette para conseguir una entrada para ver a la primera dama francesa, Carla Bruni, en la película, más que para acudir a la cita anual y obligada con el cineasta neoyorquino. Fijo.

El Festival de Cannes se caracteriza por la cuidada selección de los miembros de su jurado, que en su 64ª edición, a celebrar entre el 11 y el 22 de mayo, estará presidido por el actor, director y productor Robert De Niro.

EL Festival de Cannes es una excepcional oportunidad para mí de participar en uno de los mejores y más antiguos festivales de cine del mundo. Habiendo sido presidente del jurado dos veces en lso años ochenta, sé que no es una tarea fácil para mí o mis compañeros del jurado, pero me siento honrado y feliz de liderar el jurado de la edición del Festival de Cannes de este año.

No extraña que De Niro tenga tan buen recuerdo de un festival en el que han comparecido ocho de las películas en las que ha trabajado, siendo premiadas dos de ellas: “Taxi Driver” que fue Palma de Oro en 1976, y “The Mission”, que lo fue diez años después. Además tiene sobrada experiencia en el campo de los festivales pues él mismo fuera co-fundador del Tribeca Film Festival.

Tengo una alta estima por el jurado, que sirve un importante cometido al elegir los filmes que están representados en el mundo del cine en su cota más alta, y este tipo de festivales ayudan a conectar la comunidad cinematográfica internacional y tienen un impacto cultural que perdura en el tiempo.

El polifacético cineasta neoyorquino es el tercer estadounidense que preside el jurado de Cannes en los últimos diez años en los que le precedieran en el mismo lugar Tim Burton y el también polifacético, Sean Penn. Precisamente este ultimo va a ser homenajeado con el Stanley Kramer Award por parte del gremio de productores, PGA, el próximo sábado 22 de enero en su ceremonia anual.

El premio Stanley Kramer se establece en el año 2002 para homenajear a una película, un productor u otra persona cuyos logros y contribuciones iluminen sobre cuestiones sociales controvertidas amoldándolas y haciéndolas accesibles. Considerado dentro de la industria como la “Conciencia de Hollywood”, el productor y director Stanley Kramer estuvo detrás de filmes tan respetados y exitosos como “The Caine Mutiny”, “High Noon”, “The Defiant Ones”, “Judgment at Nuremberg” o “Guess Who’s Comino for Dinner”.

Hasta la fecha, sólo películas han sido las galardonadas con este premio: “The Great Debaters”, “An Inconvenient Truth”, “Hotel Rwanda”, “Innocent Voices”, “In America”, “Antwone Fisher” y “Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire”, lo que convierte a Sean Penn en la primera persona que recibe este premio honorífico. Precisamente la primera película que recibiera el galardón fuera una protagonizada por el propio Penn: “I Am Sam”.

Sean Penn es un activista comprometido que ha utilizado su extraordinario talento e influencia para arrojar luz sobre historias de gran alcance, causas e individuos a través de cine, prensa y organizaciones globales humanitarias, según afirma Paula Walker, presidenta de los Premios del gremio de Productores de 2011. Nuestra enhorabuena a ambos.

Vía: Collider & Deadline | Fotos: 20 Minutos The Hollywood Reporter

Woody Allen ha escogido la localidad asturiana de Avilés para estrenar, el 24 de agosto, su última película, “You Wil Meet A Tall Dark Stranger” en España, cuyo cartel y tráiler nos mostrara Alberto. Se trata de la misma ciudad donde ya realizara un pase privado de “Cassandra’s Dream” y donde localizara algunas de las secuencias para “Vicky, Cristina, Barcelona”.

Confirmada la presencia de Woody Allen, también estarán las actrices Lucy Punch y Gemma Jones, estando todavía pendiente de confirmación la presencia de Antonio Banderas, quien está a punto de comenzar el rodaje de “La piel que habito”, en lo que será su reencuentro con Pedro Almodóvar, después de “Átame” —-director que le diera el trampolín para lanzarse a la aventura de Hollywood—-, y con el cine español, después de “Two Much” —-en la que conociera a Melanie Griffith, su actual compañera y madre de sus hijos—-, al menos en su faceta de actor, pues como director sí que estuviera rodando por estos lares “El camino de los ingleses”.

Producida por Mediapro, Versátil Cinema y Gravier, en asociación con Antena 3 Films —-quien nos iba a decir que algún día podríamos hablar de una película de Woody Allen como si fuera española, aunque esté rodada en inglés—-, “You Will Meet A Tall Dark Stranger” fue presentada fuera de concurso en el pasado Festival de Cannes, donde recibiera críticas favorables. El filme cuenta en su reparto, además de los ya nominados, con Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin y Freida Pinto. El estreno en el resto de cines españoles será tres días después, el 27 de agosto. No seré yo el que falte a la cita, ¿donde estarás tu?

Vía: Hoy Cinema | Foto: Demasiado Cine

Presentada en la sección Un certain regard de la pasada edición del Festival de Cannes y fiel a su compromiso con la realidad y la denuncia social, Pablo Trapero nos trae con “Carancho” un visceral retrato de un tipo que se alimenta de lo que encuentra en la carretera, igual que el ave rapaz a la que alude el título.

Sosa (Ricardo Darín) y Luján (Martina Gusman) se conocen en un accidente de tráfico, Sosa ha sido testigo del mismo, mientras que Luján es la médico que llega con la ambulancia. La atracción es mutua, a lo que en un segundo encuentro, Luján accede a una cita que acaba en cama. Tras la aparente consolidación de su relación, a un tiempo coincidirán en otro accidente, provocado por Sosa para que un tercero pueda cobrar dinero del seguro, pero algo sale mal, el accidente es más serio de lo que se pretendía, además de que Luján no acepta los métodos de Sosa, a pesar de que ella tiene sus secretos propios. Sin embargo ya es tarde, están juntos para lo bueno y para lo malo.

“Carancho” es un fascinante filme que cuenta una historia auténtica y real como la vida misma, pero como si hiciera una revisión de los clichés del cine de género, aunque a través de un acercamiento mucho más humano, moderno y contemporáneo, alejado de la inverosimilitud de un producto prefabricado y resultando un filme veraz, creíble y tremendamente visceral, que no se permite realizar un juicio ni sobre los personajes, ni sobre sus decisiones, sino tan sólo nos muestra lo que sucede, dejando que el público decida si estos desgraciados se merecen lo que obtienen.

La historia nos muestra dos vidas, dos mundos, uno devuelve la vida a los que han tenido un accidente y el otro saca provecho de la muerte. Dos personajes cargados de contradicciones y contrastes en los que el abogado defiende que trata con humanidad a sus clientes, cuando los médicos deben distanciarse de ellos para poder afrontar el día a día de un trabajo con tremendas secuelas psicológicas. Ambos trabajos sí tienen una cosa en común, las drogas que adormecen los sentidos para poder fingir un accidente en unos, sirven para contrarrestar la carga psicológica en los otros.

