“Wonderful World” es una tierna película independiente que, tras un sencillo planteamiento filosófico, nos ofrece una espléndida interpretación de Matthew Broderick,

Ben Singer (Matthew Broderick) está enfadado con el mundo. Ciertamente tiene motivos para ello pues, tras convertirse en un cantante para niños de éxito, su último álbum no fue comercializado deliberadamente por su sello discográfico, lleva ocho años en un trabajo que otros consideran transitorio, su ex mujer le acusa de volcar su negatividad sobre su hija Sandra (Jodelle Ferland), su vecino le echa en cara que no aparque dentro del límite marcado, su compañero de piso, Ibu (Michael K. Williams), ha caído en un coma diabético, su hija no quiere volver a verle, y periódicamente se le aparece “the man” (Philip Baker Hall), quien él considera “el sistema” y causante todas sus desgracias. La hermana de Ibu, Khadi (Sanaa Lathan), irrumpe en esta concepción de la vida que se ha montado Ben para aportar magia y sentimiento.

La opera prima de Joshua Goldin, quien también firma el guión —-este y aquel “Darkman” de los primeros años de Sam Raimi—-, es una apuesta en busca del optimismo existencialista de Jean Paul Sartre y las sencillas teorías que expone en El existencialismo es un humanismo, por las que “lo que elegimos es siempre el bien, y nada puede ser bueno para nosotros sin serlo para todos”. La historia parte desde la afirmación de que los planteamientos de Ben son totalmente acertados, aunque la culpa de todo lo que le pasa no es enteramente de los demás y, tan sólo, necesitará alguna señal para recuperar esa fe perdida en el ser humano, y en sí mismo. De hecho, en la primera parte de la película Ben no reacciona, no elige ni actúa, tan sólo se limita a dejarse llevar y serán los actos de otros los que le empujarán a determinarse por actuar, para bien o para mal.

La interpretación de Matthew Broderick no sólo consigue que nos caiga bien un personaje negativo y excesivamente encerrado en sí mismo, sino que consigue dotarle de una sencillez y humanidad con la que facilita nuestra empatía. El polo opuesto lo ofrece Sanaa Lathan, que gracias a su emocional interpretación, no sólo invade con todo el peso de su sensualidad el congelado universo de Ben, sino también nuestros corazones. Ambos personajes representan dos mundos que se complementan, Ben es norteamericano y vive en una sociedad corrompida por el dinero y una salvaje competencia; mientras que Khadi, viene de un mundo donde el sentimiento es la cura de todos los males.

Obligatorio señalar la estimable interpretación de Jodelle Ferland, que aparte de su etapa televisiva, poco a poco va labrando una sólida carrera cinematográfica que incluye títulos como “Tideland”, “Silent Hill”, “Case 39” o “The Twilight Saga: Eclipse” y que con su personaje, Sandra, puede considerarse como un puente entre ambos personajes, siendo capaz de entender a su padre, aunque no desea vivir en un mundo como el que él propone.

Se puede amar a alguien y querer algo más

Igual que sus personajes, la sencillez estética de Joshua Goldin facilita la credibilidad de su historia y la digestión de un filme con un planteamiento filosófico para todos los públicos, tanto para aquellos interesados en un cine de autor con algo que contar, como para los que sólo quieren un producto entretenido. En resumen:un título a tener en cuenta.

Fotos: El Séptimo Arte Reverse Hot

“Toy Story 3” se revela como un magnífico filme que evidencia la madurez de Pixar -no como estudio, sino como cineastas- tanto en su contenido como en su forma, alejándose de la fórmula más tradicional de cine musical de Disney —-por mucho que encabece el crédito del comienzo—- y asimilando el mismo mensaje que predica.

