Otra de las favoritas para ganar la Palma de Oro, junto a Kiarostami o Haneke, es la esparadísima obra del director canadiense David Cronenberg, Cosmópolis. Una obra en la que parece volver a la senda habitual de su filmografía, abandonada en sus últimas tres películas por un mayor realismo, y que han llegado de forma más mayoritaria al público: A History of Violence (Una Historia de Violencia), Eastern Promises (Promesas del Este) y A Dangerous Method (Un método peligroso). Así, los fans acérrimos del David Cronenberg de siempre están de enhorabuena, y esperan ansiosamente el nuevo estreno.

Además, Cronenberg parte de la novela de uno de los escritores más arriesgados de EEUU, Don deLillo, lo que todavía ha generado una mayor intriga acerca del resultado de la conjunción de dos mentes que siempre quiebran convenciones. La obra se ha presentado un día después que The paperboy, de Lee Daniels, y que Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas.

Cosmópolis narra un día en la vida de un millionario en su rumbo por Manhattan, mientras la ciudad se encuentra sumida en un caos financiero, colmada de manifestantes como ocurrió este mismo año con el movimiento Occupy Wall Street. Denuncia la sumisión del ser humano al dinero, pues llega a fundar una relación del individuo con el mundo basada en la transformación de los sujetos en objetos. Del mismo modo, la obra denuncia la evaporación de la producción en finanzas, de modo que el capitalismo se vuelve incorpóreo, inmaterial y, por ello, volátil y falso. Cronenberg, obsesionado con el tema, escribió el guión en 6 días:

Es un tema importante, y que nunca había tratado realmente: el dinero. El poder del dinero, la forma en que configura el mundo. Para hablar de este tema, no he necesitado realizar investigaciones concretas sobre el mundo de las finanzas. Podemos ver a sus representantes por todas partes.

La obra cuenta con un casting impresionante, y va a suponer una prueba de fuego para demostrar la capacidad interpretativa de la estrella británica Robert Pattinson, que encarna al millonario desalmado. Pero no hace sombra al resto de participantes, entre los que encontramos a la francesa Juliette Binoche, Paul Giamatti y Mathieu Amalric.

En la rueda de prensa, Cronenberg ha hablado de su concepción del cine y su aplicación en Cosmópolis:

Los últimos veintidós minutos de esta película son como una pieza de teatro. Es como si la película tuviera un cortometraje. La cámara se acerca y luego se aleja del actor. En mi opinión, la esencia del cine es lo que dice el rostro de un ser humano. De regreso en mi caravana, miro las tomas, la iluminación… Me fijo en todos los detalles. Hacer esta película no fue fácil.

La película se sustenta en el personaje interpretado por Robert Pattinson, del que habla Cronenberg:

Sería muy fácil decir que el personaje de Robert es una especie de vampiro que chupa la sangre de Wall Street. Pero un actor no puede encarnar algo abstracto. Es un personaje auténtico, que tiene un pasado. Cosmopolis evoca el espectro del capitalismo. Prácticamente cito el manifiesto de Karl Marx.

Robert Pattinson habló también sobre la preparación del personaje:

Pasé dos semanas encerrado en la habitación del hotel, preocupado, no sabía muy bien qué hacer. Fui a hablar de la película con David y él me dijo: “¡Comencemos y ya veremos!”. No es posible preparar este personaje como lo haría con otro. El guión me gustó porque era lírico, parecía que estuviéramos entonando una canción. Presentamos un mundo que no tiene sentido y que debe ser purificado.

Y también habló sobre su colaboración con Cronenberg:

David se ausenta a menudo para verificar lo que hemos filmado. Habitualmente, los directores nos hacen preguntas y se cansan. David nos escucha. Se fija en todo. ¡Tienes que permanecer atento cuando trabajas con él!

Cronenberg lleva una trayectoria fundada en un concepto que ha roto los esquemas de representación audiovisual: la nueva carne. Se trata de una nueva forma de relación del individuo con el cuerpo, que se funda en el masoquismo y en la deformación. Es la forma más extrema de protesta, y la única que queda, cuando el sistema impide la libertad de acto. Si el ser humano no puede modificar el entorno, se modifica a sí mismo, y cada agujero que se perfora, cada deformación que se realiza, se convierte en un acto de protesta y en una reivindicación de la libertad. En este concepto entran películas como La mosca, o Existenz. Pero a estos temas también añade la locura, muy presente en la vida familiar del director, y que irrumpe con fuerza en Videodrome. Con Cosmópolis parece regresar el Cronenberg más radical.

Fotos: Página Oficial del Festival de Cannes

Uno de los mitos más intrigantes de la historia del siglo XX es, precisamente, el nacimiento de una doctrina que pone en duda cualquier mito. Bien digo doctrina: metodología, en síntesis, forma de ver las cosas, cosmovisión, forma de hacerlas… El psicoanálisis emergió en el mismo momento en que las condiciones de producción de conocimiento viraban cada vez más hacia un aspecto del saber concentrado en el detalle, en lo mínimo que condicionaba y alteraba al todo del cual esa parte es apenas un componente. Y si revisamos la situación, las cosas eran bastante claras en ese momento: psiquiatría, frenología, la propia psicología como práctica que se desprende tarde de la filosofía, todos estos saberes de las ciencias blandas, humanas, comienzan a obsesionarse por el detalle (¿o acaso la locura no emerge, precisamente, del elemento mínimo que determina el todo? Por algo está el viejo mito/práctica de la extracción de la “piedra de la locura”).

Que el cine encuentre interesante narrar este mito no nos debe sorprender: lo que nos debe sorprender es que haya sido David Crononeberg el que se haya encargado de poner todos los reflectores sobre la historia de Carl C. Jung y Sigmund Freud y que, basándose en el libro del cual la reciente “A Dangerous Method” es una adaptación, dramatice precisamente los comienzos de un saber que marcaría a fuego todo el siglo pasado, todo lo que va del actual y, encima, lo haga desde una perspectiva ascética, para nada melodramática (o, al menos, no con el clásico dramatismo al cual nos tienen acostumbrados los norteamericanos con sus “historias interesantes de hombres interesantes”).

¿Falta dramatismo?: no, para nada, la película parece casi totalmente objetiva acerca de lo narrado, hay inclusive ciertos planos que nos recuerdan a la profilaxis con la que Cronenberg diseccionaba las prácticas sexuales de los personajes de “Crash” (1994), o esa misma ascesis de la vida burguesa y rutinaria de los afectados por el advenimiento de la violencia y la otredad en la genial “A History of Violence” (2005)… Parece mentira tener el dato cierto de que los primeros filmes de Cronenberg hayan incurrido en el gore más absoluto y de que ahora estemos hablando de un director que, en esta última película, no muestra sangre. Claro que hay ciertos usos de la cámara que lo revelan como el mismo director de siempre, como alguien que logró dominar un procedimiento y lo tiene lo suficientemente incorporado como para constituirlo su estilo particular, pero si se revisa “A Dangerous Method” o “Eastern Promises” (2007) — junto con la ya citada “A History…” creo que, al menos por el momento y hasta que aparezca “Cosmópolis” (2012), constituyen una trilogía —.

Tenemos, si se quiere, el grado de dramatismo justo como para que la historia funcione y nos muestre el conflicto medular: Jung, hombre apasionado por la así denominada “talking cure” de Freud empieza a tener sentimientos encontrados con respecto a una de sus pacientes, una tal Sabina, interpretada por una notable Keira Knightley. Jung finalmente se entrega a sus deseos en el medio del comienzo y posterior declive de su relación con el inventor del nuevo método: un Freud personificado de manera magistral por Viggo Mortensen.

La película es una cinta medida, con altos contenidos de diálogo entre los personajes e, inclusive, una notable presencia de términos específicos de la práctica psicoanalítica, pero — a diferencia de los comentarios de algunos críticos que he oído en mi país — no es una cinta aburrida: muy por el contrario, es uno de esos trabajos que exigen al espectador un grado de atención superior, para luego gratificarlo con una notable cinta de un cada vez más imprescindible director.

Si con el teaser tráiler de Cosmopolis ya nos quedáramos con unas cuantas preguntas zumbando en la cabeza, al menos ahora tenemos un poco más de escenas y algo más de diálogos para darnos una idea de qué podríamos esperar de este nuevo film de David Cronenberg. Decir esto es simplemente para darles idea del contenido del mismo porque si vamos al hecho siguen apareciendo elementos que nos dejan picando verdaderas ganas de ver la película y entender de una buena vez de qué irá esta locura.

Ratas gigantes, disparos en la mano, y una limusina en medio de una extraña manifestación ahora se amplían en escenas de gente arrojándose unas a otras ratas- vaya símbolo este- y hombres en extraños disfraces echándose sobre esta limusina donde pareciera desarrollarse la mayor parte de la cosa. Además de una buena introducción al personaje de Robert Pattinson podemos disfrutar de la aparición de otros personajes interesantes como la esposa de Pattinson, y posible voz de su conciencia, interpretado por Sarah Gadon, así como a la siempre sublime Juliette Binoche junto a Paul Giamatti, Mathieu Almaric y Jay Baruchel.

