Aunque claro, teniendo un éxito en los escenarios británicos con una adaptación de Frankenstein y tras haber aceptado la responsabilidad de dirigir la apertura de ceremonia de los Juegos Olímpicos a celebrar en Londres en 2012, no era de extrañar que le surjan nuevos proyectos como “Trance”, remake de una TV-Movie británica de 2001, que cuenta el periplo de un grupo de ladrones que pretende dar un golpe en una casa de subastas y cuyo cerebro de la operación se da un golpe en la cabeza antes de ejecutar su pan, volviéndose amnésico. Desesperados al no saber si su jefe se ha quedado verdaderamente amnésico, siendo el único conocedor de los detalles del plan que iban a llevar a cabo, deciden contratar a una hipnotizadora para que les ayude en su… trance. Roxana ya nos adelantara información de tan peregrino proyecto, más propio de Pedro Almodóvar —-previo travestismo de la hipnotizadora—-, y cuyo reparto no acaba de consolidarse.

Si en principio pretendía reunir de nuevo a James McAvoy, haciendo de Simon, y Michael Fassbender, haciendo de Aiden, tras la estupenda “X-Men: First Class”, parece ser que, según publican en Twitch, si el primero sigue ligado al proyecto, el segundo se ha caído debido a conflictos de agenda con otros proyectos. Lo que necesariamente obliga a Boyle a plantearse segundas opciones, entre las que se encuentran en estos momentos Colin Firth, para reemplazar a Fassbender, y Scarlett Johansson para interpretar a Elizabeth.

En cualquier caso, todo está en el aire, pues ninguna oferta a sido todavía hecha formalmente, además de que para el papel de Elizabeth también tiene otras candidatas como Zoe Saldana o Mélanie Thierry. Lo cierto es que el mismo Boyle podría perfectamente entrar en trance si reúne a un trío como este, que haría lucir y relucir su película, casi más y mejor que ningún otro reparto de sus películas previas. Sea como fuere, antes veremos a Colin Firth en “Tinker, Tailor, Soldier, Spy” y a Scarlett Johansson en “We Bought a Zoo”.

Foto: Filmpolitiet / Jae C. Hong Fanpop Wallpaper Pimper Fondos de pantalla gratis

“Trance” será un thriller oscuro que se rodará en Londres y tratará sobre un problemático grupo de ladrones de obras de arte en tono sexy, con bordes duros como Shallow Grave y Trainspotting —-otros filmes del director—-. El productor asociado será Christian Colson, y están en diálogo con Fox Searchlight and Pathe para su distribución. Sobre el elenco aún no hay novedades, ni se han barajado nombres, noticias que seguro en el correr de las semanas estaremos comentando por aquí.

Por más entusiasmo que exista sobre este proyecto, Boyle comenzará a rodar el filme en septiembre para luego en enero dedicarse exclusivamente a dirigir la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Su idea es retomar la post-producción en agosto y tener el filme a estrenarse para marzo de 2013, quizás un poquito antes y poder meterse en la cola de los Oscars de ese año ¿no?.

El 2012 será seguro un año más de relevancia para Boyle, ya que dirigir la ceremonia de los juegos olímpicos pondrá su nombre en boca de todos, más allá de quienes les guste o no el cine. Habrá que esperar más sobre este proyecto que seguro vendrá acompañado de novedades sobre este hecho deportivo que el director inglés tendrá el placer de recrear.

Foto: Listal

Cuando se estrenó “Slumdog Millionaire” en España, ya se había convertido en la película que había que ir a ver. Era obligatoria. Me tocó discutir con algunas personas de mi entorno ante mi rotunda negativa no ya a ver esa película, sino cualquiera que estuviera dirigida por el inglés Danny Boyle. Cineasta postmoderno, a la vez que moderno de pacotilla y hasta futurista me atrevería a decir por el desmesurado uso del movimiento más que otra cosa, que diseña su película a partir de un tema musical preseleccionado para una determinada secuencia, en lugar de buscar un montaje apropiado para transmitir una idea concreta al espectador.

Debo decir antes de adentrarme en mi absolutamente personal y subjetivo repaso a la obra de este hijo de la Gran Bretaña, que mi decisión no fue fruto de un capricho pasajero, sino de toda una meditada determinación de no volver a malgastar mi tiempo en una película del autor de bodrios tan monumentales como “A Life Less Ordinary” o “The beach”.

Danny Boyle nos sorprende y obsequia con un debut prometedor, presagiado por los ritmos de la mítica banda electrónica Letfield, en “Shallow grave”. Amplía y supera las expectativas en la urbana y magistral “Trainspotting”, dotada de una banda sonora rotunda e inteligente que, no sólo sincroniza a la perfección (y por una vez) los aspectos visuales con los sonoros, sino que logra alzar la música electrónica de las salas de baile más underground a los primeros puestos de la lista de los cuarenta principales. Asimismo, la cinta, el libro y su banda sonora elevan a director, actores, guionistas y hasta el mismísimo autor de la novela, al Olimpo de los modernos de pro, de culto y de lo que haga falta.

Quizás yo también había sucumbido a las corrientes colectivas que arrastraban todo el mundo a alabar su segunda película, lo que me llevo a la decepción de “A Life Less Ordinary”. Pareciera como si Danny Boyle ya se hubiera creído fundador de un género cinematográfico en el que confunde libertad creativa con una trama ridícula, dotada de un sentido del humor grotesco, y que además cuenta con una de las peores interpretaciones de Ewan McGregor, desperdiciando actrices del nivelón de Cameron Diaz o Holly Hunter.

Poco después llega mi confirmación con “The Beach”, su primera (y única) película realmente estadounidense, que además de contar con la estrella del momento, Leonardo DiCaprio, no consigue gustar a casi nadie ¿otra vez corriente colectiva, pero en negativo?. Ni aún a pesar de contar con otra espectacular banda sonora que combina algunos de los mejores temas musicales de música electrónica de la época, con los más horteras —-todo hay que decirlo—-, pero que incluye la inestimable aportación de un compositor como Angelo Badalamenti. En “The Beach”, Danny Boyle desperdicia a otra musa, más que actriz, como Tilda Swinton en un personaje tan absurdo como desfasado, siendo la película uno auténtico testimonios de que no se puede hacer una película en función de tu favorita: “Apocalypse Now”.

Y aquí puse lo que yo creía que era en ese momento un punto y final, que luego resultó ser un punto y aparte. No fue la colección de premios Oscar que la película se llevó a casa, sino el hecho de que un año después, y pasada esa fiebre colectiva, la Academia española vuelve a premiar su película frente a contrincantes tan interesantes como “Entre les murs” o, sobre todo, “Låt den rätte komma in (Let the Right One In)”. Por lo que me asaltó una duda: ¿y si el equivocado soy yo? Ni corto ni perezoso me fui al video-club y alquilé todas sus películas, desde “28 Days Later” hasta “Slumdog Millionaire”, y me dispuse a darme todo un maratón de cine made in Danny Boyle.

Mi primera sorpresa fue, evidentemente, encontrarme con un filme tan interesante como “28 Days Later”, que tras una dudosa inverosímil secuencia inicial, consigue captar toda mi atención en cuanto entra en escena el personaje de Cillian Murphy. Realmente me parece que Boyle se ciñe a la historia que está contando, sin florituras, ni fisuras, ni entretenimientos sonoros. Pero no fue más que un resplandor en la oscuridad, porque “Millions” y “Sunshine” son dos películas absolutamente prescindibles y poco, o nada, recomendables, que ni siquiera voy a entrar a comentar por no hacer el esfuerzo de recordarlas.

Visto lo visto, me quedaban dos opciones, o que “Slumdog Millionaire” retomara el espíritu de “28 Days Later” y sus dos primeras películas o que el cineasta pereciera para siempre, por lo menos para mi. Más que un retrato de la sociedad hindi contemporánea, su película de 2008 me parece una caricatura. Una visión que se corresponde más con la de un antiguo colonizador que con la auténtica realidad hindi, pues a pesar de que muchos momentos puedan realmente coincidir con la realidad, me parece que están retratados con una descarada superficialidad. A mi memoria asaltaban las películas de Mira Nair, particularmente “Salaam Bombay”, que precisamente ya retratara en 1988 las miserias de los niños de Bombay. Igual es que las mujeres ven la realidad de otra manera, particularmente si son nativas, pero el caso es que justamente sería otra mujer, Deepa Mehta, la que se atrevería a contar, con mucha responsabilidad, una dura realidad de algunas mujeres de la India en “Water”.