Andy ha crecido y está a punto de dejar el hogar familiar para ir a la Universidad. Debe tomar una decisión, elegir entre guardar sus viejos juguetes en el ático, donde vivirán cómodamente y siempre formarán parte de la vida de su dueño, quien podrá volver a ellos y recuperar su infancia por unos momentos; donarlos a un centro infantil en el que Woody y todos sus compañeros seguirían teniendo una vida activa haciendo felices a otros niños; o tirarlos a la basura, que llevaría irremediablemente la destrucción y el fin de sus días. Andy toma su decisión y decide subir todos sus juguetes al ático, menos a Woody, que se lo lleva consigo a la Universidad. Una pequeña distracción favorece un malentendido y su madre tira todos los juguetes a la basura, de donde se escapan gracias a una pequeña ayuda de Woody, y se cuelan en la caja destinada al centro de enseñanza, incluyendo a Woody, que no puede evitar quedar atrapado con ellos. Allí serán sometidos por Lotso, un oso de peluche que tiene tiranizados a los demás juguetes…

El visionado de “Toy Story 3” puede dejarte agotado, exhausto, sin respiración, porque desde la primera secuencia a la última te envuelve y te arrastra en una aventura emocionante y vertiginosa, sin canciones ni sentimentalismo, sin pausas ni ñoñerías. Esta no es la tercera parte de una franquicia, ni el estiramiento de las aventuras de Buzz y Woody. No. “Toy Story 3” va mucho más allá. No voy a atreverme a decir que supere a la primera, pues la otra tiene la ventaja de ser la predecesora sin la cual las demás no serían posibles, pero sí voy a decir que sabe utilizar las piezas a su disposición para generar una serie de metáforas que no van a ser percibidas por el público infantil, por lo que me inclino a pensar que la historia va dirigida, mayormente, a los que eran niños hace 15 años y, como Andy, han crecido y deben comenzar a afrontar la vida adulta, de la misma manera que el propio John Lasseter cede el puesto en la dirección a Lee Unkrich, quien fuera montador de “Toy Story” y co-director de “Toy Story 2”, además de co-dirigir “Monsters, Inc” y “Finding Nemo”, contribuyendo a dotar de esta tercera entrega de una personalidad propia y coherente con el momento en el que está realizada.

Pixar se aleja del entretenimiento superficial que sólo busca una rentabilidad económica —-tipo Dreamworks—-, ofreciendo una historia cargada de metáforas camufladas con mucha inteligencia, sin que parezca que estamos asistiendo a una película educativa —-tipo Disney. Todo ello a través de un estimulante guión que consigue conectar con el espectador desde la primera secuencia, en la que consigue transportarnos al mundo imaginario infantil mediante el que un dormitorio puede convertirse en un escenario plagado de insospechados peligros y aventuras, para, a continuación, establecer el tema central de la película con la pregunta que se hacen todos los personajes: ¿qué será de nosotros a partir de ahora?

La madurez que transmite “Toy Story 3” nos lleva a interpretar que la prosopopeya utilizada para dotar a todos los juguetes sus características y propiedades humanas es utilizada para desarrollar una serie de hipótesis sociales, políticas y filosóficas:

• el sentido de la vida, pues un juguete con el que no se juega no tiene razón de ser;
• la responsabilidad de la toma de decisiones, en primera persona, no sólo por la que tiene que tomar Andy, sino por las que toma el propio Woody;
• la solidaridad, evidenciada en la donación de los juguetes para que otros niños puedan aprovechar lo que Andy y su hermana ya no necesitan;
• las injusticias de un régimen totalitario y antidemocrático, como el que establece Lotso en su cerrada comunidad;
• el poder de la mentira y el desconocimiento de la realidad, que Lotso aprovecha para manipular a sus compañeros, especialmente aquellos que vivieron su misma experiencia traumática, pero no tuvieron acceso, como él, a la realidad, que Lotso tergiversa en su beneficio y para poder tenerlos controlados;
• la necesidad de asimilar la elecciones de los demás, en segunda y tercera persona, dado que Buzz y sus compañeros deben asimilar que Andy ya no va a jugar más con ellos, de la misma manera que Andy deberá afrontar las que tome Woody por sí mismo;
• la influencia de la providencia y todo aquello que el individuo no puede controlar, algo que está presente cuando Bonnie se interpone en el camino de Woody y que, además, es una idea presente desde la primera entrega de la franquicia en los maravillosos extraterrestres de tres ojos que siempre esperan ser elegidos;
• la importancia de la vida en sociedad, que es lo que reivindica finalmente la unión que se establece en todos los personajes y que es lo que, en definitiva, les ha permitido sortear todas las vicisitudes por las que han pasado, como decían en un mítico programa infantil español, La bola de cristal en el que se lanzaban mensajes como “sólo no puedes, con amigos sí”.

