Se habla mucho de los 80´s, eso es seguro: hasta no hace poco, toda marca de rabiosa actualidad tenía que tener algún detalle correspondiente a la dorada década de la música new wave o los alocados colores fluorescentes que medio que sobrevivieron, medio que no a ese largo, extraño, interminable, hermoso período. Si los ochenta fueron una suerte de vacaciones universales para todos y de momento de magia y misterio — me remito a “Hot Tub Time Machine” (2010), como mínimo, pero hay otros ejemplos —, no nos tiene que sorprender que ya varios años después de dar comienzo a una década obsesionada con esta anterior etapa como lo fue la del 2000-2010 — pensemos tanto en la música como en cualquier otra producción cultural — todavía se sigan haciendo películas ambientadas en este momento, mostrándolo terriblemente actual y consiguiendo, con mayor o menor éxito, ponernos en sintonía con una era. Todo eso es la última película de Michael Dowse, “Take Me Home Tonight”.

La cinta cuenta la historia de Matt Franklin, interpretado por Topher Grace, quien ha pasado toda la secundaria obsesionado por la misma chica, Tori Frederking, personificada por Teresa Palmer. El conflicto entre los dos es claro: el primero nunca en su vida se ha animado a decirle nada a la chica de sus sueños por temor a ser rechazado, y así llega el año 1988, cuatro años después de haberse visto por última vez en el marco del colegio, para ver en qué quedaron, qué es de sus respectivas vidas, etc. El encuentro casual en el negocio para rentar películas deriva en una de las mentiras que todos sabemos que iban a esgrimirse: Matt le cuenta a Tori que está trabajando para una agencia de finanzas muy importante en lugar de aceptar que es empleado de ese negocio y de que, pese a haberse recibido en el mismísimo MIT, no sabe qué hacer con su vida. Charla va, charla viene, los dos quedan en verse en la fiesta del posible cuñado de Matt: a partir de allí, en una sola noche, el conflicto desencadenará todas las tensiones que esperábamos y los chicos, de más está decirlo, descubrirán lo importante que es atreverse pese a que las cosas nos generen dudas.

Concido plenamente con la excelente reseña de Lisandro Melean en Cool Hunting Project: la película es un gran homenaje a las cintas del difunto John Hughes, en donde todos los elementos están dispuestos para que pasemos una hora y media agradable entre canciones exitosas — y más que buenas — e imágenes que acompañan, como si fuera fruto de la estética MTV aplicada a una película… Bah, sabiendo de antemano que tanto el canal de la música como las cintas de Hughes son contemporáneas, por lo que podríamos pensar en una mutua contaminación semiótica.

No estamos hablando ni de cerca de la mejor película de la historia de la humanidad, pero la veo como uno de esos clásicos de sábado a la tarde que disfrutaremos a lo largo de los años por venir. A sacar el walkman y a verla, mis queridos.

Quien quiera ver un documental sobre Woodstock, con sus míticas actuaciones, que busque un documental, un DVD musical del festival o los innumerables discos que debe haber al respecto. Lo que aquí Ang Lee nos presenta no trata sobre el festival en sí, sino sobre lo que había detrás, sobre sus cimientos, los ideales que lo crearon y la fiesta alternativa que tenía a su alrededor.

Utilizando como excusa e inspirándose libremente (lo que no indica una adaptación) en las memorias de Elliot Tiber (Demetri Martin) sobre los orígenes de este mítico evento, la película pretende recrear y rememorar unas sensaciones olvidadadas y obsoletas por nuestra sociedad actual.

Nos sitúa en las verdes y hermosas praderas del pueblo de White Lake, utilizando con ingenio la pantalla partida, que ayuda a esparcir nuestra atención ante las múltiples visiones y emociones que se vivieron aquellos días.
Nadie puede negarle al sabio Lee que sabe dónde colocar una cámara y como moverla sin que el espectador note su presencia, y es así como entramos de lleno en esos tres días de paz y música sin comparación alguno.

Es una historia sencilla al servicio de la nostalgia y el ambiente, más que para contar una historia al uso, contiene una multitud de personajes y actitudes tan vivas y tan bien recreados que, si no le pedimos lo que no nos quiere ofrecer y aceptamos lo que sí nos ofrece, hacen de esta aventura una fiesta tan emocionante como la que se relata de fondo.

No es casualidad que el protagonista jamás llegue a ver el festival, porque Ang Lee desea centrarse en el contexto, en sus vehículos pintados de colores psicodélicos y flores estampadas, las largas colas de gente que llenaban las carreteras y los lagos llenos de hippies bañándose completamente desnudos.

Ves la libertad y la ausencia de prejuicios, de esa gente danzando sin ropa con sana alegría e ingenuidad, llenos de amor por la música, alucinados por las drogas, amando al ser humano y no limitarse por la orientación sexual, dejándose llevar y siendo puramente uno mismo.

Desde el comienzo, con el retrato que se hace de la familia protagonista, la película se mueve en el terreno de la comedia ligera, y lo hace con gracia, algo a lo que ayudan las interpretaciones de los tres protagonistas, especialmente la hilarante Imelda Staunton. Me hubiera gustado que se profundizara un poco más en el poder político del festival, el cuál hubiera sido interesante capturar esa pugna.

Foto: REHAVYA