Cosmopolis aun no tiene fecha de estreno oficial en USA aun, pero se ha confirmado que tendrá su lugarcito en Cannes el 23 de Mayo de este año. Personalmente no puedo esperar por ver qué se dirá finalmente de este Cronenberg que pareciera volver a la fuerza y solidez de antes después de algo tan tibio como fue su Método Peligroso. No obstante una singularidad como esta tiene sus riesgos, claro, estoy segura que será el típico film que dividirá aguas a gusto.

¿Y ustedes qué opinan?

Official Trailer - "COSMOPOLIS"… Subtitulado

Poco, muy poco se puede ver en el primer teaser de Cosmopolis. Pero es suficiente, más que suficiente como para estimularnos y mantenernos con las expectativas alerta ante el estreno de la nueva película de David Cronenberg que tras la fallida A Dangerous Method, parece devolvernos a las inquietantes e impredecibles atmósferas de filmes como Videodrome. Ojalá no me equivoque.

Eric Parker es un multimillonario, asesor de inversiones, que siempre está buscando nuevas emociones y que un día de abril del año 2000 decide enfrentarse a dos desafíos: apostar su fortuna contra la subida del yen y cruzar Nueva York en su limusina para cortarse el pelo. Puede que la primera pudiera ser arriesgada, pero sin duda menos peligrosa que la segunda, dado que en esta odisea contemporánea se verá importunado por la llegada del presidente de la nación a la ciudad, el funeral de un ídolo de la música, el rodaje de una película y una violenta manifestación política. Lo que le dará la oportunidad de enfrentarse a algunas de las decisiones que ha tomado en su pasado.

Si el cineasta canadiense se ha rodeado de colaboradores habituales, como el compositor Howard Shore con el que trabaja casi sistemáticamente desde The Brood; el director de fotografía Peter Suschitzky, con el que a colaborado muy a menudo desde Dead Ringers; o la diseñadora de vestuario Denise Cronenberg, que siemrpe ha vestido a sus personajes desde The Fly. Quizás llama la atención que esté producido, entre otros, por uno de los mejores y más personales productores europeos, el portugués Paulo Branco. Quizás por ello podemos encontrar nombres europeos, como Mathieu Amalric y Juliette Binoche, en un excelente reparto, que incluye a Paul Giamatti, Sarah Gadon y Samantha Morton, y que tiene en Robert Pattinson a su máximo protagonista.

A juzgar por las imágenes, da la impresión de que Pattinson lo da completamente todo y que incluso repite como vampiro. Uno de esos vampiros contemporáneos que viven atrapados en una vida tan hedonista como hueca y vacía. Si con películas como Remember Me o Water for Elephants, Robert Pattinson ha seguido ligado a esa onda romanticoide con la que tan bien le ha ido en The Twilight Saga, está claro que con Cosmopolis espera romper definitivamente con su imagen de ídolo para adolescentes. Una apuesta muy oportuna ahora que también pone punto final a la saga romántico vampírica.

Es difícil comenzar a hablar de A Dangerous Method, la última película dirigida por el inquietante David Cronenberg, sobre todo porque se trata de uno de mis directores favoritos. Desde luego desconozco el método que ha utilizado para realizar su película, pero lo que sí que es cierto es que se ha tropezado con dos grandes inconvenientes: una de las peores y más olvidables interpretaciones que nadie se pueda imaginar, por parte de Keira Knightley, y el error de llamar al autor de una obra de teatro, Christopher Hampton, para que realice él mismo la adaptación a guión cinematográfico. Lo cual no exonera al cineasta canadiense de su responsabilidad en el resultado final. Una película que ni sé cual es el tema que desarrolla ni, desde luego, lo que quería contar con ella.

Como digo el primer escollo de la película comienza en el momento en que aparece en pantalla la cara desencajada de Keira Knightley. Un papel que hubiera bordado a la perfección Helena Bonham Carter y que ciertamente recuerda bastante aquel personaje tan emocional que interpretara en Howards End, o quizás Emily Watson, que con su interpretación en Breaking the Waves demostraba que una persona podía ser puro sentimiento sin parecer por ello una histérica desequilibrada. Y eso es justamente lo que hace Keira Knightley, que una mujer que no comprende sus impulsos sexuales , o se avergüenza de ellos, debe comportarse como una perra, loca, histérica y salvaje, regalándonos la colección de muecas, caretos y posturas más histriónicas e insoportables que un servidor haya visto nunca en la gran pantalla.

Cada nuevo plano en que vemos la mandíbula desbocada de la actriz británica basta para echar a perder los esfuerzos de Michael Fassbender y Viggo Mortensen por hacer creíbles sus personajes. Si la hubieran realizado con la técnica estroboscópica, desde luego, habría sido toda un experiencia terrorífica. ¿Cómo va a enamorarse nadie de una dentadura batiente? ¡Una cosa es que sea guapa, pero el personaje que interpreta es insoportable! En ningún momento despierta ternura, ni comprensión ni empatía alguna. Lo que me lleva a la otra cuestión de la película: la adaptación de obra de teatro a guión cinematográfico.

A Dangerous Method es una película llena de diálogos y frases y textos y palabras. Y cuando llega una acción, nunca supone realmente nada para la evolución de la historia, lo que me lleva a pensar que el principal error se esconde detrás de la elección del propio autor teatral para abordar la adaptación cinematográfica pues, pareciera que Christopher Hampton estuviera demasiado apegado a sus textos. No deja que las acciones fluyan, y obliga a sus personajes a decir las conclusiones a las que hubiera debido llegar el espectador por sí mismo, dejando inválidas las propuestas de cualquiera de los personajes, por interesantes como puedan ser algunas de ellas.

Quizás la culpa es mía por esperar una película con el sello de David Cronenberg, pero es que de eso se trata, sobre todo cuando incluye personajes como Carl Jung y Sigmund Freud y cuando se tratan temas como el sadomasoquismo. Pero no encuentro ni rastro del morbo que había en Videodrome, Dead Ringers o Crash, que está representado en A Dangerous Method como si hubieran quedado para tomar café. David Cronenberg parece tan sobrepasado por las (pocas) acciones de sus personajes como el propio Carl Jung (Michael Fassbender), que en su insistencia en parecer normal, llega a convertirse en el más enfermo y anormal de todos los personajes. ¿Sería este el tema de la película? Sinceramente y parafraseando a Rhett Butler, a estas alturas de la película ya me importa un bledo.

No es la primera vez que escuchamos el nombre de David Cronenberg ligado a la secuela de algunas de sus películas. En agosto del año pasado se decía que el cineasta canadiense más internacional estaba trabajando en la secuela de “Eastern Promises”, la película que protagonizaban Viggo Mortensen, Naomi Watts y Vincent Cassel, siendo este último quien confirmaba una noticia que, por el momento, nunca más se supo. Tampoco es que debamos pedirle explicaciones al actor francés, pues el propio David Cronenberg fuera el que había iniciado los rumores de esta secuela.

Otro proyecto con el que se le lleva relacionando desde otoño de 2009 sería un reboot, secuela, o vaya usted a saber, de “The Fly”. No es que sea, precisamente, mi película favorita de Cronenberg pero, sin duda, es una de las que le han dado mayores satisfacciones comerciales. Sepan que el propio David Cronenberg ha sido quien ha despejado los rumores sobre la naturaleza de este proyecto, confirmando que sí, que ya tiene el guión preparado de lo que sería una secuela de su película de 1986. Aunque esto no quiere decir que se vaya a convertir en película, todavía.

No es exactamente un remake, es una especie de secuela, más o menos. Sí, fue todo un acontecimiento. He escrito un guión, y no sé si se va a producir realmente, eso ya es una cuestión que tiene que ver más con Fox.

Variedades de dípteros

“The Fly” ya era, en primera instancia un remake (ahora reboot) de una película dirigida en 1958 por Kurt Newman, cuyo guión estaba basado en un relato de George Langelaan. Protagonizada por Vincent Price, la película ya fuera objeto de una secuela en 1959, “Return of the Fly”, dirigida en esta segunda ocasión por Edward Bernds. Y el caso es que la versión de Cronenberg ya tuviera en realidad una secuela, la que protagonizaran Eric Stoltz y Daphne Zuniga en 1989, “The Fly II”, que estaba dirigida por Chris Walas. Tan sólo John Getz apareciera en las dos películas de la década de los ochenta.

¿Es lo que queremos?

Todo esto me lleva a preguntarme ¿querríamos ver una secuela de la película de David Cronenberg a estas alturas? Lo cierto es que, siendo del tipo de cinéfilos que se oponen a remakes, versiones estadounidenses, secuelas y cualquier tipo de proyecto que tan sólo trate de sacar un beneficio económico de una obra espléndida, quizás en este caso no estuviera del todo en contra.

Por un lado, el propio remake ideado por David Cronenberg iba mucho más lejos de una mera adaptación. David Cronenebrg hacía una auténtica relectura del material original de George Langelaan, adaptándolo en relación a las posibilidades técnicas contemporáneas. Pero lo que es mejor, el original cineasta conseguía llevarse la historia a su propio terreno para acabar constituyendo una de las obras que más identifican con su universo creativo.