Debo admitir que Ricardo Darín, siendo un actor cargante en algunos de sus personajes, se muestra tremendamente eficaz en los casos, en los que como este, representa a un personaje cualquiera, que se gana la vida como puede, aunque su interpretación no pasa más allá de lo correcto. La que se merece todos los elogios es, sin duda, Martina Gusman, por la gran elasticidad emocional que nos ofrece con su personaje, que sin mostrarnos los motivos de su drogadicción nos permite entenderle, admitirle tal y como es y perdonar sus errores.

Estas dos interpretaciones podrían habernos pasados desapercibidas si no fuera por la “cámara ojo” de Pablo Trapero que se pega a sus personajes mostrándonos todo su entorno lo más cerca posible a ellos, a través de planos detalle, medios y primeros planos. Los planos generales son, apenas, utilizados en las localizaciones exteriores, y sólo para mostrarnos la acción correctamente, o el personaje se haya alejado del lugar y lo esté observando desde sus punto de vista, desde lejos.

La luz naturalista, deprimente en muchos casos por desarrollarse la acción de noche o en interiores, contribuye a identificarnos con el estado de ánimo de los personajes, con su cansancio, y el teleobjetivo utilizado por Julián Apezteguia nos ayuda a que no nos distraigamos con lo superficial, con el entorno, para que permanezcamos atentos al mundo de los protagonistas, sin percibir más allá de lo que ellos ven, de lo que sienten. No existe otro mundo más allá, otra realidad, otros problemas, tan sólo los suyos.

“Carancho” incluye también una sutil y elegante alusión a otro título que sí fuera de cine negro, aunque no dentro del sistema de producción industrial norteamericano y , ciertamente, constituyera una acercamiento inusual, psicológico, a unos personajes que en la época del cine clásico eran abordados en forma de estereotipo, algo que ya se encargara de remediar John Huston en los años cuarenta con esos personajes de chicos malos buenos, y que Stanley Kubrick perfecciona en “The Killing”, la alusión en cuestión.

Fotos: Film Affinity Otros Cines Demasiado Cine

Como si de aquella fábula de Esopo se tratase, El roble y la caña, en la que un prepotente roble se creía invencible frente a una insignificante caña capaz de doblegarse a los designios de la climatología, se mantienen en la cartelera española los más cañeros títulos independientes marcando terreno frente al gigante comercial del cine americano.

Al contrario que los estrenos de grandes superproducciones que suelen acaparar la atención del espectador ansioso en conocer los resultados definitivos de su secuela favorita, remake, adaptación de cómic o videojuego, logrando ingresos millonarios en las primeras semanas y desinflándose en cuanto surgen los primeros comentarios negativos del blog que suele consultar; el cine pequeño, ya sea el independiente norteamericano, europeo, latinoamericano o de cualquier cine periférico, se mantiene en cartelera doblegándose a las inclemencias del tiempo y la crisis y logrando, en proporción a su inversión, mejores resultados en taquilla.

“Two Lovers”, “Io sonó l’amore (Yo soy el amor)”, “Pièce montée (El pastel de boda)”, “Le concert”, “Darbareye Elly (A propósito de Eli)”, “Kynodontas (Canino)” o “La nana” se mantienen en cartelera convirtiéndose en las reinas del cine independiente, un cine de autor que busca la expresión artística de sus creadores e intenta llegar al corazón del espectador, más que a su bolsillo.

El bloque mejor posesionado es el cine europeo en el que “Two Lovers”, después de un pobre resultado internacional, obtiene en España los mejores resultados de crítica y público junto a los que consiguiera en Francia y EE.UU. Igual suerte a corrido la cinta italiana “Io sonó l’amore” que gracias a las buena críticas y el boca a boca del espectador se mantiene en un promedio de 2.100€ por sala, lo que permite augurar una previsión de 35.000€.

Algo más alejada de estas cifras se encuentra la ligera comedia francesa “Pièce montée” que dirigida a un público mayoritariamente femenino, se ha visto perjudicada por el estreno de “Sex and the City 2”. Otro título francés, “Le concert”, decae un 10%, aunque no debe suponer demasiada decepción para sus productores al llevar recaudados 1,44 millones de euros tras sólo doce semanas en cartel.

La otra cara de este optimista panorama se lo debemos atribuir a “Rabia”, que a pesar de llegar avalada por el premio a la mejor película en el Festival de Málaga, la presencia en su reparto de Concha Velasco y el mediático nombre de Guillermo del Toro avalando la producción, no ha despertado el interés previsto por sus productores viviendo una escasa repercusión en taquilla reforzada por unas críticas poco favorables.

Dentro de este panorama destacan tres títulos estrenados en circuitos minoritarios tan sólo reservados al cine en versión original subtitulada, un público más culto y atento a propuestas arriesgadas, alternativas y personales como proponen la iraní “Darbareye Elly”, que sin duda debe haberse visto beneficiada por la polémica sobre el cine iraní a propósito de la excarcelación de Jafar Panahi y otros cineastas iraníes; la griega “Kynodontas”, cuya balanza se ha visto beneficiada por el éxito en el pasado Festival de Cannes y una excelentes críticas, al igual que la chilena “La nana”, que incluso se ha visto favorecida por un incremento de espectadores con respecto a la semana anterior.

No puedo dejar de resaltar el caso de “Io sonó l’amore”, que no sólo se ha mantenido en las salas de grandes ciudades como Madrid y Barcelona, mucho más habituadas al cine independiente y en versión original, sino que lo ha hecho también el las salas de cines de capitales de provincias, lo que demuestra claramente el favor del público y la eficacia del boca a boca.

Aplaudo desde aquí a los espectadores que no buscan sólo un entretenimiento vacuo, liviano, espectacular pero insustancial que se olvida en el mismo momento en que se encienden las luces de la sala.

Animo a aquellos que, por miedo al aburrimiento, prejuicio o, simplemente, desconocimiento, no se hayan atrevido a asomarse a las ventanas de culturas muchos más cercanas a la nuestra que la norteamericana, probando con, al menos, uno de los títulos aquí mencionados.

Ni uno sólo de estos títulos os defraudará.

Vía: Boxoffice | Fotos: The Jamison Dublin International Film Festival Wonders in the dark Electric Sheep Noticias Secretas

Tras las primeras imágenes de “Tamara Drewe“,nos llega el tráiler internacional de esta nueva adaptación al cine de la novela gráfica de Posy Simmonds protagonizada en la pantalla por la actualísima Gemma Arterton.

Tamare Drewe es una sexy periodista que regresa a su pueblo natal, donde produce un gran alboroto entre todos los habitantes del lugar a causa de un imán que atrae tanto a hombres como a mujeres, desencadenando oscuras pasiones y tragedias absurdas.

