Concluye hoy el especial que durante tres semanas he dedicado a M. Night Shyamalan, con un análisis a sus dos últimas películas (si no contamos “The Last Airbender”). Si en el primer post vimos su meteórico ascenso al cielo de la fama, y en el segundo vimos su particular manera de tratar temas trascendentales, hoy analizaremos el giro radical que le dio a su carrera a partir de “Lady in the Water”.

Si bien hasta entonces Shyamalan era conocido por sus giros de guión a última hora, con “Lady in the Water” y “The Happening” se olvidó de lo que desde primera hora había sido “marca de la casa”. Tal vez porque las historias no lo necesitaban, tal vez para intentar callar la boca a todos los que le acusaban de basar todas sus películas en una sorpresa final.

La cosa es que desde “Lady in the Water”, Shyamalan intentó demostrar que era algo más que un buen inventor de finales sorprendentes. Para algunos, tan solo demostró lo que intentaba negar, para otros, su cine va mucho más allá de esos finales sorpresa, y éstas dos películas son buena muestra de ello. Comenzamos… o mejor dicho, terminamos (éste especial).

“Lady in the Water”

Estamos tal vez ante el mayor fracaso de público de una película de Shyamalan. Una vez más, a mi parecer, por una mala publicidad y unas expectativas no acorde con el producto que el director ofrecía.

“Lady in the Water” es la primera película “made in Shyamalan” que no guarda un giro final sorprendente. Tal vez por eso muchos salieron del cine decepcionados. Lo que Shyamalan ofrece en “Lady in the Water” no es más que un cuento infantil de los de toda la vida, una “Bedtime Story” en toda regla, más cercana a “La princesa prometida” o “La historia interminable” que a sus primeros films.

El problema (o la virtud, según se mire) de “Lady in the Water” es precisamente el que azota la filmografía de Shyamalan désde sus comienzos, el que ha sido, más allá de los finales sorpresas, el gran sello de autor del director: Sus películas parecen una cosa, pero son otra muy distinta. Porque más allá de un cuento de hadas, que lo es, y con todas las de la ley, “Lady in the Water” es una excelente fábula metalingüística sobre la naturaleza de la narración, los arquetipos y mecanismos de las historias (no en vano la protagonista se llama Story) y el papel del autor cómo mesías de un mundo encantado.

A Shyamalan le encanta contar historias, es un narrador nato, y ese es el tema de “Lady in the Water”: las narraciones, los cuentos, su origen e implantación cultural, su tradición oral… Y para ello, nada mejor que enmarcar su discurso precisamente dentro de un cuento. Un cuento, en efecto, algo megalómano, algo egocéntrico, un cuento en el que Shyamalan no deja de mirarse el ombligo. Pero es lo que pasa cuando un autor decide hablar de si mismo, su film acaba siendo, por naturaleza, un ejercicio onanista. Ya sea éste autor Fellini, Moretti o Woody Allen. O Shyamalan.

¿Hubiese cambiado algo que el personaje de Vick Ran no hubiera estado interpretado por Shyamalan? Probablemente, sí. La película habría ganado a un actor al menos decente (Shyamalan como actor no vale nada) y la crítica no se le hubiera echado tan encima. Sin embargo el sentido de la historia hubiera sido exactamente el mismo: El narrador, el autor de las historias, es quién salva el mundo. Es él el que tiene el don de crear historias. Y eso es precisamente lo más bonito de crear, saber que el fruto de tu trabajo puede, en algún momento, cambiarle la vida a alguien.

Aparte de su mensaje, de su discurso, la película a mi parecer funciona a la perfección como un cuento “extraño”. Un cuento para niños desde el punto de vista de un adulto. Ahí cabe destacar el excelente trabajo de Paul Giamatti, como el guía espiritual de un grupo de gente a la que debe convencer de algo de lo que él mismo no está convencido.

Si “Lady in The Water” hubiera estado ambientada en un entorno de “capa y espadas”, contaría hoy día con un millón de fans, y estaría mucho mejor considerada. Shyamalan se arriesgó ambientando una historia mágica, un discurso sobre el hecho de contar historias, en un bloque de apartamentos contemporaneo, que funciona como la típica pequeña aldea de un cuento infantil, en la que todo es posible.

“Lady in The Water” es la mezcla perfecta entre cine adulto y cuento infantil. Objetivo cercano al que tuvo Spike Jonze con su “Where the Wild Things Are”, aunque con un look visual muy distinto, basado en la excelente fotografía de un excéntrico cómo Christopher Doyle. Para mí, funciona perfectamente como cuento infantil, con su moraleja incluida de que todos tenemos un papel en ésta vida. Como ejercicio cinematográfico metalingüístico me parece aún mejor. Como película de suspense, o misterio, lógicamente, suspende.

“The Happening”

Tras el varapalo que supuso que gran parte de público y crítica no supiera valorar “Lady in The Water”, Shyamalan decidió, en parte, volver por su antiguo camino, y decidió hacerlo sin preocuparse en exceso. “The Happening” es una película “serie B” dentro de la filmografía de Shyamalan, una película que sólo trata de entretener, y que en ocasiones, lo logra con creces. El principal problema de “The Happening” es que Shyamalan se olvida de ser él mismo. Y en éste caso la historia personal de los protagonistas es muy, muy floja, está mal contada y es, en ocasiones, carente de interés. Por eso digo lo de “serie B”, porque Shyamalan se preocupa más de contarnos qué pasa con “El incidente”, de mostrarnos una serie de violentas, originales y excelentemente bien rodadas muertes, que de darle a sus personajes una historia interesante.