Por otro lado, ¿quien no quiere volver a disfrutar con una obra en la que podríamos recuperar el Cronenberg más deliciosamente gore? Espero que no haya que recordar que, en sus inicios, pero siempre dentro de una línea estética exquisita y elegante, el cineasta de Toronto siempre nos había regalado suculentas secuencias de casería fina que se habían ido depurando desde los tiempos de “Shivers” y “Rabid” hasta títulos como “Dead Ringers” o “Naked Lunch”.

Además, dudo mucho que se tratase de una secuela al uso, ni siquiera en la línea de las otra dos secuelas realizadas hasta el momento. probablemente se trataría más de retomar el propio experimento de Seth Brundle, más que volver sobre los mismos personajes. Luego cómo te posicionas: ¿a favor o en contra?

Fotos: Alterexa

Cuando en septiembre aterriza “A Dangerous Method” en Venecia y en Toronto y sin tener mucha idea, aparte de algunas imágenes, de cómo va quedando “Cosmopolis”, ya podemos hablar de un nuevo proyecto para un cineasta tan personal como David Cronenberg, para quien Media Rights Capital ya tiene como objetivo proponer “As She Climbed Across the Table”, tal y como publican en Deadline. Se trataría de la adaptación de una novela de Jonathan Lethem, de la que se encargaría el guionista Bruce Wagner, teniendo como productores a Steve Zaillian y Garrett Basch —anteriormente ayudante de Zaillian para filmes como “All the King’s Men” y “American Gangster”.

La elección del guionista es un tanto extravagante si tenemos en cuenta que Steven Zaillian es uno de los más respetados guionistas de Hollywood, teniendo en su estantería un Oscar al Mejor Guión por su trabajo para “The Schindler List”. Llama la atención, más que nada, porque el guionista escogido tan sólo tiene en su haber guiones de filmes como “A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors” o “Scenes from the Class Struggle in Beverly Hills”, aunque también es cierto que para televisión escribiera una serie tan interesante como “Wild Palms”. Quizás el dato que nos falta para enlazar guionista con director se esconda en “I’m Losing You”, que fuera ópera prima del guionista como director, y en la que David Cronenberg ejercía como productor ejecutivo.

“As She Climbed Across the Table” es la historia de un físico, Phillip, que comienza a perder el interés sentimental por su pareja y también colega, Alice, desplazada por un fármaco creado en laboratorio por su equipo de científicos, y al que llaman Lack (vacío/ausencia). Según los que la han leído, afirman que se trata de una novela está llena de giros, divertida, y con elementos de thriller, siendo, en definitiva, un proyecto a la medida del cineasta canadiense, creador de filmes inquietantes como fueran “The Fly”, “Dead Ringers” o “eXistenZ”.

Lo que todavía está por ver es si Media Right Capital, que actualmente se encuentra produciendo “Elysium”, el thriller futurista que dirige Neil Blomkamp y que protagonizan Matt Damon, Jodie Foster, Alice Braga y Sharlto Copley, busque financiación para “As She Climbed Across the Table” por sí misma, o si llegará a un acuerdo con Universal o con otra productora antes de comenzar la producción de la película. Mientras esperamos por más noticias sobre el proyecto, como su reparto y la confirmación definitiva del cineasta, estaremos atentos al recibimiento de “A Dangerous Method”.

Para contar su versión ficcionalizada de los hechos, David Cronenberg selecciona actores que se encuentran a la altura de la narración y, en especial, de los personajes. Como Freud tenemos a Viggo Mortensen, actor con quien ha trabajado en sus dos películas anteriores, “Eastern Promises” (2007) y “A History of Violence” (2005). Por otro lado, interpretando a Jung, contamos con la presencia de Michael Fassbender, actor de origen alemán que actualmente anda en boca de todos por su excelente interpretación de Erik Lehnsherr a.k.a Magneto en “X-Men: First Class”. Y, para completar el triángulo, Keira Knightley interpreta a Sabina Spielrein, una joven paciente rusa quien, de hecho, en realidad fue una de las primeras mujeres psicoanalistas; para la actriz británico todo un reto histriónico.

De los hechos históricos se desprende este filme, que se centra en la relación entre Carl Jung (Fassbender) y su paciente rusa-judía Sabina Spielrein (Knightley), misma que deja ser estrictamente profesional para convertirse en sexual. Dicha relación no sólo provoca la ruptura entre Jung y su mentor, Sigmund Freud (Mortensen), pero también funciona como catalizador para Jung, realizando fuertes descubrimientos en su psicoanálisis. Desde el tráiler se expone como una historia intensa y erótica. Viggo Mortensen se ve perfecto como Freud, personaje que sin duda se ha ganado con sus previas interpretaciones — el primero en ganar el papel fue Christoph Waltz, pero se retiró por conflictos de agenda; ahora quién lo recuerda —. Michael Fassbender promete una grandiosa actuación, correcto en cada momento del metraje. Quien definitivamente tiene un gran peso en sus hombros es Keira Knightley, con un personaje distinto a otros que haya interpretado.

En el tráiler también destacan las hermosas notas de Howard Shore y la fotografía de Peter Suschitzky, otro gran colaborador de Cronenberg. “A Dangerous Method” cuenta con hermosas locaciones en Viena, Austria y Zurich, Alemania. Su estreno será en la Biennale de Venecia, en septiembre de este año. Después de su recorrido por festivales, se espera llegue a carteleras en otoño.

Adaptación de una novela homónima de Don DeLillo, “Cosmopolis” cuenta la historia de Erick Packer, un joven multimillonario dueño de una empresa onlineque viaja en coche a través de Manhattan para cortarse el pelo. En el trayecto tendrá que enfrentarse a las consecuencias de una serie de decisiones tomadas a lo largo de su vida, las cuales están relacionadas con su vida personal y profesional. Lo que da de sí una película de Ingmar Bergman como “Smultronstället”, de la que ya Woody Allen ya ofreciera un sentido homenaje en “Another Woman”. El estreno de la película de Cronenberg está previsto para 2012.

A pesar de que “The Twilight saga” ha supuesto un perfecto lanzamiento para Robert Pattinson, el joven actor de origen británico no parece querer que se le relacione profesionalmente sólo con su personaje de vampiro en la popular saga romántico-vampírica. Por eso ha estado intercalando el rodaje de sus secuelas con otros filmes como “Remember Me” o “Water for Elephants”, todavía en cartel, y “Bel Ami”, otro drama romántico, todavía a la espera de estreno, en el que encabeza un reparto que incluye a Uma Thurman, Christina Ricci, Kristin Scott Thomas o Colm Meaney. Como curiosidad, ¿sabían que uno de sus primeros papeles fuera en otra saga? Efectivamente, Robert Pattinson fuera Cedric Diggory en “Harry Potter and the Goblet of Fire”.

Mientras termina el rodaje de “Cosmopolis”, en cuyo reparto no están finalmente ni Colin Farrell ni Marion Cottillard, aunque sí a Juliette Binoche, Paul Giamatti y Mathieu Amalric, esperaremos impacientes el estreno de “A Dangerous Method”, un biopicture sobre Sigmund Freud y Carl Jung, adaptación cinematográfica de la novela de Christopher Hampton, The Talking Cure, que él mismo adapta para la pantalla y que se centra en la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley), una paciente en tratamiento con la que el psiquiatra mantiene una relación amorosa a la vez que intenta poner en práctica las técnicas de Freud.

Todo apunta a que podemos esperar todo un auténtico plato fuerte, no sólo por parte del fabuloso ojo de Cronenberg para retratar historias profundas, inquietantes y retorcidas, sino también por la pluma de Hampton, que fuera guionista de filmes como “Dangerous Liaisons”, “The Quiet American”, “Atonement” o “Chéri”, además de haber escrito y dirigido filmes como “Imagining Argentina”, “The Secret Agent” o “Carrington”.

“Carnage“de Roman Polanski y “A Dangerous Method” de David Cronenberg harán su estreno mundial en el festival, junto a otros interesantes directores como Steve McQueen y su filme “Shame”; o Todd Solondz y su “Dark Horse”. Pero esto no es lo único, al parecer hay algunos otros títulos registrados pero aún no confirmados por el festival como “W.E“de Madonna, “On the Road” del Brasilero Walter Salles, o “The Lady” de Luc Besson.

Ya con estos nombres, Venecia se está poniendo en clima. Y para subir la temperatura, ya están confirmados filmes como: la adaptación “Tinker, Tailor, Soldier, Spy” de Tomas Alfredson; “The Descendants” de Alexander Payne, quienes decidieron hacer sus premieres en el festival. Steven Soderbergh y Steven Spielberg también decidieron hacer sus lanzamientos en Venecia, ambos presentarán dos filmes. “Contagion” y “Haywire” por parte del director de “Traffic”, mientras que Spielberg lo hará con “War Horse” y “The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn”.