Y todo esto sin armas ni violencia, con responsabilidad y coherencia, con un ritmo vertiginoso pero controlado, con personajes nuevos como Lotso —-me encanta que el malo de la película sea un oso de peluche—-, Barbie y Ken, que además aprovechan para intercambiar sus roles mostrando a un Ken obsesionado por la imagen y las apariencias, lo superficial, y a una Barbie responsable y comprometida con sus compañeros, la responsabilidad —-un muy interesante intercambio de valores que evidencia la vocación reivindicativa de sus creadores alternando los roles que se atribuyen a lo masculino y lo femenino—-, y que protagonizan algunos de los mejores momentos como el pase de modelos, y esa lista de personajes nuevos tan bien escogidos como el bebé-matón o el hilarante mono-vigilante.

Impagable la broma que hacen los juguetes de Bonnie a Woody cuando le preguntan si es un actor del método, refiriéndose a la manera en la que permanece inmóvil de cara a los humanos. Sorprendente la broma visual de añadir un gag absolutamente cinematográfico jugando con el raccord del sombrero de Woody, que tan pronto se le ha caído como lo lleva puesto, tan pronto lo deja perdido bajo un árbol en la calle —-con un plano que lo deja perfectamente claro—- para después serle devuelto por Perdigón. Impresionante la secuencia de los niños cuando regresan de su recreo. Fascinante el relato del payaso en el que cuenta su historia, la del bebé-matón y Lotso. ¡¡¡Absolutamente emocionante la secuencia del vertedero!!!

Una última prueba de la actualización del discurso de los creadores de la película es la magnífica alusión al maestro contemporáneo de la animación, Hayao Miyazaki, con la inclusión de Totoro entre los juguetes de Bonnie —-sobre todo si tenemos en cuenta que en la primera de la serie la alusión se hacía a Disney a través de las canciones de “The Lion King”, por ejemplo. Me parece que, aunque no es la primera vez que Pixar homenajea al maestro japonés en sus películas y es notoria la admiración del propio Lasseter hacia el animador nipón, con este gesto se evidencia una declaración de principios de cara a la industria de animación americana, que sigue realizando su cine de animación de espaldas a las tendencias internacionales, presa y anclada en los gustos de un público que ha envejecido y se mantiene ajeno a las necesidades de las nuevas generaciones, demostrando su validez a golpe de talonario que se diluye en fuertes campañas de marketing para hacer llegar sus productos al último rincón del planeta, pero sin la misma calidad artística que el animé japonés de los estudios Ghibli o cineastas como el mencionado Miyazaki, Katsuhiro Otomo, Mamoru Oshii, Satoshi Kon, o europeos como Sylvain Chomet o Michel Ocelot.

Como los personajes de la película, los animadores, los guionistas y los estudios deben evolucionar, tomar sus decisiones y decidir si quieren seguir haciendo un cine de animación facilón, anticuado y superficial para eternos adultos adolescentes, o crecer y evolucionar hacia un tipo de cine de animación más maduro y contemporáneo —-como el que nos tiene acostumbrados Pixar, salvo algunas excepciones—-, y que no se limite a contar en dibujos animados lo mismo que cuenta en una película comercial de ficción real, buscando tan sólo un rendimiento en taquilla propiciado por un aparente auge del cine de animación.

