“Abel” es el primer largometraje de ficción que el señor Diego Luna dirige ante la sorpresa de muchas personas. Tuvo mucho éxito en Cannes y en la corrida comercial ha tenido muy buena recaudación lo que ha beneficiado que muchas compañías se interesen en distribuirla mundialmente.

A mi gusto, es la mejor película mexicana realizada en lo que va del año, y aunque eso no es un gran indicador, la cinta es un excelente ejemplo de buena cinematografía, creo que Diego le aprendió a muchos directores y logró una joyita que nos calló a muchos la boca por cuestionar su potencial creativo.

El film es muy sencillo y a ratos se siente muy ligero, sin embargo, la temática es muy pesada. Hay momentos dónde el público puede reir y distraerse a pesar de que la cinta habla sobre la problemática de una familia rota por los ideales de búsqueda de ingresos a otro país.

Abel es un niño de 9 años que tiene una enfermedad parecida al autismo, además, con el shock que vivió, desarrolla un extraño caso de tomar el lugar de su padre. Todos en la casa comienzan a seguirle el juego, pero a la larga todo se complica con la llegada del que ocupa ese lugar.

La historia tiene un ritmo casi hipnótico, que no te permite despegar, si no que te lleva de la risa al llanto de minuto a minuto. Juega con muchos elementos que a simple vista nos pueden causar gracia, pero conforme entendemos lo que pasa más duro nos llega el golpe dramático. La cinta peca de ser ligera a ratos y dura en los momentos climáticos. El guión está perfectamente construido y la psicología de los personajes está muy bien definida.

La actuación de Karina Guidi aporta naturalidad a una madre que tiene que sobrellevar una familia y el peso de ser el sustento de la casa. Abel interpretado por el niño Christopher Ruiz-Esparza es una completa revelación, mientras que José María Yazpik se encuentra en su mejor momento, ha sido el persona más creíble que le he visto dentro de sus trabajos de cine, teatro y televisión. Tanto la fotografía como la dirección de arte son elementos muy bien conjugados en la cinta. Además de que el score es uno de los mejores que he escuchado dentro del cine mexicano.

Pero sobre todo, el éxito de la cinta, recaé en su sencillez, es una cinta que no pretende aleccionar sino mostrar los elementos del México actual de las familias que son fragmentadas por el hecho de ir a buscar éxito en la frontera contigua. Además la cinta no se centra en la enfermedad sino en los procesos que vive cada integrante de la familia con respecto de la misma.

Hay que poner atención en los elementos visuales de la cinta, el agua tiene como significado el lazo que Abel tiene con su madre pues es una clara reminiscencia del líquido amniótico. Los colores azules de la cinta se intensifican dependiendo del día y de la noche, momentos claves en la vida de Abel. En definitiva, un excelente paso para Diego Luna en su carrera, quien a manera personal, prefiero que dirija este tipo de proyectos más a menudo y que desista de estar frente a la cámara, detrás le sienta mejor.

Fotos: Imp Awards y Homocinefilus

Si hace poco comentábamos de que modo Benicio del Toro se está especializando en dar vida a auténticos mitos, hoy nos fijamos en un caso muy similar. Después de dar vida a Camarón de la Isla, todo un icono en el mundo del flamenco, el actor Óscar Jaenada se convertirá en otro mito con el que desde luego comparte un más que sorprendente parecido físico.

Estamos hablando de Mario Moreno “Cantinflas”, una de las mayores figuras del cine cómico mexicano, cuya vida llegará a la gran pantalla de la mano de su compatriota Alejandro Gómez Monteverde. Sin duda causará cierta polémica el hecho de que no sea un actor mexicano el que de vida al mítico cómico, más aun cuando se barajaron durante un tiempo los nombres de Gael García Bernal y Diego Luna —- quién también tiene un gran parecido físico —-.

La película se estrenará en 2011 coincidiendo con el centenario del nacimiento de Cantinflas, y se centrará en los primeros años de su vida como actor. Pese a que Jaenada pueda resultar una elección extraña, el mísmo director ha afirmado que ha quedado completamente sorprendido por la interpretación que éste hace del actor mexicano. Nada de extrañar. Jaenada ya demostró en “Camarón” tener un excelente dominio de los acentos, y a mi parecer es uno de los mejores actores de su generación. Aunque creo que ahora deben hablar nuestros lectores de México: ¿Qué les parece a ustedes la elección de Oscar Jaenada para interpretar a su compatriota? ¿Hubieran preferido a Luna o García Bernal?