Esto es el comienzo de lo que será la excelsa programación que suele tener el Festival de Venecia cada año. Mientras esperamos más novedades, lo confirmado es que quienes puedan viajar y disfrutar del mismo ya deben tener haber reservado sus días desde el 31 de agosto al 10 de septiembre, momento en que se lleva a cabo el festival.

Via: Collider | Foto: Iliterancy

La “Cosmopolis” de David Cronenberg realiza un ajuste en su reparto principal — tal como ocurriera en su momento con “A Dangerous Method” —. Hace varios meses, en mayo para ser precisos, comentábamos que Colin Farrell protagonizaría el proyecto, acompañado por la maravillosa Marion Cotillard. Por complicaciones en su agenda, principalmente por su participación en el remake de “Total Recall”, Farrell deja su personaje vacante. Y, para reemplazarlo, se integra a la producción Robert Pattinson, mejor conocido como Edward Cullen de la saga “Twilight” — y aquí es cuando digo, ¿esto va en serio? —.

Basada en la novela homónima escrita por Don Delillo, “Cosmopolis” nos presenta a Erick Packer, un joven de 28 años prodigio de las finanzas, a quien acompañamos por un día en una lujosa limosina. El propósito de su salida es cruzar Manhattan hasta encontrar un lugar apropiado donde pueda cortarse el cabello. Durante el recorrido es detenido en varias ocasiones por el tráfico. Le es infiel a su esposa (Cotillard), gana algunos acosadores, asiste a un funeral y pone en riesgo toda su fortuna al competir en contra del yen. Son 24 horas las que terminan transformando a este hombre.

Conocemos el trabajo de David Cronenberg. Sabemos de que van sus películas y el tipo de personaje que construye, mismos que tienden a la transformación. En principio, la incorporación de Pattinson en el reparto sorprende, pues lo conocemos como el vampirito que hace gritar a millones de adolescentes por todo el mundo. Pero, ¿tiene potencial para el cine de Cronenberg? Anteriormente también lo hemos visto en “Remember Me” y “Little Ashes”, como un joven Salvador Dalí. Erick Packer de “Cosmopolis” significa su primer trabajo actoral bajo la dirección de un grande como lo es Cronenberg. Ya veremos si da el ancho para el personaje.

Mientras tanto, el director nos debe el estreno de “A Dangerous Method, protagonizada por Viggo Mortensen, Keira Knightley y Michael Fassbender. Al joven Pattinson lo veremos en “Water for Elephants”, acompañado por Reese Witherspoon y Christoph Waltz, filme que llega a carteleras el 22 de abril.

Vía: Cinematical | Foto: ChismeVlog

A lo largo de la semana, fuimos realizando un registro de algunas películas de David Cronenberg que consideramos hitos, marcas dentro de una producción filmográfica con una obsesión/idea rectora más que definida: la idea de que los cuerpos son alterados por su contacto con ciertas formas sociales, económicas y tecnológicas, alteración que no incumbe solamente a la organización biológica de un organismo determinado, sino que también modifica las relaciones entre los cuerpos, el erotismo, desde luego, como práctica de administración de lo corporal central en el hombre. Pasamos entonces de una cinta iniciática como el genial mediometraje “Crimes of the Future” (1970), luego revisamos la intrigante “Crash” (1996), en donde hay una clara referencia a uno de los autores literarios cuya producción se conecta en sobremanera con la del director canadiense, sí, claro, hablamos de J.G. Ballard; para proceder, en el día de ayer, a hacer lo propio con una de las primeras películas de un ciclo que, a mi juicio, apenas se ha iniciado: el ciclo Viggo Mortensen, el cual da su puntapié inicial con “A History of Violence” y continúa con la película que repasaremos en el día de hoy: “Eastern Promises” (2005).

La película cuenta la historia de una enfermera, interpretada por Naomi Watts, que proviene de una familia rusa radicada en Inglaterra. Consigue, casi sin quererlo, el diario íntimo de una chica recientemente fallecida de origen ruso: sin poder estrictamente descifrar la escritura cirílica, la mujer decide llevarle el diario a su tío, un hombre que no desciende de rusos, sino que es ruso él mismo y vive apegado aún a las costumbres de su país natal. Como todo buen diario, revela secretos que saltan de la esfera personal a la social, así, de golpe: allí se revelan detalles del tráfico de blancas que la mafia rusa realiza en el territorio inglés, todo esto amparado por una suerte de zar del crimen que esconde sus negocios turbios bajo la fachada de un restaurant de comida rusa típico y familiar. Allí es donde Mortensen se desempeña como guardaespaldas personal del hijo de este gran criminal, al cual acompaña en sus muchas borracheras pero siempre sabiendo mantener las distancias, casi como un excelente protector que se pone sobrio a la hora en que las papas queman.

¿Cuál es el conflicto central? Mortensen comienza a acercarse a la enfermera con el objetivo inicial de obtener el diario, pero: ¿cuál es su verdadero motivo? ¿Todo es lo que parece? ¿Para quién está trabajando realmente este “guardaespaldas”? Este juego de los agentes dobles, del otro funcionando en el corazón de lo mismo —- algo excelentemente trabajado en “A History of Violence” —- sigue operando en la presente cinta pero ya dentro de la óptica de lo que podría considerarse una suerte de juego de espías, de dobles agentes, al mismo tiempo que el retrato de una cultura tan interesante como la de los rusos exiliados —- quienes mantienen con fuerza ciertas prácticas culturales al mismo tiempo que algunas actividades se ven seriamente modificadas, por más que no lo quieran —- invita a una nueva meditación sobre el cuerpo por partida doble: primero, el cuerpo como territorio de marcas, algo que alcanza su punto máximo de objetividad con el cuerpo tatuado de Mortensen siendo analizado por los jefes de la mafia rusa; segundo, el complejo juego de homofobia y prácticas homosexuales veladas o disimuladas dentro de este gran teatro del honor: la prohibida atracción del hijo del jefe máximo con su protector, la admiración del cuerpo tatuado en la escena recién descripta, la pelea en los baños públicos, en donde un desnudo Mortensen liquida a dos agentes en un despliegue corporal que sirve al mismo tiempo para hacer ingresar algunos elementos del gore, como la concentración de los planos en escenas desmedidamente sangrientas.

“Eastern Promises” es una de esas películas excepcionales que, como los últimos filmes de Cronenberg, se salen de la regla: con la venidera adaptación de una novela que habla de la compleja relación entre Jung y Freud, el director canadiense vuelve a revisar los elementos centrales de su filmografía para someterlos a una nueva y fructífera transformación que, esperemos, así como los cuerpos en devenir, no se detengan nunca en ningún aburrido momento “sólido”, ningún evitable estancamiento. Los invito a ver los filmes del director y a continuar este diálogo que intento abrir con ustedes acerca de la producción de uno de los directores mpas interesantes del siglo, afirmación que no exagera nada, sino que rinde homenaje a una filmografía tan interesante como diversa.

Foto: Artbody Tatoos Designs

Con David Cronenberg venimos de dos instancias en donde se presenta eso que caracterizamos como “erotismo ascético”: de “Crimes of the Future” (1970) a “Crash” (1996), podíamos ver dos formas de encarar con cierta distancia científica, propia del mundo occidental y de ciertas obras artísticas del siglo XX —- como la literatura de J.G. Ballard, uno de los escritores ingleses más importantes del período —-, las prácticas sexuales que, en definitiva, incumben al mundo de lo corporal, a la administración de los cuerpos —- tema que estaba absolutamente presente en “Crimes of the Future” y que se va a convertir en esta obsesión recurrente del director, esta idea rectora de su producción artística: la transformación de los cuerpos a partir de su vinculación con lo social, lo económico y, sobre todo, lo tecnológico como nueva forma de corporalidad —-. En el momento de su salida, la primera colaboración de Cronenberg con lo que podemos considerar en la actualidad uno de sus actores fetiches, Viggo Mortensen, es una cinta que, si se quiere, descoloca un poco: estamos hablando, claro está, de “A History of Violence” (2005).

En la cinta, un hombre aparentemente “normal”, queremos decir, dueño de una vida absolutamente rutinaria, aitende un bar en un pequeño pueblo norteamericano. El arrbio de dos maleantes que tienen el objetivo de robar el bar pone al dueño en una situación límite de la cual sale más que aireado: masacra, casi sin transpirar y utilizando técnicas de lucha inesperadas para él, a los dos ladrones. A partir de allí, el pueblo lo tomará como héroe, pero despertará en él un elemento latente reprimido luego de tantos y tantos años: ¿quién es realmente este hombre? ¿Qué tiene que ver con un mafioso llegado desde lejos, interpretado porel genial Ed Harris, que reclama su cadaver? ¿Con quién se caso se esposa, Maria Bello, con qué hombre, dueño de qué pasado? Con todas estas dudas flotando en la cinta, la historia de violencia se desencadena hasta llegar a límites insospechados.

