Asghar Farhadi supo demostrar gracias a About Elly que el cine iraní no era exclusivo de Abbas Kiarostami, mucho más popular por entonces. Ahora con A Separation se afianza como uno de los directores asiáticos más prometedores gracias a la cantidad de reconocimientos que viene cosechando en distintos festivales internacionales y en ser el segundo film iraní en obtener una nominación al Oscar para mejor película extranjera y el primero en entrar dentro de la categoría de mejor guión original.

Filmada con una extraña prolijidad si consideramos el uso de la cámara en mano, Farhadi, quien también estuvo a cargo del guión, retrata con detalle y sin apuro los problemas de una sociedad difícil como la Iraní donde no se deja de lado ni los entresijos de la justicia, sobre todo, ni las diferencias sociales, religiosas o aquellas más universales, incluso, como la ruptura familiar, la agresividad, la cólera, la injusticia.

Parecería que la efusiva acogida que le ha dado la crítica internacional no nos deja lugar a dudas de que estamos ante una obra maestra, una incisiva mirada a la sociedad de nuestro tiempo, sea esta del país que sea. La increíble proliferación de films refritados y regurgitados del cine actual posiblemente explique la grandeza de un film sencillo, humano, realista y el por qué tanto espectadores como críticos la han tomado como el aire fresco que la gran pantalla necesita, al menos, como opción aparte. Sin embargo, personalmente me atrevo a nadar un poco contra la corriente y expresar abiertamente que del film me esperaba otra cosa.

Quizá el problema venga dado a las expectativas que uno se crea a priori cuando un film es promocionado. Desde todos los elementos paralingüísticos, y lingüísticos claro, uno va elaborando la posibilidad de una determinada historia. Por supuesto que sería totalmente ingenua si esperase que porque el film llevase la palabra separación en su título, de eso tenga que hablarme específicamente. Farhadi concentra tanta fuerza en los personajes secundarios que termina desdibujando de alguna manera a los protagonistas. Las interpretaciones de Peyman Maadi y Leila Hatami quedan en sombras, lucen frías gracias al extraordinario poder escénico que el director otorga a personajes como Sareh Bayat, e incluso, a su propia hija Sarina Farhadi, quien interpreta a la hija del matrimonio, testigo silencioso y doloroso del drama, verdadera víctima del conflicto.

La separación aquí es usada como un disparador de otro tipo de conflicto distinto al de la separación en sí. Aunque se nos cuenta en la escena inicial el por qué del deseo de divorciarse de Simin, el director no se detiene a contarnos sobre la pareja sino en las consecuencias funestas que esa decisión termina por desencadenar. A partir de ahí, un hecho provocado por la cólera dará lugar a discusiones, muchas, todo el tiempo, con la fuerza necesaria para gritarnos que los problemas son muchos, son serios, son graves.

Y ahí es donde personalmente termino por desconectar de la historia. Tantas son las lecturas que uno podría hacer como películas podría enhebrar partiendo del conflicto inicial. Es indudable la maestría de Farhadi para retratar la tensión, para ambientarnos dentro de ese mundo en que los personajes se mueven y cómo se interrelacionan pero a la vez carece de la habilidad necesaria para asentar el relato y provocar una identificación con los personajes que nos permita emocionarnos con lo que les pasa. ¿Quiere hablarnos de la burocracia insufrible de una justicia en la que uno debe pelear por su cuenta, sin abogados entendidos, discutiendo como lo harían los hermanos frente a una autoridad paternal?, ¿hablar de la mentira y cómo esta puede constituir un pecado tremendo dentro de los conceptos religiosos regidos por el Corán?, ¿quiere hablarnos de cuánto lamenta Simin que a su marido no le importe si ella se queda o se va?, ¿si es que se lamenta de todavía amar a un hombre capaz de perder el juicio hasta provocar un crimen?.

Lo sé, muchos podrían acometerme, y seguramente lo harán, con todas las respuestas posibles. Después de todo así se plantea la historia, como la vida misma en la cual a veces todo nos sucede al mismo tiempo, un hecho termina generando una cadena de circunstancias indomables. Pero, a riesgo de sonar mediocre, y quizá sea que no la haya entendido bien del todo, tanta fuerza puesta ahora aquí, luego allá, no me dio oportunidad de interesarme del todo por lo que estaba pasando. El ritmo por momentos acelerado, por otros, extremadamente contemplativo me rindió al aburrimiento, ¿para qué negarlo?.

Eché de menos la profundidad de los diálogos que Farhadi supo elaborar en About Elly constituyendo la música que casi no tiene el film, la destreza de plantear una historia sencilla sin pretenciones grandilocuentes. A separation no deja de ser una película para ver, valoro la mano austera pero certera de este director para crear escenas que aunque sencillas no dejan de impactar y llegarle al espectador; después de todo a la mayoría, les ha encantado que es lo que cuenta.

Arrasadora en la Berlinale del año pasado, este es un film que seguro ganará el corazón de la Academia; un pronóstico que lanzo un tanto apresurado pues no he tenido oportunidad de ver a sus competidoras extranjeras. Pero que a pesar de su ritmo un tanto desordenado para mi gusto le reconozco mucha fuerza en ciertos tramos, un final excelentemente planteado, de esos que no necesita palabras ni ademanes para hacerse entender; ese tipo de clima y logro es el que me hubiera gustado ver sólidamente a lo largo de las dos horas de duración.

La prueba de que su propuesta trata de hacernos reflexionar es ese cupido materializado en taxista que utiliza el apóstrofe como método de comunicación con el espectador, dirigiéndose a nosotros para plantearnos los mismos conflictos por los que pasaran los protagonistas de cada una de las tres historias que si bien no se mezclan, sí se cruzan. Opción individual es ya entrar en la reflexión o no.

Protagonizada por Riccardo Scamarcio -que algunos recordarán de un filme como “Romanzo criminale”-, Valeria Solarino y Laura Chiatti, las gentes y el pueblo de la primera historia bien pudieran parecer los de “Benvenutti al Sud”, pero mientras aquellos me parecían más un grupo de bufones, estos me resultan bastante más simpáticos, graciosos y humanos, en una historia que bien pudiera parecer una versión contemporánea del dicho que decía que a los hombres les gustan las rubias, pero se casan con las morenas. Quizás la historia más cómica de las tres que componen la película que vendría a plantear la fragilidad de la voluntad del individuo y esa insoportable levedad del ser, que diría Milan Kundera.

Divertida distorsión de “Fatal Atraction” podríamos considerar la segunda de las historias, protagonizada por Michele Placido y una graciosa Donatella Finocchiaro. Pareciera que los símbolos religiosos que atiborran la casa de la protagonista, le llevaran también a ese estado de enajenación e inestabilidad emocional, así como, por otro lado, el protagonista masculino no encuentra en su familia la deseada unión y estabilidad que, a priori, pregonan también no sólo los religiosos, sino los políticos con tendencias a la derecha.

Para el final quedan Robert de Niro y Monica Bellucci, que si el primero destaca por una sencillez que le permite interpretar a un hombre realmente humilde y sin ninguna pretensión, quizás encontramos en el personaje de ella una artificialidad estética que rompe en cierta medida la frescura de la película. En cualquier caso, tampoco le resta credibilidad a una historia en la que el conflicto no sólo viene de la diferencia de edad de sus protagonistas, sino del hecho de que ella sea la hija de tu amigo.

En definitiva, una propuesta sin mayores pretensiones, pero con la calidad suficiente para proporcionar una pequeña obra amena y entretenida, que no necesita del visitando de sus predecesoras para poder ser disfrutado de manera independiente.

Hacer lo que ha hecho Christopher Nolan con su recien estrenada “Inception” no es nada fácil. Igual que no es nada fácil hacer una crítica de ésta película sin entrar en el complicado terreno de los Spoilers, avisados quedan los lectores.

Porque las películas basadas en sueños corren un gran riesgo, y es el del temido “efecto Serrano”: Si al final todo es un sueño, pues vaya tomadura de pelo. El acierto de “Inception es el posicionamiento sobre la historia que toma su director, mostrando sus cartas desde primera hora al desarrollar toda su trama dentro del mundo de los sueños, convirtiéndolos a éstos en elemento narrativo principal de la historia.

Las múltiples lecturas y fórmulas que desarrolla la película, sólo comparables con la multitud de niveles narrativos, es el gran artefacto en el que Nolan basa el éxito de su cinta. Funciona a la perfección como Blockbuster veraniego para aquellos que busquen acción y efectos especiales. Funciona como juego con un espectador cómplice que disfrute resolviendo puzzles. Funciona como joya audiovisual cargada de un universo único y una banda sonora fascinante. Y lo que es más importante, funciona como ejercicio narrativo único, en el que las bases de la narración audiovisual, esas que Nolan ha demostrado dominar en diversas ocasiones, son tomadas por el director para darles la vuelta y usarlas a su antojo. Porque la narración de Nolan consigue lo que parecía imposible, que recursos estéticos y narrativos tales como la cámara lenta, el montaje paralelo o unos efectos especiales espectaculares, tengan una relevancia y una justificación dentro del guión, algo que en Hollywood no suele ocurrir muy a menudo, ya que siempre se busca la espectacularidad por la espectacularidad. Aquí Nolan demuestra lo que es usar los recursos a favor de una historia.

En tiempos de 3D, Nolan acaba de mostrarnos cual es la tercera auténtica dimensión del cine. No se trata de buscar la profundidad dentro de las dos dimensiones de alto y ancho, como suelen hacer la mayoría. Nolan descubre una tercera dimensión, más allá del tiempo y del espacio, dentro de los pensamientos de cada personaje, una dimensión que no está en nigún sitio en concreto y no sucede en ningún momento en concreto, pero que es la que lleva el peso de la trama de “Inception”. Si bien el interior de los personajes, lo que piensan y lo que sienten, ha formado siempre parte de las buenas películas, nunca hasta “Inception” el interior de la mente de un protagonista había tomado forma de manera tan tangible y tan necesaria para una trama.

“Inception” es una historia policiaca en toda regla, es una película de ciencia ficción con reminiscencias (y muchas) de Phillip K. Dick, es una historia de amor, culpabilidad y sacrificios, pero sobre todo es una de esas películas que no se va de tu cabeza en días. Es un juego que exige al espectador aceptar sus reglas para poder disfrutarlo, reglas que, sin embargo, Nolan plantea dentro de su película con una simpleza y efectividad pocas veces vista en la ciencia ficción. Es una reflexión sobre la naturaleza de los sueños, sobre la realidad en sí misma, sobre el subsconciente y elconsciente, que se pregunta cual de los dos es más real.

Algo “Matrix”, algo “Desafío Total”, algo “Abre los ojos”… incluso algo “Ciudadano Kane”, cambiando el trineo por otro juguete infantil. Son muchas las referencias que se vienen a la cabeza viendo este film, sin embargo, “Inception” consigue ser diferente a todas ellas.