Mantén la boca cuando comience la proyección, de lo contrario te quedarás toda la película con la boca abierta. Imprescindible verla en versión original con subtítulos, de lo contrario te pasará desapercibido que Buzz habla en español en una parte de la película. Y no te hace falta el 3D, es espectacular porque la han hecho así. Estupenda.

Fotos: IMDB RTVE

Previo al estreno de “Knigt and Day” y esperando también el de “The Extra Man”, podemos calentar motores con otra interpretación de Paul Dano en “The Good Heart”, además de disfrutar de la profesionalidad y buen hacer del escocés Brian Cox.

A causa de un ataque al corazón, Jacques (Brian Cox) termina una noche en una habitación de hospital al lado de Lucas (Paul Dano), quien se recupera tras haber intentado suicidarse, esa misma noche. Esta conexión en el tiempo y el espacio acabará teniendo un significado más allá de lo esotérico, sobre todo para Jacques, solitario, huraño, arisco y antipático propietario de un bar, que se empeña en llevarse a Lucas a su casa, no para que se recupere, sino porque tiene un plan trazado: desde ese momento va a ser su alumno y le va a enseñar todo lo que él sabe, o la menos todo lo que merece la pena ser aprendido. La relación entre ambos se complementa y consolida encajando poco a poco el uno con el otro. Hasta que aparece April (Isild Le Besco) y rompe, involuntariamente, este equilibrio.

A primera vista, “The Good Heart” no parece un historia mística, parece casi una historia de buddies atípicos, en la que todo guarda un doble sentido o un inesperado giro bajo el que aflora un misticismo del que su director, Dagur Kári, también guionista, no parece querer hacer su seña de identidad. La primera secuencia es una buena muestra de ello en la que parece que pudiera denostar las prácticas de relajación, siendo al final lo que más necesita el protagonista. El mismo título encierra un doble sentido dado puede referirse tanto al estado físico del deteriorado corazón de Jacques, como al emocional dado que se le ha endurecido con el tiempo y la soledad. Este doble significado de muchos acontecimientos nos conduce a un final en el que será Lucas quien acabe por dar más de lo que hubiera esperado —-tal y como es su naturaleza—-, invirtiendo los roles iniciales de profesor y alumno, padre e hijo, médico y paciente, establecidos a decisión voluntaria de Jacques —-quien se convertirá en el verdadero alumno—- y marcando el tema central de la historia, que pretende indicar que la vida transcurre por derroteros independientes a las decisiones de los individuos, resultando, a veces, más enriquecedoras y afortunadas las circunstancias casuales e inesperadas, el azar, que todo lo que se haga con premeditación.

La ironía está presente a lo largo de todo el relato, no sólo en la manera en la que Jacques se expresa: “día tras día me dejo la piel intentado conservar mi vida”, cuando hace todo lo contrario con su actitud pendenciera, siendo incapaz de dejar de fumar hasta cuando está en el hospital. Me llama particularmente la atención esa sentencia que hace cuando dice: “no estamos aquí para salvar a la gente, sino para destruirla”, cuando lo cierto es que él mismo necesita, inevitablemente, al otro, a Lucas, para proyectarse y realizarse como persona. En un retorcido giro irónico sí es cierto que podríamos decir que, en lo que respecta a sí mismo, Jacques dice la verdad, pues parece que todo aquello que él destruye le sirve para medrar como persona, reforzando nuevamente la idea de que necesita al otro para fortalecerse.

Ambos actores están excelentes en sus interpretaciones, si acaso sobresale Brian Cox, que consigue imprimir una especial ternura y sensibilidad a su lobo estepario. Contribuye a esta excelencia la construcción física de ambos personajes y las comparaciones que se establecen, por ejemplo, con sus animales de compañía, que contribuyen a extrapolar las características entre ambos, así, el perro que tiene Jacques, viene a decirnos que tiene una personalidad dependiente, que necesita que le cuiden y estar acompañado, y el gato de Lucas, que le presenta como una persona independiente y que es capaz de sobrevivir por sí mismo. Aunque la breve interpretación de Isild Le Besco transmite a la perfección lo que su personaje significa dentro de la historia, desmerece un tanto el tono general al estar retratado de una manera bastante más superficial que resume el universo femenino a poner manteles y flores en las mesas, velas por doquier, una encomiable capacidad para perdonar yéndose de compras y una natural tendencia al coqueteo con cualquier varón que se le cruce por delante.