Vía: 20 minutos

En respuesta al análisis sobre la realidad del cine mexicano que escribí el viernes pasado, mucha gente dejó varios comentarios para que hiciera un recuento de lo que, a mi parecer, es lo mejor del cine mexicano. Como siempre, señalo que esta es una opinión personal y no necesariamente empata con opiniones de mis compañeros editores.

La situación actual del cine mexicano resulta paradójica. Por un lado se percibe cierto aumento de la actividad y la producción cinematográfica, así como la inversión en diferentes proyectos de capitales extranjeros —-especialmente de los Estados Unidos—-, que constituyen un estímulo para hacer cosas. Por otro lado el experimento nace en propuestas arriesgadas, obras con una narrativa diferente a las demás. Historias pesadas que corren en espacios independientes y festivales.

Sin embargo, he notado desde el año pasado que el cine mexicano está buscando un espacio en cartelera nacional y los distribuidores se animan a promocionar tanto las películas que pueden tener un público alternativo como el que disfruta de ir al cine a entretenerse.

Los dejo con este breve recuento:

“Cinco días sin Nora” (Mariana Chenillo, 2009)

El año pasado se estrenó una película mexicana que me dejó un grato sabor de boca. “Cinco días sin Nora”, comedia sentimental de Mariana Chenillo. La cinta inicia con un evento dramático que rápidamente adquiere tintes de comedia negra. La discreción muy eficaz de “Cinco días sin Nora” reposa en buena medida en un guión bien equilibrado —-escrito por la propia directora—- y en un notable conjunto de actuaciones.

La comedia de Chenillo expone con malicia las limitaciones y anacronismos de la ortodoxia religiosa, los intereses económicos de los familiares, el contrapunto humorístico de las creencias cristianas en choque con los usos de la tradición judía y finalmente el planteamiento de elegir en que religión creer partiendo de que es algo personal.

“Quemar las Naves” (Francisco Franco, 2007)

“Para poder manejar tu vida con total libertad, es necesario abandonar el nido familiar”. Este mensaje más o menos afortunado según los gustos, se convierte en el hilo conductor de “Quemar las Naves”. Francisco Franco no titubeó al construír una historia difícil de ser concebidad dentro de un contexto social como lo es el Mexicano.

“Quemar las naves” es una película que relata una historia sobre la homosexualidad, el incesto, la dependencia y la búsqueda de identidad. Dejando atrás el tabú, la arquetípica figura de un charro y más aún, la mil veces citada historia de pobreza y drogadicción que nada propone. Franco nos entrega una honesta cinta donde aquello “improbable” de ser, puede ocurrir.

“Párpados Azules” (Ernesto Contreras, 2007)

El azul es el color de la tristeza y la desesperanza, predominante en la imagen y primordial para la creación de atmósferas infestadas de apatía y depresión de este largometraje. Todo tiene un toque de desaliento que nos hace sentir y recordar nuestro propio pasado, presente o futuro. A través de la mirada de Marina (Cecilia Suárez) y Víctor (Enrique Arreola), Contreras nos adentra en la soledad de una mujer y un hombre a la expectativa del tiempo, sin aliento o motivo que permita ponerle candela a la vida.

“Párpados Azules”, el ejercicio que hace revisión de la soledad, miedo o indecisión para experimentar la felicidad, que nos hace caer en estados depresivos prolongados o permanentes; que nos ciegan y cierra la posibilidad de sentir la plenitud cuando se dan los hechos; que nos vuelve inexpresivos y nos convirtamos en nuestro principal contrincante para el éxito. “Parpados Azules” es el manifiesto por vivir al máximo cada momento, las oportunidades son escasas y vida sólo hay una, aprovechar los momentos tal como nos plazca pero no permitir que se nos escapen de las manos, nunca es tarde para comenzar. Cierra los ojos e imagina la felicidad, ábrelos y trata de convertir la fantasía en realidad.

“Intimidades de Shakeaspeare y Víctor Hugo” (Yulene Olaizola, 2008)

En una esquina de la Colonia Anzures, en México D.F., se ubica la casa de huéspedes de la abuela de Yulene Olaizola –directora del filme–, un refugio por donde han pasado todo tipo de personajes. Basándose en la figura de la abuela, Olaizola nos va contando la historia de una forma irresistible; a la vez que el montaje va tramando a la manera de las mejores películas de suspenso. Una historia increíblemente relatada, no por nada, se ha llevado los premios de los festivales FICCO de la Ciudad de México y del último BAFICI en la Argentina.