Pero no es perfecta, ojo. Tiene dos fallos imperdonables para una película que podría entrar rápidamente a formar parte de la historia del cine. El primero y más evidente es un Leonardo DiCaprio empeñado en ser actor serio, y que sorprendentemente sigue encontrando buenos directores que le dan una enésima oportunidad. Llamenlo manía personal, pero para mí, DiCaprio, como en sus últimos papeles, no convence cuando quiere hacer de adulto. El segundo fallo, menos evidente, es un ligero exceso en las escenas de acción en el tercio final de la película. Imprescindibles para la trama, pero excesivamente repetitivas, a Nolan nunca se le han dado bien las grandes secuencias de acción, y eso se nota.

Pero todo es perdonable para una película que juega con tu cabeza como un malabarista, que en cada secuencia hace que te replantees la anterior, que te da las pistas necesarias para que rellenes los huecos de la trama, y que disfruta haciendo al espectador partícipe de la historia (ese final abierto, que tanto debate ha generado).

Una película imprescindible que, estoy seguro, se disfrutará aún más en un segundo visionado, y que de haberse estrenado en Diciembre, hubiese entrado directa en la carrera de los Oscars. Tal vez sea prematuro decir, como se ha dicho en muchos lados, que es un clásico desde ya, o que cambiará la historia del cine. Eso sólo el tiempo lo dirá. Por lo pronto los lectores de IMDB ya la han colocado la tercera mejor película de todos los tiempos, por encima de films como “Casablanca” o “Psicosis”. ¿Estaremos viviendo en un sueño de Nolan?

Concluye hoy el especial que durante tres semanas he dedicado a M. Night Shyamalan, con un análisis a sus dos últimas películas (si no contamos “The Last Airbender”). Si en el primer post vimos su meteórico ascenso al cielo de la fama, y en el segundo vimos su particular manera de tratar temas trascendentales, hoy analizaremos el giro radical que le dio a su carrera a partir de “Lady in the Water”.

Si bien hasta entonces Shyamalan era conocido por sus giros de guión a última hora, con “Lady in the Water” y “The Happening” se olvidó de lo que desde primera hora había sido “marca de la casa”. Tal vez porque las historias no lo necesitaban, tal vez para intentar callar la boca a todos los que le acusaban de basar todas sus películas en una sorpresa final.

La cosa es que desde “Lady in the Water”, Shyamalan intentó demostrar que era algo más que un buen inventor de finales sorprendentes. Para algunos, tan solo demostró lo que intentaba negar, para otros, su cine va mucho más allá de esos finales sorpresa, y éstas dos películas son buena muestra de ello. Comenzamos… o mejor dicho, terminamos (éste especial).

“Lady in the Water”

Estamos tal vez ante el mayor fracaso de público de una película de Shyamalan. Una vez más, a mi parecer, por una mala publicidad y unas expectativas no acorde con el producto que el director ofrecía.

“Lady in the Water” es la primera película “made in Shyamalan” que no guarda un giro final sorprendente. Tal vez por eso muchos salieron del cine decepcionados. Lo que Shyamalan ofrece en “Lady in the Water” no es más que un cuento infantil de los de toda la vida, una “Bedtime Story” en toda regla, más cercana a “La princesa prometida” o “La historia interminable” que a sus primeros films.

El problema (o la virtud, según se mire) de “Lady in the Water” es precisamente el que azota la filmografía de Shyamalan désde sus comienzos, el que ha sido, más allá de los finales sorpresas, el gran sello de autor del director: Sus películas parecen una cosa, pero son otra muy distinta. Porque más allá de un cuento de hadas, que lo es, y con todas las de la ley, “Lady in the Water” es una excelente fábula metalingüística sobre la naturaleza de la narración, los arquetipos y mecanismos de las historias (no en vano la protagonista se llama Story) y el papel del autor cómo mesías de un mundo encantado.

A Shyamalan le encanta contar historias, es un narrador nato, y ese es el tema de “Lady in the Water”: las narraciones, los cuentos, su origen e implantación cultural, su tradición oral… Y para ello, nada mejor que enmarcar su discurso precisamente dentro de un cuento. Un cuento, en efecto, algo megalómano, algo egocéntrico, un cuento en el que Shyamalan no deja de mirarse el ombligo. Pero es lo que pasa cuando un autor decide hablar de si mismo, su film acaba siendo, por naturaleza, un ejercicio onanista. Ya sea éste autor Fellini, Moretti o Woody Allen. O Shyamalan.

¿Hubiese cambiado algo que el personaje de Vick Ran no hubiera estado interpretado por Shyamalan? Probablemente, sí. La película habría ganado a un actor al menos decente (Shyamalan como actor no vale nada) y la crítica no se le hubiera echado tan encima. Sin embargo el sentido de la historia hubiera sido exactamente el mismo: El narrador, el autor de las historias, es quién salva el mundo. Es él el que tiene el don de crear historias. Y eso es precisamente lo más bonito de crear, saber que el fruto de tu trabajo puede, en algún momento, cambiarle la vida a alguien.

Aparte de su mensaje, de su discurso, la película a mi parecer funciona a la perfección como un cuento “extraño”. Un cuento para niños desde el punto de vista de un adulto. Ahí cabe destacar el excelente trabajo de Paul Giamatti, como el guía espiritual de un grupo de gente a la que debe convencer de algo de lo que él mismo no está convencido.

Si “Lady in The Water” hubiera estado ambientada en un entorno de “capa y espadas”, contaría hoy día con un millón de fans, y estaría mucho mejor considerada. Shyamalan se arriesgó ambientando una historia mágica, un discurso sobre el hecho de contar historias, en un bloque de apartamentos contemporaneo, que funciona como la típica pequeña aldea de un cuento infantil, en la que todo es posible.

“Lady in The Water” es la mezcla perfecta entre cine adulto y cuento infantil. Objetivo cercano al que tuvo Spike Jonze con su “Where the Wild Things Are”, aunque con un look visual muy distinto, basado en la excelente fotografía de un excéntrico cómo Christopher Doyle. Para mí, funciona perfectamente como cuento infantil, con su moraleja incluida de que todos tenemos un papel en ésta vida. Como ejercicio cinematográfico metalingüístico me parece aún mejor. Como película de suspense, o misterio, lógicamente, suspende.

“The Happening”

Tras el varapalo que supuso que gran parte de público y crítica no supiera valorar “Lady in The Water”, Shyamalan decidió, en parte, volver por su antiguo camino, y decidió hacerlo sin preocuparse en exceso. “The Happening” es una película “serie B” dentro de la filmografía de Shyamalan, una película que sólo trata de entretener, y que en ocasiones, lo logra con creces. El principal problema de “The Happening” es que Shyamalan se olvida de ser él mismo. Y en éste caso la historia personal de los protagonistas es muy, muy floja, está mal contada y es, en ocasiones, carente de interés. Por eso digo lo de “serie B”, porque Shyamalan se preocupa más de contarnos qué pasa con “El incidente”, de mostrarnos una serie de violentas, originales y excelentemente bien rodadas muertes, que de darle a sus personajes una historia interesante.

Es así como hay que ver “The Happening”, como una simple cinta de entretenimiento, en la que un grupo de personajes se ve acosado por una amenaza exterior, al más puro estilo del género catastrofista. Que la naturaleza de dicha amenaza te guste o no te guste, te convenza o no, depende de cada espectador, y precisamente de eso depende que te guste o no la película.

Shyamalan ha sido conocido siempre como “el director de los finales”. Sin embargo “The Happening” es la película con el mejor principio de toda la filmografía de Shyamalan. Con la secuencia de Central Park y la de los obreros el espectador se queda pegado al asiento sin atreverse ni a respirar. Acto seguido a ese prometedor principio, Shyamalan nos desvela toda la trama de la película en una sola frase. La dice uno de sus alumnos a un Mark Whalberg algo mejor que de costumbre: “Es un acto de la naturaleza que nunca llegaremos a comprender”. No es casualidad que esta misma frase, palabra por palabra se repita al final de la cinta en boca de un analista.

Shyamalan tiene su discurso claro: Nos estamos cargando el planeta y algún día éste se encargará de nosotros. Ese mensaje impregna toda la película. No hay trampa, ni cartón. Es una película cien por cien sincera. Desde un primer momento te dice que son las plantas las culpables. Antes de cada suicidio siempre hay un plano de un árbol o arbusto agitado por el viento. Gran parte de la huida de los protagonistas está rodada en planos bajos con plantas en primer término. Y si quieres saber la causa de tanto desastre, tras la muerte del hombre a manos del cortacésped un cartel que anuncia una urbanización lo deja bien claro: “Te lo mereces”. Nada en el cine de Shyamalan es casual. En todo momento los personajes y la historia nos dejan claro qué está pasando. Por momentos esta insistencia es incluso excesiva, y parece que Shyamalan nos está dejando claro que no esperemos uno de “sus finales”.

Si vemos la película como una historia de catástrofes con mensaje ecológico, funciona a la perfección. Algunas escenas como la del iPhone (clara alusión a “Signs”) o todo el episodio final con la Sra Jones, son momentos de pura tensión, muy bien llevados. Lástima que la historia de los protagonistas no esté a la altura, y nunca lleguemos a entender el carácter del personaje de Zooey Deschanel. En las escenas eliminadas del DVD encontramos una conversación entre los protagonistas en la que ella le dice a él que no quiere tener hijos porque no lo ve a él capaz de protegerlos a los tres. Lástima que fuera retirada del montaje final, porque con ésta aclaración la relación entre ellos y la pequeña Jess se entendería mejor.

Igual que un acto final de amor, que podría haber sido totalmente emotivo, se convierte en intrascendente por la falta de información que tenemos de los personajes.

Aún así, hay que reconocer en “The Happening” una cinta de género más allá que cualquier otra que haya hecho su autor. Entretenida y sin pretensiones, con un mensaje claro y contundente (la secuencia final en París me parece magistral y consecuente con el resto de la historia), mermada por unos personajes principales poco definidos pero, a mi parecer, bastante entretenida si no esperas mucho más.

Hasta aquí nuestro “Especial sobre M. Night Shyamalan”.
Hoy mismo se estrena aquí en España “The Last Airbender” de la que espero que, al menos, me entretenga. Hay quién lo ama, hay quién lo odia. Hoy mismo habéis podido conocer la opinión de mi compañero Luis sobre el director, en aspectos similar a la mía, en otros muy distinta. Por eso quiero terminar éste especial con una encuesta. ¿Que os parece Shyamalan?

Quien tenga en mente echarle un vistazo al DVD de “Sex and the City 2” para ver todo el despliegue de estilismo que lucen Carrie y sus amigas, ahí va mi consejo: Comprense una revista de moda, y eviten pasar 144 minutos totalmente prescindibles. No es que “Sex and The City 2” sea una película mala, es que es de las peores que he podido ver en mucho tiempo. Menos mal que no fui al cine, en casa el sufrimiento es menos.