La idea de los cuerpos marcados vuelve a funcionar dentro del filme: Harris, mafioso, tiene una inmensa cicatriz en el rostro, la cámara, al momento de que Mortensen aplique una violencia particular sobre un cuerpo, se detiene más de la cuenta para retratar la agonía, la muerte, la masacre —- se podría decir: funcionamiento “gore” dentro de una cinta que no es “gore” —-; luego, y este es el gran tema de la cinta: viaje hacia lo otro, en el sentido teórico más estricto, epifanía: el término en griego, etimológicamente, significa aparición, acontecimiento, si se quiere, mientras que el uso religioso para hablar del clásico día de los Reyes Magos nos da esta idea de traslado, de viaje, de desplazamiento hacia la aparición. Tom Stall/Mortensen no hará otra cosa que hacerse cargo de ese pasado que ha reprimido, ese otro dentro suyo que desconoce, y decide “viajar” hacia él, enfrentándose al grupo de mafiosos. Una de las escenas finales, con el protagonista lavándose en una acumulación de agua, limpiándose, redimiéndose con su pasado, es una de las escenas más elocuentes de la cinta en el sentido que estamos planteando.

¿Dónde se encuentra este erotismo tan animal como ascético, visto desde la distancia? Luego de descubrir el pasado de su marido, llena de sospechas, Edie Stall/Bello mantiene una relación sexual con su esposo en donde parecen desencadenar toda una serie de prácticas bastante lejanas al sexo cotidiano que seguramente tendrían: hay cierta animalidad casi propia de los insecotos —- por la manera en que los cuerpos se colocan —- que soprende, turba, casi como si se retratara una nueva violencia despertada por todo el pasado del personaje.

Entre estos dos límites, entre el viaje hacia lo otro y la violencia corporal-erótica, este filme es uno de los mejores trabajos de Cronenberg, a mi juicio, abriendo toda una nueva perspectiva que el director canadiense continua en la actualidad. Nos vemos mañana para ver una nueva película del citado director y continuar con nuestro humilde repaso.

Foto: Couch Potatoes

Si la obsesión por los cuerpos llevaba en “Crimes of the Future” (1970) a plantear un universo distópico en donde se apuesta por un erotismo ascético, esta presentación de los cuerpos sumergidos en prácticas sexuales grises, controladas, vistas y presentadas con distancia científica, en “Crash” (1996) no se hace otra cosa que explotar estas características y, encima, vincularlas con uno de los mejores escritores de ciencia ficción de la historia del género, o mejor, uno de los mejores y más definitivos escritores del siglo XX: claro, hablamos de J.G. Ballard. “Crash” de David Cronenberg va a basarse en una de las novelas fundamentales del citado escritor y a estrictamente relacionar una producción cinematográfica con una producción literaria que, de una manera u otra, se “retroalimentan”, generan la bien conocida intertextualidad que abre este campo de obsesiones detrás de las producciones artísticas.

¿Qué se cuenta en la película? Jim Ballard, interpretado por James Spader, es un hombre que se siente encerrado en una vida que no lo lleva a ningún lado, una suerte de depresión originada por la rutina, esas cosas del mundo cotidiano. Pero, de la nada, un accidente de tránsito cambiará su vida para siempre: el personaje interpretado por Holly Hunter colisiona en un ruta con el auto del doctor Ballard y, en el medio del choque, el accidentado observa como la mujer procede a correrse el cinturón de seguridad y a masturbarse rápidamente, frenéticamente. A partir de allí, sera introducido en un grupo de personas que se dedica a recrear grandes accidentes de autos, digamos los clásicos, y que se excita a partir de observar, presenciar colisiones, observar cuerpos deformados, llenos de cicatrices originados por estos accidentes.

La cinta es en sí bastante desesperante en cuanto al planteo de la historia: hay una suerte de sensación de sofocamiento, con planos repletos de grises, de zonas vacías, de planos generales lentos, de diálogos que nos pierden hasta llegar a esos momentos en donde nos encontramos con alguna que otra frase que parece ser la postulación efectiva de una verdad, de esta suerte de ideas rectoras: cuerpos mutilados, cicatrizados, tullidos arrastrándose con medios mecánicos, la idea de que gracias a la tecnología los cuerpos pueden llegar a transformarse, a ser algo nuevo, diferente; otra vez: a explotar un costado del erotismo impensado en las condiciones corporales actuales, en los cuerpos prototípicos.

Entre esta multitud de cuerpos en pleno proceso de transformación, choques automovilísticos, trabajo con el universo pop —- los choques que se recrean son los pertenecientes a los de las grandes estrellas —-: toda una serie de referencias ascéticas en el medio de choques que tratan de reingresar a la vida rutinaria por la violencia algo de la acción, del erotismo un tanto relegado por la sociedad, la vida cotidiana. ¿Qué pasará en las siguientes películas que analizaremos? Nos vemos mañana, entonces, para poder saberlo y desentrañar este misterio.

Foto: MSN Enterteinment

El cine de David Cronenberg es, ante todo, un cine que se mete con la tan particular temática de lo corporal: muchos se preguntarán qué queremos decir con esto, está claro; lo que tratamos es proponer una idea rectora a lo largo de una serie de películas representativas para tratar de encontrar, dentrás del estilo, un mapa de relaciones muy específicas que marcan, casi a la manera en que Roland Barthes lee en Jules Michelet, un índice temático de obsesiones. ¿Cuáles son, entonces, esas obsesiones? ¿Puede armarse un catálogo de obsesiones que trate de desentrañar que hay detrás de una producción artística? Y sobre todo: ¿cómo debemos leer esas “obsesiones” si no queremos convertirnos en una suerte de psicoanalista de la producción artística y optemos por quedarnos de este lado de la estética? Cronenberg, precisamente, es uno de los mejores directores en donde podemos tratar de encontrar alguna manera este problema trabajado.

Cuerpo, entonces: en “Crimes of the Future” (1970), uno de los primeros trabajos filmográficos del director, mediometraje de una hora de duración escrito íntegramente por don Cronenberg, estamos situados en un futuro en donde las mujeres han desaparecido luego de una serie de peligrosas alteraciones a diversos productos de cosmetología. Ubicados en esta sociedad sin mujeres, el protagonista/narrador en off de la cinta empieza a revisar las alteraciones corporales sufridas en diversas personas relacionadas con esta búsqueda natural, este impulso de la creación por seguir vinculándo entes eróticamente —- si no es que todo contacto es, a priori, erótico —-: impresiona el caso de un hombre que posee diversos corpúsculos naciendo de las partes más insólitas, órganos sin función aparente que sólo pueden entenderse como intentos de su propia anatomía por seguir operando eróticamente. En esta panorama frío, de hombres obsesionados con los pies en la más clara práctica de fetichismo, el citado protagonista encuentra a una niña de escasos años, la última mujer del mundo, con la cual tendrá que pasar diversas travesías huyendo de las más variopintas fuerzas.

La película presenta al complejo vínculo sexualidad-erotismo-genitalidad de una manera fría, distante: este “futuro” planteado es una clara distopía en donde la ciencia fuerza a una transformación que sólo se puede ver de una manera fría, precisamente, científica… No estamos aquí frente a una cinta empática que trata de mostrarnos los sentimientos de los personajes como para que rápidamente nos vinculemos con sus problemas o tengamos a un héroe de referencia desde el cuál podamos ver el universo planteado en este trabajo, sino todo lo contrario: estamos en un universo ascético, con observaciones rigurosas acerca de estas transformaciones corporales que afectan a lo social. El tono en que la cinta está grabada, quiero decir, los colores, los cortes de los planos, el sonido ambiente por momentos recuperado… Es esencial entender que la única forma de retratar la transformación de lo corporal originada por el orden social, económico y tecnológico actual —- siempre, inevitablemente se está hablando del “ahora” —- es a partir de la distancia, de volver contra ese mismo mundo científico una mirada artística cargada de distancia objetiva: hacer una película empática, repleta de sentimientos estructurados, roles definidos y demás es rendirse ante un arte de masas —- lugar complicado el del cine: nació con la idea de “arte de masas”, de “producción” artística —- que considera a la cinematografía como el lugar en donde el trabajador va a descansar de una manera confortable frente a la gran pantalla. En Cronenberg difícilmente encontremos eso.

“Crimes of the Future” es un trabajo en donde podemos descubrir los elementos fundamentales del cine de David Cronenberg, su giro posterior a la producción de cine si se quiere entre sci-fi y gore —- cine que amerita toda una serie de artículos aparte, pero en donde podemos leer el mismo conjunto de ideas —-, en donde precisamente esta obsesión por la transformación de lo corporal a partir de su choque con lo tecnológico, por ejemplo, permite también la entrada de referencias evidentemente pop: los autos, la sexualidad —- sadismo y masoquismo —-, los cuerpos mutilados… “Crash” (1996), la siguiente película que relevaremos, precisamente parte de todos estos elementos para volver a trabajar con la temática central que hemos planteado y pasaremos a revisar en cuatro diversos filmes de este director.

Foto:Flickr

Contábamos con la noticia de que David Cronenberg iba a adaptar la novela de Don DeLillo “Cosmopolis”, y que contaba en el lugar de los protagónicos con la presencia de dos jóvenes actores que rankean alto en el mercado: Colin Farrell y Marion Cotillard. Según los fuertes rumores que se encuentran circulando en la web, Paul Giamatti sería el nuevo nombre a sumarse al cast del proyecto.