No es la primera vez que cineastas europeos, que nada tienen que ver con Nueva York y lo que representa, ubiquen sus historias en la gran manzana o en los Estados Unidos —-casi cualquiera de las películas de Isabel Coixet o Wim Wenders son un buen ejemplo. En el caso de Dagur Kári, islandés de origen, aprovecha muy bien la impersonalizad que esta ciudad ofrece, centrándose en su intimista historia y evitando darse una vuelta por Central Park, Rokefeller Center, el Empire State Bulding o cualquier otro característico lugar y edificio que nos distraiga sobre el discurso. Igual que no interesan a los protagonistas, no nos interesa a nosotros. Si acaso, sí resulta algo inverosímil el inusitado calor que médicos y enfermeros muestran por Lucas en el hospital. Una actitud propia de cualquiera de los cientos de series sobre hospitales que pueblan la parrilla de cualquier cadena de televisión, pero que no sucede en la vida real, ni siquiera en los hospitales de ciudades de provincia a no ser que conozcan a la familia del suicida. Hubiéramos tenido otra percepción si se nos hubiera mostrado algo que enterneciera a médicos y enfermeras como para tratarle así, pero no es el caso. Puede que la intención sea mostrar a Lucas como una persona cuyo candor atrae y conmueve a su alrededor, siendo esa la razón por la que Jacques le escoge para que sea su protegido, otra detalle que tampoco está bien esclarecido. De cualquier manera, como son situaciones que transcurren al principio del filme, a medida que nos sumergimos en la historia, nos olvidamos de ellas, centrándonos en los personajes. Lo que sí mantiene toda la película es una coherencia visual tras la que no se aprecia el origen de su autor y podríamos pensar, perfectamente, que estuviéramos viendo un filme independiente norteamericano en la línea de Jim Jarmusch.

En este caso la casualidad juega con el propio director facilitado una broma inesperada pues, desconociendo si hay algún motivo intencionado para escoger un animal como un pato, Estragón en la ficción, y el nombre de su cuidador como Lucas, el público hispano hablante puede interpretar esta elección como una alusión al pato Lucas—-Daffy Duck en su idioma original. Impagable resulta, por lo menos al público español, el nombre del toro, Butragueño, en alusión al que fuera jugador del Real Madrid, cuyos atributos masculinos fueran expuestos en un partido de fútbol ante su imposibilidad de mantenerlos dentro del pantalón.

Fotos: Film Affinity Cineol

Presentada en clave de cine de terror de serie B, “The Craizes” esconde una inteligente metáfora sobre la ausencia de escrúpulos de los gobernantes para mentir y experimentar con la sociedad.

El hecho de que lo primero que escuchamos en “The Crazies” sea “We’ll meet again”, la canción que cerraba la magnífica y contundente película de Stanley Kubrick, “Dr. Strabgelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”, nos coloca, inmediatamente, en la tesitura de la hipótesis, de que la película que vamos a ver es una especulación de algo que, claramente, podría pasar.

La acción transcurre en un pequeño e idílico lugar de Iowa, convulsionado con un insólito suceso al presentarse uno de sus vecinos con un arma de fuego en un partido de béisbol. El shérif del pueblo, David (Timothy Olyphant), se ve obligado a dispararle cuando percibe que su vida corre peligro. Este suceso no es más que el principio de un comportamiento que se extiende como un virus. David y su ayudante descubren un avión que se había estrellado en el mismo río que suministra de agua a todo el pueblo, por lo que intuyen que puede ser el origen del extraño virus. Al poco tiempo y sin que les de tiempo a reaccionar, el pueblo al completo es sitiado por el ejército que, sin dar ninguna explicación, evacua, ejecuta y extermina sin contemplación. Separado a la fuerza de su mujer, Judy (Radha Mitchell), la médico del pueblo, David no piensa ni irse sin ella y ni quedarse sin hacer nada al respecto.