Esta ópera prima nos muestra las historias cotidianas y familiares en una gran ciudad; sienta al espectador en el salón de casa de una familia, que al no ser peculiar, tiene una forma de contar su cotidianeidad de una forma muy particular. Engancha a la audiencia y no la deja quitar los ojos de la pantalla. Todos los defectos de imagen y sonido quedan escondidos ante la increible narración. Seguramente no defraudará a ningun apasionado de las historias que siempre bailan entre el mito y la realidad.

“Sin Nombre” (Cary Fukunaga, 2009)

Sayra (Paulina Gaitan), una adolescente hondureña, se reúne con su padre para viajar con él a los Estados Unidos; a partir de Chiapas, México, viajan en el techo de un vagón de carga, en donde son vulnerables a la naturaleza y a la violencia. Mientras tanto, en un grupo de maras uno de sus miembros se separa y huye en un tren de carga.

Película bastante realista sobre la inmigración por un lado y sobre los grupos marginales armados —-en este caso los “Maras”— por otro. Toda la parte técnica de la película es muy cuidada, el sonido y la fotografía están de elogio —-cosa rara en las películas de tinte social—-, el guión es sumamente adecuado y realista, las actuaciones muy bien logradas. En resumidas cuentas, un producto acabado y bien hecho que sin ser panfletario te muestra una perspectiva de lo que sucede en la vida real.

Esta selección de películas son parte de lo último que no ha ofrecido el cine mexicano. Son películas que le apuestan a la narrativa y a la imagen realista. Lejos de buscar atención comercial son películas que han tenido voz propia en diversos festivales y han resultado ganadoras. La calidad no está determinada por el paso de cartelera. Les recomiendo que las chequen y también opinen sobre cuáles películas creen que deben de ingresar también a esta selección.

Fotos: Imcine

En México, suceden ciertos pensamientos en referente al cine mexicano. Es muy común, el caso de estar en el cine no saber qué película ver, observar en la cartelera dos películas: una extranjera y otra mexicana. Sin pensarlo mucho decidimos por la primera opción. Es triste decirlo pero son muy pocas las personas que, al encontrarse en este caso, se decidirían por la segunda película. Por lo general, somos muy ignorantes o muy despreciativos con respecto al cine mexicano.

¿Por qué muchas veces nos vamos a la película extranjera sin antes conocer siquiera la trama de la mexicana? ¿Podemos considerarnos malinchistas por rechazar nuestras propias películas?

La respuesta a estas interrogantes no está solamente en nuestras continuas frases y pensamientos, en creer que las películas de México son “malas” y de “mal gusto”. No es lo mismo ver a Bruno Bichir que a Sean Penn. Nuestro nivel sociocultural va más allá. Implica también el plantearse si no es que en el fondo tenemos miedo de ver una película mexicana y toparnos de frente con nuestra realidad.

Es muy fácil criticar algo cuando no nos gusta, en especial cuando se refiere a nuestros vecinos norteamericanos. Pero lo difícil está en criticar algo que es nuestro, que forma parte de nosotros y que no siempre es de nuestro agrado.

Es curioso como muchas veces parecemos avergonzarnos de ser mexicanos y queremos escapar, deslizarnos un poco más hacia arriba, hacia el país del norte. ¿Por qué? Tal vez porque es el país dominante, con dinero, o quizá, en cierto modo, es el país del cual dependemos.

La evolución del cine mexicano se ha ido desarrollando conforme a esta búsqueda de identidad. Ha incluido géneros tan diferentes que van desde el tipo ranchero a lo Pedro Infante hasta temas más controversiales, contenidos en películas como “Cinco días sin Nora”, o “Quemar las naves”, que intentan reflejar lo que actualmente vivimos.

Y es que nuestro actual cine mexicano es rico en cultura, aún cuando a veces ésta no es positiva. Todo lo que se incluye en una película mexicana —-ya sea nuestro ingenio, humor o desfachatez—- forma parte de lo que somos, de nuestro contexto cultural que, como tal, se ha encargado de reflejarnos y trascender para darnos un lugar dentro del cine internacional.