La historia de la novela del escritor norteamericano se centra en un joven millonario de 28 años que recorre la ciudad en una sola noche con el objetivo de conseguir un correcto, coherente, bien realizado corte de pelo. En el medio del viaje, y luego de verse involucrado en un asunto relacionado con un affaire que tuvo y que dejó a su esposa en la posición de la engañada, tendrá un cambio radical dentro de su vida además de verse enfrentado a diferentes instancias de combate, de lucha, momentos dentro de este proceso de cambio.

La historia es más que atractiva, principalmente, considerando que una de las grandes temáticas del director es este trabajo con tiene que ver con la transformación, el cambio de un personaje estrictamente relacionado con lo corporal, lo biológico: pensemos en las transformaciones de su época gore, como las que podíamos ver en “The Fly”, con el magnífico Jeff Goldblum o las que nos sacaban el sueño en “Videodrome” (1983), y que luego se transformarían en esas oníricas epifanías de la serie de Viggo Mortensen, como “A History of Violence” (2005) y “Eastern Promises” (2007): de onírico, claro está, tenemos que agarrarnos para hablar de la venidera película que tienen al citado actor como protagonista, “A Dangerous Method”.

Lo que aparentemente está retrasando las negociaciones es, precisamente, el advenimiento de esta nueva película y ciertos temas que seguramente tienen que incumbir números de cachet y esas cosas. El papel de Giamatti aún no se encuentra definido ni nada por el estilo, por lo cual también sospechamos que esta ida y vuelta necesaria para cualquier contratación apenas ha comenzado.

Las películas de Cronenberg son una celebración acerca de lo que el cine tiene que ser: un trabajo para una línea conceptual que se mantiene a lo largo de las diversas producciones, una pantalla entre los sueños y lo que sospechamos real —- ¿acaso el psicoanálisis y el cine no aparecen, casi, en el mismo momento? —-: hacer cine es hacer sueños, con todas las complejidades que este tipo de afirmación implica. ¿Giamatti será o no nuestro nuevo personaje onírico?

Vía: Screenrant | Foto: Cine Clubes de Cordoba

En el 2007 David Cronenberg dirigió la cinta “Eastern Promises” con Naomi Watts, Viggo Mortensen, Vincent Cassel y Armin Mueller-Stahl. Para todos los que disfrutaron de esta película, Cronenberg está trabajando en la secuela de esta cinta y que tanto Mortensen como Cassel están de regreso en sus respectivos personajes.

En una entrevista para “Cooming Soon”, Vincent Cassel mencionó que van a estar en grabando la secuela en Rusia a partir del próximo invierno. Sin duda esta película significó el posicionamiento de Mortensen como actor de carácter y le brindó una nominación al premio Oscar.

El guión está siendo escrito por Steven Knight, quien trabajo la primera parte y ha escrito films como “Dirty Pretty Things” y “Amazing Grace”. Sin duda “Eastern Promises” es una cinta muy contundente, poderesa narrativamente y con unas grandes interpretaciones.

En Marzo, Cronenberg había comentado que aún no vislumbraba un final para esos personajes, y que tenía que trabajar en la continuación de ese proyecto. Ahora habrá que esperar que el estreno de esta secuela será en el 2011.

Vía: Worst Previews | Foto: IMP Awards

Uno de los más claros ejemplos de las correspondencias que se establecen en diferentes expresiones artísticas, como el cine y la pintura, es la obra de Francis Bacon, que aprovechando influencias procedentes del Séptimo Arte, devuelve lo que ha robado influyendo en cineastas contemporáneos.

Nacido en Dublín en 1909, tan sólo catorce años después del nacimiento del cine, Francis Bacon es expulsado de su casa cuando tiene 16 años —-al ser descubierto por su padre vestido de mujer, al parecer. Tras matricularse en St Martin School of Arts de Londres, decide trabajar como decorador de interiores, etapa en la que empieza a pintar, aunque sin mucho éxito. Una exposición en París de Picasso le marca definitivamente impulsando su inclinación profesional por la pintura.

Una de las primeras y decisivas influencias cinematográficas que podemos apreciar en sus pinturas es la del fotógrafo e investigador, Eadweard Muybridge, cuyos experimentos sobre la cronofotografía, y en particular los que hace sobre el cuerpo humano impresionan muy favorablemente al pintor. Aparte de la idea de la fragmentación y la repetición que utiliza para sus trípticos, Bacon utiliza para muchas de sus pinturas las series de luchadores que Muybridge realizara. La violencia del gesto de los luchadores traspasa las propias figuras de sus cuadros trasformándolos en escenas homosexuales en las que también incluye, al igual que hiciera Rembrandt, animales despedazados en lo que constituye un turbador desfile de lo monstruoso, lo deforme, lo insólito y lo bizarro.

En cuanto a las vanguardias europeas, sería el futurismo de Marinetti el que primero llamaría su atención, particularmente el uso que estos hacen de la fotografía estroboscópica, pero sería el bullicioso período de entre guerras, cuando vive en París el que más le llama la atención. Primero por fascinación por el impresionista cine de Abel Gance y el expresionismo de Walter Ruttmann o de F. W. Murnau. Ambos movimientos, desde estéticas diferentes coinciden en una característica, que no es otra que la de tratar de expresar lo que los personajes sienten, si en el impresionismo se utiliza cualquier truco o distorsión del objetivo o el movimiento de la cámara para que el espectador pueda sentir lo mismo que el personaje, en el expresionismo se retuercen los decorados y se exagera el gesto con tal de transmitir la misma angustia existencial que padece el protagonista de la película.

Sorprendentemente, la película que marcaría profundamente a Francis Bacon sería una obra muy cercana a la realidad: “El acorazado Potemkin” y, sobre todo, la secuencia de la escalera de Odessa en la que el horror queda perfectamente plasmado en unos primeros planos, particularmente los de la señora con sus gafas rotas. Es interesante resaltar que el acercamiento de Bacon a la realidad siempre estaba tamizado, nunca era directo, pues siempre utilizaba fotografías y cualquier referencia pictórica para realizar sus trabajos. Nunca teniendo a sus modelos presentes, sino fotografiados para representarlos después teniendo su imagen como mera referencia, pero nunca para reproducirlos tal cual, buscando siempre un realismo carnal y visceral que impresione al espectador. Muy cinematográfica resulta también su costumbre de reencuadrar a los personajesdentro del cuadro, intentando resaltar lo que más le interesa y denostando lo que queda fuera del marco.

En consecuencia, pudiera parecer arriesgado pronunciarnos sobre la obra de Francis Bacon refiriéndonos a tal como una expresión realista y fidedigna de la realidad, pero el estudio que John Maybury realiza del pintor en “Love is the Devil: Study of a Portrait of Francis Bacon”, viene a mostrar que realmente, Francis Bacon se limitaba a pintar a sus modelos no tal y como eran, sino tal y como él les percibía, con toda su angustia existencial, sus contradicciones y sus miserias, siendo su acercameinto subjetivamente realista. Resulta también muy curioso que en la propia película de Maybury encontremos referencias a otro cineasta, pintor antes que director de cine, que ha confesado la propia influencia del pintor irlandés en su obra: David Lynch, al cual John Maybury apunta en una secuencia donde ha sucedido un accidente de tráfico, algo que también sucede en “Wild at Heart” de la misma manera y que contiene algunos planos en los que ya sea por el reflejo en un espejo o por estar viendo los sucesos a través de un cristal, la realidad aparece tan distorsionada como las mentes de sus personajes.

En casi todas las películas de David Lynch podremos encontrar estas imágenes, acompañadas, la mayoría de las veces, por sonidos igualmente expresivos, intentando mostrar el desajuste mental, la ausencia de equilibrio y la enajenación a las que están sometidos los personajes debido a sus circunstancias personales como el vástago que engendrara Henry Spencer (Jack Nance) en “Eraserhead”, los sudorosos cuerpos de los trabajadores en los sueños de John Merrick (John Hurt) y el propio hombre elefante en “The Elephant Man”, aunque francamente alusiva resulta “Lost Highway”, en la que se pueden reconocer, literal y claramente, muchas referencias visuales a la obra de Francis Bacon, particularmente en los momentos de las transformaciones de Fred (Bill Pullman) en Pete (Balthazar Getty), y viceversa.

Cruzando la frontera, en Canada, nos encontramos con otro David, David Cronenberg, que también parece evidenciar una fascinación baconiana por la carne y su corrupción, casi todos sus filmes incluyen alguna secuencia con un estilizado toque gore, pero que salta a la vista en filmes como “Videodrome” y su culto a la muerte de la carne, los maravillosos utensilios para operar a mujeres mutantes de “Dead Ringers”, “Naked Lunch” y las pesadillas de las mentes enfermas que no diferencian ficción de realidad, “eXistenZ” y el cuerpo unido a la máquina por un cordón umbilical conectado a través de la espina dorsal, o, sobre todo, la conmovedora criatura en la que se convierte Seth Brundle (Jeff Goldblum) en “The Fly”, que por muy grotesca y desagradable que sea, sigue siendo capaz de conmovernos.