Puede que algunos piensen que soy un exagerado, que la película no era más que un entretenimiento simpático, pero es que a mi, además me pareció inverosímil, ya no por la famosa pregunta final que, más que de un concurso para hacerse millonario, parece un juego para niños, sino porque todo en “Slumdog Millionaire” me parece excesivamente exagerado y rebuscado, buscando impresionar, más que emocionar. Y todo esto me parece superficial porque en el fondo del relato, en la premisa de la película, es donde se encuentra lo que más me molesta y es que defiende la idea de que cada uno de los acontecimientos de la vida del protagonista es una pista para responder correctamente las preguntas que le formulan, consiguiendo lo que parece ser su destino. Lo cual me lleva a una breve reflexión: el destino de los demás es pudrirse en la más absoluta miseria. Es el destino.

Ya imagino que mi elección no será muy popular y me dirán aquello de que está avalada con ocho premios Oscar y tal. Sí claro, pero si me pongo a realizar la lista de las películas con Oscar que no soporto, tendría para un buen rato. Conste que luego vi “127 Hours”, y no sirvió de nada, por lo que no me queda más remedio que reconocer que, no es que no soporte “Slumdog Millionaire”, es que no soporto a Danny Boyle.

Quienes hayan visto el filme, pueden entender perfectamente que esta escena no es esencial para la historia, ya que con otras Boyle logro obtener un producto más que interesante y poder darle cauce al desenlace de la misma. En principio, hubiese preferido que la escena a mostrar hubiera sido de algo totalmente novedoso, ya que las filmaciones que el personaje hace sobre lo que está viviendo ahí son parte del recurso narrativo del director. Por consiguiente, ver algún otro hito de la narración hubiese sido más enriquecedor que esto que podrán ver.

Para quienes no han podido aún verla la cinta, pueden creer que éste clip es un spóiler, aunque desde mi visión creo que no lo es. Ya es de público conocimiento que “127 Hours”, es la historia real del alpinista Ralston que en el 2003 en una travesía cotidiana por el Cañon del Colorado tiene un accidente y su brazo derecho queda atrapado por una roca en una de las grietas del cañon. Ante la imposibilidad de moverse y de encontrar salida asemejante situación, decide amputarse el brazo para poder salir con vida de allí.

El filme fue nominado al Oscar como mejor película, Boyle a mejor director y su protagonista James Franco, a mejor actor; aunque ninguna de las mismas logró ser parte de la lista de ganadores de la ceremonia que se realizó el día de ayer en el Kodak Theather. Franco fue el host junto a Anne Hathaway, y quien más críticas ha recibido por su baja performance en este rol. La Academia había optado por renovar las caras de los presentadores de la entrega, apostando por estos jovenes y talentosos actores que con su carisma podían hacer un show más que interesante sobre el escenario. Lo cierto es que ella se lució impecablemente, mientras que él quedó reducido a nada. No tuvo gracia, estaba como ido y se sintió que Hathaway estaba remando fuertemente la situación. ¿Habrá sido la tensión de su primera nominación que Franco no logro adecuarse?

En fin, más allá de estos comentarios sobre el suceso de la noche más importante de la industria del cine. Los dejo para que disfruten de estas escenas eliminadas de su último filme, que también podrán ver en el DVD o Blue Ray que hoy comenzará a estar en las bateas. Espero que lo disfruten.

Foto: Nicholasishandsome

Protagonizada por James Franco, “127 Hours” es un fallido intento de Danny Boyle por crear un filme de intriga alrededor de un hecho real.

Lo que más me sorprende de Danny Boyle es que, tras una estimable ópera prima, “Shallow Grave”, a la que sigue la que continua siendo hasta hoy el máximo exponente de su capacidad creativa, “Trainspotting”, ha conseguido vivir de las rentas de esta última, a pesar de los fiascos artísticos y económicos que supusieron “A Life Less Ordinary” o “The Beach”, recuperando sólo algo de ese esplendor en “28 Days Later”, pero que parece le ha permitido permanecer el resto de su filmografía en medio de un indefinido terreno artístico que roba de aquí y allá para alcanzar un collage audiovisual que sigue pareciéndose más a un videoclip que a un filme contemporáneo. Aunque no haya realizado ninguno.

Probablemente sin ser consciente de ello, esta característica de su cine le encuadra dentro de un escueto y “elitista” grupo de cineastas que basan toda su creación visual en el movimiento constante. Algo que pudiera parecer imposible cuando estamos ante una historia que deja a Aron Ralston (James Franco) atrapado entre una piedra y una pared durante casi todo el metraje de la película, y que el ingenuo Danny Boyle cree que puede solventar a base de todo tipo de estrafalarios recursos visuales que no terminan de encajar con la historia que nos está contando.

No es que no me interese la historia de Aron Ralston (James Franco), es que no me interesa en absoluto la manera en la que Danny Boyle me la cuenta. Lo único que tiene de interesante su película es la evocación qe provoca de otros títulos de similares características que sí consiguieron su objetivo, como “Touching the Void”, la angustiosa experiencia vital de dos auténticos escaladores, Joe Simpson y Simon Yates, quienes transmiten su experiencia a través de un fascinante documental —-docu-ficción—-, en el que llega un momento que te es imposible creer que pudieran sobrevivir, a pesar de que son ellos mismos los que te cuentan la historia.

También me acuerdo de “Open Water”, la historia de una pareja de submarinistas que es olvidada en alta mar y que, independientemente de si la historia es real o no, te hacen pasar un rato verdaderamente angustioso, sin necesidad de flashback ni de pantalla partida, ni de música, ni de nada que no sea la historia de dos personajes en una situación extrema.

Como espectador no necesito que recurra a contarme el pasado del personaje para darme cuenta de que estoy ante un cretino cuya percepción de la vida va a cambiar a partir de este suceso. Salta a la vista en el momento en que decide hacer sus acciones de riesgo en solitario, sin compartir sus aventuras con nadie. No sólo cretino, sino egoísta. Y además irresponsable, una cualidad que raramente se puede encontrar en un escalador, lo que incide en la ausencia de verosimilitud de la historia, por muy cierta que sea.

James Franco no me ayuda a soportar ni las 127 horas que dura su experiencia, ni los 93 minutos que dura la película, ni mucho menos la soporífera selección musical con la que nos torturan Danny Boyle y el que parece se va a convertir en su compositor habitual, A.R. Rahman, exportado desde la India tras su sobrevaloradísima “Slumdog Millionaire”. Ni las canciones parecen ser del gusto del protagonista, ni encajan con la historia, ni la inclusión de toques folk, rock, country, hindi, clásico, soul y el batiburrillo musical que haga falta consiguen otra cosa que no sea aburrir y alargar el tedio provocado por una inaudita cinta que consigue que aborrezca a su personaje protagonista, los miembros de su equipo y a su director.

127 horas atrapado en una de las miles de enormes grietas que hay por todo el Gran Cañón de Colorado, con el brazo completamente inmovilizado entre una gran piedra y la roca pura y dura, completamente solo y sin esperanzas de que nadie pase por allí y oiga sus gritos de auxilio. Así se sintió, durante todo ese tiempo, Aron Ralston, un intrépido alpinista y amante de la aventura que en uno de tantos días que fue a una de sus rutas, se encontró obligado a vivir esta situación.

Sin duda una gran historia de supervivencia, de superación personal y que demuestra lo que es capaz de hacer(se) un ser humano con tal de sobrevivir. Supongo que todos los que hayan oído hablar de esta película conocerán el final, puesto que se ha informado muchas veces en las continuas promociones que se han hecho de la cinta. Pero igualmente, es una historia impactante, a partir de la cual Danny Boyle ha realizado su última película.

Basada en la novela que escribió el propio Ralston sobre su experiencia, está centrada especialmente en esas 127 horas, con una breve introducción al inicio que nos informa sobre cómo llegó el protagonista a encontrarse en esa situación y donde, como es lógico, se nos muestra su personalidad, sus actos y su relación con otras personas para que el espectador pueda desarrollar una necesaria empatía hacia él, puesto que el resto del metraje va a ser el absoluto protagonista, literalmente.