Sin embargo nuestro México, pese a todos sus problemas y pese a todo lo malo que habita en él, guarda algo en el fondo. Esa parte que nunca se pierde, esa esencia que todos los mexicanos guardamos dentro: la bondad y el cariño de nuestra gente. Gente verdadera, auténtica, espontánea que continúa existiendo y que hacen sobrevivir a nuestro México.

Pero lo más importante, es que en cada película, un mexicano ha intentado plasmar algo dentro. Se tiene que forjar un sentido de pertenencia para así lograr que nuestro cine nos haga sentir orgullosos de lo que somos y para que, al estar frente a una cartelera, podamos decir con gusto: “Yo me voy por la mexicana”.

Foto: Letras Libres

Han sido sólo algunas las adaptaciones al cine de las grandes obras de la literatura las que nos han convencido de alguna manera. Con todo y la aprobación del mismo autor o la familia de éste, los que leímos su obra no estuvimos de acuerdo en el resultado final. “La tregua”, por ejemplo, que si bien existió una versión argentina que pasó inadvertida, haber reincidido en una nueva de realización mexicana, estuvo muy lejos de la historia original.

¿Qué habrá pensado Mario Benedetti cuando dio el visto bueno a una adaptación tan mediocre, con un Martín rozagante, enamorado de una exuberante Avellaneda, mientras las escenas de sexo eran prioridad? La natural nobleza de una historia nunca estuvo tan olvidada como en esta cinta, sin explicarnos la Diosa de Plata que recibió la pésima actriz mexicana Adriana Fonseca en el papel de la sencilla chica de 24 años. Misterios de la vida.

Toda esta reflexión es para dar paso a la noticia que, por medio de Julio Sabines, el hijo de Jaime Sabines, supimos el miércoles pasado. El famoso poema “Los amorosos” se apreciará a través de la cinta titulada con el mismo nombre y con las interpretaciones de Marimar Vega y Daniel Martínez.

Esta es la historia de Ruth y Mateo, quienes se separan por la infidelidad de él. Pero Mateo recibe un mensaje de Ruth siete meses después, en el que ella le pide que la busque en Chiapas, un lugar que tenían planeado visitar. Los diálogos entre los personajes serán extractos de su obra y el guión es del mexicano Rafael Montero (“Cilantro y perejil” y “Dame tu cuerpo”), además de ser el director de la película y quien garantiza naturalidad en la historia que tendrá como locaciones el estado de Chiapas.

Julio Sabines dijo estar atento a la filmación de la película –que acabó el viernes anterior– y, por ahora, está contento con lo que ha visto. Esperemos –quienes hemos reflexionado y hasta llorado con la obra del maestro Sabines– que ésta no sea una de tantas producciones que queden en el botadero de los DVDs que nadie quiere ver ni recordar. Su estreno se piensa para el próximo verano.

Temo mucho decir que, hoy en día, el cine mexicano no ha tenido tanta fuerza como la que contienen las producciones de otros países de América Latina hoy en día. Muchos de los actuales filmes se quedan en el mero sincretismo de estrellas telenovelescas y profundidad nula con una languidez notable, mientras los creadores creen que han podido reinventarse. Por eso, reinciden.

Temo más que este filme no sea lo entreñablemente justo para enatecer las hermosas líneas que con tanto cariño y pasión un escritor como Sabines pudo realizar. Que el venerado artista no se revuelque en su tumba con el resultado de esta adaptación.

Vía | Foto: El Universal

El Libro de piedra es un remake de la película homónima de 1969, un verdadero clásico del cine de terror en español. La cinta original a pesar de tener algunas actuaciones flojas ha logrado asustar al público por mucho tiempo, pues, con los recursos y estilo de la época, su director, Carlos Enrique Taboada, hizo un excelente trabajo.

Cuarenta años después, Julio César Estrada se animó a hacer su versión. Aunque la cinta tiene ayuda de efectos mucho más complejos y un buen marketing, para muchos, este refrito no alcanza el poder de la película de Taboada. Creo que en el caso del cine de terror es difícil superar a los clásicos, porque aunque veamos los hilos tienen un sabor único. Es decir, aunque en la de Taboada se nos escape alguna risa cuando vemos a la siniestra muñeca o a un personaje hablando de que cierto rincón es “muy burgués”, la película nos acaba asustando, así, sin más.