El principal motivo de la catástrofe que supone la película es su protagonista, Carrie Bradshaw es con toda seguridad uno de los personajes más odiosos, antipáticos y estúpidos de la historia del cine. La sola presencia de éste personaje hace que la película destile un machismo y una misoginia impropia de un producto destinado a mujeres. Según Michael Patrick King, director (por decir algo) de ésta cosa, para hacer feliz a una mujer solo tienes que darle lujos, ropa cara, joyas y zapatos. Así de superficial es el género femenino para el señor King. Valga como ejemplo el caso de la protagonista, exitosa articulista de moda que, cuando trata de escribir de algo alejado de su mundo (su matrimonio) recibe las peores críticas de su carrera.

Más allá del despropósito que suponen unos personajes femeninos totalmente degradantes, sin ninguna virtud positiva más alla de ser guapas y ricas, la película sigue patinando secuencia tras secuencia. Y es que los personajes son los mismos de la serie (de la que no he visto ni un capítulo) y de la primera película, que pese a ser mala no llega a estas cotas de estupidez.

El segundo motivo de que la película sea de lo peor estrenado este año, es que, sencillamente, no hay película. Es decir, no se establece una estructura narrativa, no hay conflicto para ninguno de los personajes que haga avanzar la historia. Pese a que el director intenta hacernos ver los conflictos internos a los que se enfrentan las chicas, éstos en ningún momento hacen avanzar la trama, y el guionista se ve obligado a inventarse “pequeños retos” para las protagonistas que rozan el ridículo y son resueltos en la siguiente secuencia: Un encuentro con un ex-novio, un pasaporte perdido, y el gran reto final de las protagonistas, la prueba a las que nuestras heroinas han de enfrentarse en todo un hallazgo narrativo digno del mejor Indiana Jones: Hacer la maleta en 20 minutos.

Dicen que quisieron trasladar la “trama” (si es que hay alguna) a Oriente Medio para que las protagonistas pudieran nadar en lujo sin sentirse culpables por la crisis. ¿No hubiera sido más interesante ver como le afecta la crisis a ésta pandilla de ricachonas? Toda la aventura en Abu Dhabi es un sinfin de lugares comunes, chistes xenófobos y degradación de la cultura árabe. King nos muestra claramente que los americanos están muy por encima de los árabes, y que ellos, por muy dogmáticos que sean, en el fondo quieren ser como los yankis. La secuencia de la mujeres con burka vistiendo la última colección de Louis Vuiton, es, sencillamente avergonzante.

No tiene “Sex and The City 2” ni un solo aspecto positivo más allá de un par de chistes ligeramente graciosos, y el espectacular cameo de Liza Minelli. Porque los “amigos gays” están estereotipados hasta decir basta, y la subtrama de la “nanny sexy” tiene un desenlace realmente preocupante: “Señoras, la única manera de que su marido no se acueste con la niñera es que contraten a una lesbiana”. Y que conste que no he hablado de un vestuario ridículo, (¡¡gafas de sol con mango!! ¿quién ha inventado ese horror?) de un raccord inexistente y la música peor escogida en años ( “True colors” para terminar la película, simplemente porque sí ). En fin, un horror que espero que triunfe… en los Razzies. Que pena que en Extracine no tengamos la calificación de 0 estrellas. Sería una oportunidad estupenda para usarla.

El debut en la dirección de Ricky Gervais tiene un punto de partida excepcional: En una sociedad en la que la mentira no existe, en la que todo el mundo, por costumbre dice la verdad, un hombre “inventa” la mentira, convirtiendose así en el ser más poderoso de la tierra. Porque nadie se plantea ni por un momento que lo que éste hombre dice pueda ser mentira, por lo que puede hacer lo que le de la gana: cualquier explicación a sus actos será creida por el resto.

Arranque interesante que se complementa con una metáfora anti-religiosa tan delirante como incontestable, que pese a que pueda sentar mal a algun espectador, está excelentemente justificada y tratada con un gran sentido del humor. Para mi, es esta parte la mejor de la película, todo un hallazgo. Y aún así, pese a tener un planteamiento excelente y un sub-texto subversivo y polémico, “The Invention of Lying” naufraga por muchos lados.

El gag recurrente de la gente diciendo la verdad deja de hacer gracia a los pocos minutos por un fallo de planteamiento: en el mundo ideado por Gervais y Robinson no es sólo que la gente diga siempre la verdad, es que nunca se calla lo que piensa. Esto hace que prácticamente no haya personajes amables en el film. Incluso la “chica de la película”, una Jennifer Garner que se está especializando en comedias románticas a marchas forzadas, es un personaje desagradable, frívolo y superficial. Su giro dramático (previsible a la par que no creible) no hace que el espectador acabe cogiéndole cariño.

Pese a ello, la película intenta retomar el pulso en varios momentos, y logra hacerlo en parte: Cuando Gervais descubre su poder, o cuando la película da el espectacular giro pseudo-religioso, se vuelve interesante por momentos, incluso tiene secuencias redondas, como la lectura de las “tablas de Pizza-Hut”. Pero ese desmesurado interés en el cine Hollywoodiense de convertir cualquier comedia en una comedia romántica hace que la película se hunda en su conjunto.

Porque “The Invention of Lying” hubiera funcionado mucho mejor si el elemento romántico sólo hubiera sido una parte más del juego, y no la parte principal, o si al menos, la trama amorosa hubiera funcionado como motor de la historia. En ese sentido el director (o en este caso, supongo, los productores) deberían haber aprendido de “Groundhog Day”, película con la que guarda cierto parecido en el surreal plantemiento y en estilo de humor: en aquella, la historia romántica era la que movía las acciones del personaje. Aquí en cambio, la historia romántica va paralela a la del personaje, pero solo se tocan tangencialmente en ocasiones.

Una lástima para una película que podría haberse convertido en una de las comedias del año y que pese a todo ello, te hace pasar un buen rato, aunque eches de menos la película que podría haber sido de haber cuidado un poco más los personajes y haber integrado mejor la obligada (y cansina) trama amorosa.

Voy a comenzar esta crítica con una afirmación que tal vez suene excesiva, gratuita, demagógica e incluso pasada de rosca, pero es que pensándolo bien creo que “Toy Story” es, con mucha probabilidad, la mejor trilogía de la historia del cine. Si no la mejor, al menos si que es la más regular, porque cada una de sus tres partes es una auténtica obra maestra. La mayor parte de las grandes trilogías de la historia del cine tienen su pequeño “talón de aquiles”, una parte que no está a la altura del resto: “El Padrino: Parte III”, “El retorno del Jedi”, “Back to the future III”… No se me ocurre ninguna trilogía de películas que haya mantenido un altísimo nivel en sus tres entregas salvo “Toy Story”, y que me perdonen los fans de “Lord of the Rings” pero es que nunca he sido muy devoto de la trilogía de Jackson. Bueno, podeis despellejarme en los comentarios tras esta afirmación que yo sigo a lo mío.

“Toy Story 3” es, como bien dijo mi compañero Luis cine adulto con todas las de la ley. Es más, yo diría que es uno de los mejores dramas carcelarios que se han hecho nunca. Cualquier espectador que haya disfrutado con “La gran evasión”, “Fuga de Alcatraz” o la primera temporada de “Prison Break” disfrutará de lo lindo con “Toy Story 3”, ya que en ella se ponen de manifiesto todas las fórmulas del cine de prisiones (el plan para escaparse, el sacrificio por los compañeros, el jefazo de la cárcel, su matón tan grande como tonto…) pasados por el particular prisma de Pixar.

No os voy a hablar de las virtudes de “Toy Story 3” ya que sería repetir las que ya se han observado tanto en éste como en otros medios especializados. Pero me gustaría resaltar que creo que no somos conscientes de lo que Pixar está haciendo en la historia del cine. Tratar de pensar no ya en un estudio, si no simplemente en un colectivo de cineastas que lleven la friolera de 15 años realizando prácticamente una obra maestra por año… eso tiene su mérito. Incluso la que para mí es la peor película de Pixar (“Cars”) está muy por encima de la mayoría de los estrenos mainstream de los últimos 15 años.

Como cada año, en la Academia le negarán la mayor, y “Toy Story 3” tampoco se convertirá en la primera película de animación en ganar un Oscar a la mejor película. No importa. “Toy Story” siempre será mucho mejor que “Braveheart” y “Up” es mil veces más cine que “The Hurt Locker”. Y probablemente “Toy Story 3” sea una de las mejores películas del año.

Lo mejor de “Toy Story 3” es lo que deja atrás, su legado. Simplemente el hecho de que 15 años después los responsables hayan sabido mantener el look visual de la primera y no hayan forzado la máquina tecnológica para dar un look más realista a esta tercera parte, hace que las tres películas se vean con una unidad tanto visual como temática, digna de las mejores trilogías cinematográficas. “Toy Story” hablaba sobre la naturaleza de los personajes, “Toy Story 2” ahondaba en el origen de éstos mismos, profundizando en su historia y planteando lo que desarolla ésta tercera parte: El futuro.

“Toy Story 3” es toda una lección de vida tanto para pequeños como para grandes. Con su historia nos demuestra que hay que saber sobreponerse a los contratiempos del paso del tiempo, y que ante cualquier puerta que se cierre, siempre se abrirá otra. Un puñado de jueguetes han sido capaces de así verlo. Lástima que los humanos, muchas veces, no lo seamos. Todo esto sin tener en cuenta que es una película divertdia hasta decir basta, y que jamás vi en una sala de cine a tantos niños sin mencionar palabra durante hora y media.

Comenzamos hoy una serie de especiales en las que analizaremos la figura y la filmografía de uno de los directores más influyentes y reconocidos —-así como vilipendiado y criticado—- del actual cine americano: M. Night Shyamalan. Prefiero empezar poniendo todas las cartas sobre la mesa: me encanta Shyamalan, soy todo un incondicional de su filmografía, así que antes de que me lo digáis en los comentarios lo admito, seré totalmente subjetivo y parcial. Para los más críticos con el director de “Lady in the Water”, sólo les pediré que tengan paciencia, ya que cuando termine este especial que nos llevará hasta el estreno en España de “The Last Airbender” se llevarán una sorpresa que recompensará sus ansias de criticar a Shyamalan.

Hoy empezaremos analizando su fulgurante llegada al éxito. Obviaremos sus dos primeras películas, “Praying With Anger” y “Wide Awake” por varios motivos. El primero es que, personalmente, no he visto ninguna de las dos, por lo que no puedo opinar. Además son bastante difíciles de conseguir y los que las han visto afirman que se alejan bastante del resto de su filmografía.