Centrándonos en el propio discurso, podemos encontrar dos grandes fuerzas en la película, cuya influencia es muy poderosa durante todo el metraje, pero que no llevan la misma dirección. Una es la del director, que vuelve a utilizar los recursos que le dieron el éxito con “Slumdog Millionaire”, pero que en vez de utilizar a un chico indio en un programa televisivo, nos muestra a un joven norteamericano atrapado por una roca. La otra gran fuerza de la película viene de la mano de James Franco, protagonista absoluto de la obra y, sin duda, único responsable de que la película no sea un auténtico bodrio.

¿En qué se parece “127 Hours” a “Slumdog Millionaire”? Podríamos decir que menos en el color de la piel del protagonista, en todo lo demás, porque ambas están cortadas por el mismo patrón. Parece que a Boyle quedó tan satisfecho con su anterior película que se ha propuesto repetir ese éxito haciendo más de lo mismo, y una vez cuela, pero no dos. De nuevo vuelve a echar mano de una situación que relativiza hasta la saciedad: entonces era el concurso y ahora es la supervivencia en el Gran Cañón. Utiliza este hecho como una mera excusa para hablar del protagonista, de su pasado y de cómo ha llegado a ser la persona que es. Mientras otros cineastas necesitan apenas cinco minutos para dar a conocer perfectamente a sus personajes al espectador, Boyle tiene que usar la hora y media de metraje.

Además, parece que ni él mismo cree en el material que está usando, ni siquiera en que pueda conseguir un largometraje con ella, puesto que nos encontramos con todo tipo de rellenos durante la obra, ya sea introduciendo fotografías del protagonista, vídeos y demás. Los flashbacks pueblan la película y, aunque esto no tenía por qué ser un elemento negativo, la sensación que vive el espectador con esta saturación de recursos es la de haberla vivido. Lo peor de todo es que se puede poner nombre a la obra donde ya nos inundaron con estos recuerdos del protagonista sólo para que pudiéramos conocer sus orígenes, y es “Slumdog Millionaire”.

Mientras que Boyle es el gran elemento negativo que lastra la película, James Franco compensa todo eso y, mediante un titánico trabajo, consigue una de las mejores actuaciones de su carrera —personalmente, la mejor fue su interpretación de James Dean en la película sobre su vida—. Y desde luego no es un papel fácil, puesto que la mayoría del metraje sólo podemos verle a él en sus constantes intentos por sobrevivir. Por supuesto que es un papel para que el actor se luzca, como ya comprobamos con Tom Hanks en “Cast Away”, pero tan complicado que si el intérprete no hace bien su trabajo, toda la película se va al traste. No me quiero ni imaginar cómo hubiera sido “127 Hours” si Franco no hubiera estado tan atinado.

Sin duda, su interpretación es el único elemento que atrae de la película, pese a que la idea original era realmente buena y podía haber conseguido una gran obra, pero en manos de Boyle todo ello ha quedado prácticamente en nada: una interpretación memorable y una copia de “Slumdog Millionaire”. Esperemos que el director sepa evolucionar en su estilo y su siguiente producción no caiga de nuevo en estos recursos, y sobre todo en utilizar el clímax final de la forma más sensiblera posible para que el espectador, aunque sepa que no ha disfrutado de una buena obra, se vaya con un buen saber de boca por el final feliz.

Fotos: TitulOriginal & TheBananaTimes

Hay cintas que ya están dando que hablar, incluso mucho antes de su estreno. Una de ellas es, sin duda, “127 Hours”, película que, como deben saber, se encuentra dirigida por Danny Boyle y protagonizada por James Franco, quien está en un año bastante bueno, puesto que incluso lo eligieron para que conduzca los premios Oscar. Pero bueno, ése es otro tema. Con todo el revuelo que ha causado esta cinta en diversos festivales, incluso siendo elegida como una de las mejores películas del año por varios medios serios, era obvio que la promoción iba a seguir hasta sólo días previos de su estreno oficial. Ahora, luego tráilers, teasers y noticias; nos llega un nuevo set de imágenes para que sigamos metiéndonos de lleno en la desesperación que, presumiblemente, nos traerá esta cinta.

Las fotos están bastante buenas. Son del proceso de filmación y se puede ver al director y a nuestro protagonista grabando las escenas más crudas de la películas: el momento en que Franco queda atrapado en la roca. Situaciones extrema y, por lo que se nota, un clima bastante árido. Lo bueno de este tipo de fotos es que nos dan una visión que muchas veces no nos imaginamos cuando vemos las cintas en el cine. Uno siempre cree que el proceso de grabación es mucho más glamoroso o de súper estrella y no pues, las cosas son terrenales, con sudor, esfuerzo y mucho cansancio. Échenle una mirada a las fotos y van a entender de lo que les estoy hablando.

Les recuerdo que esta cinta tiene como fecha de estreno el 7 de enero en UK, que ya ha sido estrenada en varios festivales y que recibió maravillosas críticas, y que está basada en una historia real. Así que, cuando la vean, piensen que eso de verdad fue vivido por una persona. Mucho más fuerte si lo pensamos de ese modo.

Hay películas que marcan una generación. “Trainspotting” fue una de ellas, una de esas películas que se pusieron de moda a finales de los 90 y que nos marcaron a los que entonces rondábamos la veintena, y andábamos ansiosos de ver un cine más crudo, con temas más “políticamente incorrectos” que a los que Hollywood nos tenía acostumbrados. Entonces llegó “Trainspotting” y todo cambió. Eramos jóvenes e impresionables, y aquello nos parecía lo más. La película encumbró la carrera de su director, Danny Boyle, carrera que llegaría a su cénit con los Oscars de Slumdog Millonaire.

Los actores del film también supieron aprovechar la oportunidad que el éxito de la cinta les dio para irse a triunfar en Hollywood. Sin duda, el que más partido sacó fue Ewan McGregor, quien hoy por hoy es toda una estrella del cine. Pero también Robert Carlyle, quién ha mezclado su carrera en el cine británico con films de éxito como “Full Monty” o “28 Weeks Later”, con blockbusters americanos de la talla de “The World is not Enough” o “Eragon”. Otros como Jonny Lee Miller o Ewen Bremer no hal alcanzado tal grado de notoriedad, pero si que han encontrado su sitio dentro de la industria.

Por eso, y porque la película original es una de mis favoritas, me alegra tanto leer que Danny Boyle está planeando rodar una secuela de “Trainspotting”. En declaraciones a “Rope of Silicon” mientras promocionaba su “127 Hours”, Boyle ha asegurado:

“Sí, Trainspotting 2 definitivamente se va a hacer, creo. Es sólo mi opinión, obviamente hay una gran cantidad de personas involucradas. Pero en Mi opinión es que sólo sé que va a suceder en algún momento.

Boyle tiene pensado recuperar a los personajes diez años después de la primera, pero para que en pantalla parezcan mayores, ha decidido esperar hasta que pasen 20 años de la original, por lo que de rodarse no la veríamos hasta 2016. La película se basaría en la novela “Porno” de Ivine Welsh, secuela de la novela original, y con la que al parecer Ewan McGregor no estaría muy entusiasmado, por lo que aún tendremos que ver si el reparto original vuelve a reunirse para la secuela. Yo personalmente espero que sí, ya que me encantaría ver como evolucionan los personajes y comprobar si Boyle es capaz de volver a maravillarnos como lo hizo con la primera película.

Vía: WorstPreviews Foto: Cinenredos

Danny Boyle está con todas las pilas puestas. En este momento se encuentra promocionando su cinta “127 Hours”, la cual le ha generado varios elogios por parte de la prensa y, ahora, anda soltando la lengua con respecto a un proyecto que ya había dejado en el olvido. Si a ustedes les gusta indagar en la vida de los directores y saben de las cintas que hizo este realizador, estarán al tanto de esa maravilla llama “28 Days Later”, uno de los íconos del género de zombies —-que en realidad no son zombies, son infectados, pero igual—-. Al cabo de poco tiempo, se hizo una secuela, la que llevaba el título obligado de “28 Weeks Later”, claro que, esta vez, no estaba dirigida por Boyle, si no que por Juan Carlos Fresnadillo, quien se encargó de darle un tono mucho más crudo y sangriento a la saga. ¿Cuál es la novedad? Que en la próxima cinta de esta futura trilogía el posible director podría volver a ser Danny Boyle. ¿Les parece una buena idea? Veamos.

En una entrevista dada recientemente por el director, se puso a hablar acerca del futuro de la saga de zombies. Fue consultado cómo se venía el trabajo de producción para dicha película y Boyle sorprendió con su respuesta y comentó que su intención es dirigirla, no producirla. Así de fácil.