La nueva versión tiene su atractivo y definitivamente es más fácil de ver pues responde a la estética actual del cine de terror. Por el momento les dejo el trailer, que no deja de tener un estilo interesante. Mi recomendación: consigan la viejita y comparenlas, una cosa que a mi me encanta hacer, especialmente en las películas donde la tensión y el miedo en los espectadores es el objetivo principal. La versión de Estrada está en la lista de candidatas a nominación para los Arieles, pero no recuerdo en qué categoría. ¿La han visto? ¿Qué les pareció?¿Y la de Taboada?

Foto: De la película original (perdonen la poca nitidez) Dimensión Fantástica

Juego de niños es un cortometraje del mexicano Carlos Cuarón. En esta breve historia vemos el terrible ciclo de la violencia doméstica. La idea me gusta y la escena fuera del edificio me encantó, aunque confieso que las actuaciones no me han parecido muy buenas (ni malas ni excelentes).

Creo que sirve muy bien para iniciar una conversación sobre la violencia familiar, el amor, el descubrimiento del mundo adulto en la pubertad y algunas otras cosas. Es un cortometraje bien hecho, sencillo y directo.¿Qué les parece? ¿Les gusta la actuación de Sherlyn González, la protagonista?

Un circo contemporáneo  y una guillotina del siglo XVIII se encuentran en la comedia Conozca la cabeza de Juan Pérez. Para Juan El Grandioso, hacer un espectáculo con una guillotina es una buena idea para atraer al público en una época de crisis económica.

Dirigida por Emilio Portes, esta comedia de humor negro recuerda el teatro de revista y la precariedad de la carpa. En México, decir Juan Pérez es decir “cualquier persona”, un poco como el John Doe o el Fulano de Tal y asumo que la elección del nombre para el protagonista de esta cinta no es casualidad. El símil entre el circo y la sociedad es algo que me agrada y creo que al hacer de Juan Pérez el protagonista nos habla de un ser genérico, anónimo pero con el cual nos podemos identificar.

Desde Santa Sangre de Jodorowsky no había visto una cinta mexicana en torno al circo y creo que esta puede ser una propuesta interesante. El mundo del circo tiene una riqueza muy especial que ha interesado a numerosos creadores en el cine y la televisión. Les dejo el tráiler. Estemos pendientes y esperemos que logre mejor difusión ahora que está nominada para el Ariel.

Foto: CCC

Ayer terminó el 24º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, después de gratos ocho días de cine en la ciudad argentina. El mayor galardón, el Astor de Oro, se lo llevó la película mexicana Cinco días sin Nora, de Mariana Chenillo (sobre la cual ya les habíamos comentado durante la semana).

Los jurados para los Premios Astor a la Competencia Internacional fueron Julieta Serrano, José Wilker, Juan José Campanella, Alvaro Buela y Michael Shapiro. Sobre la elección de Cinco días sin Nora dijeron:

“Otorgamos el Astor de oro a mejor película a “Cinco días sin Nora” de Mariana Chenillo, película en donde todos los elementos son de tal excelencia que es imposible separar uno del otro. Trata su tema con contención, sutileza y humor, sin caer en las trampas del facilismo sentimental.”

Por los resultados del festival me he quedado con un buen sabor de boca. Lo más curioso es que, el premio a mejor largometraje latinoamericano lo ganara La hora de la siesta de Sofía Mora. Ambas películas giran en torno a un velorio y ambas son los primeros largometrajes de sus directoras.

Esperemos que todas las películas premiadas podamos verlas, aunque sea por un día, en las salas de cine comerciales.

Vía: Mar del Plata Film Fest

La opera prima de Mariana Chenillo participa en el 24º Festival Internacional de Mar del Plata.

Cinco días sin Nora tiene como reparto a Fernando Luján, Ari Brickman, Cecilia Suárez, Enrique Arreola, Angelina Peláez, Verónica Langer, Max Kerlow, Juan Carlos Colombo, Juan Pablo Medina y Marina de Tavira.

La cinta mexicana ha ganado varios premios. Esta comedia trata sobre los enredos alrededor de un velorio judío en México. La protagonista se suicida y deja todo planeado para que su ex-marido ateo deba hacerse cargo. Humor y crítica a las religiones es lo que ofrece esta película, que ya ha gustado desde su estreno en el Festival Internacional de cine de Morelia.