Puede que denominarlo novela gráfica en vez de cómic sea un intento de hacer parecer su origen más intelectual, pero no cabe duda que podríamos encontrar inusual una adaptación de este tipo por parte de Stephen Freas, siendo, por otro lado, un hecho que inspira algo de confianza tras las mil quinientas adaptaciones absurdas de esta modalidad literaria que vienen fructificando en el celuloide. También habría que recordar, que aunque Stephen tenga su edad, siempre se ha reconocido por su cercanía a conflictos contemporáneos, reales y actuales, desde su cine más reivindicativo como “My beautiful Laundrette” o “Sammy and Rosie Get Laid”, sus adaptaciones de época, totalmente actuales, como “Prick Up Your Ears” o “Dangerous Liaisons”, sus fieles retratos de la realidad contemporánea como “The Snapper”, “The Van” o “The Queen”, o sus actualizaciones de género como “The Grifters”, “Hero” o “Dirty Pretty Things”.

Presentada fuera de concurso en el pasado Festival de Cannes, parece ser que Stephen Frears se limita a traducir en imágenes el guión de Moira Buffini, quien sigue al pie de la letra la historia de Posy Simmond, a su vez basada en una colección de cómics publicada por primera vez en el periódico británico The Guardian, en favor del humor y el lucimiento de los integrantes de un reparto coral coronado por la mencionada Aterton, prometiendo una obra ligera, amena y, ante todo, divertida.

Vía: El Séptimo Arte Fotos: Critictoo Cinéma

Avalado por multitud de premios entre los que se encuentra el Premio Un Certain Regard del Festival de Cannes, el de mejor película en el de Sitges y cinco premios de la Academia Cinematográfica Griega, llega “Kynodontas”, “Canino” en España y “Dogtooth” para el mercado anglosajón, dispuesta a hincar el diente al espectador desprevenido, tal y como se comentaba aquí mismo anteriormente.

En un lugar apartado de cualquier vestigio de civilización, limitada por una alta valla que impide la huida y la visibilidad, con jardín y piscina, se encuentra la casa de una peculiar familia en la que el único que sale del hogar familiar es el patriarca, quedando confinados voluntariamente su esposa e involuntariamente su hijo y dos hijas. Periódicamente sólo una persona penetra el recinto, se trata de Christina quien tiene como objetivo satisfacer sexualmente al hijo varón, aunque ella se toma licencias sobre la hija mayor.

En un ambiente enrarecido y sorprendente, se desarrolla la trama del tercer trabajo de Giorgos Lanthimos, un insólito filme que consigue ser tan hilarante como terrorífico. Para bien o para mal, nadie queda impasible ante la historia de esta familia, una fábula que demuestra la tiranía de la ignorancia bajo la que viven los tres vástagos de este núcleo familiar en el que sólo el padre y la madre deciden lo que está bien y lo que está mal, lo que es verdad y lo que es mentira, funcionando a la perfección como una metáfora tanto de las relaciones familiares, como de las sociales dentro de cualquier país.

El padre de “Kynodontas” es capaz de formar a sus hijos en un mundo inventado, creado especialmente para ellos en el que cualquier amenaza externa es explicada de manera tan insólita como inmediata, como un avión que sobre vuela el terreno se convierte en un juguete inalcanzable o un gato que penetra el recinto un peligroso animal salvaje. Ayudado por la madre crea un mundo ficticio en el que los peces se materializan espontáneamente en la piscina o pisar el suelo, más allá de la verja de entrada, entraña terribles consecuencias para el que lo intenta. El miedo impera en un entorno en el que mentir te delata al instante, pues sólo padre y madre conocen la verdad, aunque no sean testigos del suceso ocurrido.

En los juegos del hijo y las hijas aflora el absurdo de la situación —-particularmente hilarante resulta el juego de utilizar cloroformo para dormirse ganando el que más tarde en despertarse—-, seguido de la inevitable violencia. Estos pobres personajes acaban realmente convertidos en animales irracionales, respondiendo a estímulos y amenazas externas como tales. Quizás la hermana mayor, contaminada por algo que ha visto en un vídeo prohibido, haya podido entrever lo que se le ha negado, pero de nada le sirve una estrategia que recuerda a, la también salvaje, “Narayama-bushi kô (La balada de Narayama)” y precipita un final tan abierto como desolador, desconcertante y poco esperanzador.

Impresiona la notable y sublime interpretación de todos y cada uno de los integrantes del reparto, resaltando especialmente los perros —-los hijos—-, Aggeliki Papoulia, Hristos Passalis y Mary Tsoni, que se lanzan sin miedo a un ejercicio de interpretación absolutamente experimental en el que los gestos y la asimilación de los movimientos caninos alcanzan niveles de interpretación comparables a lo que se pueda ver en teatro, pero ciertamente, muy inusuales en el cine.

Esta fábula del conocimiento no hace más que realzar lo desamparado que el ser humano puede estar en un medio natural, inhóspito, alejado de la sociedad, al ser un animal, no igual, sino más irracional que cualquier otro. El hombre es un animal desvalido que cuando nace necesita de un guía que le indique el camino, le eduque y le enseñe. Por el contrario, en una secuencia tremendamente reveladora en la que el perro, que ha sido llevado a adiestrar por un especialista, no responde a la llamada del padre, su amo, muestra que el instinto animal puede ser más perspicaz que el humano en uno de los momentos, por claros y contundentes, más terroríficos del filme.

Es inevitable, quizás, aludir al tipo de cine psicológico y social que hace Michael Haneke, personalmente me recuerda la que fuera su primera película “Der siebente Kontinent (El séptimo continente)”, pues igual que en aquella los planos son incómodos al no encuadrar los personajes, sino los espacios, quedando personas, a veces, fuera de plano, o con las cabezas cortadas, resaltando que no son importantes, deshumanizándolos. Cuanto más pienso sobre ello más miedo me da. También es casual que ambos directores estuvieran el mismo año en Cannes, llevándose Haneke la Palma de Oro por “Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte” y Lanthimos el de Un certain regard girando ambas cintas en torno a la educación.

También alude “Kynodontas” a un sabio griego, a Platón, pues puede apreciarse las reminiscencias al mito de la caverna, en la que el hijo y las dos hijas son los que viven en lo más oscuro y profundo de la caverna, aprovechando el padre y la madre, al haber salido de la cueva y haber visto la luz, a dominar y tiranizar a sus propios hijos haciéndoles creer que son perros. Indudablemente, también puede verse como una parábola política en este planteamiento en el que los hijos somos todos y el gobierno son los padres que dictan lo que tenemos que creer o considerar como bueno. No hace falta poner ejemplos, pues yo creo, a diferentes niveles, todavía sucede, en cualquier país.

Foto: La Butaca.Net Dogtooth

La sexagésima tercera edición del Festival de Cannes llega a su fin después de doce días de galas, glamour, inconvenientes, lluvia de cenizas —- por la “intervención” de Eyjafjallajökull —- y horas de proyecciones de la mejor selección de obras cinematográficas. Para dar cierre con broche de oro, el jurado oficial del festival —- presidido por Tim Burton —- dio a conocer la lista de ganadores en todas sus categorías.