Es así como hay que ver “The Happening”, como una simple cinta de entretenimiento, en la que un grupo de personajes se ve acosado por una amenaza exterior, al más puro estilo del género catastrofista. Que la naturaleza de dicha amenaza te guste o no te guste, te convenza o no, depende de cada espectador, y precisamente de eso depende que te guste o no la película.

Shyamalan ha sido conocido siempre como “el director de los finales”. Sin embargo “The Happening” es la película con el mejor principio de toda la filmografía de Shyamalan. Con la secuencia de Central Park y la de los obreros el espectador se queda pegado al asiento sin atreverse ni a respirar. Acto seguido a ese prometedor principio, Shyamalan nos desvela toda la trama de la película en una sola frase. La dice uno de sus alumnos a un Mark Whalberg algo mejor que de costumbre: “Es un acto de la naturaleza que nunca llegaremos a comprender”. No es casualidad que esta misma frase, palabra por palabra se repita al final de la cinta en boca de un analista.

Shyamalan tiene su discurso claro: Nos estamos cargando el planeta y algún día éste se encargará de nosotros. Ese mensaje impregna toda la película. No hay trampa, ni cartón. Es una película cien por cien sincera. Desde un primer momento te dice que son las plantas las culpables. Antes de cada suicidio siempre hay un plano de un árbol o arbusto agitado por el viento. Gran parte de la huida de los protagonistas está rodada en planos bajos con plantas en primer término. Y si quieres saber la causa de tanto desastre, tras la muerte del hombre a manos del cortacésped un cartel que anuncia una urbanización lo deja bien claro: “Te lo mereces”. Nada en el cine de Shyamalan es casual. En todo momento los personajes y la historia nos dejan claro qué está pasando. Por momentos esta insistencia es incluso excesiva, y parece que Shyamalan nos está dejando claro que no esperemos uno de “sus finales”.

Si vemos la película como una historia de catástrofes con mensaje ecológico, funciona a la perfección. Algunas escenas como la del iPhone (clara alusión a “Signs”) o todo el episodio final con la Sra Jones, son momentos de pura tensión, muy bien llevados. Lástima que la historia de los protagonistas no esté a la altura, y nunca lleguemos a entender el carácter del personaje de Zooey Deschanel. En las escenas eliminadas del DVD encontramos una conversación entre los protagonistas en la que ella le dice a él que no quiere tener hijos porque no lo ve a él capaz de protegerlos a los tres. Lástima que fuera retirada del montaje final, porque con ésta aclaración la relación entre ellos y la pequeña Jess se entendería mejor.

Igual que un acto final de amor, que podría haber sido totalmente emotivo, se convierte en intrascendente por la falta de información que tenemos de los personajes.

Aún así, hay que reconocer en “The Happening” una cinta de género más allá que cualquier otra que haya hecho su autor. Entretenida y sin pretensiones, con un mensaje claro y contundente (la secuencia final en París me parece magistral y consecuente con el resto de la historia), mermada por unos personajes principales poco definidos pero, a mi parecer, bastante entretenida si no esperas mucho más.

Hasta aquí nuestro “Especial sobre M. Night Shyamalan”.
Hoy mismo se estrena aquí en España “The Last Airbender” de la que espero que, al menos, me entretenga. Hay quién lo ama, hay quién lo odia. Hoy mismo habéis podido conocer la opinión de mi compañero Luis sobre el director, en aspectos similar a la mía, en otros muy distinta. Por eso quiero terminar éste especial con una encuesta. ¿Que os parece Shyamalan?

Continuamos con nuestro especial semanal sobre M. Night Shyamalan. Si la semana pasada analizamos sus comienzos en el cine mainstream con sus dos películas más famosas (y más fáciles de cara a un espectador medio), hoy nos adentramos en el lado más comprometido del realizador. Porque tras “The Sixt Sense” y “Unbreakable”, Shyamalan se encontraba en la cabeza de los directores a seguir de Hollywood, y fue entonces cuando empezó a realizar un cine mucho más personal, que hablara de las cosas que le importaban. Y fue entonces cuando gran parte del público y la crítica empezó a darle (injustamente) la espalda.

Porque si ya en sus dos primeras películas Shyamalan había dado avisos de que no hacía el típico cine Hollywoodiense de acción y palomitas, con “Signs” y sobre todo con “The Village”, Shyamalan fue capaz de algo de lo que muy poca gente puede presumir: defraudar a un gran sector de su audiencia a la vez que maravillaba a otro gran sector. Fue en ésta época cuando el público se dividió en torno a Shyamalan. Como ya vimos en los comentarios de la semana pasada, es un director que difícilmente te deja indiferente: o te atrapa en sus historias, te llega su estilo, te interesan sus mensajes y te maravillan sus giros narrativos, o simplemente te sientes defraudado por tanta paja que envuelve una mala trampa. Hay pocos espectadores que se situen en un término medio. Las películas de Shyamalan o las amas o las odias.