Geroge A. Romero, autor de la versión anterior, siempre ha realizado estupendas metáforas de la sociedad a tiro de zombies, por lo que no cabe ninguna duda que este primer incidente, de un individuo que aparece en un lugar público con un arma de fuego, hace alusión a esas lamentables secuencias que ya forman parte de cualquier noticiario. Ni siquiera se reduce este tipo de actuación al ámbito anglosajón, todos estamos contaminados con la rueda de este tipo de conducta sinrazón, luego lo que venía apuntado desde la canción inicial, queda confirmado con este suceso.

Recurro a George A. Romero, porque aunque los guionistas Scott Kosar y Ray Wright conocen a la perfección las exigencias del género —-el primero ya escribiera dos remakes, “The Texas Chainsaw Massacre” y “The Amityville Horror”, y un guión original, “The Machinist”, y el segundo los guiones de “Pulse” y “Case 39“—-, intuyo que el maestro del género de terror insufla a este proyecto su personalidad y coherencia, aunque sólo haya sido su productor ejecutivo, y sobre todo, porque escribiera el guión original junto con Paul McCollough. Tampoco creo que Breck Eisner haya hecho algo más que traducir en imágenes el guión que tenía entre manos, confieso que no he visto sus trabajos precedentes, ni “Sahara” ni “Thoughtcrimes”, pero muchas ganas tampoco es que tenga.

Teniendo pues tantas cabezas pensantes es difícil saber a quien corresponden los aciertos, pero el caso es que a la película le viene muy bien esa atmósfera de paranoia que recuerda a otro mítico título fantástico, “Invasion of the Body Snatchers”, reforzado por el hecho de que Judy sea médico, que bien podría haber sido profesora, alcaldesa o tendera. La elección es explícita y mi interpretación es que pudieran querer distraer nuestra atención con la idea de un virus extraterrestre o ajeno al ser humano, para sorprendernos después con que el enemigo lo tenemos en casa, volviendo de nuevo la metáfora política que hacía la película de Don Siegel sobre los peligros del capitalismo.

Del reparto hecho en falta algo más de carisma, pues aparte de la fuerza que Radha Mitchell aporta a su personaje, nadie más sobresale, ni siquiera Timothy Olyphant que con ser guapo y llevar uniforme parece que tiene bastante. Aún así da gusto contemplar una película en la que personajes y acciones evolucionan con coherencia, y sin caer en errores anteriores de acabar convirtiendo la película en otro filme de acción con héroe que casi no llega a salvar a su chica por culpa del tráfico. No. “The Crazies” es entretenida cuando tiene que serlo, impactante en el momento apropiado y fiel hasta el último minuto a su discurso hipotético, siempre dentro de los parámetros del género.

Lo que desde luego sorprende es la rapidez con la que la realidad supera a la ficción pues algunos de los momentos que viven David y Judy son realmente similares al reciente asalto de Israel a la Flotilla de la Libertad con ayuda humanitaria que se dirigía a Gaza. Impresiona la similitud de las respuestas que da el soldado capturado por David en la ficción, tan similar a las que se dan por gobiernos enteros en la vida real. Luego nos quejamos de la parquedad en los diálogos de las películas, pero señores, ¡tan sólo reflejan la vida real! A estas alturas no distingo que me produce más miedo ¿la ficción o la realidad?