Así que para nosotros, su carrera empezará con la película que lo lanzó al estrellato internacional, “The Sixth Sense”. Hoy también analizaremos la que para muchos es su mejor película: “Unbreakable”. Como veis, empezar éste especial es fácil: Son dos de las películas que mayor unanimidad de crítica y público han conseguido, así que hoy lo tengo fácil. Cuando lleguemos a “Lady in the Water” o “The Village” tendré más complicado lo de defenderlas. En fin, empecemos.

“The Sixth Sense”

Cuando con tan sólo mencionar una línea de diálogo de una película, cualquier persona es capaz de identificar la película, podemos decir que, independientemente de sus valores artísticos o históricos, por una u otra razón, esa película ha pasado a formar parte de la Historia del Cine en la categoría de “Míticas”. Son muchos los ejemplos: “Siempre nos quedará París”, “Sigue el camino de baldosas amarillas”, “Yo soy tu padre”, o el caso que nos ocupa: “En ocasiones veo muertos”. Es innegable que “The Sixth Sense” marcó un antes y un después en la Historia del Cine.

Corría el año 1999 cuando el boca a boca empezó a funcionar para una película de género, de un director desconocido, que cumplía todos los requisitos para ser un pastiche al uso: una estrella taquillera, una historia mil veces contada y mezcla de terror con niño. Lo tenía todo en su contra. En cambio fue todo un éxito y consiguió seis nominaciones a los Oscars. ¿Cual era su secreto? Un guión de hierro, una dirección soberbia y, sobre todo, uno de los mejores finales de la historia del cine, el cual, si no conocéis, os puedo hacer dos recomendaciones: Que paséis directamente a la parte en que hablamos de “Unbreakable” o que os pongáis a ver “The Sixth Sense” y luego nos sigáis leyendo, porque en las siguientes lineas voy a destripar el final. Avisados estais.

Y es que es imposible hablar de la película sin hablar de su final. Un final que muchos tildaron de tramposo, incoherente o efectista, pero que tras un segundo y tercer visionado, en lugar de perder enteros, hace que veamos hasta que punto Shyamalan es capaz de controlar su narrativa. El final, que nos revela la auténtica naturaleza de Malcom, hace que jamás un segundo visionado de una película fuese tan entretenido. Porque sólo entonces te das cuenta que nadie interactúa con él salvo Cole, que Malcom siempre lleva la ropa que usó el día de su muerte, cómo Shyamalan nos va revelando el desenlace final con pequeños detalles de dirección, como la presencia del color rojo en todas las escenas importantes, o líneas de diálogo que te hacen pensar ¿Cómo no lo he averiguado antes?

Pero lo más importante de éste final es lo consecuente que es con el tema de la película. Y es que hay dos cosas que se repiten en la filmografía de Shyamalan. La primera es que, como todos los buenos directores, utiliza una historia para hablar sobre un tema. La segunda es que sus películas son las peores vendidas de la historia del cine. Me refiero a que la publicidad, los trailers, y la temática nos hacen creer que son lo que no son. “The Sixth Sense” no es una película más de espíritus. Igual que “The Village” no es una película de monstruos.

“The Sixth Sense” es una película sobre la incomunicación, y es aquí dónde el final cobra un papel casi escalofriante, en lo que respecta a la relación de Malcom con el resto del mundo, muy especialmente con su mujer. Y es que Shyamalan ha sido capaz hacernos creer durante hora y media que un personaje está vivo, trabaja, tiene su vida con su esposa, con la que tiene problemas… pero no, el problema lo tenemos nosotros, una sociedad que está tan acostumbrada a la falta de comunicación, que es incapaz de identificarla en pantalla, dándola por normal. No somos capaces de identificar en la actitud de Malcom que en realidad está muerto. Y es eso lo que realmente aterra.

“The Sixth Sense” es sin duda la película más famosa de Shyamalan. Un éxito casi unánime de público y crítica, y algo muy difícil de superar. Para algunos jamás lo ha superado. Para otros, entre los que me encuentro, lo hizo con su siguiente film.

“Unbreakable”

Quizá el mayor lastre que tiene la segunda película de Shyamalan es, precisamente, “The Sixth Sense”. Y es que son películas tan distintas que, por una mala publicidad, una mala asociación de conceptos, mucha gente salió del cine indignada. Son todos aquellos que no vieron en “The Sixth Sense” más que una película de espíritus con final sorprendente. Esperaban más de lo mismo, y Shyamalan se lo negó.

Y es que “Unbreakable” está más cercana a la futura “Lady in the Water” que de la película que lo lanzó al estrellato. Porque en ésta película Shyamalan reclama la mitología clásica que el pueblo norteamericano (tan acostumbrado a dar la espalda a sus nativos) no tiene. Y la encuentra en los cómics. Es en los cómics de superhéroes donde Shyamalan busca el origen de la idiosincrasia de la narrativa americana actual, y lo hace como siempre bajo su particular punto de vista. Peter Parker y Clark Kent son los Homero y Apollo de USA.

En “Unbreakable” un Bruce Willis en estado de gracia, más contenido que de costumbre, interpreta a David Dunn, un padre de familia en crisis que descubre de la noche a la mañana que es indestructible. Una vez más, las pistas para que un espectador avezado pueda anticiparse al final, están presentes en toda la película, desde el nombre del protagonista, que comparte iniciales en nombre y apellido como tantos otros superhéroes (Bruce Banner, Peter Parker…), y terminando por cada una de las apariciones de Elijah Price. Desde su aspecto, su vestimenta, e incluso la insistencia del director por mostrarnos su origen de forma paralela a como se nos muestra el origen de Dunn —-aunque de modo distinto, uno se hace en flashbacks, el otro en líneas de diálogos—-, todo está encaminado a justificar el final. Final que por otra parte no hace más que cerrar y dar sentido a todo lo que hemos visto en la película. Aquí, mucho más que en “The Sixth Sense”, el final justifica toda la trama, y aunque no consigue ser tan sorprendente como el de su anterior película, si que es épico y poético, y otra vez, hace que la película se disfrute aún más en un segundo o tercer visionado.

“Unbreakable” es una película sobre la responsabilidad, sobre la toma de decisiones. El tema ya se plantea en su primera secuencia, en la que Dunn decide quitarse el anillo para intentar ligarse a su compañera de tren. Un gesto tan superficial como ese unido a la interpretación de Willis nos deja ver a un hombre perdido, un hombre intentando ser lo que claramente no es, un hombre incapaz de afrontar de modo adulto los acontecimientos, al fin y al cabo, huyendo de su responsablidad como padre y esposo. Hasta que es consciente de que es mucho más que un simple padre de familia, hasta que se da cuenta que como padre, y como héroe, tiene mucha más responsabilidad de la que él creía. Con respecto a su hijo y con respecto al resto del mundo. Y es que no hay mayor heroicidad que la de defender a los tuyos y a tu familia, por encima de todos los inconvenientes. Un mensaje que puede sonar un tanto conservador —-de hecho toda la filmografía de Shyamalan lo es—- pero que está expuesto con maestría en una sucesión de secuencias totalmente redondas.

Hasta hoy es, para mí, la mejor película de su autor y me atrevería a decir que la mejor película de superhéroes que jamás se ha realizado, con permiso de “The Dark Knight”. Película incomprendida por gran parte del público, algo que sería una constante en la filmografía de Shyamalan: El público espera una cosa y él le da otra completamente distinta. La semana que viene seguiremos el especial con dos películas muy distintas: “Signs” su, hasta ahora, peor película, y “The Village”, la que probablemente más haya enfrentado a los espectadores: o la amas o la odias.

Hay películas que se convierten en clásicos por su altísimo nivel cinematográfico, por que crean tendencia dentro la industria, porque son el canto de cisne de un nuevo director, o porque llenan rápidamente sus vitrinas de premios. Hay otras que lo hacen simplemente por “aclamación popular”. Son películas que nacen con el espíritu simple y puro de entretener, de darle a la gente lo que quiere. Películas que sin pretenderlo, marcan a toda una generación. Películas como “Regreso al futuro”.

Este fin de semana se han cumplido 25 años del estreno de una de mis películas favoritas de todos los tiempos (y lo digo a boca llena). “Regreso al futuro” puede ser uno de los mega-hits ochenteros que mejor han envejecido a través del tiempo. Probad a ver hoy películas que recordáis con todo el cariño, tales como “Todo en un día” o “El club de los cinco”, y que me perdone el gran John Hughes, pero veréis que han envejecido bastante mal, y que lo que a los 7 años te parecía una obra de arte, ahora no es más que un nostálgico recuerdo. En cambio probad a coger a un niño de 7 u 8 años, que jamás haya visto “Regreso al Futuro”, ponedle el DVD, y os aseguro que se quedará pegado a la pantalla hasta que Marty consiga reunir de nuevo a sus padres. Es más, estoy seguro que, como yo, hay muchísimas personas que si se la encuentran haciendo zapping en TV, son incapaces de cambiar de canal por muchas veces que la hayan visto. Eso es lo que yo llamo saber envejecer. Por favor, que no me la estropeen con un (en este caso sí) completamente innecesario remake.

Porque el gran secreto de “Back To the Future” o “Volver al Futuro”, cómo se la conoce en sudamérica, es un guión milimétricamente trenzado, una obra de artesanía de Robert Zemeckis y Bob Gale, que sabiendo las múltiples paradojas a las que se enfrenta cualquier historia que tome los viajes en el tiempo como algo posible, eligen ir por la vía de los personajes, que al fin y al cabo es lo que nos interesa de una película. Tan sencillo como poner a un chico en una misión que debe de cumplir antes de cierto tiempo. Es un esquema mil veces visto, pero que si se hace bien, funciona a la perfección. Lo original del caso es que, aquí, su misión es hacer que su madre se desenamore de él para que se vuelva a enamorar de su padre, a la vez que trata de arreglar una máquina del tiempo para poder regresar a su casa. Pero eso es lo de menos…

“Regreso al futuro” es la mezcla perfecta entre comedia, acción, ciencia-ficción y romanticismo. Es con toda seguridad la mejor película que jamás haya hecho (ni vaya a hacer) un director capaz de lo mejor y de lo peor como es Robert Zemeckis, y, sobre todo, supuso el salto al estrellato para un actor como Michael J.Fox, que siempre será recordado como Marty Mc Fly (mala suerte tuvo Eric Stoltz, él pudo haber interpretado el papel)

Frases como “¿Eres un gallina Mc Fly?” o “¿Has construido una máquina del tiempo con un DeLorean?” forman ya parte de la historia del cine. “Regreso al Futuro” se ha convertido en un imprescindible referente para todo aquel que quiera hacer una película sobre viajes en el tiempo, desde “Los Cronocrímenes” a “Jacuzzi al Pasado”. Supuso un antes y un después. Y quizá no tenga la profundidad filosófica que muchos críticos exigen al cine (aunque yo creo que también la tiene), tal vez no cuente una historia de introspección que te ponga los vellos de punta (aunque ¿quién no se emocionó cuando George McFly planta un puñetazo a Biff?) y tal vez no tenga interpretaciones dignas de oscars (aunque a mi la de Christopher Lloyd como Emmet Brown me parezca la mejor de su carrera), pero nadie me puede negar que “Regreso al Futuro” es, probablemente, una de las películas más divertidas y entretenidas de la Historia del Cine. Y eso ya es decir mucho. Por cierto, eso sin contar con que su segunda y tercera parte, sin estar a la altura, son más que dignas continuaciones. Pero de eso ya hablaremos en un futuro.