Veamos el tráiler y deseémosle buena suerte en Argentina.

Foto: Imcine

Amor, dolor y viceversa de Alfonso Pineda Ulloa es una especie de thriller romántico, es decir, una historia de amor rodeada de suspenso.

Intuyo algo que quiere parecerse a la querida por muchos, Eterno resplandor de una mente sin recuerdos. Sin embargo el tráiler nos vende la idea de una mujer obsesionada y peligrosa. Ya veremos qué es en realidad. Dejo mis suposiciones al lado, lo único que vale por ahora es saber que lo onírico tiene un papel importante en la película. Protagonizada por Barbara Mori y Leonardo Sbaraglia, al menos sabemos que disfrutaremos de dos rostros seductores.

Leyendo un poco sobre el filme parece que se sale un poco del rumbo de las últimas produccciones más comerciales del cine mexicano, de allí que haya tardado tanto en estrenarse en su propio país (apenas este fin de semana). Es una adaptación del cuento Violanchelo de Blas Valdez. El título original es Violanchelo pero asumo que para venderla mejor lo cambiaron por Dolor, amor y viceversa. Sinceramente prefiero el segundo nombre al primero aunque francamente no me gusta ninguno de los dos. ¿Ustedes cuál prefieren?

Foto: Precríticas

Es un cortometraje independiente realizado por 5y10 Producciones bajo la dirección de Abraham Ávila. Buscando cortos mediante el tipeo de distintas palabras al azar, como siempre hago salvo que me recomienden uno por algo en particular, encontré a “Pedro y Megatrón” y me llamó la atención desde el comienzo.

Nos cuenta la historia de un niño mexicano que tras intentar completar su álbum de figuritas preferido con muchas frustraciones, solo gracias a la ayuda del superhéroe de turno (Megatrón) logra hacerlo. Hay que admitir que el corto es entretenido y tiene detalles buenísimos, pero el mensaje es tremendo: “Róbale dinero a tu mamá que lo importante es tener el álbum completo” Igualmente si uno lo toma con humor, no habrá mayores problemas. Pero siempre hay una ortiva de los sábados que se toma las cosas con responsabilidad, como yo.

Juan Antonio Pantoja es quien realiza el guión del corto y Juan Carlos Ayvar está a cargo de la producción.

¿Qué les pareció?

Mirando los lanzamientos en DVD me encontré con “Arráncame la vida”, una película mexicana dirigida por Roberto Sneider basada en la novela de Ángeles Mastretta y adaptada al cine por el mismo Sneider.

“El corazón no se gobierna” es una de las frases con las que el tráiler nos tienta para ver este filme protagonizado por Ana Claudia Talancón y Daniel Giménez Cacho. Un drama que nos habla del poder, la corrupción, el amor pasional, y el cuidado. Sumándole un toque de historia mexicana, que sin dudas le aporta sabor.

Así que para aquellos a los que les gusta el cine latinoamericano y las historias de amor, “Arráncame la vida” saldrá en DVD en este mismo mes.

Foto: peatom

Con el enganche de “¿Ya lo hiciste sin amar?” y la imagen de unas piernas femeninas con una ropa íntima atentando a caerse del todo esta película está actualmente en las carteleras de los cines mexicanos de acuerdo a lo que dicen los medios locales. Se trata de un film de Jorge Ramírez Suárez en el que la sexualidad es el tema principal.

De acuerdo a lo que comenta Suárez Amar intenta reflejar las distintas vivencias con respecto al sexo que alguna persona pudiera tener, pero más que nada reflejar que nunca existen encuentros perfectos. Un poco se nota eso en esta descripción hecha a modo de sinopsis: “Carlos quiere, pero Susana no, mientras que Joel no quiere y Patricia lo obliga. También está la espera de Gabriel y la negativa de Martha, la búsqueda de Amado, el privilegio de Benito y la experiencia de Concha”. ¿Se entiende?

Quizás a algunos podría interesarle que la película contará con una variada repercusión de temas musicales muy conocidos de bandas como The Kooks, Chetes y Reik. En el elenco de esta comedia están Tony Dalton, María Aura, Pedro Damián, Luis Ernesto Franco, Adal Ramones y Katharine Towne, entre otros. Ahora solo me queda advertir que el tráiler se pone un poco loco. ¡Están avisados!

Vía: Amar | Foto: Cine cine cine