En Film Shaft se ha deslizado el tráiler correspondiente a una cinta que dudo mucho que llegue con éxito a la mayor parte del planeta, pero que está destinada a convertirse en uno de esos clásicos de las así llamadas “películas malas”: hablo nada más ni nada menos que de “Age of the Dragons”, cinta que aún no ha tenido su fecha de estreno correspondiente en el mercado anglosajón pero que amenaza con invadir las salas de cine y de paso satisfacer los deseos de más de un interesado en los proyectos con poco futuro.

¿De qué se trata la película? Básicamente, es contar la clásica novela de Herman Melville, Moby Dick, en un mundo en donde los dragones existen y son monstruos posibles de cazar —- cosa que en la época de Melville también, digo, mediados del siglo XIX, pero todos conocemos las consecuencias de la depredación racionalizada de estos magníficos animales —-. Así, el legendario Capitan Ahab es interpretado por Danny Glover, mientras que poseemos luego una situación amorosa que genera empatía con la audiencia, en este caso, personificada por Corey Sevier y Sofia Pennas, y uno de esos personajes un poco más carismáticos, aquí, el propio Vinnie Jones.

Ahora bien: en todos los sitios en donde ha aparecido este tráiler la idea es criticar al proyecto porque parece malo, pero sinceramente, no encuentro en el tráiler, más allá de una poco elegante edición, algo que realmente me determine a rechazar el ver la película sea en el formato que sea: es más, la actuación de Danny Glover no sólo parece convincente, sino más que interesante y digna de ser presenciada, así que seguramente esta va a ser una de las cintas poco reconocidas pero dignas de quedar en la historia como un proyecto poco valorado.

Una de las cosas interesantes de la historia, aparte de la recién citada actuación, es que en la cinta se hace comentario al uso del “aceite de dragón” como combustible apto para la existencia del ser humano, cosa que efectivamente recupera de una manera o de otra una situación histórica específica que hasta el día de hoy tiene sus consecuencias: el aceite proveniente de las ballenas sigue siendo un elemento por el cual los citados animales son cazados muchas veces de manera ilegal… Este tipo de situaciones deben ser tenidas en cuenta si lo que queremos es entender cómo muchas veces el planteo ficcional de una película hace referencia, buena o mala, a una situación concreta de nuestros días. Da para pensar.

En esta semana en la que Extracine inaugura sección como Secuencias favoritas, iniciamos también esta en la que pretendemos dar rienda suelta a la mala uva de algunos, reivindicando aquellos títulos o cineastas que desatan nuestras iras, liberando nuestra bilis sobre aquello que no soportamos, enardeciendo al monstruo que todos llevamos dentro y comprobando como, probablemente, lo que unos detestan, será defendido a capa y espada por otros, y viceversa.

Mi “idilio” con “Grand Canyon” comienza justamente el mismo año de su estreno, 1991, aunque probablemente fuera estrenada al año siguiente en España coincidiendo, además, con su presencia en la carrera por la dorada estatuilla en la que opta al Oscar al Mejor Guión Original, escrito por Lawrence Kasdan —-que también dirige—- y por su esposa, Meg Kasdan; y que se llevaría finalmente Callie Khouri por su guión para “Thelma y Louise”. La película venía también avalada por haber obtenido meses antes el Oso de Oro en el Festival de Berlín, por lo que no había, a priori, ningún obstáculo para que siguiese las recomendaciones de las personas que la habían visto y me animaban a verla denominándola una película especial, como con mucho sentimiento, en las que lloras por la emoción no porque sean tragedias o melodramas, vamos, de las que te cambian la vida.

Hasta ese momento Lawrence Kasdan contaba con todo mi reconocimiento pues era el responsable de títulos que tanto me habían agradado como “Body Heat” o “The Accidental Tourist”, además de haber colaborado en los guiones de “The Empire Strikes Back”, “Raiders of the Lost Ark” o “Return of the Jedi” que, indiscutiblemente, habían causado una gran impresión en mi más tierna adolescencia. Cierto es que luego vendrían bodrios como el guión de “The Bodyguard” y propuestas tan insólitas como la de “Dreamcatcher”, que incluso me encanta por excéntrica, pero nada parecía predecir la desilusión que me llevaría con “Grand Canyon”.