Es ésta que ahora llega a nuestras pantallas la primera adaptación de la obra de Wilde que un servidor se lleva a los ojos. No he tenido la suerte de ver ninguna de las anteriores adaptaciones del relato, y pese a que conocía la historia, ignoraba muchos detalles de su trama. Hago ésta aclaración porque supongo que quién llegue a “Dorian Gray” tras conocer en profundidad la obra de Wilde y sus innumerables adaptaciones, verá en la película de Parker un vácuo intento de ser moderno a la vez que respetuoso; un telefilm del tres al cuarto con algunos actores notables. Sólo eso.

Porque el gran mérito de la película es sin duda la obra de la que parte. Tal y como ya os comentó mi compañero Luis, “El retrato de Dorian Gray” es una historia con tantos matices y relecturas, con unos personajes tan bien trazados y evolutivos, y tantos y tantos mensajes detrás de cada acto, que es difícil hacer una mala película partiendo de ahí. Siempre y cuando se sea respetuoso con el material de origen, y en eso, Oliver Parker tiene experiencia.

Sin embargo, el más que digno guión de Toby Finaly se ve lastrado por una realización vacía, en un intento de mezclar el preciosismo visual y el respeto decimonónico digno de un Kenneth Branagh, con la modernidad videoclipera de Guy Ritchie. Parker se queda a medio camino y construye unos decorados gradiosos pero sin alma, para acto seguido, cuando no sabe que hacer con la cámara, torcerla en un plano aberrante “porque sí”, o jugar con el montaje sin sentido.

No puedo estar de acuerdo con mi compañero Luis con respecto al acabado visual de la película. El trabajo de su director de fotografía, Roger Pratt me parece efectista y sin alma, y totalmente malogrado por la realización de Parker. Ambos dotan a “Dorian Gray” de un acabado digno de un caro telefilm de sobremesa.

Pero no todo en la película es malo. Además de una historia potente, la película cuenta con dos grandes actores capaces de levantar cualquier proyecto. Estoy hablando lógicamente de Ben Chaplin, en un corto pero intenso papel, y principalmente de Colin Firth, uno de los mejores actores británicos del cine actual, que sabe sacarle jugo a todo un caramelo de personaje, y hace que en momentos pienses si la película no debería llamarse “Henry Wotton” en lugar de “Dorian Gray”. Firth es capaz de resistir incluso a un ridículo maquillaje, a la altura de unos efectos digitales de principiante, que hacen que nos demos cuenta de por qué en Europa estamos a años luz de EE.UU. en algunos aspectos técnicos. La presentación de ese Londres victoriano creado en 3D es simplemente vergonzante.

Puede que la película sea, en efecto, excesivamente literaria. Pero precisamente por eso, por el gran texto que tiene detrás, todos sus defectos pasan casi desapercibidos a un visionado sin demasiadas pretensiones. Porque Ben Barnes está muy falto de carisma para ser Dorian Gray. Porque Parker quiere ir de moderno pero no se atreve a mostrar el lado salvaje de Gray de forma cruda. Porque como he dicho, el aspecto visual de la película deja mucho que desear en todos los sentidos. Pero aún así, “Dorian Gray” es como el cuadro que da título a la novela: La historia en que se basa es bella e inmortal, pero cuando vemos la película que la retrata, más allá de esa belleza, esconde un sinfín de defectos.

Carrie Preston Bradshaw y sus amigas regresan en “Sex and the City 2”, la nueva entrega cinematográfica de la exitosa serie de HBO; tal vez no sea la última. A pesar de la deslumbrante publicidad, misma que abusa de bling-bling, y de tan resguardado argumento, el resultado final no brilla —- algo de esperarse si no eres fan —-. Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon interpretan a las mismas mujeres neoyorquinas, ahora enfrentando al paso del tiempo, con los mismos problemas que han evolucionado a otro nivel. En medio de la crisis, se les presenta la oportunidad conquistar otra ciudad, en los Emiratos Árabes Unidos. Todo esto se desarrolla en eternos y sufribles 144 minutos.

Todo inicia con una reflexión sobre el paso del tiempo —- a.k.a. crisis de edad —- y una boda gay. Carrie, con su característica voz en off, recuerda el momento en el que llega a la Gran Manzana, cómo conoció a las chicas, lo que han pasado juntas… con claras referencias al tiempo por todos lados. Después del establecimiento, lo siguiente es la boda de los mejores amigos gay de Carrie y Charlotte —- los que, según tengo entendido, no se llevaban bien; se nota que no vi la serie —-. Y si lo que buscaban hacer mofa de las bodas gay, lo lograron: nada más con el cameo de Liza Minnelli casando a la pareja e interpretando, con todo y coreografía incluida, Single Ladies —- mi primer «No, por favor» de toda la película y esto es tan sólo el comienzo —-.

De este evento se plantea una problemática para cada chica: Carrie no se quiere ver dentro del típico matrimonio aburrido y monótono, pasando las noches pidiendo comida a domicilio mientras ven la televisión tirados en el sillón; Samantha está haciendo todo lo posible para no sentir el paso de la edad, contrarestrando los efectos de la menopausia con un buen número de tratamientos entre pastillas, cremas, hormonas…; Miranda tiene un nuevo jefe que la menos precia, ignorando su voz en las decisiones de la firma, y; Charlotte tiene problemas para mantener la paciencia con sus propias hijas, además de sentir su matrimonio amenazado por la niñera irlandesa. Todo esto aunado a la crisis econónica que enfrenta el país, misma que sólo se menciona porque a pesar de todo la vida sigue siendo igual de suntuosa —- aún si te quedas sin trabajo —-.

Una nueva oportunidad para las chicas llega, gracias a un ex-“cliente”, Samantha conoce a un jeque, mismo que extiende una invitación: una semana con todos los gastos pagados en Abu Dabi para las cuatro, incluyendo estadía en un hotel de lujo —- de esos donde la suite cuesta 22,000 dólares la noche —-. El viaje que en un principio sería de negocios, serviría a las protagonistas como una pausa, alejadas de todo lo que se encuentra de su hogar y lugar favorito del mundo; un escape a la cotidianidad en la que se encuentran atrapadas, una manera de despejarse y continuar con sus vidas. Pero el viaje de relax se convierte en una serie de eventos desafortunados.

Reconozco la intención de Michael Patrick King, director, productor y guionista, que busca que las protagonistas enfrenten sus problemas con un choque cultural. En Abu Dabi, la mujer se cubre tras burkas, viven en un lugar controlado por los hombres, donde un simple beso en público te puede mandar a la cárcel. La intensión se desvanece mientras que Carrie se preocupa por una mujer que debe levantar la burka con cada bocado de papas fritas o Samantha sufriendo los efectos de la menopausia sin poder sentir nada cuando se presenta la selección ¿Australiana de rugby? en la alberca. Precisamente es el personaje de Cattrall la responsable del caos. Además, ¿era necesario ser tan gráficos? Con ciertas escenas, líneas como «Lawrence of my labia» se pasan por alto.

Al final es lo mismo de siempre: mujeres apoyándose en todo momento, reforzando su amistad con cada inter-friend-tion, conociéndose y reconociéndose a todo momento. No podemos olvidar a los eternos compañeros: los Manolos, las Birkin, los cocteles, la chispa y el glamour —- aunque le seas infiel a la moda por amueblar tu hogar —-. La sensación que deja es similar a la de ver un maratón de cuatro o cinco episodios, algo lógico ya que King sólo ha trabajado en televisión. Y, sinceramente, no creo que agrade la idea de ir al cine a ver algo que perfectamente puedes ver en tu televisor.

No voy a negar que “Sex and the City 2” logró arrancarme algunas carcajadas, les estaría mintiendo. Mucho de esto tuvo que ver el ambiente que se generó en la proyección, parte de la experiencia cinematográfica misma: una sala repleta mujeres que, por los comentarios escuchados, eran tan fanáticas en un grado comparado con los seguidores del Manchester United. De esas ocasiones en las que agradeces que hablen durante la función, mientras detectas a las Carries, Mirandas, Samanthas y Charlottes presentes.

Foto: aceshowbiz

El 22 de abril del corriente, se estrenó en mi país “A single man” —-bautizada aquí como Sólo un hombre—-. Y mis ansias por verla venían creciendo desde que su protagonista, Colin Firth, fuera premiado con la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia, en septiembre de 2009. Por otra parte, se trata de la ópera prima del diseñador de moda Tom Ford, y los elogios hacia él no tardaron en expandirse a lo largo del mapa mundial.

“A Single Man” se ubica entre esos filmes de estudiada factura, donde desde el diseño de producción hasta la banda sonora, pasando por la fotografía y el vestuario, brillan por su presencia en relación al espacio temporal de la trama.El film es ambientado en Los Angeles, en el año 1962, en el punto álgido de la crisis de los misiles cubanos.

Basada en la novela de Chistopher Isherwood, la adaptación se centra en la vida del profesor de literatura George Falconer, quien deprimido por la muerte de su pareja Jim (Matthew Goode), decide ponerle fin a su propia vida, mientras rememora momentos felices en concubinato. En esos días decisivos, deberá enfrentarse con Charley, una amiga que lo desea, en la piel de una breve pero precisa participación de Julianne Moore, y el flirteo con un alumno de su clase, Kenny, en el rol de Nicholas Hoult, el carismático partenaire de Hugh Grant en “About a Boy”.

“A single man” está tan bien filmada, tan precisamente dirigida, con un elenco tan medido y correcto, pero por otro lado pierde en emoción y en dramatismo. Firth está muy bien, pero no deja de encarnar a un personaje bastante meditado y contenido, y ello se percibe hasta en las escenas de mayor sensualidad, o en la química lograda a medias con la amiga que encarna Julianne Moore. Por momentos, recuerda a aquel film protagonizado por esta última, “Far from heaven”, y la sensación como espectador es similar.

Ford consigue un melodrama gélido, con buenas intenciones y los mejores recursos, pero promediando el film, hay escenas soporíferas que restan al producto final. Y la trama carece de giros y situaciones de mayor relevancia, por lo cual, a la media hora de visionado, ya está prácticamente todo dicho.