Kristin Scott Thomas dirigió la ceremonia en el Grand Théâtre Lumière donde se anunciaron un total de dieciséis premios —- en algunos casos empates —-. Al finalizar la entrega, se proyectó como película de clausura “The Tree”, de Julie Bertuccelli.

Dentro de los largometrajes en competencia, el premio máximo, Palme d’Or, fue otorgado al tailandés Apichatpong Weerasethakul, por “Loong Boonmee raleuk chat” —- producción que tiene como título internacional “Uncle Boonme Who Can Recall His Past Lives” —-. El considerado segundo premio, el Grand Prix, quedó en manos del francés Xavier Beauvois, con “Des Hommes et Des Dieux” —- “Of Gods and Men” —-. El también francés Mathieu Amalric recibió el premio a Mejor Director por su trabajo en “Tournée” —- conocida como “On Tour” —- mientras que el Premio del Jurado lo obtuvo el chadiano Mahamat-Saleh Haron por “Un Homme Qui Crie”.

Entre los premios de actuación, encontramos un empate a Mejor Actor entre Javier Bardem y su actuación en “Biutuful” (Alejandro González Inárritu, 2010) y Elio Germano en “La Nostra Vita” (Daniele Luchetti, 2010). Juliette Binoche —- figura del presente festival —- recibe el reconocimiento a Mejor Actriz por su interpretación en “Copie Conforme”, de Abbas Kiarostami. Y, el premio a Mejor Guión fue entregado a Lee Chang-dong, por “Poetry”, largometraje que también dirige.

Largometrajes en Competencia

• Palme d’Or: Apichatpong Weerasethakul, por “Loong Boonmee raleuk chat”

• Grand Prix: Xavier Beauvois, con “Des Hommes et Des Dieux”

• Premio al Mejor Director: Mathieu Amalric, por “Tournée”

• Premio del Jurado: Mahamat-Saleh Haron por “Un Homme Qui Crie”.

• Premio al Mejor Actor: Javier Bardem “Biutuful”, de Alejandro González Inárritu
  en empate con: Elio Germano, “La Nostra Vita”, de Daniele Luchetti

• Premio a la Mejor Actriz: Juliette Binoche, “Copie Conforme”, de Abbas Kiarostami

• Premio al Mejor Guión: Lee Chang-dong, por “Poetry”

Cortometrajes en Competencia

• Palme d’Or: “Chienne d’histoire”, Serge Avedikian

• Premio del Jurado: “Micky Bader”, Frida Kempff

Camera d’Or

• “Año Bisiesto”, Michael Rowe

Un Certain Regard

• Premio Un Certain Regard: “Hahaha”, Sang-soo Hong

• Premio del Jurado: “Octubre”, de Daniel Vega y Diego Vega

• Premio a la Mejor Actriz de Un Certain Regard: Adela Sánchez, Eva Bianco, Victoria Raposo en “Los Labios, Iván Fund y Santiago Loza

Cinéfondation

• Primer Premio de la Cinéfondation: “Taulukauppiaat”, de Juho Kuosmanen

• Segundo Premio de la Cinéfondation: “Coucou-les-nuages, de Vicent Cardona

• Tercer Premio de la Cinéfondation: “Hinkerort zorasune”, de Vatche Boulghourjian
  en empate con: “Ja vec jesam sve ono sto zelim da imam”, de Dane Komljen

Via | Foto: Festival de Cannes

Si tengo que elegir entre una película ganadora del Oscar a la mejor película y una película premiada con la Palma de Oro, me voy a ver la de Cannes. No hay color. Siempre me ha parecido que era mucho más elocuente una deliberación entre profesionales de países diversos, de sectores artísticos dispares y que hablan idiomas diferentes, a las votaciones entre colegas de profesión que viven, prácticamente todos, en el mismo pueblo: Hollywood.

Esta disparidad de jurado no impide que, aún así, el Festival de Cannes tenga su propia personalidad y podamos apreciar por su palmares que se decanta por un cine real, veraz, auténtico y tremendamente cercano a la realidad, llegando, incluso, a premiar documentales como “Fahrenheit 9/11”. Es cierto que ha habido incursiones en un cine más artístico como pudieran ser “Pulp Fiction”, “Barton Fink” o “Wild at Heart”, pero en cualquier caso, siempre son obras de un cine independiente que revela la fuerte identidad de sus autores. Curiosamente, y a pesar del merecido reconocimiento internacional que proporciona el Festival de Cannes, casi ninguna —-salvo “The pianist“—- de las películas premiadas con la Palma de Oro ha tenido una gran trayectoria en la carrera del Oscar, a pesar de que el paso del tiempo las haya tratado mucho mejor que cualquier blockbuster premiado con 9, 10 u 11 estatuillas.

Pero ¿quienes eligen los premios? ¿quienes deciden las películas que iremos a ver al cine al año siguiente porque tienen la ramita de laurel en su cartel de promoción? Propongo que les echamos un breve vistazo.

Giovanna Mezzogiorno es una actriz romana presente en ediciones anteriores del festival con “Vincere” y “Palermo Shooting”, lamento sinceramente no haber visto ninguna de sus películas pero ojeando algunos de los directores con los que a trabajado como Josée Dayan, Gabriele Muccino, Ferzan Ozpetek o Wim Wenders, no me cabe ninguna duda de la calidad de su trabajo, entre otras cosas porque ha tenido la oportunidad de trabajar en trabajos internacionales de muy diferente envergadura, mostrando su versatilidad y capacidad para trabajar en muy diversos entornos y nacionalidades y demostrando estar plenamente capacitada para la labor aquí encomendada.

Shekar Kapur es un director hindú —-pakistaní si nos atenemos al mapa político actual de su zona de origen—- reconocido internacionalmente primero por “Bandit Queen”, y después en todo su esplendor estético por “Elizabeth” y su secuela. Con una relativamente breve trayectoria como cineasta, ha demostrado ser un director con una fuerte personalidad artística, con la mirada puesta en personalidades femeninas que no se dejan someter, que consiguen salir a flote tomando las riendas de su vida y que asumen las consecuencias de sus propias decisiones. Sin duda inclinará la balanza por historias reales —-casi todas sus películas lo son—-, pero siempre atento a la estética y el aspecto visual de la obra.

También breve y contundente es la filmografía del cineasta español, “Víctor Erice”, presente con todas sus obras en alguna sección del Festival de Cannes, entrando en competición con “El sur” y con “El sol del membrillo”, alzándose esta última con el Premio del Jurado y el FIPRESCI. Erice aúna las dos vertientes que caracterizan el festival siendo un cineasta absolutamente artístico y personal, por un lado, y realista y casi antropólogo del ser humano, por el otro. Político y comprometido siempre con las cinematografías periféricas, empuñará seguro una lanza en favor de las cinematografiáis periféricas y menos concocidas, particularmente con la de Abbas Kiarostami, con quien le une tanto una realidad artística como una original amistad por correspondencia.