No puedo dejar de negar que, en el contexto de la realización de la película, Lawrence Kasdan sabe prever y adelantarse a esa ola de violencia que justo invadiría la ciudad de Los Ángeles en 1991 y que tendría su punto más lamentablemente alto en la agresión sufrida por Rodney King a manos de la policía. Un hecho que trasciende las pantallas estadounidenses para invadir las televisiones del mundo entero.

En “Grand Canyon” seis personajes intentan sobrevivir a la agresividad de la vida en una ciudad en la que un atracador prefiere llevarse el reloj de Davis (Steve Martin) a su coche, que “amablemente” le cede su dueño en un acto de arrogancia, y que es interpretado por el asaltante como hostilidad, conduciendo a Davis a la cama de un Hospital. En el asalto, Davis experimenta ese tipo de experiencia mística que le lleva a cuestionarse la labor por la que se gana la vida: la realización de películas, mayoritariamente violentas. Algo que otros personajes le animan a rectificar debido a su repulsa por la violencia que muestra en la pantalla.

Es cierto que al final del relato resulta que Davis tan sólo padece un trastorno temporal debido al trauma sufrido —-similar al que padece Lukas Haas en “Everyone Says I Love You” y le llevan a reivindicarse como republicano cuando siempre había sido demócrata—-, pero a lo largo de su convalecencia se cuestionan los trabajos de cineastas que tienen predilección por retratar la violencia de la sociedad, de la calle, y de los que no había mejor exponente en ese momento que el que realizaban cineastas como Martin Scorsese. Sinceramente, me parece inmoral cuestionar la labor de un cineasta que ha realizado películas tan notables como “Who’s That Knocking at my Door”, “Mean Streets”, “Taxi Driver” o “Ranging Bull”, independientemente de la violencia (justificada) que se muestra.

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Esta reflexión contra el cine violento realizado por Davis es defendida a capa y espada por la mayor mojigata de la película: Claire (Mary MacDonnell), esposa insulsa y aburrida recluida en su gran mansión que siente pavor (y asco) por el indigente que se tropieza dormido detrás del callejón de su casa, y que pretende ascender a los cielos adoptando un bebé que se ha encontrado en la calle. Algo a lo que sensatamente se opone su marido, Mack (Kevin Kline), intuyendo que su esposa es incapaz de lidiar con el hijo adolescente que ya tienen, Roberto (Jeremy Sisto), al que ya no le vale “tienes que hacerlo porque te lo digo yo”, sino que necesita que le expliquen las decisiones y que se le trate acorde con lo que se le exige.

Por otro lado, Mack decide romper una relación adultera que mantiene con Dee (Mary-Louise Parker), su secretaria, pero sólo después de que un desconocido le salve de morir atropellado al detenerle a punto de cruzar cuando la luz del semáforo todavía permanece en rojo. Su acción samaritana consiste en ayudar a alguien para pagar la deuda moral adquirida, por lo que tiende su (falsa) mano a Simon (Danny Glover) un conductor de grúas que hace su trabajo y le saca de ese barrio de negros en el que se había metido. Ciertamente el toque de “color” en esta historia y la parte más creíble y sensata de todo el relato, junto con Jane (Alfre Woodard), que se convertirá en su pretendienta pues Mack.

Probablemente somos las dos únicas personas negras que conoce

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No puedo dejar de señalar una de mis secuencias favoritas de entre las que detesto, aquella en la que Dee está parada dentro de su coche ante un semáforo en rojo, cuando un asaltante rompe la ventanilla de su coche para robarle el bolso, rompiendo a llorar inmediatamente después. Aunque el espectador tiene claro que no llora por el asalto, sino porque Mack acaba de romper con ella en la secuencia previa, un guapo y fornido policía trata de consolarle y le saca del coche, abrazándola y caminando junto a ella, hasta que llega un momento en que ambos se miran y parece que se quisiera dejar intuir que en ese preciso momento surge el amor (momento en el que casi vomito).

Todos estos personajes van sorteando las vicisitudes que les depara el destino, pero sin escucharse ni prestar atención a las necesidades reales del otro, tan sólo a las suyas. Parcheando, más que arreglando, los problemas que tienen y que, por extensión, saturan la sociedad en la que viven. El clímax de la película se produce cuando deciden ir, todos juntos, a visitar el Gran Cañón, quedando momentáneamente impresionados y subyugados por tan impresionante paraje natural.