Foto: Askmen.

Cuando se estrenó “Iron Man” en 2008 el primer y más directo efecto que tuvo sobre mí fue el de recuperar la confianza en el cine de superhéroes. Estoy convencido que cualquier fan de Marvel y DC Comics sintió el mismo dolor que yo cuando vio la infame “Superman Returns” de Bryan Singer o cualquiera de las dos de Hulk. Con Iron Man, sin embargo, un debutante Jon Favreau se sacó de la manga una película que ciertamente adolecía de algunos fallos, sobre todo a nivel de guión, pero extremadamente entretenida y sobre todo muy fiel a los cómics, algo que muchos fans agradecieron.

“Iron Man 2” viene a suponer una continuación exacta de las líneas generales de la primera entrega. El guión a veces da la impresión de tambalearse en algunos momentos de la película; algunos personajes están casi con calzador y su papel dentro del film no acaba de ser todo lo satisfactorio que cabría esperar. Pero, de nuevo, “Iron Man 2” es entretenida, increíble y deliciosamente entretenida.

Favreau ya prometió que exploraría en las secuelas de Iron Man todos los problemas personales que la figura de Tony Stark ha tenido dentro de los comics. En esta segunda entrega, después de la presentación propiamente dicha de Iron Man, se centra en desarrollar más los personajes e incluir otros nuevos, como Scarlett Johansson en el papel de Black Widow y los siempre respetables Samuel L. Jackson como Nick Fury y Don Cheadle como James Rhodes —- quien reemplaza a Terrence Howard con respecto a la primera parte —-, ganadores ambos de un oscar y que le ponen un toque adicional de nivel a la película.

Si ya hemos dicho que la historia no es el punto más fuerte de “Iron Man 2”, sólo queda deducir que sobresalga en otros dos aspectos: los efectos especiales y las actuaciones. Y así es. La espectacularidad está asegurada. Muchas explosiones, mucho efectismo, colorido, interfaces futuristas y ciencia ficción puntera. En ese sentido, el film no defrauda y de hecho se apoya mucho en él para tapar otros defectos.

Las actuaciones son el otro punto del que os hablaba y con el que sin duda me quedo al valorar globalmente “Iron Man 2”. Que nadie me malinterprete; no estoy hablando de actuaciones merecedoras de Oscar o de ningún otro premio, ni muchísimo menos, nada más lejos de la realidad. Estoy hablando de que las actuaciones son tal y como deberían ser para los distintos papeles.

Robert Downey Jr. que, para actuar pone el ‘automático’ y se desenvuelve sin problemas, no ha arriesgado y ha repetido con la misma línea que llevo en la primera “Iron Man”. Mucha chulería, diálogos mordaces y sabe transmitir aceptablemente bien las emociones de su personaje. Muy bien también, Gwyneth Patrow, que evoluciona un poco más en esta parte y aparece más a menudo. Otro tanto para Scarlett Johansson, para mí, que no soy precisamente un fan de ella como actriz, en esta ocasión me sorprendió agradablemente, sexy como pocas. Don Cheadle y Samuel L. Jackson, aunque más secundarios, también dan la talla. El único que no me convenció fue Sam Rockwell, demasiado pedante y poco convincente para mi gusto.

Mickey Rourke no acaba tampoco de decepcionar, pero se queda flojo. No aparece todo lo que yo hubiese pensado que haría, sobre todo teniendo en cuenta que es el malo malísimo y además como supuestamente no habla muy bien el inglés porque intrepreta a un ruso no habla casi nada y no convence.

“Iron Man 2” te gustará si te gustó la primera, si te van los efectos especiales, las carreras desenfrenadas, el futurismo fantástico y las historias simples con final feliz, a pesar de las aparentes adversidades. Te gustará si no eres exigente y buscas diversión, actores de buen ver, coches caros, robots que vuelan, romanticismo barato y sensualidad desbordante. Te gustará si lo único que le pides —- que no es poco —- a “Iron Man 2” es reírte con ganas un buen rato, relajarte y dejar que Favreau te deleite con 124 minutos de acción trepidante. Si es eso lo que andabas buscando —- al menos en mi caso lo era —- no lo dudes, te encantará.

Foto: Muuvis

Creo que era prácticamente el único editor de Extracine que no había visto la película del momento. Creo que el hecho de vivir en España y de que aquí se haya estrenado con un incomprensible retraso con respecto al resto del mundo ha ayudado un poco. Y pese a haber leído las críticas de mis compañeros, allá que me fuí a verla con mis gafas 3D incluidas. Y tengo que decir, aunque me pese, que debo darles la razon a todos y cada uno de ellos.

Y digo aunque me pese porque suelo ser bastante radical con mis directores favoritos (y Burton entra dentro de ese grupo), pero “Alicia en el país de las maravillas” no es defendible por ningún lado, pues falla en lo mas importante: la base.

Juan Antonio Porto me dijo en una ocasión: “De un buen guión puede salir una película buena, regular, o mala. De un mal guión sólo puede salir una mala película”. “Alicia en el país de las Maravillas” es la mejor muestra de ello. Por mucho que Burton se esfuerce en crear un mundo maravilloso, por mucho que algunos personajes tengan un toque 100% burtoniano, por mucho que Helena Boham Carter haga una de las mejores interpretaciones de su carrera… cuando el guión falla, todo lo demás se viene abajo como un castillo de naipes.

Y no estoy hablando de fallos porque no sea novedoso o porque no tenga profundidad. Hay grandes películas de entretenimiento puro en las que el guión se basa únicamente en sumar dos mas dos. No siempre es necesario darle un trasfondo filosófico o cultural a un medio que también puede ser simple evasión. Estoy hablando de “gancho” que es lo que le falta a “Alicia…”. De personajes que enganchen, conflictos bien llevados, estructura orgánica, en difinitiva eso que los americanos saben hacer tan bien y que tan a menudo se olvidan de hacer. El guión de Linda Wolverton no deja de ser una sucesión de “supuestas aventuras” tan baldías y conocidas que no te atrapan en ningún momento.

Por último tengo que hablar del 3D. Yo también esperaba que esta fuera la película que aunara el gimmick del momento con el cine de calidad. Pero creo que aún tendremos que seguir esperando. Y a ello no ayuda demasiado el hecho de que gran parte del metraje haya sido convertido de 2D a 3D. Todo lo que se ha rodado se ha rodado en 2D y lo creado infográficamente se ha creado en 3D. Así, se produce el extraño efecto de ver a un personaje plano (aunque sobresalga del fondo) hablando con uno que si tiene volumen. Algo realmente extraño.

Pero algo bueno tiene “Alicia…”, igual que lo tuvo la también fallida “El planeta de los simios” y es la confirmación del Burton artista más allá del Burton cineasta. Tim Burton ha usado su cine como medio de expresión artístico hasta lograr un sello único capaz de dilucidarse en los productos más alejados de su obra. Porque esta “Alicia” dirigida por Burton, es infinítamente mejor que la misma “Alicia” dirigida por cualquier mercenario de turno sin el sello que tiene Burton.

Llevo ya un tiempo convencido de que si hay un género masacrado, explotado y repetido hasta la saciedad, ese es la comedia romántica. Ni el peor cine de acción, ni el cine de terror mas anodino, ni siquiera las clásicas películas de artes marciales, optan por una fórmula tan repetida como lo hacen en Hollywood con sus comedias románticas. Tan sólo algunos films como “(500) Días juntos” o “Te quiero, tío” son capaces de encontrar un planteamiento original a un género tan manido.

En el caso de “Exposados (The Bounty Hunter)”, la formula ya conocida mezcla una historia romántica con la acción. Nada nuevo bajo el sol. Algo que llevamos viendo años, un subgénero que fue especialmente prolífico en los ochenta y principios de los noventa con películas como “Dos pájaros a tiro”, o “Ella siempre dice sí”. El director se sabe la fórmula de memoria y la aplica a una historia que, en principio, tiene muchas posibilidades: Un cazarrecompensas tiene que llevar a su ex-mujer a la cárcel. Lástima que la jugada no le salga bien.

Y no le sale bien porque, pese a que no esperes mucho de la película, nada dentro de ella funciona. La trama policiaca es endeble, predecible, y totalmente carente de interés. Los personajes supuestamente cómicos llegan al ridículo desde su primer minuto en pantalla - el compañero de trabajo de Aniston y toda la subtrama de los cobradores de apuestas, dan auténtica vergüenza. Las situaciones románticas no conmueven ni emocionan, pese al gran esfuerzo que hacen unos Aniston y Butler correctos pese a ser un auténtico repertorio de mohines y gestos aprendidos.

Pero el principal culpable del desastre no es otro que un guión que se olvida de sí mismo a las primeras de cambio: La guionista no ha sabido sacarle todo el jugo que puede dar la situación, y se limita a repetir una y otra vez las mismas situaciones -los continuos engaños de uno a otro, las dudas, los lugares comunes de su matrimonio- hasta que ya no te sorprenden. Si a todo esto sumamos que tan solo el 1% de los chistes funcionan (en serio, no se puede tener menos gracia que la de esta guionista), y que las secuencias de acción parecen sacadas de un telefilm barato, tan sólo nos queda un planteamiento interesante y dos actores monísimos pese a sus limitaciones. No es mucho.

Foto: Cinemablog

El argumento de “The Box” es de sobra conocido y publicitado. A una pareja se le da la oportunidad de ganar un millón de dólares tan sólo por apretar un botón. El contrapunto es que a cambio, alguien, a quien no conocen, morirá. Interesante dilema moral con el que arranca la última película de Richard Kelly. Y hasta aquí puedo contar.

Hasta aquí, no por miedo a soltar spoilers, o porque la trama esconda increibles secretos que hay que descubrir en el visionado. No. Hasta aquí puedo contar porque del resto no me enteré de nada. Quitando alguna pincelada argumental y un nuevo dilema final que si que es comprensible para el espectador - no así sus motivos -, el resto de la película de Kelly es una diatriba metafísica que explota lo peor de “Donnie Darko” sin ser tan interesante como aquella, olvidándose de sus grandes virtudes.

El arranque, interesante, te atrapa rápidamente, pese a que el director introduzca elementos que no sabes muy bien a que vienen, y que una vez visionada la película sigues sin saberlo. Por ejemplo la discapacidad física del personaje de Cameron Díaz, sin ninguna utilidad en la trama más que para justificar la confianza de ésta en el enigmático y desfigurado personaje de Frank Langella. Que un director se pierda en asusntos metafísicos no es nada raro, y mucho menos en un campo como el de la ciencia ficción. Pero hay películas como 2001, Blade Runner, o la misma “Donnie Darko” en las que el campo más intelectual no entorpece la narrativa. No es el caso de “The Box”, donde toda la parte intermedia en la que el director intenta mezclar elementos de una trama inconexa con ideas políticas e incluso metafísicas, resulta al espectador tan críptica como aburrida.