Foto: IMP Awards Dimensión fantástica

Mucho antes de la cámara oscura de Aristóteles, otro filósofo griego, Platón, desarrolla una teoría referida a la situación del ser humano frente al conocimiento a través de la existencia de los dos mundos: el mundo sensible —-a través de los sentidos—- y el mundo intangible —-haciendo uso de la razón. Es el llamado Mito de la caverna que plasma al principio del VII libro de La República y que dice así:

(…) Imagina un antro subterráneo, que tenga en toda su longitud una abertura que dé libre paso a la luz, y en esta caverna hombres encadenados desde la infancia, de suerte que no puedan mudar de lugar ni volver la cabeza a causa de las cadenas que les sujetan las piernas y el cuello, pudiendo solamente ver los objetos que tienen enfrente. Detrás de ellos, a cierta distancia y a cierta altura, supóngase un fuego cuyo resplandor les alumbra, y un camino escarpado entre este fuego y los cautivos. Supón a lo largo de este camino un muro, semejante a los tabiques que los charlatanes ponen entre ellos y los espectadores, para ocultarles la combinación y los resortes secretos de las maravillas que hacen (…).

Múltiples y variadas interpretaciones puede tener la alegoría de Platón, pero lo que no cuesta imaginar es un lugar en el que todos sentados miramos en la misma dirección y, detrás nuestro, una abertura da libre paso a un haz de luz que proyecta en el fondo de la caverna unas imágenes y sombras en las que nos vemos y reconocemos. No ya detrás de nosotros, sino lejos muy lejos, se encuentran la combinación y los resortes secretos que han confeccionado las maravillas que vemos.

Deliberada o casualmente, lo cierto es que la alegoría de Platón puede verse representada detrás de “The Matrix”, una historia en la que los seres humanos viven en cautiverio encadenados en una especie de vaina en la que se les suministra alimento, mientras en una “pantalla interior” presencian sus vidas sin conocer la razón. “The Truman Show” es otra manera de interpretar el mito de Platón a través del medio televisivo y el encierro obligado al que someten a Truman que sí se pregunta si habrá algo más allá del mundo a su alcance.

Pero es en “The Purple Rose of Cairo”, donde el mito se materializa más claramente. En la película de Woody Allen, Cecilia (Mia Farrow), es incapaz de afrontar su patética vida de camarera, con un marido que le maltrata y le humilla, por lo que se encuentra más cómoda “encadenada” a esa butaca, viendo en esas sombras e imágenes, vidas y mundos que nunca podrá alcanzar. Hasta que un día una sombra, Tom Baxter (Jeff Daniels), decide salir de la pantalla y conocer a Cecilia. Juntos empiezan el viaje del conocimiento, él sobre el mundo de ella —-el real—- y ésta en el mundo imaginario de él. Más adelante, Gil Shepherd, el actor que interpreta a Tom Baxter, debe acudir a intentar convencer a su personaje que vuelva al lugar que le corresponde. Cecilia debe tomar una decisión ¿debe quedarse con Tom, un personaje romántico e idealizado o quedarse con Gill, hecho de la misma pasta que ella? ¿debe seguir a su instinto y quedarse con su sueño o hacer caso a la razón que apela al mundo real?

Cecilia se equivoca y escoge la realidad, que le da la espalda y le abandona sin contemplaciones, teniendo Cecilia que volver a la oscuridad de la caverna, tras haber conocido, eso sí, el amor verdadero.

Foto: Verde Matrix Sensa Cine

Los que amamos el cine sentimos una particular fascinación por sus precedentes, ya sean inventos, artilugios o meros juguetes con la capacidad de capturar imágenes. Muchas veces estos objetos surgen de la imaginación de visionarios que tienen la capacidad de prever y sugerir la magia que el cine ejerce sobre nosotros. Por eso nos sentimos emocionalmente cautivados cuando un cineasta evidencia estos antecedentes en su obra.

Si bien el término cámara oscura es utilizado por primera vez por Johannes Kepler (1571-1630), habría sido el florentino Leonardo Da Vinci (1452-1519) el que llevase a cabo la elaboración de la primera cámara oscura. Siendo originariamente una habitación cerrada cuya única entrada de luz consistiera en un pequeño orificio a través del que se proyectara la imagen iluminada de lo que estuviera en el exterior. Utilizada tan sólo para dibujar, en un principio, la cámara se convierte después en caja, siendo posteriormente el astrónomo napolitano Battista della Porta (1535-1615) quien le añade una lente que evoluciona después en lo que hoy conocemos como el objetivo de una cámara.