El propio Lawrence Kasdan (que no yo) ha confesado en alguno de los documentales que rellenan las ediciones especiales de DVD que se equivocó con este final pues es consciente de que los espectadores sacan conclusiones contrarias a sus intenciones, pues la mayoría interpretan que todos los problemas a los que los personajes han estado sometidos a lo largo de la película han terminado, y que a partir de este mágico momento todo va a cambiar, y se van a escuchar, y no se van a gritar, y van a tratar de solucionar sus problemas juntos. Lo cierto es que Kasdan sólo quería dejar respirar a sus personajes por unos momentos pero, al volver a la ciudad, sus vidas iban a seguir envueltas en la misma violencia y sin razón en la que parece haberse convertido la vida para ellos. Una idea que sí logra transmitir un título recientemente comentado: “Mammoth”.

Igual si hubiera entendido el final que realmente proponía Kasdan hubiera apreciado el resto de la película, pues soy de aquellos a los que un buen final hace olvidar cualquier falta que pueda tener la película, pero la afectación y la hipocresía en la que viven la mayoría de los personajes —-que parece justificarse en algunos casos—- tampoco contribuye a una mejor recepción, ni, desde luego, el pesadísimo helicóptero de la policía que no deja de pasar en ningún momento, convirtieron “Grand Canyon” en un título que confieso: ¡¡¡no soporto!!!
Fotos: Dreamers Mubi Indiana Jones Comunidad Fan

Si ya de por sí resulta reiterativo ver nuevas versiones americanas de películas rodadas en idiomas que no sean el inglés, parece que vamos a tener que empezar a diferenciar también entre películas rodadas en el inglés de la reina Isabel Alejandra María II del Reino Unido, y películas rodadas en el inglés de John Wayne. Tal es el caso de la última película dirigida por Neil LaBute, “Death at a Funeral”, que ofrece un remake de “Death at a Funeral”.

La verdad es que si bien pasara por mi mente la película que Frank Oz dirigiera en 2007 y que, lamentablemente, no pude ver en su momento —-a pesar de haber disfrutado mucho con otras comedias suyas como “Little Shop of Horrors”, “HouseSitter”, “In & Out” o “The Stephord Wives“—-, asumí la similitud en el parecido de los títulos como una mala traducción, pues no me percaté de la exacta coincidencia del título en su versión original hasta después de la proyección y a pesar de que se hubiera avisado aquí mismo. Aunque, en realidad, considero no haber visto la primera beneficioso para poder comentar la segunda con más imparcialidad.

El guión escrito —-dos veces—- por Dean Craig, parece tomar prestadas características de la comedia americana sofisticada, que tan bueno frutos le diera a Ernst Lubitsch, pero mezclándolos con la comedia alocada —-screwball comedy—- que tan bien se le diera a Frank Capra, aunque sin aprovechar el fondo y razón de ser de ninguno de los dos estilos: la crítica a las convenciones sociales y la hipocresía de la primera —-desaprovechando en ese sentido la peculiar relación del difunto con el Frank (Peter Dinklage)—-, y la crítica social de la segunda. Resultando una suma de gags y giros de guión demasiado forzados, impidiendo que se llegue a tomar en serio el conjunto de la película, pareciendo que no estamos más que en un relato del más puro slapstick, en un concurso de clowns que se disputan llevarse el honor de ser el más cómico.

En ese sentido, lo mejor (y lo único bueno) de la película es, sin duda, su reparto desde Chris Rock hasta Tracy Morgan, pasando por Martin Lawrence, Luke Wilson, Danny Glover, Loretta Devine, la sorprendente actuación de James Marsden, Zoe Saldana o el siempre magnífico Keith David, que consiguen arrancar sinceras carcajadas en algunos momentos de la película y defender sus personajes a pesar del histrionismo de algunas situaciones.