De hecho, quiero dirigirla.

Ésas fueron sus exactas palabras. Ahora lo bueno. ¿Qué les parece a ustedes? ¿Creen que Boyle podría lucirse nuevamente en una cinta de esta categoría? Personalmente creo que es una magnífica idea, incluso pensando que a estas alturas el director ya se encuentra en otro nivel de cine, mucho más grandes, como mayores presupuestos y con mucho más peso. Siento que volver a retomar cosas que hizo con anterioridad puede hacer que esas cintas vuelvan a iluminarse. Las ideas maduran con las personas y, en este caso, eso podría ser bueno para todos nosotros.

Vía: TalkingFilms | Foto: Unrealitymag

Hace bastante tiempo que les venimos hablando de esta cinta. Desde las primeras imágenes que vimos, se notaba que el gran Danny Boyle nos tenía preparado algo totalmente fascinante. Ya vimos el primer teaser tráiler y un clip cortito, ahora, para reafirmar la sentencia, nos llega el tráiler oficial, con más imágenes, más material y mucho más tensión. Lo bueno de todo, es que ya hay gente que la ha visto y, en serio, dicen que es una de las mejores películas del director en cuestión. Debo decir que me convenzo, pues todas las películas que he visto del realizador me han sorprendido gratamente. Esperemos que ahora no nos decepciones. Además que la historia es bastante terrible y un poco claustrofóbica, con flashbacks al pasado y con memorias de tiempos vividos. Una aventura en exteriores, que recuerda mucho a esa otra maravilla llamada “Into the Wild”.

En el tráiler, como es de costumbre, podemos ver muchas más escenas. Se nos repiten las anteriores, donde veíamos al protagonista encontrándose con las chicas en medio de la nada, pero ahora se le da más cabida a los momentos tensos, a la desesperación sufrida y a los recuerdos. Además se deja mucho más clara la trama que, por si no sabían, trata acerca de la historia real de un explorador que quedó atrapado por 127 horas en una roca y tuvo que optar por amputarse una de sus extremidades. Sin duda este nuevo adelanto viene a reafirmarnos lo que creíamos: va a ser una gran película. Pero bueno, a veces hay tráiler que nos maravillan y terminan siendo películas bastante básicas. Espero que ésta no sea una de esas ocasiones.

Les recuerdo que “127 Hours” se encuentra dirigida por el gran Danny Boyle y protagonizada por James Franco, uno de esos actores “jóvenes” que realmente prometen. Además que la historia está basada en hechos reales, así que todo bien. Lo mejor es que el estreno está presupuestado para el día 5 de noviembre, así que la espera no será demasiada.

Vía: Deadline | Foto: Pelicula-trailer

El genial Danny Boyle ya tiene todo listo para el lanzamiento de su próxima cinta. Las personas que han tenido la suerte verla han dicho que es una maravilla, así que, al menos por el lado de la crítica especializada, esta película promete. De este nuevo proyecto ya les habíamos hablado en el paso, de hecho, mi compañera Roxana ya les había mostrado el primer teaser tráiler oficial, el cual nos dejaba entrever que el filme se viene con todo. Buenas imágenes, buenas actuaciones y una trama que nos mantendrá pegados al borde de nuestros asientos.

En este nuevo clip, que, como era de esperarse, dura bastante poco tiempo, se nos muestra una de las escenas del tráiler, pero extendida. ¿Recuerdan esa parte donde las dos chicas y nuestro protagonista están entre unas piedras y se dejan caer para llegar algo así como una piscina subterránea? Bueno, en este clip podemos ver esa escena casi entera. Vemos a los chicos dudando al principio, pero todos llegando al mismo destino, la gran poza de agua. En cuanto a materia de historia es bastante pobre, pero tengo que confesar que las tomas naturales de esta cinta son las que más me han llamado la atención. Todos los paisajes se ven demasiado bonitos.

Les recuerdo que “127 Hours”, dirigida por Danny Boyle y protagonizada por James Franco, pretende estrenarse este próximo

Vía: Geek Tyrant | Foto: Otrastardes

Hablamos mucho del director Danny Boyle y de su nuevo filme “127 hours”, que cerraría el London Film Festival o que junto al adorado Clint Eastwood estarían en Toronto International Film Festival en la sección de funciones especiales. Pero la realidad es de que mucho hablar, una quiere ver y aquí está finalmente el tráiler teaser.

Pero antes de agudizar el oído y la mirada, es bueno recordarles que esta historia está basada en un hecho real, más precisamente en la vida de Aron Ralston, un alpinista que un día haciendo alguna de sus travesías quedó atrapado su brazo derecho bajo una roca. Luego de estar 5 días o 127 horas sin escapatoria tomó la decisión más importante de su vida: amputarse el brazo con un cuchillo sin filo. Tenía tan sólo tenía 27 años y sucedió en el 2003 en Utah.

Historias de supervivencia hay muchas pero que implican tomar decisiones como ésta, que no sólo cambian la vida del personaje, si no que son de un coraje extermo pocas. El caso más representativo en el cine es quizás “Alive” de Frank Marshall en 1993, que cuenta la historia de los chicos jugadores de rugby que viajaban a Chile cuando el avión sufrió un accidente y debieron sobrevivir al frio en plena Cordillera de los Andes.

El tráiler de “127 Hours” tiene una fotografía íncreible, las imágenes son cautivadoras y muy bellas, la tierra colorada del Blue John Canyon en Utah parece única y muy brillante como si fuera artíficial. Realmente me sorprendió lo que ví y espero que uds. también les suceda lo mismo.

¿Lo único malo? La breve introducción con la filmografía de Boyle, totalmente innecesaria. Por suerte, no soy la excepción a este comentario; cada nota que leí hacía clara referencia a esto. ¿Boyle necesita venderse? Dudo que no, pero sus razones habrá tenido o fue muy mal asesorado. Pero eso no quita lo que viene después, que sí vale la pena y mucho. ¡A deleitarse!

Vía: Eonline - Gordon and the Whale | Foto: Picasa Album Denise

El 54th BFI London FIlm Festival con el apoyo de American Express acaba de anunciar que “127 hours” de Danny Boyle es el filme elegido para cerrar el evento el día 28 de octubre de 2010.

Los organizadores están sumamente contentos de contar con el director inglés como sucedió en el 2008 cuando hizo presencia en el festival y cerró la noche de gala con “Slumdog Millonaire”, su último gran éxito y por el que obtuvo el Oscar como mejor director. Boyle desarrolló este film junto al guionista y ganador de un Oscar: Simon Beafoy y el productor Christian Colson, mientras que el protagonista absoluto es James Franco, ganador de un Globo de Oro por su actuación en el filme “Milk”.

El filme narra la historia del alpinista Aron Ralston —- basada en un hecho real—- que al quedar atrapado en la montaña por una roca, decide tomar su vida por las astas y sobrevive a semejante escenario luego de amputarse un brazo y recorrer más de 8 millas para lograr ser finalmente rescatado. Sin dudas, este tipo de proyectos es muy característico del director que apunta siempre a resaltar cómo el ser humano puede vencer todo los obstáculos que la vida le presenta.

La directora artística del festival, Sandra Hebron comenta sobre tener a Boyle:

Después de haber cerrado el Festival con “Slumdog Millionaire” en 2008, era un precedente que eligiéramos una película del mismo director dos años más tarde. “127 Hours” fue la elección obvia para nosotros, con un cine más atrevido y aventurero como su tema , confirma a Boyle como uno de los directores más finos y más visionarios del mundo

Warner Bros. Pictures ya confirmó el estreno comercial en Reino Unido para Enero de 2011, mientras que la presentación en el 54th BFI London FIlm Festival será el estreno europeo. Pero esto no es todo, “127 hours” tendrá su estreno americano una semana después: el 5 de noviembre en los Estados Unidos; aunque su verdadera Avant Premiere será en el TIFF —-Toronto Internacional Film Festival —- que se desarrolla entre el 9 y el 19 de septiembre en Cánada en una función especial.

Un filme que seguro nos dejará muchas reflexiones y preguntas por contestar. Mientras mi cabeza se pregunta ¿Una futura candidata al Oscar?

Vía: London Film Festival ı Foto: Quealucine

“Gutter King” es un tremendo drama juvenil en la que la violencia no es un juego, ni un espectáculo, sino una tragedia que aboca sus duras vidas al cuerpo a cuerpo para ganarse la vida, tal y como si se dedicasen a la prostitución.