Anteriormente, en los años setenta, Bernardo Bertolucci utilizara dos cuadros de Francis Bacon para ilustrar la secuencia de créditos de su película “Last Tango in Paris”, una película tan carnal y visceral como los propios cuadros.

Esta influencia se extiende también a otros formatos audiovisuales como el videoclip, particularmente el vídeo del tema Lotus, de la banda americana REM, que dirigido por el videocreador Stéphane Sednaoui, confirma que las correspondencias artísticas siguen estando a la orden del día.

Fotos: Mundo 52 Desarraigo Knol IMP Awards Cine Exilio

La primera pregunta que se me viene a la cabeza es ¿era necesario? No lo digo porque no me gustara el trabajo de Paul Verhoeven en la película de 1990, sino por todo lo contrario, porque “Total Recall” está perfecta tal y como está, y no creo que necesite de una nueva versión.

Y mucho menos de un director carente de personalidad como parece ser Len Wiseman, responsable de filmes como “Underworld”, “Underworld: Evolution” o “Live Free or Die Hard”. Puestos a hacer un remake —-y antes de que a alguien se le alteren los nervios, prefiero explicarme—-, apriori, sólo me fío de directores que no sólo se limiten a rehacer la misma película, sino a aportar su propia creatividad, tal y como hicieran, por ejemplo, John Carpenter con “The Thing”, David Cronenberg con “The Fly”, Abel Ferrara con “Body Snatchers” o, en un alarde filosófico intelectual el propio Michael Haneke con “Funny Games U.S.”.

Por lo menos, parece ser que Wiseman se proclama como seguidor de la obra de Philip K. Dick, además de ser admirador de la película protagonizada por Arnold Schwarzenegger, tal y como ha dicho en sus declaraciones:

Siempre he estado fascinado con el relato de Philip K. Dick, y estoy emocionado con la idea de bucear más profundamente en el tipo de mundo que evoca y las preguntas que plantea. Me encanta que el misterio más crucial del personaje está tratando de resolver sea la de su propia alma.

Parece ser que la elección sobre Len Wiseman está reforzada por su relación con diferentes blockbusters, en los que comienza su carrera dentro del departamento de arte, filmes como “Godzilla”, “Stargate”, “Men in Black” o “Independence Day” —-casi podrían haberle dado el puesto a Roland Emmerich—-, de ahí salta a la dirección de spots publicitarios para marcas como PlayStation, Time Warner, Intel and Activision, para pasar después a la dirección de vídeos musicales para artistas como Quarashi, Rufus Wainwright, Megadeath, En Vogue, Static X, Paul Oakenfold y Brooke Allison.

La segunda pregunta que me asalta es ¿qué pensará Alejandro Amenábar de todo esto?, quien ya hiciera su propia versión del relato corto de Philip K. Dick en “Abre los ojos”, aunque sin decírselo a nadie —-igual lo hizo así para evitar pagar los derechos de autor a los herederos del escritor, tal y como hiciera F. W. Murnau con “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens”. Ciertamente al cineasta español le saliera redonda la jugada vendiendo después su velada versión de We can remember it for you wholesale (Podemos recordarlo por usted al por mayor) a los americanos, que la acabarían convirtiendo en “Vanilla Sky”. Está claro que a los seguidores de la obra del escritor americano no les pasara desapercibido y la incluyen entre las versiones que chupan de la creatividad de uno de los mejores escritores de ciencia ficción, tal y como consta en alguna de las páginas electrónicas dedicadas al escritor, que si bien visualmente se puede rastrear la película de Verhoeven, también destacan la influencia de otra novela de Dick, Ubik.

El mismo comunicado confirma que el guión será escrito, para Columbia Pictures, por Kurt Wimmer, responsable de los textos de “Law Abiding Citizen”, “Ultraviolet”, “Recruit”, “The Thomas Crown Affair” o “Sphere”. Por el momento, limitémonos a recordar viejos tiempos y ya lamentaremos o celebraremos lo que tenga que venir.

Vía: Las Horas Perdidas | Fotos: Homo Cinéfilus MovieGab

Aparecieron en la versión digital del periódico TT las primeras imágenes del set de filmación de la venidera película de David Cronenberg, “A Dangerous Method”, en donde se ficcionaliza la ruptura teórica y amistosa entre Sigmund Freud —- protagonizado por Viggo Mortensen —- y Carl Jung —- interpretado por Michael Fassbender —- en torno a un triángulo amoroso en donde el tercer integrante es una paciente de nombre Sabina Spielrein e interpretada por Keira Knightley. La historia está basada en una novela escrita por Christopher Hampton y llamada “The Talking Cure”.

Con locaciones en Austria y Viena, el equipo de filmación ha estado trabajando a lo largo de estos días en llevar adelante el proyecto: podremos ver en las fotos de la galería como pasean los protagonistas siendo filmados y protegidos por los clásicos paraguas para que la iluminación natural no arruine la necesaria para las respectivas tomas.

Los lugares que han elegido para la filmación no pueden ser menos atrayentes: por ejemplo, varias de las fotos han sido tomadas en el set de filmación creado en el Palacio Belvedere de Viena, rodeado en esta ocasión no sólo por periodistas sino también por varios curiosos.

Recordemos que una de las diferencias teóricas más importantes que se plantea entre estos dos antiguos amigos es la de establecer el foco en un punto contra el otro: mientras que Freud primaba la sexualidad como anclaje para su teoría del inconsciente —- estamos situados en la época en que comienza a trabajar con pacientes que padecen ataques histéricos, como el personjae de Knightley —-, Jung defenía un punto de vista, desde su perspectiva, mucho más global, al tomar no la sexualidad, sino la “espiritualidad”, si se quiere, como punto central de su teoría: después de todo, Jung ha sido el que utilizó el término de “inconsciente colectivo”.

Emociona saber que Cronenberg lleva adelante este proyecto: Mortensen como Freud impresiona, realmente, y creo que lo visual, elemento más que importante en cualquier filme de Cronenberg, va a ser sólo una de las primeras cosas que nos cautive de este proyecto. Pero, de cualquier modo, aquí les dejo las fotografías en cuestión.

Vía/Foto: TT.com

Dirigida por Vincenzo Natali, “Splice” ha sido, sin duda, uno de los estrenos mas esperados de la temporada, precedida por una estupenda campaña de promoción y protagonizada por Adrien Brody y Sarah Polley, aunque no defrauda, si deja un regusto amargo como si necesitara algo más.

Elsa (Sarah Polley) y Clive (Adrien Brody) son dos científicos que comparten trabajo y fluidos corporales. Involucrados en la combinación de ADN de diferentes especies para crear nuevos organismos vivos que puedan producir proteínas medicinales capaces de curar enfermedades como Parkinson, Alzheimer, diabetes o, incluso, cáncer, el éxito de experimentos recientes les empuja a experimentar, a espaldas de sus superiores, con ADN humano dando a luz un nuevo ser, Dren (Delphine Chanéac), ni hombre ni mujer, ni humano ni animal. Ambos cometerán el error de confraternizar demasiado con su nuevo ser.

Podría decirse que “Splice” es un compendio sobre las películas de científicos que juegan a ser Dios, unificando y sobrepasando todos las premisas del género… Aunque también podría verse como una recopilación de las películas favoritas del cineasta de Detroit. El tono general de la película, aunque morbosa y con tendencia hacia el gore, se mantiene en un tono límpio y desinfectado prestando más atención a los personajes y sus relaciones que ha la espectacularidad visual de la que podría alardear. Algo de lo que son responsables, principalmente, las sólidas interpretaciones de Adrien Brody y Sarah Polley, que se alejan del cliché habitual en este tipo de filmes y la de Delphine Chanéac, que consigue dotar de una gran porción de sensibilidad a la atormentada criatura.

Absolutamente integrado en el género, Natali se permite hacer bromas con los que sabe son los máximos consumidores de este tipo de cine, bautizando la compañía en la que trabajan Elsa y Clive con el sustantivo con el que se conoce a su particular tribu urbana: NERD (Nucleic Exchange Research + Development). Además a de alusiones a sus películas anteriores, como “Nothing”, en la camiseta que luce Clive, también podemos encontrar referencias en los nombre de Elsa y Clive, que son los mismos que tenían los actores que interpretaran al doctor Frankenstein y su criatura femenina: Colin Clive y Elsa Lanchester en “Bride of Frankenstien”.

Las primeros acordes de la partitura compuesta por Cyrille Aufort evocan, irremediablemente, a cualquiera de las que Howard Shore compusiera para los primeros títulos de la filmografía de David Cronenberg. Momentos como la transformación de la criatura en la que deja atrás su primer caparazón para evolucionar hacia otro tipo de criatura mucho más ágil nos remiten, indiscutiblemente, a “Alien”. Cualquiera de las criaturas y su necesidad de cariño nos sugiere, inevitablemente, a la patata con cabeza que fuera el vástago de Henry Spencer en “Eraserhead”. Y el aspecto mismo de la criatura evoca, inequívocamente, a las texturas físicas de cualquiera de las obras de Chris Cunningham, particularmente el anuncio para Playstation, “Mental Wealth”, en la que la cara de la protagonista era muy parecida a la de Dren.