Me cuesta encontrar los motivos por los que Neil LaBute —-que iniciara su carrera con una película tan interesante y controvertida, como “In the Company of Men”, y consiguiera un equilibrio tan elegante entre drama y comedia en un producto tan inquietante como entrañable, como fuera “Nurse Betty“—- haya decidido embarcarse en otro remake después del fiasco que resultara “The Wicker Man”, basada en la magnífica película británica, “The Wicker Man”, dirigida por Robin Hardy en 1973. De hecho, no se encuentran huellas de su estilo ni de su capacidad para turbar la mente del espectador, lo que convierte a “Death at a Funeral”, en la (segunda) demostración de que no hace falta comparar una película con otra cuando hablamos de nuevas versiones: si una una película no convence, lo hace por sí misma.

Fotos: Film Affinity ACESHOWBIZ

El director Robert Rodriguez es uno de esos profesionales que cuentan con su agenda completa todo el tiempo. Con el venidero estreno del filme “Predators”, que lo tiene en la lista de productor, el sitio Movie Web logró conseguir algunas declaraciones acerca de sus venideros trabajos, entre los cuales se encuentra la secuela de “Sin City” (2005), adaptación del genial cómic de Frank Miller.

Con respecto a “Predators”, el sitio recupera la historia de que en 1994, luego de haber realizado el filme “El Mariachi” (1992), la 20th Century Fox lo contrató para que se encargara del screenplay de una posible secuela de “Predator” (1987) que ignore el trabajo que tuvo como protagonista a Danny Glover de 1990 y que vuelva a retomar la historia del primer filme, con Arnold Schwarzenegger como estrella principal y todo. El tiempo pasó, Rodriguez se metió a realizar la exitosa franquicia de los “Spy Kids” (2001) para Disney y la Fox lanzó “Alien versus Predators” (2007), pero con esa pequeña llama aún latiendo, la compañía volvió a citar a Rodriguez para que se encargara de un nuevo filme de los extraterrestres cazadores desde cero, ya sin el querido Arnold. Parece que el filme se las trae, dando pie a posibles secuelas, o mejor dicho, precuelas. Según el citado director:

“Hay tantas buenas ideas. Sólo con seguir al personaje de Laurence Fishburne, Noland, en una precuela podría ser un excelente filme. Con sólo escuchar lo que él cuenta en la película me dan ganas de ver esas experiencias en una cinta.”

Con respecto a los proyectos relacionados con el mundo de la historieta, Rodriguez confesó que “Sin City 2” aún está en el mismo lugar que antes, en proceso de desarrollo del guión. Sorprende también escuchar que se encuentra trabajando en la posible adaptación de “Madman”, la historieta de Mike Allred que se ha convertido en uno de esas indispeensables series de culto en el noveno arte. otro gran logro de Robert Rodriguez: haber salido airoso del enfrentamiento con un género tan particular como el cómic y ya avisar que, en breve, tendremos más de una adaptación de la historieta a la gran pantalla.

vía: Movie Web | Foto: 100Grana

La trama de la película gira en torno al funeral de un hombre anciano que deja atrás mujer y dos hijos. Durante el velatorio, comenzarán a surgir antiguas rencillas familiares y se producirán unas cuantas situaciones absurdas. Además, todo se complicará cuando aparezca un hombre extraño, dispuesto a revelar ciertos detalles oscuros de la vida del difunto que podrían hacer tambalearse los cimientos de la familia.

El reparto de “Death at a Funeral” está repleto de rostros conocidos: Chris Rock, Martin Lawrence, Tracy Morgan, Danny Glover, James Marsden, Zoe Saldana, Columbus Short, Luke Wilson y Peter Dinklage, que repite en el mismo papel que interpretó en la cinta original. La película ha sido dirigida por Neil LaBute (responsable de títulos como “The Wicker Man” o “Protegidos por su enemigo”) y su estreno está previsto para el dieciséis de abril de 2010. En fin, conmigo que no cuenten para verla. Ya empiezo a estar muy cansado de la absurda manía que tienen en Hollywood de rehacer películas extranjeras. ¿Es que ya nadie va a apostar por nuevas historias e ideas?

Los mayas predijeron que el mundo se acabaría en “2012 y Roland Emmerich ha aprovechado tan agorero vaticinio para hacer una de esas películas que tanto le gustan. Espectacular en el apartado visual, pero algo floja en el contenido. Pero, al fin y al cabo, si alguien va al cine a ver una película sobre el fin del mundo lo que quiere ver es caos y destrucción. Lo contrario sería absurdo. Por eso funciona “2012”, porque no engaña a nadie, no promete cosas que no va a dar y desde el minuto uno se sabe lo que ocurrirá al final. Aunque, hasta llegar a ello, el estómago se encoge en más de una ocasión por miedo a que el protagonista absoluto, John Cusack, no lo cuente.