Alexandre Desplat es uno de los más solicitados compositores de bandas sonoras del panorama cinematográfico internacional actual. Tras una larga trayectoria en el cine francés comienza su periplo internacional con “Girl with the Pearl Earring”, que incluye nominaciones al Oscar por “The Queen”, “The Curious case of Benjamin Button” y “Fantastic Mr. Fox”, además de haber sido merecedor de un Oso de Plata por “De battre mon coeur s’est arrêté (De latir mi corazón se ha parado)” y de un Globo de Oro por “The Painted Vail”. Presente también en anteriores ocasiones en Cannes con “Quand j’etais chanteur (The singer)” y “Un héros très discret (A self made hero)”, su capacidad para adaptarse y desarrollar bandas sonoras en producciones tanto comerciales como independientes, americanas, europeas, asiáticas, con personales reales o de animación, hacen de él uno de los mejores compositores del cine contemporáneo, además de un perfecto miembro para el jurado del Festival de Cannes.

Poco hace falta decir de Benicio Del Toro, actor portorriqueño que ha sabido desarrollar una intensa carrera sin estar encasillado como hispanoamericano. Dos películas en las que ha participado han estado presentes en el festival, “Sin City” y “Che”, por la que fue premiada en esta última la calidad de su interpretación. Junto con Víctor Erice, pone el sello hispanoamericano en un festival que no suele inclinarse por la presencia de cine hablado en español, ni de incluirlo en su palmarés cuando tiene la ocasión. Ninguna duda sobre su capacidad que, supongo —-y espero—-, intente favorecer a Alejandro González Iñárritu, con el que trabajara en “21 gramms”.

Crítico de cine, novelista, guionista y, finalmente, director de documentales, Emmanuele Carrère, es un parisino presente en el festival por escribir el guión de la que fuera su propia novela, “La classe de niegue”. Junto con Desplat, las únicas presencias francesas en un festival que si acaso ha pecado, ha sido por excesivamente protector con su propia cinematografía.

Kate Beckinsale es una mona actriz londinense que, si bien comenzara con muy buena fortuna en el cine con “Much Ado About Nothing” y participara después en grandes producciones de Hollywood, no destaca por su presencia ni por sus esforzadas interpretaciones, sino más bien por su capacidad para participar en sonados descalabros comerciales —-y artísticos a veces—- como “Pear Harbor” y otras poco rentables producciones comerciales. Su presencia como miembro en el jurado parece deberse a su participación en “The Golden Bowl”, película que no tuvo el reconocimiento artístico característico de otras obras de James Ivory. No es que yo sea supersticioso, pero pudiera decirse que donde Kate pone el ojo no pone la bala. No creo ni que abra la boca.

Conocido mucho más por su intensa labor como crítico en prensa, radio y televisión y activista cinematográfico a través de la Asociación de las de cines de arte y ensayo de Turín, Alberto Barbera dirige el Festival de cine de Venecia a lo largo de 3 años. Presente en Cannes por escribir el guión de una película argentina, “Tarjetas postales (1963)”, puede que sea el menos mediático de todos los miembros del jurado, pero, probablemente, el mejor cualificado y que mayor conocimiento tenga del cine.

Por último tenemos al carismático Tim Burton, quien ostenta el honor de ser el presidente de tan variopinto jurado. Presente anteriormente en Cannes con su obra maestra, “Ed Wood”, Burton tiene en sus manos una gran responsabilidad. ¿Sabrá manejarse sin la influencia de Helena Bonham Carter? ¿Aguantará el visionado de tamaña cantidad de cine realista? En breves días obtendremos la respuesta…

Foto: Cinissimo Festival de Cannes

Como la mirada de los actores, los relatos son eternos. Durante doce días, nos disponemos a compartir juntos la eternidad del cine.

Estas fueron las palabras de la actriz británica Kristin Scott Thomas, encargada presentar la ceremonia de inauguración de la edición número 63 del Festival de Cannes. Inician doce días de proyecciones, galas, conferencias de prensa y presentaciones; días en los cuales los ojos del mundo cinematográfico se centran en un sólo lugar: la costa azul francesa —- y como nos gustaría estar ahí con tal de sentir el cine en su máxima expresión

Durante la ceremonia, realizada en el Grand Théâtre Lumière, se presentó a cada uno de los miembros del jurado encargado de seleccionar a la producción merecedora de la Palma de Oro —- el premio máximo del festival —-. Presidido por el genial Tim Burton, el jurado se conforma por:

El italiano Alberto Barbera, crítico cinematográfico y director del Museo nazionale del Cinema di Torino; la actriz británica Kate Beckinsale; el francés Emmanuel Carrère, crítico, guionista y director; el actor puertorriqueño Benicio del Toro; el francés Alexandre Desplat, compositor de películas como “Un prophète” y “Fantastic Mr. Fox”; el director español Víctor Erice; el director hindú Shekhar Kapur, y; la actriz italiana Giovanna Mezzogiorno.

Los profesionales del cine tienen como objetivo no tener ideas preconcebidas. Comenzamos este Festival con un espíritu abierto y una compasión por todos los directores de las películas que se van a presentar. Esperamos que este viaje nos sorprenda. Lo que importa es sentir el cine, debatirlo, ver cómo nos afecta en el plano intelectual o emocional. —- Tim Burton, en conferencia de prensa.

Además de conocer a los hombres y mujeres encargados de elegir al gran ganador del premio máximo del festival, la inauguración fue el marco perfecto para que los actores Russell Crowe y Cate Blanchett —- y en la ausencia del director Ridley Scott, por motivos de salud —-, presentaran, en première, la producción hollywoodense “Robin Hood”, una de las seleccionadas fuera de competencia y que marca el regreso de Scott al festival después de la presentación de “Thelma & Louise” en 1991.

Ha habido muchas versiones de la película “Robin Hood”. Pero creo que ninguna llega a restituir suficientemente el lado humano del personaje. Lo que queríamos, sobre todo, era mostrar el verdadero rostro del personaje. Lo que hay que hacer, es tratar de estimular la curiosidad de la gente.—- Russell Crowe, en conferencia de prensa.

Y así es como en Cannes se vive el cine, en el festival internacional más importante, dónde existe el glamour de las estrellas y la magia del lenguaje universal que da vida al cine, —- desde el cine de autor hasta las grandes producciones —-. Un foro en el que podremos rescatar títulos que en algún momento —- esperemos que pronto —- podremos disfrutar.