Kelly ha usado para su intento de guión un relato corto de Richar Matheson que podéis leer aquí y que no tenía más intenciones que plantearse la calidad de la moralidad americana de la época y, con un giro final - al que se le hace un guiño en la película - hacer un ridículo juego de palabras y preguntarse si realmente conocemos a los que nos rodean. Esta historia ya fue llevada a la pequeña pantalla en “The Twilight Zone”, donde se le cambió el final por otro más inquietante - al que curiosamente Kelly también hace un guiño, haciendo pensar que van a ir por ahí los tiros-. Con tantos guiños, no entiendo cual es la intención de Kelly con ésta película. Toda la trama de la NASA, que es la que parece interesarle más al director, y se convierte en la que menos le interesa al espectador, se podría haber desarollado (incluso mejor) en cualquier otra historia. No hacía falta acudir al relato de Matheson. Si su intención en cambio era homenajear al relato y al capítulo de TV, le ha salido mal la cosa: su película queda muy por debajo de ambos.

Es Richard Kelly un director interesante. Lo demostró en “Donnie Darko” (impactante, aunque sobrevalorada, cinta de ciencia-ficción adolescente). No he visto “Southland Tales”, pero por lo que leo de ella, y por lo que he visto en “The Box”, a Kelly no se le pueden negar unos intereses y un estilo propio. Lástima que esos intereses no siempre puedan encajar en cualquier historia. Y en “The Box” no encajan. Porque toda la subtrama (si es que he entendido algo, que no lo aseguro) que envuelve el misterioso origen de esa caja y de su dueño, está tan alejada de los personajes principales, de sus inquietudes y de sus necesidades (por mucho que el marido de Cameron Díaz trabaje sorprendentemente en la NASA), que ambos aspectos de la historia no pegan ni con cola. Kelly debería haberse dado cuenta del especial encanto que tienen las historias pequeñas. Intentar que un microrelato como “Button, button” se convierta en una gran trama política y metafísica estaba predestinado al facaso.

Hay artistas que son maestros en su estilo, que se mueven como pez en el agua cuando se trata de llevar su mensaje a través de su propia visión. A estas alturas, Tim Burton es uno de los directores estadounidenses, cuya firma artística es mundialmente conocida, que se necesitan pocos segundos para distinguir una obra “burtoniana” del resto. “Alicia en el País de las maravillas” lo tiene.

Para sus fanáticos, es todo aquello que siempre desearon ver del director al momento de realizar una adaptación –y muy libre– del personaje de Alicia. Desgraciadamente, Burton demuestra que no está hecho para el CGI. Lo de él son los escenarios creados por seres humanos, mano de obra de miles de personas y hasta pequeñas miniaturas como en “Bettle Juice”. El uso del 3D no es lo que se llame sorprendente, no decepciona, pero tampoco es 100% indispensable. Vamos que no pasa nada si se ahorran dinero y la ven en 2D.

Tiene un gran inicio, somos testigos que el vestuario y las locaciones en el “mundo real” son más que un acierto. Pero al momento de ir a Wonderland, el uso de la pantalla verde opaca todo lo demás y es cuando Burton demuestra que no es muy amigable con efectos creados por computadora; se siente tosco, falso y sin vida.

Los personajes secundarios sirven como de buen alivio cómico dentro de una trama que no atrapa por completo ni engancha a la audiencia por sentir empatía hacia una Alicia gris, interpretada por Mia Wasikowska, quien ha demostrado en la serie de HBO “In Treatment”, que tiene muchísimo más talento por explotar. Johnny Depp pudo haber sobresalido como un gran Sombrerero, pero se queda a medias, mientras que Anne Hathaway interpreta a una Reina Blanca con un look extraño, ad hoc perfectamente para Wonderland, pero que termina por distraer tanta blancura con terribles contrastes negros.

Mención aparte es Helena Bonham Carter, quien entrega una gran Reina Roja. Malvada en todo momento pero que siempre otorga grandes líneas de humor negro, su personaje está bien diseñado y logra sacarle todo el provecho posible.

Desafortunadamente pudo haber sido una gran cinta de fantasía de haberse estrenado una década antes, cuando todavía no teníamos al universo de la Tierra Media o Narnia en formato de 35mm —por momentos se ven las referencias directas, al menos en el diseño de producción—. Pero lo realmente lamentable resulta ser un baile —y la música que lo acompaña— a cargo de Johnny Depp completamente anticlimático, y que vuelven a hacerlo hacia el final de la cinta.

Fuera de eso, “Alicia en el País de las maravillas” dejará satisfechos a todo aquel fanático del cine de Tim Burton, pero algunos saldrán decepcionados si espereban ver un mundo creado sin tanto CGI —o al menos que no se note tanto— y más alma.

Foto: allmoviephoto

Hace algo más de un mes les traje el tráiler de “Logorama”, el primer corto de la casa francesa H5 conformada por los realizadores Francois Alaux, Hervé de Crécy y Ludovic Houplain. Hoy, a una semana de los Premios Oscar 2010—donde ha sido nominado en la categoría de Mejor Cortometraje Animado— me decido por escribir algunas líneas sobre qué es lo que veo en este film de 16 minutos al palo.

“Logorama” es algo más que la sustitución del casting de turno por un jugoso branding —recordemos que todos los personajes del corto son logos y personajes de marcas—: “Logorama” es una lección de guión. A qué me refiero con lo anterior. Los realizadores del corto se han referido a él como una historia hollywoodense de persecusiones que te atrapa en sus 16 minutos de factura. Pero hay algo más: un twist paródico sobre un knowhow de escritura de guión pochoclero.

Con mucho de tarantinesco en su secuencia inicial y en el armado de historias que confluyen —que luego se dispersarán en un ending “tragicósmico”—, H5 ha montado una historia con dos fuertes líneas narrativas capaces de sostener dos films diferentes: un Ronald Mc Donald con ametralladora y “a la guasón” —este payaso haría hacerse pis en los pantalones al fóbico personaje de Jesse Eisenberg en “Zombieland”— y un desastre cataclísmico de las dimensiones de “2012”.

Tarantino y Emmerich —de nombre Ronald como el payaso— en el mismo paquete, el guión de “Logorama” se presenta como una vuelta de tuerca sobre la narración: para hacerlo pochoclero, lo hacemos inverosímil. Lo más gracioso es que el truco funciona. Suerte de rejunte paratáctico —no hay sintaxis aquí, sólo una historia al lado de la otra— “Logorama” es un corto que crítica la sociedad de consumo tanto desde su idea —loguitos que aparecen y transitan la pantalla con timing perfecto— hasta su storytelling. Un cortometraje imprescindible con el que atragantarse algunos pochoclos.

La tercera película en solitario del sevillano Alberto Rodríguez es un encarnecido retrato de una generación que intenta ser lo que no es. “After” nos cuenta la historia de tres amigos que rondando los cuarenta se reunen una noche para recordar su juventud, y comprueban que, como diría Murtaugh en “Arma Letal”, “están muy viejos para esas cosas”.

Narrada desde un punto de vista desectructurado y configurada en tres capítulos, uno por personaje, la película deja claro el punto de vista del director sobre la juventud y la madurez: Rodriguez ni justifica ni critica los excesos que se cometen siendo joven (es el gran acierto de la película, el distanciamiento y objetividad que el director establece sobre los asuntos más peliagudos; drogas, sexo, excesos, etc) pero atribuye a cada cosa su momento, en un canto a favor del “saber envejecer”.

Sin embargo, la actitud de “pasotismo” de los personajes llega a impregnar en exceso la trama, consiguiendo que no te identifiques en ningún momento ni con los personajes ni con sus historias. Tal vez si el autor se hubiera arriesgado más a la hora de plantearle una alternativa a esos personajes perdidos (y excelentemente retratados por tres actores más que correctos, especialmente un Guillermo Toledo alejado de los perfiles cómicos a los que nos tiene acostumbrados) el espectador podría haber entrado de lleno en una historia que, sin tener una narración clara y contundente, si que refleja con acierto y descaro ciertas situaciones.

Se hecha en falta el pulso narrativo que Rodriguez demostró con “7 Vírgenes” que aunque también pecaba de un exceso de negatividad en sus personajes, conseguía que su historia te interesara, cosa que en “After” resulta cuanto menos, difícil. No obstante los paralelismos entre las dos son reseñables. Lo que en “7 Vírgenes” eran adolescentes de clase social baja, aquí son cuarentones de clase social alta, pero el comportamiento de ambos y la sensación de estar completamente solos y desamparados es la misma.

En definitiva, una película congruente temáticamente con la obra de su autor, que se deja ver y por momentos incluso llega a entretener. Pese a que se puede desinflar (y mucho) cuando nos retrata la vida de cada uno de los personajes fuera de su “noche loca”, y a que capítulos como el de la perra o el de la chica del chat sean absolutamente prescindibles e incomprensibles.

Foto: Facebook

Tras triunfar en los Satellite Awards y en los Director’s Guild, y partir como una de las favoritas para los Oscars, esta semana se ha estrenado en nuestras salas “The Hurt Locker (En tierra hostil)” la última película de la, a veces, interesante Katherine Bigelow.

“The Hurt Locker” narra las peripecias de un grupo de artificieros en la guerra de Irak. La llegada de un nuevo compañero que no parece tener miedo a nada perturba la ya de por si perturbada vida de los soldados. Bigelow puede presumir de tener una puesta en escena y un manejo de la tensión impresionantes. No obstante, hay algo que falla en la película. “The Hurt Locker” está formada por una sucesión de secuencias devastadoras, momentos de cine puro y duro, y con una galería de personajes bien construidos. Pero carece totalmente de unidad narrativa. Las secuencias pese a compartir personajes y pese a breves relaciones causa-efecto, son autoconclusivas, son pinceladas de la vida de un grupo de soldados con un trabajo de mierda, que no entendemos por qué hacen. Tan solo en el final, en ese epílogo a modo de flashback que por fin nos saca del infierno de Irak, entendemos las auténticas motivaciones (si es que las hay) del protagonista, entendemos el porqué de esa anotación al principio de la película en la que se nos compara la guerra con la droga. “The Hurt Locker” es a la guerra lo que “Trainspotting” era a la heroína. Si a este enfoque innovador, a esas secuencias magistrales, a ese gran sentido del ritmo, y a esa puesta en escena brutal, Bigelow le hubiera añadido una narración con pulso y sentido, estaríamos sin duda ante la película del año.