Will (Zeb Crown) acaba de salir de un centro de menores gracias a que Bob (Casey Clark) se ha responsabilizado de él. A simple vista Bob parece un alma caritativa que se dedica a sacar jóvenes de las calles con la intención de darle una vida mejor, pero sólo lo parece. El propósito de Will es portarse bien e integrarse en su nueva familia, pues no tiene ningún deseo de volver a meterse en ningún lío que le envíe de vuelta al correccional. En su nueva familia tendrá un hermano, Paul (Blake Logan), también salido del centro de menores y con el que, si ya se las había visto anteriormente,se las volverá a ver, pues no está dispuesto a que le quiten el sitio que se ha ganado junto a Bob. Will, además, tiene un nuevo aliciente para portarse bien, BeBe (Erica Ramirez), la vecina de la casa de al lado, cuya corta vida tampoco ha sido fácil. Sin embargo, Will está marcado por la violencia, que le persigue y, aunque sea para ganar dinero, va a seguir formando parte de su vida.

Esta contundente película de un director desconocido para mi, Keith Alan Morris, quien también firma el guión, es un sorprendente filme en el que la violencia es tratada con sumo cuidado y respeto, en oposición a la superficialidad con la que estamos acostumbrados a verla en directores como los futuristas Guy Ritchie, Danny Boyle o David Fincher. Tampoco se acerca a las películas de acción en las que está integrada como una parte más del género que debe alternar secuencias de acción con otras que desarrollen un arquetípico argumento, tal y como si fuese una película musical y necesitara de una canción o coreografía en su punto culminante. “Gutter King” se acerca más a la sombra de los primeros títulos de Martin Scorsese en el acercamiento a la violencia se hace desde un prisma prudente y responsable, tratando de llegar a entender al personaje y los motivos de su comportamiento. Títulos como “Who’s That Knocking at My Door”, “Mean Streets”, “Taxi Driver” o “Ranging Bull” llacen en el germen del arguemnto, aunque estéticamente alude a títulos más recientes como “Goodfellas” y “Casino”, a los que hace un par de guiños en los planos iniciales. No debe ser gratuito que la banda sonora tenga unos curiosos y sugerentes ecos a la música envolvente que compusiera Bernard Herrmann para “Taxi Driver”.

Nadie da nada por nada.

Todo el estilo del filme funciona acorde con la psicología de los personajes: la fotografía de Matthew Hutchens es tan dura como sus vidas, el montaje de Gregory Kerrick busca en todo momento el mismo movimiento en el que viven los personajes para realizar el corte, la puesta en escena es tan realista que algunos de los golpes llegan a doler al propio espectador, y la banda sonora está llena de la misma rabia que consume a sus protagonistas.

Una veracidad sorprendente para un equipo técnico que se inicia con esta película, orquestados todos por un director que aprovecha cualquier plano para transmitir sus ideas con la imagen, mejor que con el texto. Son muy sugerentes planos como el del dinero en el suelo, cuando se inicia una de las peleas, que será arrastrado por el viento; la oportuna elipsis cuando BeBe está buscando desesperadamente a Will para evitar que siga peleando por dinero y que le lleva a una encerrona preparada por Paul, en un momento que nos remite a una elipsis similar en “A Streetcar Named Desire” —-en perfecta línea con la admiración que Martin scorsese sintiera por Elia Kazan—-; o las simples miradas de los personajes, para las que no se requieren ninguna explicación verbal.

La evolución de estos personajes, tan fuertes físicamente como débiles psicológicamente, nos lleva por unos escenarios totalmente deshumanizados, carentes de compasión y en los que la violencia no es una opción, es una forma de vida en la que el que sobrevive no es sólo el más fuerte, sino también el que aguanta y encaja el golpe, en una variante similar a la prostitución —-pelear por dinero—-, en la que el cuerpo y su fortaleza son sus principales enemigos.

Fotos: Gutter King Dave’s Film & DVD Reviews

“Harry Brown” no es una divertida película de violencia, es un drama cargado de una desgarradora y desnuda violencia en el que encontraremos una de las más intensas y emotivas interpretaciones de Michael Caine.

Harry Brown (Michael Caine), antiguo miembro de la Marina y veterano de la Guerra de Irlanda, vive en un mundo rodeado de violencia juvenil, la ve cada vez que va a visitar a su moribunda esposa al hospital, la ve en el pub en el que juega al ajedrez con su amigo Leonard (David Bradley), la ve desde la ventana de su casa, pero prefiere no enfrentarse a ella, pasar por otro sitio, no escuchar lo que dicen, no inmiscuirse en los asuntos de otros. Una noche fallece su esposa y al poco tiempo muere su amigo fruto de esa violencia, ante la ineficacia policial, Harry decide hacer algo.

Lo que más impresiona de “Harry Brown” es la asombrosa veracidad con la que se nos cuentas los hechos, desde ese principio en que vemos a esos niñatos exaltados por las drogas que han consumido y sus cescerebrada afición de asustar a la gente disparando un arma, causando la muerte de una joven, que encima han grabado con su teléfono móvil, hasta la impotencia de personas mayores como Harry, que tras haber llevado una vida plena y tranquila, tiene que sortear a estos mismos niñatos para no meterse en problemas. Tan real como cualquier noticia que podamos ver en un noticiario televisivo.

La juventud retratada en la película resulta muy parecida a la que protagonizara aquella película de Danny Boyle, pero mientras en “Trainspotting” se ofrecía una visión idealizada de las drogas y su entorno, aquí se muestran como un camino sin vía de escape. La droga se apodera de tu alma convirtiéndote en un zombie sin escrúpulos y sin capacidad de reacción. Dentro de este panorama, la educación y delicadeza con la que Harry se dirige a estos delincuentes, casi resulta más aterradora, por contraste, que sus patéticas muecas de drogadictos.

La fuerza de todo el filme recae sobre la sobria y magnífica interpretación de Michael Caine que, antes de que revele su pasado, nos hace especular si estamos ante cualquiera de aquellos personajes retirados que interpretara en los años sesenta en filmes como “The Italian Job”, “The Ipcress File” o, sobre todo, la espléndida “Get Carter” —-la versión del cartel aquí incluida remite, ciertamente a esta última—-, cínicos que resolvían con pericia cualquier situación.

Señalar también el trabajo de Emily Mortimer, a quien pudiéramos ver en “Transsiberian”, “Paris, je t’aime” o “Match Point”, que interpreta a la policía que intuye la capacidad de Harry para realizar sus ejecuciones. Ambos personajes tienen en común sus soledad, pues ella está, igualmente sola, en un cuerpo de policía que no entiende la lógica femenina y que lo arregla todo de la misma manera que los propios delincuentes. Me llama mucho la atención el término que utilizan “tolerancia cero” para referirse al ataque que van a realizar contra las bandas callejeras, como si pudiera haber algún grado de tolerancia para la delincuencia.

La película cuenta con una impecable factura visual en la que la elegante cámara de Daniel Barber realza la soledad del personaje, recortado muchas veces por paredes, puertas y ventanas o retratado, dependiendo de la situación en un majestuoso ángulo contrapicado frente al patético picado de sus moribundas víctimas. La naturalista fotografía de Martin Ruhe contribuye a dotar de veracidad todas las situaciones, y la exquisita y discreta banda sonora compuesta por Ruth Barrett y Martin Phipps aporta un ambiente enrarecido e incómodo para el espectador, que desde un principio se identifica con Harry y su situación. Precisamente eso es lo que más miedo da de “Harry Brown”, que por mucho que puedas pensar que, a pesar de todo, lo que hace Harry está mal —-igual que pasara con Travis en “Taxi Driver“—-, no le falta razón.

Fotos: Movies Jojo Chud

“Repo Men” no es más que una nueva muestra de cine irresponsable, inmoral y antiguo, envuelto en una falsa apariencia de modernidad audiovisual, cargado de violencia gratuita, carente de sentido y aburrido hasta la muerte.

Remy es un atípico cobrador de una empresa que se dedica a vender legalmente órganos humanos, que reemplaza inmediata e inevitablemente cuando sus portadores se retrasan en el pago. Un trabajo que a Remy no le causa ningún problema moral, ni siquiera cuando su mujer le reta con un ultimátum para que cambie la forma en que se gana la vida. Sólo se plantea si lo que hace está bien o mal, cuando él mismo es víctima de la compañía cuando le implantan un corazón tras un accidente laboral.