Lo interesante es que Vincenzo Natali no huye de sus referencias, las incluye en su película de una manera clara, sin ocultar su fuente, integrándola en su obra y abriendo perspectivas emocionales, por las que, al realizar las asociaciones visuales, también se asocian las premisas argumentales y los conflictos que en ellas se plantean, permitiendo superar esas premisas para evolucionar en otra dirección, la que renueva y reescribe el mito del pecado original de Adán y Eva, representados en Clive y Elsa, que en lugar de desafiar a Dios con la manzana usurpan, directamente, su trabajo, al crear una especie nueva de la que, encima, se encaprichan…

Aunque todas estas referencias puedan jugar tanto a favor como en contra, lo que no se puede negar es la habilidad de Natali para narrar su historia, en la que consigue sintamos empatía por la criatura, por extraña que pueda parecernos a primera vista, o incluso en las primeras fases de su crecimiento, mucho más alejada de la apariencia humana. Fotografía, diseño de producción, montaje, todos los elementos juegan a favor de la cinta, pasando desapercibidos y sin centrarse en aspectos de maquillaje o efectos especiales.

Tampoco abusa de giros de guión espectaculares ni rebuscados, manteniéndose dentro de los límites de la verosimilitud —-en lo que ha la parte científica se refiere—-, pero puede que la parte final, los últimos veinte minutos, hagan decaer la atención del espectador con respecto a los primeros setenta que marcan una línea de interés creciente, truncada con una resolución apresurada, sucia y emborronada, justo lo contrario que el resto de la película.

Por lo menos, la conclusión final abre un abanico de posibilidades, al dejar un final abierto en el que es el espectador quien debe decidir, haciendo un nuevo guiño cinematográfico —-hacia dos títulos muy diferentes, uno de finales de los sesenta y otro de finales de los setenta, y que dejo para el espectador.

Fotos: Film Affinity Uruloki

Sí, el proyecto parece muy, muy interesante. David Cronenberg se vinculó a una posible adaptación de la novela de Jonathan Lethem de 1997 “As She Climbed Across the Table”, uno de esos libros que constituyen los pequeños best sellers para lectores avezados en el género y que, ya desde el planteo de la historia, promete un Cronenberg medular, en estado puro, sin necesidad de que la película esté ni siquiera en período de rodaje y sea apenas un rumor.

La historia se centra en la obsesión de Phillip por una chica llamada Alice. Tal obsesión tendría una explicación un tanto normal, si se quiere: Phillip teme perder a lo que considera el amor de su vida, pero no frente a otro posible contrincante, para nada, sino frente a un vacío, una nada. ¿Lo qué?: Alice es una física que logra construir una especie de vacío en términos físicos, una nada, algo que Alice llama “The Lack”, digamos, “la falta”. Así tenemos un complejo triángulo amoroso entre un hombre, una mujer y un fenómeno físico.

El filme será producido por Steve Zallian y su empresa Film Rites.

Teníamos varios proyectos anotados en los que Cronenberg se metería en breve: en principio, otra adaptación, la de la novela de Dom DeLillo “Cosmopolis”. Por otro lado, también está en carpeta el proyecto de llevar adelante una especie de biopic acerca de Freud, con Viggo Mortensen haciendo del padre del psicoanálisis. Ahora, esta novela que estamos anunciando como posible futuro filme parece retrotraernos a los primeros trabajos de Cronenberg, con esa especie de espectacular manejo del terror atravezado por la ciencia ficción.

El cine de Cronenberg es eso, después de todo: recomiendo muchísimo ver “Crimes of the Future” (1970), uno de los primeros trabajos de David, en donde se plantea un futuro sin mujeres —- debido a la proliferación de la industria del maquillaje, la cual comienza a crear productos mortales para los sujetos femeninos —- y los hombres, hallándose como los únicos habitantes de la tierra, comienzan a experimentar cambios corporales que representan la búsqueda natural por nuevas formas de contacto erótico. En el medio de este cambio físico, el científico protagonista del mediometraje se encuentra con la última mujer del mundo: una niña de once años. El planteo es, de movida, espectacular, y el filme es impresionante: hablando del Cronenberg esencial, aquí está todo, la temática de la ciencia como nuevo canal de transformación antural, la búsqueda de nuevas prácticas eróticas, los cambios corporales… Este aparente rumor ya levanta el aroma del Cronenberg más medular, el más “clásico”, si se me permite abusar de un término. Ojalá.

Vía: Pajiba | Foto: Invisible Inkling

El último verano, David Cronenberg anunció que dirigiría una adaptación de la novela de Don DeLillo “Cosmopolis”. En ese momento estaba pensando en la dupla Denzel Washington/Tom Cruise para interpretar a los dos papales protagónicos, pero ambos rechazaron la oferta.

“Cosmópolis” salió de escena por un tiempo —-casi un año—- dado que otro proyecto de Cronenberg recibió financiamiento: “A Dangerous Method”, una película sobre Freud y Jung. Pero “Cosmópolis” todavía está viva y ahora tiene a Colin Farrell y Marion Cotillard en sus roles principales.

Uno de los detalles importantes de la película y que faltaba conocer todavía es el escritor. Pero según informan será el mismo director quien se encargue de adaptar la novela. Es una gran noticia dado que toda la película transcurre en una limusina que da vueltas por Manhattan y Cronenberg es un fanático de los autos.

Este proyecto implicará un doble trabajo para Cronenberg. Por un lado es el encargado de adaptar una novela que difícilmente fue pensada cinematográficamente. Se trata de 24 horas de un millonario dentro de su limusina y sobre cómo pierde toda su fortuna en ese rato. Por el otro lado también deberá dirigirla y lograr que todo funcione armónicamente. No conozco todavía la obra de este director como para decidir si pongo las manos en el fuego por el o no.

Vía: Variety | Foto: Fest21

A inicios de año les comenté que el actorazo —- recién galardonado con un Oscar —- Christoph Waltz interpretaría al padre del psicoanálisis en “The Talking Cure”. Pero la que consideramos en su momento una excelente noticia nunca será materializada.

Debido a conflictos laborales provocados por su integración oficial al reparto de “Water for Elephants” —- proyecto del que Gustavo ya nos ha hablado —-, Waltz deja definitivamente la producción de David Cronenberg y, para tomar su lugar, se integra al reparto Viggo Mortensen —- quien parece no cumplirá su decisión de dejar la actuación.

Esta significa la tercera ocasión en la que Mortensen trabaje bajo la dirección de Cronenberg. De ambos hemos recibido excelentes historias como lo son “A History of Violence” y “Eastern Promises” —- misma por la que recibió una nominación al Oscar por su interpretación de Nikolai Luzhin, fiel chofer y limpiador de la mafia rusa.

Es cierto que me hubiera gustado ver a Waltz interpretando a Sigmund Freud —- una gran personalidad interpretada por un gran actor, es algo que se tendría que disfrutar y agradecer —-. Pero recordando la capacidad histriónica de Viggo Mortensen, no puedo esperar menos del resultado final.

En el proyecto continúan Michael Fassbender, quien dará vida a Carl Jung, y Keira Knightley, que será Sabina, una paciente atormentada quien sostendrá una relación con Jung. El filme inicia rodaje a mediados de Mayo.

Vía: Worst Previews | Foto: IHaveNet

A estas alturas deben ubicar al actor austriaco Christoph Waltz. En 2009 nos presentó la que, personalmente, considero la mejor actuación del año interpretando magistralmente al políglota oficial de la SS Hans Landa, en “Inglourious Basterds”. Su capacidad histriónica ha merecido reconocimiento de la crítica, colegas y el público en general. Tampoco ha pasado desapercibido para algunos directores. Tal es el caso del director canadiense David Cronenberg, quien integró a Waltz en el elenco de su próxima producción “The Talking Cure” para interpretar a Sigmund Freud.

Como les mencionamos con anterioridad, “The Talking Cure” es la adaptación del libro homónimo escrito por Christopher Hampton. En él se narra como Carl Jung y Freud desarrollaron el psicoanálisis. En el reparto, Waltz será acompañado, de nueva cuenta, por Michael Fassbender —el teniente Archie Hicox en “…Basterds“— y la actriz británica Keira Knightley, quien interpretará a una joven atormentada por su pasado.

Por el momento es lo que se ha dado a conocer sobre el proyecto. Teniendo a Cronenberg en la batuta podemos esperar un drama psicológico interesante y, sobre todo, bien ejecutado. Sobre la integración de Waltz al proyecto, ¿qué les puedo decir? Con lo que nos mostró en “…Basterds” no puedo esperar más que una excelente interpretación. Considero que encontraron al actor adecuado para el papel. ¿Ustedes?

Vía: Informador | Foto: Awards Daily