Aún así, la película es altamente recomendable. El punto de vista que toma te atrapa desde un primer momento, y la directora logra que vivas con sus personajes el infierno de su trabajo, hace que quieras seguir yendo con ellos a desactivar bombas, pese a que no hay ni un solo personaje atractivo en toda la película. Bigelow tampoco se posiciona con respecto al conflicto de Irak. Y a mi me parece un acierto. No es ésta una película contra la guerra, ni a favor, es una película sobre las consecuencias de la guerra (una más). Igual que Irak podría ser cualquier otra guerra, pero es el momento de Irak y es la que toca. La misma historia se podría haber contado en Vietnam, Malvinas, la 2ª Guerra Mundial o cualquier conflicto que cuente con soldados que necesiten hacer su “trabajo de mierda”. Porque pese a lo que pueda parecer a simple vista, la profesión militar no sale muy bien parada de la película. En la figura del Sargento William James, Bigelow crea a un soldado chulo, machista, temerario, imprudente y un tanto estúpido, cuya única valía es su capacidad para desactivar bombas. El epílogo nos deja aún mas claro cuan ruín puede llegar a ser el personaje. Pero aún así logra caer bien. Al final de la película consigues entenderlo porque ese flashback es únicamente comprensible si ya conoces al personaje. Un simple montaje cronológico se hubiera cargado toda la película, ya que James no habría caido bien. Gran acierto por parte de Bigelow.

Pese a sus fallos, “The Hurt Locker” es una gran película para ver en el cine, una mezcla única de cine bélico, cine de acción y drama familiar, un soplo de aire fresco, sobre todo a nivel visual, en un género tan encasillado.

Foto:Viax

Sin lugar a dudas la comedia romántica necesita una renovación urgente. Es un género vilipendiado, denostado e incluso olvidado por gran parte de la crítica especializada, pero no olvidemos que es el género que nos ha dado “El apartamento” o “La boda de mi mejor amigo”, sólo por poner dos buenos (y dispares) ejemplos. Parte de la culpa de este ostracismo en el que se encuentra el género la tienen el gran número de bodrios que contribuyen año tras año a su mala fama. Uno de los de este año es sin duda “Los fantasmas de mis ex-novias”, enésima adaptación del “Cuento de Navidad” de Dickens.

Se trata de un género que puede aportar mucho pero al final termina aportando siempre lo mismo: Estereotipos y situaciones que se repiten película tras película: El chico guapo, el viejo amor, el o los personajes cómicos, el nuevo amor de la chica, la boda o pre-boda en la que se desarrolla toda la trama… Podría decir ahora mismo 4 ó 5 películas de los últimos años en las que se dan todas y cada una de estas situaciones.

Por tanto, en “Los fantasmas de mis ex-novias” novedad vamos a encontrar poca. A no ser que entendamos por novedad el llevar el cuento de Dickens a un terreno diferente y contemporáneo, aunque eso ya se vio en “Los fantasmas atacan al jefe”. Y la misma estructura de “persona normal que sufre un acontecimiento sobrenatural que le ayuda a cambiar y darse cuenta de cómo tiene que afrontar la vida” la hemos visto ya en un sinfín de películas mejores y peores: “Que bello es vivir”, “Big”, “Atrapado en el tiempo”, “Family Man”… y podría seguir citando hasta que me sangraran los dedos.

Por destacar algo positivo diremos que el reparto es más que solvente. Matthew McConaughey está simpático, diría que hasta gracioso en algunos momentos, Jennifer Garner creíble como siempre, y Michael Douglas lo borda haciendo de un viejo playboy adicto a las mujeres. Este personaje tiene aún más gracia si recordamos que el mismo Douglas estuvo tratado de adicción al sexo… Mención aparte para el veterano Robert Foster, que mezcla comedia y dureza como nadie.
Quitando algunas líneas de diálogo realmente graciosas y ciertas referencias a M.A.S.H. y a American Pie que realmente tuvieron gracia, el resto es previsible, repetitivo, y excesivamente políticamente correcto. Porque la historia de un mujeriego anti-matrimonio metido en la vorágine de la boda de su único hermano, podría haber dado mucho juego si al acostumbrado almíbar que rodea el género se le hubiese añadido algo más de picardía y mala leche. Una visión distinta y menos dulzona que el género parece estar pidiendo a gritos. Gritos que gente como Judd Apatow o John Hamburg parecen estar escuchando.

La película te da lo que te promete, eso sí. No engaña a nadie: Gente guapa, chistes fáciles, romanticismo de folletín, final previsible, ritmo correcto… Todo muy académico, muy “sobre seguro”. A los consumidores habituales de este tipo de productos, les gustará. A los que aún confíen en un género que ha dado grandes películas a la historia del cine, les volverá a decepcionar.

Foto: El séptimo arte

Varias historias cortas. Un marco incomparable. Personajes cuidados y profundos. Y el amor como nexo de unión. Así es “New York I Love You”. Una película coral compuesta de varios cortos en los que el amor y la ciudad de Nueva York siempre están presentes. Todas y cada una de las historias que se cuentan son perfectas, pero si hubiera que elegir alguna, me quedo con la de los ancianos. Sencilla, común, diaria, directa e increíblemente cercana. La historia de nuestros propios abuelos. No pueden vivir juntos, pero tampoco separados. Años de amor y convivencia. Manías compartidas. Simple y llanamente, preciosa. Fue el segmento que más me gustó, pero todos me encandilaron.

La historia de amor telefónico entre Christina Ricci y Orlando Bloom. La de religiones protagonizada por Natalie Portman. La misteriosa pieza compuesta por Shia LaBeouf, Julie Christie y John Hurt. En realidad todas son perfectas. Cada una a su manera resultan cercanas, creíbles y encantadoras. Amor a todos los niveles. Confidencias. Y siempre presente, el amor a una ciudad, en este caso Nueva York. Hay que verla. Hay que disfrutarla. Hay que saborearla.

Foto: Aceshowbiz

Después de reposar unos días el visionado de “American Playboy” tengo la sensación de haber visto dos películas en una sola proyección. Una que parecía una porno y otra, una comedia romanticona boba hasta más no poder. Y todo dentro del mismo metraje, que, por suerte, sólo duraba hora y media. No sé si decir que el resultado tiene mérito (por el dos en uno) o que es un despropósito. Me explico. Durante la primera parte de “American Playboy”, Aston Kutcher se pasa prácticamente todo el tiempo encamado con alguien. La mayoría de las veces es con una estirada Anne Heche. Y cuando no es con ella, es en la casa de ella, pero con alguna chica que se ha colado en la fiesta en ausencia de la dueña de la exclusiva vivienda.

Y es que el personaje al que interpreta Kutcher, Nikki, es un prostituto (aunque a él le moleste que se lo digan a la cara). Su único oficio en la vida es el ligar con maduritas ricachonas a las que ofrece sexo a cambio de un techo de lujo bajo el que vivir y comida que llevarse a la boca. Así se pasa los tres primeros cuartos de hora el marido de Demi Moore. El resto, no es que renuncie al sexo, sino que su vida cambia de objetivo y se pasa lo que queda de película persiguiendo a una camarera (Margarita Levieva) que es su réplica pero en versión femenina. Nikki dice que se ha enamorado y está dispuesto incluso a ponerse a trabajar. Pero, ¿pensará ella igual que él? ¿Estará dispuesta a renunciar a una vida de lujos por un chico sin oficio ni beneficio? En fin, preguntas y más preguntas. Todas con respuesta, pero sin ningún interés. Dos películas en una y a cada cual peor. Sobre todo la moraleja final que intentan vender y que, al menos yo, no compro.

Foto: The movie rambler

No conozco a mucha gente que viese “En el Punto de Mira” cuando se estrenó el pasado año, pero lo cierto es que es una película que ofrece un buen rato de entretenimiento a quien la ve. Está plagada de gazapos, como pretender hacernos creer que Salamanca tiene seis millones de habitantes, pero los errores son lo de menos. Al fin y al cabo, nada es comparable la extraña mezcla que hicieron en “Misión Imposible” de la Semana Santa y las Fallas. Anécdotas, sin más. Lo importante en la película dirigida por Pete Travis es la acción, la historia y la forma de contarla. Un mismo hecho, ocho puntos de vista. Al modo abierto por Rashomon en 1950. Con cada versión ofrecida se le proporciona al espectador una pieza del puzzle que él mismo deberá ir montando para averiguar quién es el culpable.

El hecho narrado es un atentado sufrido por el presidente de los Estados Unidos cuando acude a Salamanca (la plaza que sale es de pega) a una cumbre mundial contra el terrorismo. Pero lo importante no es lo que se cuenta, sino cómo se hace. Ocho protagonistas, ocho puntos de vista. El presidente, interpretado por William Hurt, es simplemente un secundario. El verdadero protagonista de la historia es uno de sus guardaespaldas, Dennis Quaid, que estuvo acompañado por un interesante elenco de actores. Matthew Fox (Jack de “Perdidos”) es un escolta. Sigourney Weaver, una periodista. Forest Whitaker, un turista que ha grabado el atentado con su cámara. Y Eduardo Noriega, un policía local sospechoso.

La película mantiene la atención hasta el último minuto y logra, pese a la dificultad, no desvelar el misterio hasta el final. Ahí radica su mérito y el interés en verla. En eso y en las persecuciones al estilo Bourne que se realizan. Espectaculares. Nunca pensé que una ambulancia y un coche de la policía española pudiesen dar tanto juego.

Foto: Sony Pictures Spain

A veces, aunque no se quiera, no queda más remedio que ir a ver películas que de antemano se sospecha que no se ajustan a los gustos del que acude al cine. Pero es lo que tiene el trabajo, que no tiene porque gustar siempre. Por eso, cuando pasa algo así lo mejor es mentalizarse, sentarse en la butaca y aguantar el chaparrón. Me pasó con “Transformers 2” y lo mismo me temía con “G.I. Joe”. Pero sea porque iba escarmentada por la anterior o porque me esperaba algo mucho peor, lo cierto es que ésta hasta me gustó. No es que me pareciese una gran película (tampoco exageremos), pero sí entretenida, bien hecha y con una trama simple, pero que enganchaba. Al fin y al cabo es lo que buscan este tipo de películas. Y “G.I. Joe” lo consigue.

La película tiene cosas raras que no terminan de encajar demasiado bien, sobre todo la historia esa de que un antepasado McCullen era el hombre de la máscara de hierro (Dumas y los historiadores franceses tendrían mucho que decir al respecto). Pero en líneas generales la trama es completa y mantiene una cierta tensión en los personajes que hacen que la historia no sea sólo golpes y peleas, lo cual se agradece. Aunque previsibles, los duelos y la tensión entre los dos ninjas, Duke y su ex, Ripcord y el objeto de su deseo tienen cierto interés y hacen que la trama fluya hacia un final abierto que promete una segunda entrega. Pero no nos engañemos, “G.I. Joe” es una película de acción y efectos especiales y de eso hay todo lo que se quiera y más. Por eso funciona y la taquilla le está dando la razón. Y todo sacado de unos muñecos de juguete y una serie de dibujos animados. Incréible, pero cierto.

Foto: All movie photo