Son dos horas y media largas de película, pero aún así no se hace pesada. Quizás le cuesta un poco arrancar por el tiempo que utiliza para hacernos entrar en materia y presentarnos a todos los personajes. Pero, teniendo en cuenta el sin vivir en el que nos tendrá el resto de la película, casi se agradece que se haya tomado su tiempo en la introducción. Heroísmo, celos, romanticismo, avaricia, miedos, envidias… sentimientos todos ellos humanos en una película en la que se cuenta el fin de la raza humana. O quizá no. Puede que haya esperanza y el ser humano se redima después de todo.

Lo mejor de la película, ya lo he dicho, es su realización, los efectos especiales y la especie de tobogán en el que el espectador se deja llevar por la trama. Mérito del director, pero también de un John Cusack que sabe cómo darle un poco de emoción al asunto. Sólo le pondría dos ‘peros’ a “2012” y los dos tienen que ver con personajes. Uno es el del insoportable ruso. El otro, el del segundo marido de la ex de Cusack. Desde el principio se sabe que no es más que un estorbo. Por contra, el papel de Woody Harrelson es delirante (muy similar al de Tim Robbins en “La Guerra de los Mundos”) y tampoco está mal ver al viejo Danny Glover como presidente de los Estados Unidos.

Foto: Allmoviephoto

Los mayas lo predijeron y la ciencia lo ha confirmado. El 21 de diciembre de 2012 el mundo tal y como lo conocemos llegará a as u fin. El día del juicio final tiene fecha y su propio tráiler (ahora en español). Columbia, productora de la última película sobre catástrofes mundiales de Roland Emmerich, acaba de lanzar a la red el nuevo teaser tráiler de “2012”. Así que si queréis ver cómo será el fin del mundo, sólo tenéis que verlo. Escalofriante.

La Tierra se resquebrajará. El agua lo invadirá todo. Las explosiones se sucederán. Los terremotos harán caer cualquier símbolo de la humanidad. Ni siquiera la Casa Blanca o el Vaticano están a salvo. Y entre medias de tanta destrucción, millones de humanos corriendo de un lado para otro intentando salvar su vida y la de los suyos. El protagonista es Jonh Cusack, al que acompañan rostros tan conocidos como Amanda Peet, Danny Glover y Woody Harrelson.

El tráiler tiene un poco de “El Día de Mañana” (al fin y al cabo, también era de Emmerich) y de “La Guerra de los Mundos” de Tom Cruise, pero la verdad es que, sobre todo, es espectacular y promete mucha, mucha catástrofe y destrucción. Al fin y al cabo, lo que se busca en una película como ésta. ¿Será de verdad el fin de la raza humana? La respuesta, el 20 de novimebre en los cines.

Vía: Tráiler de “2012” (Ahora en español) | Foto:Answerist

De nuevo, ComingSoon nos acerca a los principales protagonistas de esta peli que se estrenará este viernes en USA y el próximo mes de abril en España. Sin más, os dejo que escuchéis a Mos Def, Jack Black, Danny Glover y Melonie Díaz hablar sobre sus respectivos personajes en este proyecto.

Recordemos que Be Kind Rewind nos cuenta cómo un hombre (Jack Black) que queda magnetizado, accidentalmente, visita el vídeoclub donde trabaja su mejor amigo (Mos Def), provocando que todas las cintas del establecimiento se borren. Para salvar la tienda deberán re-interpretar y re-filmar de forma casera todas las películas del catálogo del local, entre las que se incluyen El Rey León, Hora Punta, Los Cazafantasmas, Paseando a Miss Daisy y muchos otros clásicos del cine (de alquiler).

Enlace: CS Videos: Be Kind Rewind

Para él, la franquicia ya está terminada, y no aceptaría volver a trabajar en una nueva LW. Todos estos rumores surgieron, luego de que Mel Gibson le habría ofrecido 25 millones de dólares para realizar la quinta y última entrega de la historia e incluso Richard Donner tendría listo el guión para dirigirla.

Enlace: MovieWeb