Con éstas dos películas, Shyamalan empieza a tratar temas realmente importantes para él como son la religión y la política. Lástima que, como siempre, la publicidad se encargara de vendernos mal sus películas, y nos aseguraron que “Signs” era una película sobre marcianos, cuando es una película sobre la fe, y que “The Village” era una película de miedo, cuando en realidad se trataba de una fábula política sobre el miedo, que es algo muy distinto. Como siempre, recomiendo no leer los análisis de las películas a los que no las hayan visto. Principalmente en lo que respecta a “The Village”. Ni siquiera si has visto sólo un trozo. Empezamos.

“Sings”

La semana pasada dije que a mi parecer, “Signs” es la peor película de Shyamalan. Hoy me explico. Es la peor para mí, no porque el guión sea malo, o la realización sea torpe. Quizá debí decir que es “la menos buena” o “la que menos me ha gustado”, simplemente porque desde un punto de vista totalmente personal y subjetivo, es la película de Shyamalan con la que menos comulgo ideológicamente, por lo que es en la que menos me han atrapado la historia y los personajes. Puede que sepa muy bien mantener el suspense, y que tenga escenas antológicas como la de la fiesta de cumpleaños o la del alien atrapado en la despensa, pero a pesar de todos sus aciertos, tiene varios fallos que no le perdono.

El primero es Mel Gibson, que nunca me ha gustado como actor. Mucho menos en éste papel. El segundo fallo está en la esencia de la película. “Signs” es una historia sobre la fe, sobre la religión, sobre las señales divinas, que divide a las personas entre creyentes y no creyentes. Si bien es un acierto hablar de éstos temas utilizando como MacGuffin una invasión alienígena, pues resulta curioso comparar la creencia en la existencia de un Dios con la creencia en la existencia de vida más allá de la tierra, su mensaje, su épica y su poética gira siempre en torno a la fe en las señales de un ser superior. Por eso es una película que supongo que llegará a los creyentes de cualquier religión, pero a los que no tenemos esos sentimientos se nos queda como un tema algo flojo para que toda la acción, incluido el peor final de la filmografía de su autor (¿acaso invadirías un planeta en el que 3/4 partes de su territorio puede matarte, y en el que para colmo, llueve ácido?) gire en torno a él.

No obstante, la película tiene muchos aciertos. Las contínuas referencias al cine de serie B y a la cultura popular; el uso de la famosa leyenda urbana del cuerpo atrapado por la camioneta no es casual, las leyendas urbanas forman parte de nuestra cultura de las creencias, apelan a la fe en la persona que las cuenta (¿no es acaso eso la religión?). Incluso el retrato de algunos personajes beneficia a la película. Me encanta que el hijo se convierta en el “experto en ovnis” de la familia gracias a un libro, retratando una vez más la eterna batalla entre ciencia y religión. Cada una de las secuencia en la que Rory Culkin sienta cátedra sobre la invasión extraterrestre es sublime. Igualmente interesantes son las contínuas referencias a los “extranjeros” como posibles causantes de todos los desperfectos, creando un microcosmos dentro del pueblo, de “nosotros” contra “ellos”, que se viene abajo al descubrir que todo toma escalas planetarias, no locales.

Se nota que “Signs” es una película escrita desde el corazón y desde lo más profundo de la fe de su autor. Es por ello que desde mi punto de vista cuenta con el beneplácito que tienen todas las películas sinceras. Igualmente, como película de invasión alienígena, entretiene y sabe encontrar un tono alejado del acostumbrado en el género, que es de agradecer. Lástima de un final centrado en una temática religiosa que personalmente no me atrapa, y de algunos momentos humorísticos que creo que rompen con el tono de la película. Aún así, sigue siendo todo un ejemplo del buen hacer de un director que con éste título y sobre todo con el siguiente empezaría a dejar claro cual es su estilo: basarse en los arquetipos temáticos de géneros conocidos y usarlos para hablar de lo que temáticamente le interesa como autor.

“The Village”

Llegamos a una de mis películas favoritas de la filmografía de Shyamalan. No porque considere que es mejor que las demás, sino por las opiniones encontradas que genera. “The Village” o te parece una maravilla o te parece una tomadura de pelo. A mí me encanta.

Y me encanta porque creo que junto con “Bolwing for Columbine” es una de la películas que mejor trata el uso del miedo como arma política. Y me encanta porque, pese a que su final para muchos es totalmente tramposo, desde la primera escena vemos que Shyamalan está poniendo las cartas sobre la mesa en todo momento (aunque se guarde ese pequeño as). Es una constante en la filmografía de Shyamalan que en la primera secuencia plantee la temática o el impulso del film. Aquí, la pérdida de un ser querido, tema que al final descubrimos es lo que ha movido a esos personajes a hacer lo que hacen. Es más, en ésta misma secuencia, el personaje de William Hurt se pregunta si han hecho bien al “venir aquí”, frase que cobra otro sentido totalmente distinto cuando se conoce el final.