Vía | Foto: Festival de Cannes

El que probablemente sea el festival de cine más importante del mundo, acaba de hacer pública su programación con el listado de películas que competirán por la preciada Palma de Oro. Como cada año, auténticos pesos pesados del séptimo arte se batirán en duelo. Entre los seleccionados de este año se encuentran directores como Alejandro González Iñarritu, Takeshi Kitano, Mike Leigh, o Bertrand Tavernier (que compite con dos películas).

Fuera de competición se podrán ver también películas tan esperadas como el “Robin Hood” de Ridley Scott, “You Will Meet a Tall Dark Stranger” de Woody Allen o “Wall Street: Money Never Sleeps” de Oliver Stone

En la sección “Una cierta mirada” se estrenarán también los últimos trabajos de Manoel de Oliveira, Jean-Luc Godard o Stephen Frears. El jurado, formado por estrellas de la talla de Tim Burton, Kate Beckinsale o Benicio del Toro tendrá la durísima tarea de separar las joyas más valiosas del auténtico tesoro que es la programación de este año. El listado completo de películas es el que sigue.

Sección Oficial

‘Autoreiji’ de Takeshi Kitano
‘Copie conforme’ de Abbas Kiarostami
‘La nostra vita’ de Daniele Luchetti
‘The Princess of Montpensier’ de Bertrand Tavernier
‘Tournée’ de Mathieu Amalric
‘Outside the law’ de Rachid Bouchareb
‘The Housemaid’ de Im Sang-soo
‘Un homme qui crie n’est pas un ours qui danse’ de Mahamat Saleh Haroun
‘La Princesse de Montpensier’ de Bertrand Tavernier
‘Fair Game’ de Doug Liman
‘Another year’ de Mike Leigh
‘Biutiful’ de Alejandro González Inárritu
‘Poetry’ de Lee Chang-Dong
‘Des hommes et des dieux’ de Xavier Beauvois
‘Hors-la-loi’ de Rachid Bouchareb
‘You, my joy’ de Sergeï Loznitsa
‘Quemado por el sol 2’ de Nikita Mikhalkov
‘Loong Doonmee Raleuk Chaat’ de Apichatpong Weerasethakul

Fuera de competición

“Robin Hood” de Ridley Scott
“You Will Meet a Tall Dark Stranger” de Woody Allen
“Wall Street: El dinero nunca duerme” de Oliver Stone

Un Certain Regard

‘Blue Valentine’, de Derek Cianfrance
‘O estranho caso de Angélica’, de Manoel de Oliveira
‘Les amours imaginaires’, de Xavier Dolan
‘Los labios’, de Ivan Fund y Santiago Loza
‘Qu’est-il arrivé à Simon Werner?’, de Fabrice Gobert
‘Film Socialisme’, de Jean-Luc Godard
‘Unter dir die Stadt’, de Christoph Hochhäusler
‘Rebecca. H (return to the dog)’, de Lodge Kerrigan
‘Pál Adrienn’, de Agnes Kocsis
‘Udaan’, de Vikramaditya Motwane
‘Marti, Dupa Craciun’, de Radu Muntean
‘Chatroom’, de Hideo Nakata
‘Aurora’, de Cristi Puiu
‘Ha ha ha’, de Hong Sangsoo
‘Life above all’, de Oliver Schmitz
‘Octubre”, de Daniel Vega
‘R U there’, David Verbbek
‘Rizhao Chongqing’, de Xiaoshuai Wang

Vía y Foto: El País

Desde hace siete años, la ciudad de Morelia -capital de Michoacán, México- ha sido sede de uno de los festivales cinematográficos más importantes del país. El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) nació con el propósito de apoyar a los jóvenes talentos mexicanos, creando un foro para proyectar las nuevas propuestas del cine nacional. A pesar de su corta vida, el festival ha tomado fuerza, teniendo reconocimiento a nivel internacional.

Además de ser considerada una plataforma para nuevos talentos mexicanos, el FICM es un espacio que muestra lo mejor de la cinematografía mundial. Cuenta con una vinculación directa con el Festival de Cannes, con quien realiza un intercambio de filmes seleccionados. Por primera ocasión el festival cuenta con un país invitado, siendo Rumania el que inicia con esta tradición. Se programó una selección de largometrajes y cortometrajes de dicho país, incluyendo la presentación espacial de Independenta Romaniei, primer largometraje rumano.

La actual edición -llevada a cabo del 3 al 11 de octubre- contó con la presencia de Quentin Tarantino, quien inauguró el festival con el estreno en México de su último largometraje, Inglorious Basterds. Además de está película, se presentaron otros filmes de nivel internacional como: Los Abrazos Rotos, Bellamy, The Informant!, New York, I Love You, Taking Woodstock y Tetro, por mencionar algunos.

Los ganadores, dados a conocer durante la ceremonia de premiación y clausura el pasado sábado 10, fueron: Mejor Largometraje Documental Mexicano, Presunto Culpable de Roberto Hernández y Geoffrey Smith; Mejor Cortometraje Documental Mexicano, El Suicidio del Tiempo: Pável González de Daniel González Olvera; en la Sección Michoacana, el cortometraje Nebraska de Adrián Ortíz; Mejor Cortometraje de Animación, ¿Y el agua? de Dominique Jonard; Mejor Cortometraje de Ficción, Señora Pájaro de Véronique Decroux. Por último, el premio a Mejor Largometraje Mexicano fue para Alamar de Pedro González-Rubio, película que también se llevó el Premio del Público para Largometraje en Competencia.

Vale la pena mencionar que el FICM es un festival reconocido por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Hollywood por lo que los cortometrajes ganadores pueden ser considerados como candidatos a las categorías correspondientes para las nominaciones de los Oscares del 2010.

El Festival Internacional de Cine de Morelia se clausuró con la proyección de The Imaginarium of Doctor Parnassus (Terry Gilliam, 2009), largometraje que actualmente se ha presentado sólo en el marco de festivales cinematográficos de la talla de Cannes, Munich, San Sebastián y Toronto. Para finalizar con las actividades, el domingo 11, se proyectaron las películas ganadoras, además de largometrajes seleccionados por el público.

Vía: FICM | Foto: Filmeweb

“Amerrika” es una coproducción entre Estados Unidos, Canadá y Kuwait, dirigida por Cherien Dabis y ganadora del premio FIPRESCI de la Quincena de Realizadores del último Festival de Cannes. La película participará también en sección oficial en la cercana SEMINCI y se estrenará en España el próximo 15 de enero de 2010.