No me hace falta buscar la edad de Miguel Sapochnik, más que nada porque ha visto las mismas películas que yo, aunque él no tiene toda la culpa de esta recopilación de referencias a títulos como “Metropolis”, “Blade Runer”, “Coma”, “Oldboy”, “Pulp Fiction”, “Brazil”, “Total Recall” —-están todas puestas en el mismo orden en que aparecen en pantalla. El problema está en la base, en el autor de la novela original, Eric Garcia, que también firma el guión junto con Garrett Lerner, que adaptan de la novela con título tan ridículo como el tema que propone: “The Repossession Mambo”. El Señor Garcia debe estar descojonándose de risa tras haberse dedicado a la recopilación de personajes, temas y situaciones de las novelas del fascinante escritor de ciencia ficción Philip K. Dick, más que de las películas mencionadas, y convertirlas en una novela para gente que no lee, de la que encima le pagan los derechos para ser llevada al cine por un auténtico farsante futurista (por no decir fascista, dado que a algunos les molesta mucho), incapaz de disimular sus fuentes visuales, porque no es lo mismo homenaje que plagio (encarnizada discusión para un post aparte). Luego lo del plagio con otra obra de título similar, ni me lo planteo.

El caso es que el señor Sapochnik no debe haberse leído bien el guión (seguro que hasta en eso emula a los futuristas que rechaban toda palabra escrita), de otra manera no se entiende cómo es tan incoherente de dejar que su protagonista mencione cosas como “un trabajo no es sólo un trabajo”. Y una película no es sólo una película, señor Sapochnik. Puede que las distopías y las especulaciones acerca del futuro de la humanidad en las películas de ciencia ficción que se hicieran en los años ochenta, funcionaran para esa realidad concreta, la era de Ronald Reagan y Margaret Thatcher, pero, como decía el personaje que interpretaba Patricia Hearst antes de ser asesinada por Kathleen Turner en “Serial Mom”: “la moda cambia“… y la sociedad también, y lo que funcionaba hace veinte años, no funciona hoy. Soy incapaz de imaginar que, actualmente, nos movamos hacia un mundo en el que se nos haga pagar tan cara nuestra propia salud, no veo indicios, ni en mi país ni en el de Sapochnik. Lo vería coherente si la película se desarrollara en una sociedad bajo un régimen dictatorial, cerrado, absoluto, pero no parece ser así y no me creo esta deshumanización a la que se llega en “Repo Men”.

El uso de la banda sonora, directamente inspirado por la influencia de la serie “CSI: Crime Scene Investigation”, en la que se acostumbra a realizar autopsias a ritmo de pop, roack alternativo y trip-hop, asociando la desmembración de un ser humano, su vaciado y, en definitiva, la muerte, con las últimas tendencias musicales, deshumanizándola, pervirtiéndola y quitándole la importancia que tiene, me lleva a recordar los métodos que utilizaban en “A Clockwork Orange”, en la que se asociaba la música de Beethoven con imágenes de guerra, violación y muerte provocando lo que ya sabemos en el pobre Alex (Malcolm McDowell). Lo mismo. Ninguna diferencia. Lo que me queda claro es que a Sapochnink le gusta el Soul, el Rhythm’n’blues, el trip-hop, The Mammas and The Papas y el Canon en Re Mayor de Pachelbel, no así el easy listening y en especial la bossa nova, pues lo asocia con los inhumanos cirujanos que se dedican a cuidar y reparar los órganos dañados para su posterior reutilización.

Ya viendo la película me invade un desagradable tufillo a podrido, algo que entiendo a la perfección cuando busco el nombre del director en Internet, estaba claro que iba a encontrar referencias a otros modernos de pacotilla y, como no podía ser de otra manera, me encuentro que Miquel Sapochnik, antes de convertirse en director de cine con esta ópera prima, se dedicaba a la dirección artística y a dibujar storyboards para, entre algún otro, Danny Boyle, un director que detesto. Acabáramos, ahora lo entiendo todo. Con Boyle habrá aprendido que si no eres capaz de contar una historia, lo mejor que puedes hacer es copiar a tutiplén, poner música molona y mezclarla con las imágenes como si fuera un videoclip, tras haber vestido a tus personajes con una estética cualquiera mientras se pueda disfrazar de creatividad (hueca, nula y vacía).

No me extraña la participación de Jude Law en el proyecto, un actor mercenario, pero efectivo que resuelve su trabajo a la perfección, pero me aturde un poco encontrarme con Forest Whitaker, quien sí es bastante meticuloso con lo que rueda. Refresca encontrar un perfil tan estimulante como el de Alice Braga, aunque lamento, francamente, que, salvo algunas excepciones como “Redbelt”, no tenga oportunidades tan interesantes en el mercado anglosajón como en el brasileño.

Fotos: Geekadelphia

La excelente película de Marco Bellocchio, “Vincere”, rescata y pone de actualidad uno de los más breves pero intensos movimientos de vanguardia de principios del siglo XX, el futurismo, que siendo el primero de los movimientos que se desarrollarían en la época del cine mudo acaba de cumplir cien años, y vive en la actualidad un renacer debido al neo-futurismo de Graziano Cechini, aunque ligado a una política opuesta.

Publicado en 1909 en el periódico francés Le Figaro, el Manifiesto Futurista fundado por Filippo Tommaso Marinetti, responde a las necesidades de un grupo de aristócratas intelectuales que abarcan todas las expresiones artísticas y que han encontrado en el cinematógrafo su arma definitiva, pues están convencidos del fin del medio literario, del libro, un medio estático frente al movimiento que otorga el cine.

Los futuristas son los primeros que reivindican el cine como un arte en sí mismo, una expresión artística que no debe copiar jamás el libro y que debe ser, fundamentalmente, visual, sirviendo como una extensión de la pintura y alejándose de la realidad, de la fotografía. Evidentemente, rechazan las muestras documentales que hasta esa fecha se han realizado —-excepto las que tienen una connotación de movimiento o violencia como las grabaciones de viajes, cazas o guerras—-, así como las pocas obras dramáticas que acusan de seguir un patrón similar sin haber alcanzado todas las posibilidades que ofrece tan magnífico invento.

De marcado sentimiento ultra nacionalista, los futuristas promueven el amor al peligro, la exaltación de la energía, la admiración por la velocidad, reniegan del pasado y enaltecen la agresividad, la violencia, la guerra considerada como “La única higiene del mundo”. En un segundo manifiesto, el movimiento aparecería ya ligado abiertamente al régimen de Benito Mussolini, combatiendo cualquier intento de retorno a las ideas del pasado o estancamiento en la poesía o en las artes.

Bruno Corra, Emilio Settimelli, Arnaldo Ginna, Giacomo Balla o Remo Chiti son algunos de los artistas que firman el manifiesto, cuyas disciplinas artísticas incluyen el teatro, pintura, escultura, arquitectura y fotografía. Destacando la labor de Giacomo Balla y Umberto Boccioni, quienes emplean por primera vez técnicas derivvadas de la fotografía y del propio cine para crear efectos dinámicos en sus pinturas. En el campo de la cinematografía cabe destacar el trabajo de los hermanos Bragaglia y el filme de 1916, “Vida Futurista”, en la que se investigan las nuevas técnicas del incipiente celuloide como el montaje por analogía, simultáneo y de compenetración intelectual o la descomposición temporal y espacial, que sería asimilada por otros movimientos posteriores como el impresionismo o el surrealismo. Otra característica muy futurista es la de ilustrar la música con imágenes más o menos abstractas, una idea plenamente desarrollada hoy en día por un formato como el videoclip.

Cineastas como Guy Ritchie, Danny Boyle o David Fincher, recogen a la perfección el espíritu futurista tanto por la exaltación de la violencia que promueven en filmes como “Lock, Stock and Two Smocking Barrels”, “Snatch” o “RocknRolla”, el primero, “Trainspotting” o “The Beach”, el segundo, o “Se7en”, “The Game” o, sobre todo, “Fight Club”, el tercero. Además los tres cineastas utilizan la música de sus películas buscando una intencionada exaltación y agitación en el público, fundiendo música e imágenes en una herencia cultural que bebe más de MTV que del lenguaje audiovisual. En cualquier caso, no parece que ninguno de ellos sean conscientes de esta influencia en sus discursos. Sucede lo mismo con otros modernos de pacotilla como Baz Luhrmann o Luc Besson, más preocupados por la estética y la canción que va a acompañar a sus imágenes que por el sentido que música e imágenes puedan tener en su discurso.