“The Village” está llena de estos dobles sentidos, y solo tras un primer visionado es cuando uno es consciente de lo que están viviendo esos personajes, atrapados entre un acto altruista (a la vez que egoista) y una horripilante mentira. La mentira y el miedo como arma política en manos de unos pocos que conocen toda la información y la usan para manipular al resto, ese es el mennsaje del film. Y tengamos en cuenta que la película se estrenó justo un año después de la invasión de Iraq por EE.UU., cuando todo el mundo acusaba precisamente de manipulación al gobierno americano.

“The Village” es, más allá de una muestra de la importancia y el uso del miedo, una muestra del viejo dicho de que “el hombre es un lobo para el hombre”. Porque ese grupo de personas que huyendo de todo lo malo de nuestra sociedad, creyendo que el ser humano es bueno por naturaleza y que es la sociedad la que lo corrompe, olvidan que ellos mismos forman parte de la sociedad. Y así, crean una utopía en la que siguen existiendo los crímenes, en la que las personas con discapacidad no pueden recibir la ayuda que necesitan y en la que los enfermos mueren por males facilmente curables. Huyendo de un horror, ellos mismos han creado otro.

La película cuenta además con una fotografía excelente y con un reparto de lujo en el que todos los actores están bien. El final puede que a algunos les descoloque y se sientan engañados por lo que han estado viendo durante hora y media. A ellos les recomiendo que vuelvan a verla. Cada frase del guión, cada mirada entre los mayores, cada plano a esas cajas negras que esconden secretos de un pasado, cobran un nuevo sentido que dotan a la película de otra magnitud.

Pero también tiene sus fallos. El principal, desde mi punto de vista, es el personaje de Noah, al que da vida Adrien Brody. Shyamalan utiliza de forma burda su discapacidad, convirtiéndolo en el “malo” de la película tras habernos convencido de que era el personaje de “alma más pura”. Se intuye en ciertos momentos que se podría usar a Noah como muestra de las necesidades que ciertas personas tienen y que sólo una gran sociedad es capaz de cubrir. Pero en este caso Shyamalan se pierde por el camino, utilizando el personaje a su antojo para hacer avanzar la trama. Es su punto más negro. Éste, y una escena que yo personalmente habría quitado del montaje, pues poco aporta y es totalmente tramposa. Se trata de aquella en la que, tras el segundo ataque a la aldea, Hurt y Weaver hablan entre ellos, estando los dos solos, y dicen que no han podido ser los coyotes, pues hay marcas altas que ellos no podrían haber hecho. Es una secuencia totalmente inverosimil tras conocer el final, destinada a engañar al espectador, e impropia de una película en la que cada frase está pensada al milímetro para que cobren aún más sentido al final.

Como dije al principio, no es una película de monstruos, ni de terror, sino una película sobre lo monstruosos que podemos llegar a ser los seres humanos, y lo importante que es el miedo a la hora de guiar nuestras vidas. Lo mejor de la película, sin duda, es que a su fin te hace reflexionar y replantearte muchas cosas.

Aquí concluye esta segunda entrega. Estoy seguro que en los comentarios tendremos a muchísimos lectores que no estén de acuerdo conmigo, y que crean que “Signs” es una obra maestra, o que “The Village” es una gran tomadura de pelo. Todos ellos, y los que piensen lo contrario, lógicamente serán bienvenidos. Lo importante del cine, y del arte, es que pueda crear debate entre opiniones enfrentadas. Si esta semana reconozco que las películas que he tratado tienen muchos detractores, la semana que viene será aún peor. “Lady in the Water” y “The Happening” son para muchos lo peor de Shyamalan. Yo intentaré haceros ver qué vi en éstas películas para que me gustaran.

Comenzamos hoy una serie de especiales en las que analizaremos la figura y la filmografía de uno de los directores más influyentes y reconocidos —-así como vilipendiado y criticado—- del actual cine americano: M. Night Shyamalan. Prefiero empezar poniendo todas las cartas sobre la mesa: me encanta Shyamalan, soy todo un incondicional de su filmografía, así que antes de que me lo digáis en los comentarios lo admito, seré totalmente subjetivo y parcial. Para los más críticos con el director de “Lady in the Water”, sólo les pediré que tengan paciencia, ya que cuando termine este especial que nos llevará hasta el estreno en España de “The Last Airbender” se llevarán una sorpresa que recompensará sus ansias de criticar a Shyamalan.

Hoy empezaremos analizando su fulgurante llegada al éxito. Obviaremos sus dos primeras películas, “Praying With Anger” y “Wide Awake” por varios motivos. El primero es que, personalmente, no he visto ninguna de las dos, por lo que no puedo opinar. Además son bastante difíciles de conseguir y los que las han visto afirman que se alejan bastante del resto de su filmografía.

Así que para nosotros, su carrera empezará con la película que lo lanzó al estrellato internacional, “The Sixth Sense”. Hoy también analizaremos la que para muchos es su mejor película: “Unbreakable”. Como veis, empezar éste especial es fácil: Son dos de las películas que mayor unanimidad de crítica y público han conseguido, así que hoy lo tengo fácil. Cuando lleguemos a “Lady in the Water” o “The Village” tendré más complicado lo de defenderlas. En fin, empecemos.