En “Amerrika”, la vida de Muna (Nisreen Faour) transcurre entre la pesadez diaria de los puntos de control de Cisjordania y la sombra de un matrimonio fracasado, pero todo cambia cuando obtiene un permiso de trabajo y residencia para EE.UU. Sabiendo que es la única manera de conseguir un futuro mejor, Muna y su hijo adolescente, Fadi (Melkar Muallem), dejan Palestina en busca de una nueva vida en una pequeña ciudad de Illinois. La hermana de Muna, su marido y sus tres hijas, instalan a los recién llegados en su casa. Allí tendrán que esforzarse por encajar en una nueva cultura sin perder la propia, enfrentándose a un entorno que, tras la invasión de Irak, mira con desconfianza a todo Oriente Medio

Según su directora, “Amerrika” cuenta “las vidas de una familia americana palestina que vive en el Illinois rural durante la invasión de Irak de 2003. Exponiendo las actitudes que el patriotismo de guerra aviva, la película resume la búsqueda humana de la aceptación y de la pertenencia; una búsqueda profunda y eterna, aunque en ocasiones difícil de alcanzar”. Al parecer, el argumento está totalmente inspirado en la experiencia familiar de la propia Cherien Dabis, que por otro lado ha fijado sus objetivos como directora en el cine de John Cassavetes, Mike Leigh y Robert Altman. Interesante y apetecible.

Vía y foto: Festival Films

Algunos de los comentarios vertidos por los críticos destinados en el Festival de Cannes han hecho mella en los jefazos de la Universal, que han pedido a Quentin Tarantino que retoque el montaje de su Malditos bastardos para contentar a los más exigentes, que achacan al director de Kill Bill haberse olvidado de la acción en una película que, según ellos, flojea en cuanto al ritmo. Al parecer, Tarantino ha accedido a la petición e introducirá algunas escenas de acción que en un principio había descartado. El principal problema será que para incluirlas tendrá que suprimir el papel de Maggie Cheung, con la que aseguran que ya se ha puesto en contacto para comunicarle el cambio de planes.

Conclusión: que Tarantino tendrá que pasar por el aro de los directivos de Universal y  que los fans del director de Pulp Fiction verán un montaje diferente al que se proyecto en Cannes. No es la primera vez que ocurre. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, los críticos tienen mucho poder en el mundo del cine.

Vía: Tarantino tendrá que pulir a sus ‘bastardos’ | Foto: cinepalomitas.com

Hace unos días en el Festival de Cannes Brad Pitt comentó cómo arreglaron con el director Tarantino lo de su participación en Inglorious Basterds, y gracioso fue cuando Pitt contaba: “A la mañana siguiente recuerdo que había cinco botellas de vino vacías en el salón. Al parecer había aceptado rodar la película”.

Si bien ambos “se tenían ganas” para trabajar juntos desde hace tiempo, parece que Pitt necesitó estar poco consciente para aceptar la propuesta. En esta película Brad Pitt interpreta a un militar americano que tiene como objetivo vengar a los judíos matando a algunos nazis.

Inglorious Basterds se encuentra como candidata para ganar la Palma de Oro, recordemos que Tarantino ya había ganado esta Palma en 1994 con “Pulp Fiction”, película que además ganó tres Oscars en ese mismo año. ¿Tendrá suerte este año con “Malditos Bastardos”? Yo no le tengo mucha fe…

El video en el que se ve a Pitt confesando sobre los vinos no se puede insertar pero les dejo el link: Video de La presentación de Inglorious Basterds en Cannes

Vía: Pitt aceptó trabajar con Tarantino gracias a cinco botellas de vino l Foto: videotecabelica

Pedro Almodóvar se encuentra en el Festival de Cannes con Los Abrazos Rotos y, desde tierras francesas, ha hecho unas sorprendentes declaraciones en las que asegura que entre sus próximos proyectos se encuentra rodar una película con la Guerra Civil española como fondo. Eso sí, el director manchego deja claro que, si llega a cumplir su sueño de rodar una película sobre la contienda, en ésta no habrá ni tiros ni batallas, sino que será una historia centrada en las personas y sus sentimientos.

Sin duda, será todo un reto para Almodóvar, muy poco acostumbrado a este tipo de cine y, sobre todo, a tratar un asunto tan espinoso como el de la guerra que dividió a España hace poco más de 70 años. “Es un tema que, aunque no tenga ningún familiar en ninguna cuneta, lo siento muy cercano”, asegura el director de Volver. Pero éste no es su único proyecto, ya que también tiene entre manos el primer borrador de una historia de la que no ha desvelado nada y reconoce sentirse obligado a hacer una comedia. Dice que todo el mundo se lo pide. Proyectos no le faltan al director español, que mantiene el misterio y asegura que no se decidirá hasta el final.

Vía: Pedro Almodóvar prepara una película sobre la Guerra Civil. Foto: Toutlecine

Cuatro años ha tardado el niño bonito del cine español, Alejandro Amenábar, en regresar a las salas de cine y su vuelta promete ser todo un éxito. En Cannes, festival al que el director de Tesis acude por primera vez, la crítica ha aplaudido su nueva película, Ágora, una historia épica que se remonta 1.700 años en el tiempo, a la época en la que los cristianos dejaron de ser los perseguidos para convertirse en los perseguidores. Con Rachel Weisz como protagonista, el nuevo trabajo de Amenábar cuenta la historia de una Alejandría en plena batalla entre judíos y cristianos.

“Una celebración del diálogo”. Así ha definido el director la película, que comprende que su argumento pueda ser comparado con la situación política actual en algunos países. En Ágora, además de ponerse tras las cámaras, Amenábar es responsable del guión, un texto que le ha llevado mucho tiempo escribir y para el que ha contado de nuevo con su amigo y cómplice Mateo Gil, con el que ya colaboró en los guiones de Tesis, Abre los ojos y Mar Adentro. Rodada en Malta con un reparto internacional, Ágora ha costado alrededor de 50 millones de euros su rodaje, lo que la convierte en la película más cara de la historia del cine español.

Vía: Amenábar defiende el diálogo en “Ágora”, lucha entre razón y fundamentalismo

El día 13 de mayo fue elegido por los organizadores de la 62ª edición del Festival de Cannes para comenzar con semejante evento que este año se vio particularmente afectado por factores externos como la llamada “crisis económica mundial” que provocó entre otras cosas una baja de reservas de hotel en Francia.

El Festival durará hasta el 24 de mayo pero parece que la mayoría de la prensa cubrirá el evento desde el día 14 al 24 por cuestiones de ahorro. Otro dato es que no hay mucho clima de fiestas privadas alocadas y glamurosas como si hubo en ediciones anteriores. Será cuestión de ver si se trata de una oleada de mala onda contra el Festival o si realmente los famosos tomaron conciencia de que deben dejar de desperdiciar su dinero (?).

Esta vez el corto animado de Disney “Up” del que ya habíamos hablado será el encargado de dar apertura de este festival en el que directores como Quentin Tarantino, Ken Loach, Pedro Almodóvar, Johnnie To y Martin Scorsese, entre otros, pondrán en juego sus producciones ante el jurado liderado por Isabelle Huppert y complementado por Asia Argento, Robin Wright, James Gray, Nuri Bilge Ceylan, Lee Chand Dong, Hanif Kureishi y Shu Qi.