En la actualidad, el neo-futurismo de Graziano Cechini, que ha encontrado el apoyo de Oliviero Toscani, quien fuera creador de las provocativas campañas publicitarias de Benetton, se ha lanzado en una serie de actos reivindicativos de tendencia política completamente opuesta al futurismo original y buscando una provocación contra el gobierno de Berlusconi que le ha llevado a manifestarse en tres ocasiones:

1. “Rosso trevi”, una acción mediante la que Cechini, en aquel momento definido com un hombre con gafas y gorrito, tiñe de rojo el agua de la Fontana di trevi, en loq ue fue calificado por el gobierno de Berlusconi como un acto terrorista y que termino marcando el sello del activista.
2. “I fratelli d’Italia si son rotti le palle”, un acto en el que lanza 500.000 pelotas de colores por la escalera de la Plaza de España de Roma.
3. “Obelisco de la sangre y de la libertad”, una acción en la que lanzara unos globos con el lema “free Tibet, free Karen, stop laogai”

La realidad de este movimiento se ha visto materializada en el artículo de Miguel Mora, “En Italia despierta el fascismo”, de la misma manera que Marco Bellocchio parece incitar a este mismo despertar en “Vincere”.

Fotos: El confidencial Ai Nostri Posti Cine 25

Este domingo se entregan los premios Goya 2010 y Alberto nos ha traído su boleta de apuestas para la entrega —recomiendo la lectura de sus posts, en la que encontrarán acidez, análisis y riesgo en diferentes proporciones.

Pero como a mí también me gustan las apuestas —te apuesto USD 20 a que es como te digo— aquí les traigo mi boleta personal para dos categorías rotuladas como extranjeras en España—aunque para algunos de nosotros, paisanas—: Mejor Película Extranjera de Habla Hispana y Mejor Película Europea. Así que ya saben, después del corte, el análisis, las favoritas y mi pick personal.

Comenzaré con Mejor Película europea. Aquí compiten “Déjame entrar”, “La clase”, “Bienvenidos al Norte” y “Slumdog millonaire”. “Bienvenidos al Norte” y “La Clase” van claramente de punto. Y es que vamos, resulta complicado enfrentar a dos gigantes como las películas dirigidas por Danny Boyle y Tomas Alfredson —una con ocho estatuillas doradas en la espalda y la otra con gran performance en festivales internacionales y una nueva mirada al mundo de los vampiros actualmente bastardeado por blockbusters americanos.

Si lo que uno busca es hacer valer el bolsillo, vayan los billetes con “Slumdog Millonaire”, una producción que ha sabido poner sobre el tapete una historia con visos muy interesantes y escenas entrañables —todos recordarán la escena del niño que se cubre de excremento para alcanzar el autógrafo de la estrella de Bollywood Amitabh Bachchan— que a un punto funciona como denuncia de una realidad social y como puesta en abismo de las vicisitudes de un guión —recordemos que el protagonista conoce todas las respuestas por hechos de su vida personal—. Pero claro, del otro lado están el vampiro gélido del norte y la poesía glacial de una historia narrada con maestría y guionada por el mismo autor de la novela que sirve como base al film, John Ajvide Lindqvist.

En cuanto a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana, las nominadas son “Dawson, isla 10”, “Gigante”, “La Teta Asustada” y “El Secreto de sus Ojos”. Las favoritas aquí son las películas dirigidas por Claudia Llosa y Juan José Campanella. Sobre la primera, Gustavo nos regaló hace poco un interesante análisis. Por mi parte, me quedo con “El Secreto de sus Ojos”. Y aquí no hago gala de mi condición de paisano del director, sino que la película ha demostrado ser un verdadero fenómeno que logró cautivar a todo tipo de público. Desde el aspecto técnico y el guión, el film de Campanella me ha resultado muy interesante. Y aunque el final me lo esperaba, el guión resulta sólido salvo por algunos detalles que analizaré en una crítica por venir.

¿En conclusión? “Slumdog Millonaire” y “El Secreto de sus ojos” son mi apuesta oficial —aunque no puedo negar que me encantaría que Eli, la niña vampiro, hiciera una visita a los jurados y se llevara el premio “Déjame entrar”—. ¿Y ustedes? ¿Por quién apostarán?

Quizá Danny Boyle tuvo idea de todo lo que ocurriría cuando recorrió los barrios de la India en busca de su siguiente reparto. Es que es muy común que gente “tan común” tenga una vida diferente gracias a una decisión acertada. Además de Boyle, Rubina Ali tomó la mejor de su vida –sobre todo, con lo que respecta a su precaria situación económica: interpretar a una niña cuya historia se acercó mucho a su vida real. La pobreza es una constante en ambas.

Ali fue la joven Latika en “Slumdog Millionaire”, uno de los personajes que sufren el maltrato y la miseria, mientras sueñan con un futuro más soportable. Pero las cosas resultaron mejor en su verdadera historia: Rubina firmó un contrato por más de 145 mil dólares para la cinta independiente “Lord Owen’s Lady” y un libro biográfico. También su compañero Azharuddin Mohammed Ismail está incluido en el proyecto fílmico, en el que posiblemente actuará Anthony Hopkins.

¿Rubina en cifras? La niña de apenas 10 años recibirá mil 626 dólares por cada uno de los 20 días de rodaje en Dubai y Gales; también obtendrá 81 mil 287 dólares de aquí a abril como regalías por su autobiografía que se publicó en junio, por la cual recibió 32 mil 515 dólares por adelantado. Ya son, a la fecha, 100 mil los ejemplares que se han vendido en el mundo.

“Slumdog Millionaire” –ganadora de 8 Oscares– fue sólo el principio de las historias de quienes soñaron ser, si no millonarios, sí dueños de una vida digna y, por qué no, tener una cuenta en el banco que asegure su futuro y el de quienes los rodean.

Vía: El Universal | Foto: Blogy

En el pasado noviembre hablabamos sobre la siguiente cinta que haría Danny Boyle tras conquistar al público y la crítica con “Slumdog Millionaire”. El proyecto lleva por nombre “127 Hours” y tratará sobre el capítulo en la vida del montañista Aron Ralson quien, tras quedar prensado del brazo con una roca, toma la difícil decisión de amputarse el brazo y buscar ayuda por sus propios medios.

El primer nombre que se mencionó fue un viejo conocido por Boyle: Cillian Murphy con quien ya ha trabajado anteriormente en la excelente “28 días después” y la ambiciosa “Sunshine”. Movimiento que no era de extrañarse debido al gran equipo que formaron en ambas producciones gracias al nivel actoral que posee el actor irlandés.

Ahora eso sólo quedó en rumor, de acuerdo a Production Weekly el designado para interpretar a Raison será el hijo de El Duende Verde: James Franco a quien lo podemos ver en papeles serios como “Milk” o comedias como “Pineapple Express”.

¿Qué les parece la selección de Franco? Sin duda éste proyecto será un importante reto para el director inglés quien tendrá todas las miradas puestas sobre él gracias al éxito de “Slumdog Millionaire”. No sólo eso, tendrá que llevar la historia de tal manera que nos mantenga atentos e interesados en todo momento tomando en cuenta que ya sabemos la decisión que toma el personaje de Franco. Todo apunta a que la escena de la amputación será el momento clave de la película, no tanto en términos visuales sino en aspectos de narrativa. Por lo pronto con un director como Boyle no hay por qué preocuparse… hasta ahora.

Vía: Comingsoon.net | Foto: Finding Franco

Inauguramos aquí una serie de especiales en los que repasaremos lo mejor (y lo peor) del año y la década que acaban de irse. En esta primer lista figuran las mejores películas que los editores de Extracine hemos visto durante el 2009 ¿Nos harán caso en los Oscar? ¿Y en los Goya? Probablemente no, pero nos encanta mojarnos… así que allá va.

10.- Gran Torino.
Clint Eastwood en plena forma. La que probablemente sea su despedida delante de la gran pantalla (seguirá dirigiendo) ha sido sin duda una de las grandes películas del año. Deseando estamos de poder ver su nueva Invictus.

9.- Slumdog Millonaire.
La gran triufadora de la pasada edición de los Oscars ha sido también una de nuestras favoritas. Danny Boyle demostró como hacer todo un taquillazo con muy poco presupuesto y mucha ilusión. Podéis ver la crítica de mi compañero Javier aqui.