“The Sixth Sense”

Cuando con tan sólo mencionar una línea de diálogo de una película, cualquier persona es capaz de identificar la película, podemos decir que, independientemente de sus valores artísticos o históricos, por una u otra razón, esa película ha pasado a formar parte de la Historia del Cine en la categoría de “Míticas”. Son muchos los ejemplos: “Siempre nos quedará París”, “Sigue el camino de baldosas amarillas”, “Yo soy tu padre”, o el caso que nos ocupa: “En ocasiones veo muertos”. Es innegable que “The Sixth Sense” marcó un antes y un después en la Historia del Cine.

Corría el año 1999 cuando el boca a boca empezó a funcionar para una película de género, de un director desconocido, que cumplía todos los requisitos para ser un pastiche al uso: una estrella taquillera, una historia mil veces contada y mezcla de terror con niño. Lo tenía todo en su contra. En cambio fue todo un éxito y consiguió seis nominaciones a los Oscars. ¿Cual era su secreto? Un guión de hierro, una dirección soberbia y, sobre todo, uno de los mejores finales de la historia del cine, el cual, si no conocéis, os puedo hacer dos recomendaciones: Que paséis directamente a la parte en que hablamos de “Unbreakable” o que os pongáis a ver “The Sixth Sense” y luego nos sigáis leyendo, porque en las siguientes lineas voy a destripar el final. Avisados estais.

Y es que es imposible hablar de la película sin hablar de su final. Un final que muchos tildaron de tramposo, incoherente o efectista, pero que tras un segundo y tercer visionado, en lugar de perder enteros, hace que veamos hasta que punto Shyamalan es capaz de controlar su narrativa. El final, que nos revela la auténtica naturaleza de Malcom, hace que jamás un segundo visionado de una película fuese tan entretenido. Porque sólo entonces te das cuenta que nadie interactúa con él salvo Cole, que Malcom siempre lleva la ropa que usó el día de su muerte, cómo Shyamalan nos va revelando el desenlace final con pequeños detalles de dirección, como la presencia del color rojo en todas las escenas importantes, o líneas de diálogo que te hacen pensar ¿Cómo no lo he averiguado antes?

Pero lo más importante de éste final es lo consecuente que es con el tema de la película. Y es que hay dos cosas que se repiten en la filmografía de Shyamalan. La primera es que, como todos los buenos directores, utiliza una historia para hablar sobre un tema. La segunda es que sus películas son las peores vendidas de la historia del cine. Me refiero a que la publicidad, los trailers, y la temática nos hacen creer que son lo que no son. “The Sixth Sense” no es una película más de espíritus. Igual que “The Village” no es una película de monstruos.

“The Sixth Sense” es una película sobre la incomunicación, y es aquí dónde el final cobra un papel casi escalofriante, en lo que respecta a la relación de Malcom con el resto del mundo, muy especialmente con su mujer. Y es que Shyamalan ha sido capaz hacernos creer durante hora y media que un personaje está vivo, trabaja, tiene su vida con su esposa, con la que tiene problemas… pero no, el problema lo tenemos nosotros, una sociedad que está tan acostumbrada a la falta de comunicación, que es incapaz de identificarla en pantalla, dándola por normal. No somos capaces de identificar en la actitud de Malcom que en realidad está muerto. Y es eso lo que realmente aterra.

“The Sixth Sense” es sin duda la película más famosa de Shyamalan. Un éxito casi unánime de público y crítica, y algo muy difícil de superar. Para algunos jamás lo ha superado. Para otros, entre los que me encuentro, lo hizo con su siguiente film.

“Unbreakable”

Quizá el mayor lastre que tiene la segunda película de Shyamalan es, precisamente, “The Sixth Sense”. Y es que son películas tan distintas que, por una mala publicidad, una mala asociación de conceptos, mucha gente salió del cine indignada. Son todos aquellos que no vieron en “The Sixth Sense” más que una película de espíritus con final sorprendente. Esperaban más de lo mismo, y Shyamalan se lo negó.

Y es que “Unbreakable” está más cercana a la futura “Lady in the Water” que de la película que lo lanzó al estrellato. Porque en ésta película Shyamalan reclama la mitología clásica que el pueblo norteamericano (tan acostumbrado a dar la espalda a sus nativos) no tiene. Y la encuentra en los cómics. Es en los cómics de superhéroes donde Shyamalan busca el origen de la idiosincrasia de la narrativa americana actual, y lo hace como siempre bajo su particular punto de vista. Peter Parker y Clark Kent son los Homero y Apollo de USA.

En “Unbreakable” un Bruce Willis en estado de gracia, más contenido que de costumbre, interpreta a David Dunn, un padre de familia en crisis que descubre de la noche a la mañana que es indestructible. Una vez más, las pistas para que un espectador avezado pueda anticiparse al final, están presentes en toda la película, desde el nombre del protagonista, que comparte iniciales en nombre y apellido como tantos otros superhéroes (Bruce Banner, Peter Parker…), y terminando por cada una de las apariciones de Elijah Price. Desde su aspecto, su vestimenta, e incluso la insistencia del director por mostrarnos su origen de forma paralela a como se nos muestra el origen de Dunn —-aunque de modo distinto, uno se hace en flashbacks, el otro en líneas de diálogos—-, todo está encaminado a justificar el final. Final que por otra parte no hace más que cerrar y dar sentido a todo lo que hemos visto en la película. Aquí, mucho más que en “The Sixth Sense”, el final justifica toda la trama, y aunque no consigue ser tan sorprendente como el de su anterior película, si que es épico y poético, y otra vez, hace que la película se disfrute aún más en un segundo o tercer visionado.