La programación prevé que todos los días dos filmes sean proyectados para los críticos y periodistas en el Grand Theater Lumiere, unas 20 películas en total competirían por la Palma de Oro.

Vía: Cannes abre hoy el telón con crisis pero animado l Foto: Blog de cine

indudablemente parte indeleble de la historia las consecuencias del mayo francés han sido analizadas una y otra vez. Bueno para unos y nefasto para otros, los convulsos acontecimientos que vivió nuestro país vecino supusieron un desafío al poder del estado desde la calle. Aquellos adoquines y barricadas han alimentado multitud de libros y películas desde entonces.

El festival valenciano ha realizado un enorme esfuerzo para este homenaje. Y aunque es tremendamente atractiva y completa tanto la programación como la presencia de importantes personalidades (podéis consultar la detallada información incluida en los enlaces) voy a cerrar el post con el vídeo de un acontecimiento coetáneo que se ha visto desplazado en las noticias. La triste primavera de Praga en la que tanques soviéticos invadieron Checoslovaquia. Las imágenes pertenecen al emotivo montaje que pudimos ver en la versión fílmica de La insoportable levedad del ser.

Vía: Lo que no se vio en Cannes del 68
Enlace: cinemajovefilmfest

Se seleccionarán 12 Escuelas de Cine a razón de 3 cortos por cada una. Además de suponer un intercambio de experiencias y metodologías es una oportunidad de oro para los futuros cineastas de mostrar al mundo sus trabajos bajo el amparo de uno de los más importantes festivales del mundo.

Para terminar de redondear esta excelente propuesta, no sólo habrá un director ganador que se beneficie de un premio de 6.000 euros en postproducción, sino que tres directores podrán enseñar sus trabajos en el Short Film Corner del Festival de Cannes. Toda una forma de entrar por la puerta grande en este circo que es el mercado del cine.

Vía: Terra Cultura y Espectáculos

Enlace: Festival de San Sebastián

Entre todos esos galardonados, nadie se fijó especialmente en el mexicano Alonso Álvarez Barreda y su cortometraje Historia de un letrero, ganador del premio Special Cannes 2008, otorgado por el Short Film Corner. Un premio que, si bien no tiene gran valor económico (una cámara y un portátil), el prestigio y el valor que otorgan a su ganador son incalculables. Más aún, cuando es la segunda pieza de este autor, un auténtico desconocido en el circuito de cortometrajes de su país.

Pero el estupor ha surgido ahora, cuando la gente ha comenzado a darse cuenta de que su pieza no era del todo original. Pues existe otro cortometraje español, del año 2006, que cuenta absolutamente la misma historia. La semejanza entre ambos es tal, que podríamos estar ante un claro caso de plagio. Por lo tanto, la cuestión es saber si Álvarez Barreda merecía realmente el premio.

Vayamos por partes, en primer lugar, el cortometraje español en el que parece haberse basado el mexicano, titulado Una limosna, por favor, es de un tal Francisco Cuenca Alcaraz y fue presentado en la 4ª edición del NoTodoFilmFest. Lo cuál deja claro que no son la misma persona, ni mucho menos.

Sin embargo, ambos comparten grandes similitudes y no sólo ya en lo que cuentan, si no en detalles tan particulares como los mensajes que escribe el buen samaritano en ambos casos:

Hace un día precioso, pero yo no puedo verlo

Hoy es un hermoso día y no puedo verlo

Por lo que ahora faltaría saber cómo le surgió la historia al último, para lo que nos remitimos, en primer lugar, a una entrevista que podemos leer en El Universal, antes de que se hablase de plagio: “Yo nunca estudié cine, de hecho me cerraron las puertas en todas las escuelas de cine de México, no se me admitió. Pero me quedé con ganas de hacer algo y decidí hacer historias con el potencial de ayudar a la gente”. Una historia muy bonita, la de un joven que se dedica a hacer historias para ayudar a la gente… Pero ¿hasta que punto, es él quién hace esas historias?

Él mismo nos responde con otras declaraciones, tras surgir la polémica, que hizo para el programa Primero Noticias diciendo: “estamos muy tranquilos, en ningún momento he dicho que soy el creador, nunca dije que yo la escribí, recibí la historia en base a una llamada telefónica, adapte el guión a la pantalla”. Algo que podría ser cierto, que podría zanjar el tema definitivamente y podríamos creernos… si no fuera porque no es más que una muestra clara de hipocresía, pues sólo hay que remitirse al cortometraje en cuestión y ver cómo en los créditos finales, se lee claramente “Escrita, dirigida y producida por Alonso Álvarez Barreda” y por supuesto, en ningún momento se cita al español.

Con todo esto queda claro que la idea no es suya y es probableme que nunca sepamos si realmente él no tenía conocimiento o no del otro cortometraje, o si es todo una mentira sobre otra, para intentar evitar la deshonra que le supondría ser obligado a renunciar al premio, algo que de momento, no parece que vaya a suceder.

No obstante, todavía hay gente que insiste en que ambas piezas no son comparables, pues difieren bastante en ciertos aspectos como la duración, el montaje y la producción artística en definitiva. Algo que es cierto, pero que en realidad, no significa que el segundo sea mejor. Me explico:

Es verdad que el segundo corto es mas largo que el primero, de hecho, no sólo eso, sino que a simple vista, se aprecia cómo la producción es mucho más cuidada. Pero en realidad, nada de ello aporta mayor fuerza a la historia. Con lo que sólo sirve para intentar lucirse un poco más, terminando por ser un intento infructuoso de querer parece una gran historia, forzando el aspecto melodramático.

Mientras que el original, si bien es obvio que cuenta con menos recursos y eso se nota en el acabado final. Resulta que en realidad, para contar lo mismo, queda una pieza mucho más sobria, directa y humilde, permitiendo captar mejor la esencia, la anécdota.

Por ello, no se puede negar que lo bueno de ambos, es su argumento, es lo que le da intensidad. De modo que por mucho más cuidado que sea el de Álvarez Barreda, con todo ese añadido de florituras estilísticas, no es justificación suficiente para evitar que termine preguntándome si no sería más justo merecedor de ese importante premio, el autor del primer corto. Puesto que se trata de un interesante caso de plagio en toda regla, a pesar de los contrastes entre ambas puestas en escena.

Gracias: a Okko, por mostrarnos ambos vídeos y a Adrián por sus opiniones.

Actualización: Al parecer, muchos lectores aseguran que la historia ya la conocían antes de ver cualquiera de los cortos. Incluso algunos afirman que circulaba por ahí una presentación con la misma. Sea como fuere, lo que ha hecho mal el galardonado, es no acordarse de mencionar de dónde sacó la idea e intentar venderla como suya, cosa que en cualquiera de los casos no es cierta.

Creo que costaba bien poco mencionarlo en los créditos. Pero hoy en día, la gente se empeña en no hacer las cosas bien… y luego se sorprenden cuando se les acusa de no contar toda la verdad.