8.- Up.
La última maravilla de Pixar, que sigue sorprendiéndonos año tras año es la gran favorita para llevarse el Oscar de animación, y hay quien dice que se podría colar en la categoría de mejor película. Lo que está claro es que los chicos de Pixar saben como conmover a su público. Sólo hay que ver su excelente prólogo, cine en estado puro. Aquí podéis leer la opinión de nuestra compañera Marisa.

7.- Celda 211.
La mejor película española del año y sin duda una de las de la década. Brutal, demoledora, son muchos los adjetivos que se le han adjudicado a esta maravilla de Daniel Monzón, en la que Luis Tosar compone el que desde ya es el mejor villano de la historia del cine español. Película de obligado visionado según mi compañero Roberto.

6.- Star Trek.
El remake-secuela-precuela que se sacó de la manga J.J. Abrams ha sido una de las películas más descargadas del año y una de las favoritas de Quentin Tarantino y de un servidor. Abrams demostró como retomar una saga con brío e ímpetu ilusionando de nuevo a los fans y conquistando a los neófitos. Podéis leer mi crítica aquí.

5.- Watchmen.
La gran sorpresa (al menos para mi) de nuestra lista ya que, aunque me encantó, no creía que la opinión fuera generalizada. La crítica la vapuleó pero Zack Snyder dio una auténtica lección de como adaptar un cómic de culto siendo fiel al 90%. Unos títulos de créditos antológicos hicieron el resto.

4.- Malditos Bastardos.
Para mí, la mejor del año, pero en el cómputo global ha quedado cuarta. Defraudó en Cannes, pero curiosamente llegó a las salas recortada y arrasó tanto en crítica como en público. Promete y mucho de cara a los Globos de Oro y los Oscars. La crítica, aquí.

3.- El curioso caso de Benjamin Button.
Entramos en el podio con la gran olvidada en la pasada edición de los Oscar. Nosotros no nos pensamos olvidar de esta maravilla de David Fincher que ha cosechado tantos admiradores como detractores. Medalla de bronce.

2.- Distrito 9.
Toda una revolución dentro de la ciencia ficción. Fresca, original e ingeniosa, la película recaudó 200 millones de dólares en todo el mundo y costó sólo 30. Esta metáfora sobre el Apartheid ha cautivado a la crítica de medio mundo y nosotros mismos hemos caído rendidos a los pies de ese bicho raro que es Wikus Van De Merwe (los aliens son más normales). La crítica de Roberto aqui.

1.- Avatar.
No podía ser de otra manera. Es la película del momento, y según los editores de Extracine, la mejor que hemos podido ver en salas a lo largo de 2009. Más de mil millones recaudados en sólo tres semanas. Doce años de preparación y toda una revolución visual. ¿Que podemos decir de la última película de Cameron que no se haya dicho ya? Que ha sido la gran triunfadora de nuestro particular ranking. A ver que tal se porta en los Globos de Oro y en los Oscars. Podéis leer mi crítica aquí y la de mi compañero Roberto aquí.

Y esto ha sido todo. Antes que lo digáis en los comentarios, aclararos que se trata de un ranking concensuado entre todos los editores de extracine, y que han contado todas las películas que hemos visto en el cine a lo largo de 2009, por lo que han entrado al ranking algunas que se estrenaron a finales de 2008. Nosotros ya nos hemos mojado. Ahora os toca a vosotros hacerlo en los comentarios. ¿Que os parece nuestra lista? ¿Cual echáis en falta? ¿Cual os sobra? Supongo que cada uno tendrá su particular ranking, y como se suele decir, no están todas las que son, pero si que son todas las que están.

Foto: Flickr

Hace más o menos una semana, mi compañero M. Alcalde nos hablaba aquí sobre “127 Hours”, el nuevo proyecto del cineasta británico Danny Boyle, director de filmes tan dispares como “Trainspotting”, “28 días después”, “Sunshine” o “Slumdog Millionaire”. En esta ocasión, Boyle contará la historia del montañero Aron Ralson, famoso por un desagradable incidente que le aconteció en 2003, mientras escalaba una montaña en Utah, EE. UU.: después de que su antebrazo derecho quedara atrapado durante cinco días bajo una roca, Ralston decidió usar un cuchillo romo para amputar el miembro herido. Luego escaló una pared escarpada de veinte metros de altura, recorrió la zona hasta dar con una familia que le proporcionó agua y comida, y fue finalmente rescatado por un helicóptero. Una muestra impresionante de valor y sangre fría.

La idea del estudio es tener el filme terminado para finales del año que viene, por lo que Boyle está decidido a completar cuanto antes el reparto. Si al principio sonó el nombre de Ryan Gosling para interpretar a Ralson, parece ser que es ahora Cillian Murphy el mejor posicionado. Quizá sólo sea un rumor, pero hay que tener en cuenta que Murphy ha protagonizado ya dos películas dirigidas por Boyle, “28 días después” y “Sunshine”, por lo que no sería una idea nada descabellada que el cineasta volviera a contar con el actor irlandés para su nuevo trabajo. Desde luego, a Boyle le gusta rodearse de profesionales con los que ha trabajado antes, pues el guión de “127 Hours” correrá a cargo de Simon Beaufoy, autor del de “Slumdog Millonaire”.

Vía: WorstPreviews | Foto: starpulse.com

Danny Boyle, un director al que me gusta recordar por Trainspotting y 28 días después, vuelve con nuevo proyecto bajo el brazo. Boyle quiere llevar a la gran pantalla la historia de Aron Ralston, un montañero que se vio obligado a amputarse el brazo tras cinco días atrapado bajo una roca.

El director británico ha confirmado que ya tiene un primer borrador del guión terminado, pero que espera que Simon Beaufoy, con el que ya colaboró en la sobredimensionada Slumdog millionaire, sea el que escriba la versión final del libreto. Se rumorea, además, que Ryan Gosling será el encargado de meterse en la piel Ralston. No se me ocurre una elección mejor…

Esperemos que trasciendan más detalles proximamente.

Vía: Danny Boyle’s Next Confirmed to be Tale of Mountain Climber Aron Ralston; Film is Now Titled 127 Hours | Foto: Outside

Los académicos del cine europeo han elegido 48 títulos estrenados este año (y alguno el año anterior) para convertirse en los nominados a sus premios de 2009. Entre ellos se encuentran tres películas españolas. Como no podía ser de otra forma, “Los Abrazos Rotos” de Pedro Almodóvar es una de las historias seleccionadas, además de “Retorno a Hansala”, de Chus Gutiérrez. La tercera que ha entrado en el corte es “Camino”, dirigida por Javier Fesser y que fue estrenada en 2008.

Los miembros del jurado visionarán las copias y deliberarán durante las próximas semanas para que la Academia del Cine Europeo (EFA) pueda dar a conocer el nombre de las nominadas el 7 de noviembre durante la celebración del Festival de Sevilla. Para conocer a las flamantes ganadoras habrá que esperar a la gala del 3 de diciembre que tendrá lugar en tierras alemanas. Entre las favoritas se encuentran títulos tan conocidos como “Slumdog Millionaire”, de Danny Boyle, “Anticristo”, de Lars Von Trier, “Coco Channel”, de Anne Fontaine, y “Looking for Eric”, de Ken Loach.

Vía: ‘Los abrazos rotos’, ‘Camino’ y ‘Retorno a Hansala’, candidatas a los Premios del Cine Europeo de 2009 | Foto: Cinema2000

A partir de esta noticia toda especulación sobre si el director de Slumdog Millionaire llegaría a realizar una “continuación” del éxito obtenido en la última entrega de Oscars queda desplazada por una confirmación casi inevitable.

Danny Boyle tiene los derechos del libro de Suketu Mehta, autor indio que realiza una autobiografía descriptiva en la que aparecen análisis de contexto de Bombay, lo que indica que una película sobre esta perspectiva de la India será cuestión de tiempo y organización.

Este libro, es un recurso valioso que Boyle utilizó para darle color a “Slumdog Millionaire” en su momento y que ahora a partir de la adquisición de sus derechos seguramente exprimirá de una manera más expresa. Personalmente creo que a pesar del éxito obtenido (y el rechazo de los mismos locales) abusar de una fórmula ganadora en tan poco tiempo podría generar ser una lastimosa picardía. ¿Qué tal si esperamos unos añitos?

Vía: Danny Boyle podría volver a Bombay l Foto: allaboutgeorge