“Unbreakable” es una película sobre la responsabilidad, sobre la toma de decisiones. El tema ya se plantea en su primera secuencia, en la que Dunn decide quitarse el anillo para intentar ligarse a su compañera de tren. Un gesto tan superficial como ese unido a la interpretación de Willis nos deja ver a un hombre perdido, un hombre intentando ser lo que claramente no es, un hombre incapaz de afrontar de modo adulto los acontecimientos, al fin y al cabo, huyendo de su responsablidad como padre y esposo. Hasta que es consciente de que es mucho más que un simple padre de familia, hasta que se da cuenta que como padre, y como héroe, tiene mucha más responsabilidad de la que él creía. Con respecto a su hijo y con respecto al resto del mundo. Y es que no hay mayor heroicidad que la de defender a los tuyos y a tu familia, por encima de todos los inconvenientes. Un mensaje que puede sonar un tanto conservador —-de hecho toda la filmografía de Shyamalan lo es—- pero que está expuesto con maestría en una sucesión de secuencias totalmente redondas.

Hasta hoy es, para mí, la mejor película de su autor y me atrevería a decir que la mejor película de superhéroes que jamás se ha realizado, con permiso de “The Dark Knight”. Película incomprendida por gran parte del público, algo que sería una constante en la filmografía de Shyamalan: El público espera una cosa y él le da otra completamente distinta. La semana que viene seguiremos el especial con dos películas muy distintas: “Signs” su, hasta ahora, peor película, y “The Village”, la que probablemente más haya enfrentado a los espectadores: o la amas o la odias.

Seguimos nuestro especial sobre los Premios Goya, que se entregarán este domingo. Si ayer repasábamos las reñidísimas actuaciones masculinas, hoy le toca el turno a las damas. La batalla de hoy promete ser aún mas cruenta, y a decir verdad, si ayer me resultó relativamente fácil decidir cuáles eran mis favoritos, hoy me lo he tenido que pensar un poco más. ¿Repasamos las distintas categorías?

Actriz Revelación

Antes de nada una pregunta a los señores de la Academia. ¿Que hace un pedazo de actriz con una trayectoria como la de Soledad Villamil nominada en la categoría de Actriz Revelación? Vale que es la primera vez que trabaja en una coproducción española, pero sinceramente, creo que esta categoría debería reservarse para actores y actrices con poca o ninguna experiencia en largometrajes. Eso no quita que la interpretación de Villamil en “El secreto de sus ojos” sea sencillamente genial. Para mí, merecía nominación, pero a Mejor Actriz de Reparto, no Revelación.

Junto a Villamil, la otra gran favorita de la categoría es Leticia Herrero, la gran sorpresa de “Gordos”. El claro ejemplo de lo que yo considero una Actriz Revelación: antes de ésta película jamás había actuado, y tiene más talento y oficio que muchos que llevan años delante de las cámaras. Junto a Herrero completan el cuarteto de nominadas Blanca Romero, a la que conocemos más por su ajetreada vida social que por su trabajo ante las cámaras, y Naussicaa Bonín, protagonista de otra de las sorpresas de este año: “Tres días con la familia”.

Mi apuesta personal es, claramente, Leticia Herrero. Pese a que claramente Villamil tiene mucho que enseñarle a la actriz de “Gordos”, considero que ha sido la auténtica revelación de éste año.

Mejor Interpretación Femenina de Reparto

Las nominadas en esta categoría son todas actrices de contrastada experiencia. Curiosamente ninguna de ellas tiene aún un Goya. Personalmente descarto para el premio a Marta Etura, porque, aunque su interpretación en Celda 211 es muy correcta, no sobresale en ningún momento de la película. A ello ayuda el hecho de que su personaje sea tal vez el menos trabajado de la cinta de Monzón, por lo que me da a mi que Etura, pese a sumar su cuarta candidatura, va a seguir sin premio. Vicky Peña completa, junto a Jordi Mollà el dueto de nominaciones interpretativas para “El Cónsul de Sodoma”. Es una excelente actriz, pero no creo que se lo lleve, aunque sería una buena oportunidad para la Academia de reconocer a la veterana actriz.

Por lo tanto, creo que en ésta categoría el premio será para “Gordos”, que cuenta con dos nominadas. Pilar Castro lleva su personaje en “Gordos” del drama a la comedia con una facilidad digna de elogio. Pero si hay un personaje feminino que enamora en la película de Sánchez-Arévalo ese es el de la embarazada a la que da vida Verónica Sánchez. A la sevillana ya le han negado el cabezón en dos ocasiones, por Al sur de Granada y por Camarón. Creo que ésta es su oportunidad de llevarse a casa tan merecido premio.