De la misma manera que una idea precede y es germen de un proyecto cinematográfico, la idea misma de la cámara oscura data de algunos siglos atrás. Se dice que el mago Merlín utiliza con fines mágicos la cámara oscura, valiéndose del cuerno de un unicornio para realizar el orificio por el que debe pasar la luz. Previamente, en la antigua Grecia, Aristóteles se encarga de dejar constancia de la primera definición conocida de la cámara oscura:

Se hace pasar la luz a través de un pequeño agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al agujero se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente.

Quizás no sea casual que la imagen de un unicornio aparezca en los sueños de Rick Deckard en “Blade Runner”. Y lo que, ciertamente, no es casual es el homenaje explícito que Tarsen hace a los orígenes del cinematógrafo en su película “The fall”, cuando Alexandria, sentada en un banco observa la imagen invertida de un caballo en la pared detrás de ella, una imagen que procede de la cerradura de una puerta, que al abrirse deja ver la imagen real que se proyecta a través del ojo de la cerradura, cual cámara oscura.

Foto: Red Escolar SEP-ILCE, Listal

Waking Life es una película del 2001 escrita y dirigida por Richard Linklater. Visualmente la película es compleja pues, tras filmarla se dividió en partes para que después diferentes artistas las ilustraran. Por ello puede considerarse de animación aunque debajo de los colores haya una filmación de actores.

Llena de preguntas filosóficas alrededor de la condición humana, la libertad y el lenguaje entre otros temas, Waking Life no es una película fácil de ver pues no sólo puede llegar a marear el dibujo sobrepuesto a la fotografía sino que está tan cargada de diálogos filosóficos que literalmente se vuelve necesario detenerla después de cada secuencia para entenderlas. Asi como en lo visual está dividida, también los fragmentados discursos, como en los sueños.

En ese sentido, y a pesar de que me gustó, he tenido que verla más de cinco veces para procesarla por entero. ¿La han visto? ¿Les gustó?

Ya sea para que la recuerden o para que se animen a verla, les dejo el trailer.

No voy a negar que me encanta comerme el coco. Siempre me ha gustado cuestionarme el porqué de las cosas, por carencia o defecto, eso da igual. Dudar es de sabios. Pues bien, ¿os habéis cuestionado alguna vez lo dependientes que nos hemos vuelto del séptimo arte?. Me explico.

El cine es la forma artística más completa que existe, aunque básicamente es imagen y sonido. El juego que dan estos dos elementos es tal, que lo resultante está realmente cercano a la vida misma. El cine es la forma expresiva, que de manera más genuina, habla del mundo y de las batallitas de la gente que lo habita.

La vida es en sí misma un juego de espejos, nos vemos reflejados unos con otros, y a todo ello, el celuloide es el espejo que todo lo refleja. Cualquier vida, cualquier situación, cualquier experiencia. Todos hemos sido protagonistas en la gran pantalla alguna vez. El cine tiene la cualidad de reflejar nuestros temores, anhelos, esperanzas, inquietudes, etc.

En el fondo es algo tremendamente subjetivo, pues muchas veces, la historia que nos están contando, de alguna manera, se sale de nuestro campo de acción habitual. El mensaje que captamos -la mayoría de las veces de un modo completamente inconsciente- siempre se encuentra entre líneas, entre escena y escena, tras la pantalla. Pocas veces podemos expresar claramente el porqué de nuestro entusiasmo con una determinada obra. Al menos esa es la manera en que yo lo vivo, a través de la intuición.

Aspectos técnicos o más formales sobran. Donde haya una buena historia -acompañada de una buena intención- que nos haga vibrar, que se quite todo lo demás.