Mejor Interpretación Femenina Protagonista

Aqui si que tenemos una auténtica pelea de gatas. Cuatro pesos pesados luchando por un premio a brazo partido. Quizá la que menos oportunidades tenga de llevárselo sea Maribel Verdú, nominada por “Tetro”. No pongo en duda su buen hacer en la película de Coppola, pero pese a haber conseguido su cuarta nominación consecutiva en ésta categoría, Maribel Verdú ya se llevó un Goya hace tan solo dos años, y la competencia es feroz. Tan feroz como que una de las que compite es toda una estrella de Hollywood: Rachel Weisz podría llevarse una estatuilla para Ágora, pero la Academia no es muy dada a premiar a estrellas extranjeras, y eso juega en su contra. No se lo llevaron ni Nicole Kidman, ni Viggo Mortensen, ni Sarah Polley, ni siquiera Antonio Banderas. No creo que Weisz sea la excepción.

Las otras dos nominadas también son de altura. Por un lado Lola Dueñas, siempre solvente, que podría completar el doblete de premios interpretativos para “Yo, También”, si Pineda se lleva su Goya. Y por otro lado la nueva musa de Lars Von Trier, Penélope Cruz quien supone la mayor esperanza para “Los abrazos rotos” tras quedar fuera de las nominaciones principales. Teniendo en cuenta que Penélope ya ganó un Goya el pasado año, y que su película cuenta con pocas nominaciones, mi apuesta personal va para Lola Dueñas. Claro que también podría ocurrir que la Academia quiera premiar a Almodovar para acallar los comentarios sobre desencuentros, y lo haga premiando a su actriz favorita. Teniendo en cuenta que está en todo lo alto y nominada por segundo año al Oscar, sería una excelente manera de promocionar el cine español.

En estas categorías lo tengo muchísimo más complicado que en las anteriores, pero aún así opto por Leticia Herrero, Verónica Sánchez y Lola Dueñas. ¿Y vosotros?

Fotos:La Higuera

Empezamos hoy una serie de especiales sobre los Premios Goya que se entregan éste domingo 14. Y comenzamos con las distintas categorías de interpretación masculina. Este año el nivel está más que alto y es difícil vaticinar quién ganará en cada categoría. Pero aún así y como me gustan los riesgos, me voy a mojar.

Actor Revelación

Apartado más que interesante. Por un lado tenemos a Alberto Ammann, la gran revelación de la película española del año, “Celda 211”. Lo secundan los televisivos Fernando Albizu y Gorka Otxoa. Y aunque creo que Otxoa borda su papel y que está llamado a ser la gran revelación de la comedia española en los próximos años, todas las quinielas apuntan a que Pablo Pineda, actor con Síndrome de Down que ya se llevó la Concha de Plata en San Sebastián, se llevará a su casa la estatuilla por su sorprendente interpretación en la emotiva “Yo, También”. ¿Seguimos viendo las demás categorías?

Interpretación Masculina de Reparto

Otra categoría apretada. Raúl Arévalo suma su cuarta nominación consecutiva, por lo que cuenta con muchas papeletas. Ya tiene un cabezón en su casa, el de Actor Revelación por “Azuloscurocasinegro”. Una segunda estatuilla podría confirmarlo dentro del Star System español (si es que tal cosa existe). No sería extraño y sería más que merecida, pese a que su papel es demasiado parecido al que ya le trajo una nominación por “Los Girasoles Ciegos”. Pero es que el veterano Antonio Resines tan solo ha estado nominado en cuatro ocasiones, y en “Celda 211” firma una interpretación sólida y contenida, de ese estilo al que tan poco nos tiene acostumbrados. Sería una buena ocasión para reconocer su trabajo. En la misma película “Carlos Bardem” tiene un breve pero fundamental papel que borda la excelencia. Es todo fuerza y talento, y es sin duda la gran sorpresa de la película. Pero aquí también se ha colado el siempre genial “Ricardo Darín”. Teniendo en cuenta la lección interpretativa que ha dado en “El secreto de sus ojos” es una lástima que seguramente se lleve el Goya en esta categoría de actor de reparto, en la que está nominado por “El baile de la victoria”. Si se lo lleva, será seguramente porque a la Academia no le gusta contradecirse, y como apostó por la película de Trueba para ir a los Oscars, algún reconocimiento tienen que darle. Y además sería una manera de justificar lo que seguramente pasará, que no se lo lleve en Mejor Interpretación Masculina Protagonista. Aún así, mi apuesta personal sigue siendo Bardem.

Interpretación Masculina Protagonista

Ya os he dicho arriba que la interpretación que hace Darín en “El secreto de sus ojos” me parece sencillamente magistral. Todo un ejemplo de lo que es actuar. Pero le ha tocado un año difícil al argentino. Porque desde que se estrenó “Gordos” todo el mundo ha hablado del más que merecido Goya para Antonio de la Torre. Un actor al que hay que reconocerle ya su enorme valía. Pero no por ésta película. Estoy de acuerdo en que el trabajo físico que mi paisano ha hecho para la película de Sánchez-Arévalo es magistral. Y hay que reconocer que el cuerpo es una de las principales herramientas de un actor. Pero la creación del personaje que actor y director han realizado para esta película es, a mi parecer, fallida. He visto a De la Torre muchísimo mejor en otras películas, entre ellas la mencionada Azuloscurocasinegro por la que ya obtuvo la estatuilla a Actor Revelación. Por otra parte, la nominación de Jordi Mollà es todo un reconocimiento a “El cónsul de Sodoma” en la que, dicen los que lo conocieron, borda el personaje de Gil de Biedma. Pero el gran favorito para mí en ésta categoría es el enorme “Luis Tosar”. Sería la tercera estatuilla para el gallego, pero es que no tendría ningún sentido que, la que a todas luces va a ser la gran triunfadora de la noche. “Celda 211”, no se viera recompensada con el reconocimiento al actor que, con su creación de Malamadre, lleva el peso de toda una película que habría sido muy distinta de no contar con la intervención de este actor que ha creado el que, desde ya, es uno de los villanos más carismáticos de la historia del cine español.

Pineda, Bardem y Tosar. Ésta es mi quiniela personal. ¿Cuál es la vuestra?

Fotos: Yo, También, Facebook

Inauguramos aquí una serie de especiales en los que repasaremos lo mejor (y lo peor) del año y la década que acaban de irse. En esta primer lista figuran las mejores películas que los editores de Extracine hemos visto durante el 2009 ¿Nos harán caso en los Oscar? ¿Y en los Goya? Probablemente no, pero nos encanta mojarnos… así que allá va.

10.- Gran Torino.
Clint Eastwood en plena forma. La que probablemente sea su despedida delante de la gran pantalla (seguirá dirigiendo) ha sido sin duda una de las grandes películas del año. Deseando estamos de poder ver su nueva Invictus.

9.- Slumdog Millonaire.
La gran triufadora de la pasada edición de los Oscars ha sido también una de nuestras favoritas. Danny Boyle demostró como hacer todo un taquillazo con muy poco presupuesto y mucha ilusión. Podéis ver la crítica de mi compañero Javier aqui.

8.- Up.
La última maravilla de Pixar, que sigue sorprendiéndonos año tras año es la gran favorita para llevarse el Oscar de animación, y hay quien dice que se podría colar en la categoría de mejor película. Lo que está claro es que los chicos de Pixar saben como conmover a su público. Sólo hay que ver su excelente prólogo, cine en estado puro. Aquí podéis leer la opinión de nuestra compañera Marisa.

7.- Celda 211.
La mejor película española del año y sin duda una de las de la década. Brutal, demoledora, son muchos los adjetivos que se le han adjudicado a esta maravilla de Daniel Monzón, en la que Luis Tosar compone el que desde ya es el mejor villano de la historia del cine español. Película de obligado visionado según mi compañero Roberto.

6.- Star Trek.
El remake-secuela-precuela que se sacó de la manga J.J. Abrams ha sido una de las películas más descargadas del año y una de las favoritas de Quentin Tarantino y de un servidor. Abrams demostró como retomar una saga con brío e ímpetu ilusionando de nuevo a los fans y conquistando a los neófitos. Podéis leer mi crítica aquí.

5.- Watchmen.
La gran sorpresa (al menos para mi) de nuestra lista ya que, aunque me encantó, no creía que la opinión fuera generalizada. La crítica la vapuleó pero Zack Snyder dio una auténtica lección de como adaptar un cómic de culto siendo fiel al 90%. Unos títulos de créditos antológicos hicieron el resto.

4.- Malditos Bastardos.
Para mí, la mejor del año, pero en el cómputo global ha quedado cuarta. Defraudó en Cannes, pero curiosamente llegó a las salas recortada y arrasó tanto en crítica como en público. Promete y mucho de cara a los Globos de Oro y los Oscars. La crítica, aquí.

3.- El curioso caso de Benjamin Button.
Entramos en el podio con la gran olvidada en la pasada edición de los Oscar. Nosotros no nos pensamos olvidar de esta maravilla de David Fincher que ha cosechado tantos admiradores como detractores. Medalla de bronce.

2.- Distrito 9.
Toda una revolución dentro de la ciencia ficción. Fresca, original e ingeniosa, la película recaudó 200 millones de dólares en todo el mundo y costó sólo 30. Esta metáfora sobre el Apartheid ha cautivado a la crítica de medio mundo y nosotros mismos hemos caído rendidos a los pies de ese bicho raro que es Wikus Van De Merwe (los aliens son más normales). La crítica de Roberto aqui.

1.- Avatar.
No podía ser de otra manera. Es la película del momento, y según los editores de Extracine, la mejor que hemos podido ver en salas a lo largo de 2009. Más de mil millones recaudados en sólo tres semanas. Doce años de preparación y toda una revolución visual. ¿Que podemos decir de la última película de Cameron que no se haya dicho ya? Que ha sido la gran triunfadora de nuestro particular ranking. A ver que tal se porta en los Globos de Oro y en los Oscars. Podéis leer mi crítica aquí y la de mi compañero Roberto aquí.

Y esto ha sido todo. Antes que lo digáis en los comentarios, aclararos que se trata de un ranking concensuado entre todos los editores de extracine, y que han contado todas las películas que hemos visto en el cine a lo largo de 2009, por lo que han entrado al ranking algunas que se estrenaron a finales de 2008. Nosotros ya nos hemos mojado. Ahora os toca a vosotros hacerlo en los comentarios. ¿Que os parece nuestra lista? ¿Cual echáis en falta? ¿Cual os sobra? Supongo que cada uno tendrá su particular ranking, y como se suele decir, no están todas las que son, pero si que son todas las que están.

Foto: Flickr