Después de que hace unos días les contábamos que Dreamworks planea la remake de la novela de Daphne Du Maurier, Rebecca, que el gran Alfred Hitchcock llevara al cine en 1940, hoy traemos la noticia de que otra novela adaptada por el director inglés se llevaría a la gran pantalla. Hablamos de Before the Fact escrita por Francis Iles que fuera adaptada con el nombre de Suspicion en 1941.

Si bien esta es una noticia que resonaba ya en el 2010, ahora podemos asegurar que detrás de este proyecto está Montecito Pictures, la misma que está desarrollando Alfred Hitchcock and the Making of Psycho con Anthony Hopkins en la piel de Hitch. Veena Sud, guionista de series como The Killing y Cold Case, estaría comprometida para realizar el guión de esta película que resulte lo que resulte Paramount quiere distribuir.

El film original estaba interpretado por Gary Grant y Joan Fontaine, quien ganó un Oscar por su interpretación de Lina y si aun no se sabe quién dirigirá la cinta o quiénes integrarán su reparto lo que sí se sabe es que Will Smith no llegó finalmente a buen término. Asique habrá que esperar tanto por quiénes se acoplarán al proyecto como qué impronta darán al film, si más parecido al original literario o a la versión cinematográfica del gran Alfred.

La historia rondaba sobre un vividor que conoce en un tren a una joven ingenua, de buena posición económica y cuya familia la cree ya una total solterona. Más adelante, tras coincidir nuevamente en una fiesta y, tras un breve romance, ella decide casarse con él, a pesar de la oposición de su padre, para demostrarles a todos que el amor también podía existir para ella. Una vez casada la muchacha comenzará a sospechar que su marido intenta asesinarla y era en ese juego de sospechas y dudas que el film de Hitchcock tenía su mayor valor.

Ligeramente diferente el final de la película y de la novela, lo cierto es que muy posiblemente, así como se intentó con Psycho, la remake se relacione más con su antecesora cinematográfica que literaria pero son todas especulaciones que hago hasta no tener un poco más de datos; quién la dirigirá seguramente la más importante.

En un día como hoy, 13 de agosto, nace Alfred Hitchcock, uno de los directores más importantes en la historia del cine. Sus aportaciones técnicas, así como su estilo y temáticas, le hicieron merecedor del título maestro del suspenso. Para celebrarlo como se merece, Extracine ha hecho una selección con nuestras diez películas favoritas del director. Repasamos sus miedos, sus fantasías, sus obsesiones, esa invitación a ser parte de los hechos, testigos visuales de misterios y asesinatos. Un director que merece ser recordado y estudiado, por ser parte de la evolución en el lenguaje cinematográfico y la puesta en escena.

Alfred Joseph Hitchcock nace en Londres, siendo el mejor de tres hijos de William y Emma Jane, quienes se dedicaban a la venta de frutas y verduras. El niño Alfred creció bajo la creencia católica, donde aprendió sobre la culpa y el temor; el niño Hitchcock temía en ser relacionado con lo malo. Fue un niño solitario. Su familia era estricta en cuanto a las normas y al comportamiento. Según cuenta a François Truffat, en una de sus tantas entrevistas, el niño Alfred fue enviado a la estación de policía con una nota por mal comportamiento; ahí fue retenido por un tiempo. Estas experiencias formarían parte de sus historias, al mostrar ese temor a las autoridades, en la representación de la policía y, en ocasiones, en la figura de la iglesia. Decide estudiar Ingeniería en el London Council School of Engineering and Navigation, formación que le sirve posteriormente en el lado técnico de sus producciones.

Al graduarse trabaja como artista gráfico y diseñador de publicidad. También publicó algunos artículos, coleccionaba relatos y asistía al cine y al teatro; al poco tiempo comenzó a hacer ejercicios personales de adaptación. Su primera experiencia en cine fue como artista gráfico; se dedicó a ilustrar los títulos, intertítulos y diálogos de las películas. En 1922 tuvo su primera oportunidad como director, con “Number 13”, película que se canceló por problemas de presupuesto. Su siguiente intento sería en 1925 con “The Pleassure Garden”. A estas alturas, gracias al cine, había conocido a la que fue su compañera y colaboradora para toda la vida, Alma Reville. En su etapa en Gran Bretaña, realizó “Blackmail”, “The Man Who Knew Too Much”, “The 39 Steps”; en este último filme fue a primera ocasión en donde utilizó el macguffin; ese elemento que sirve como excusa en el desarrollo de la historia pero, que al final, carece de relevancia. Después de “The Lady Vanishes” (1939) y “Jamaican Inn” (1939), Hitchcock se muda a Hollywood. Después regresaría para filmar “Frenzy” en 1972.

Su primera película en Estados Unidos, para Selznick International Pictures, fue “Rebecca”, ganadora del Oscar a Mejor Película en 1940. Obtiene más libertad creativa con “Suspicion” (1941), su primer título como productor; esta sería la primera ocasión que trabajaría con Cary Grant. En su siguiente filme, “Saboteur” (1942), por insistencia del estudio, Universal, debe trabajar con Robert Cummings y Priscilla Lane. Después vendría “Shadow of a Doubt”, uno de los filmes favoritos del director, también con Universal. Hasta ahora todas sus películas requerían exteriores, hasta que llegó “Lifeboat” (1994), donde la acción ocurre en un bote. Y así llegamos a grandes títulos como “Spellbound” (1945), “Rope” (1948), “Strangers on a Train” (1951), “Dial M for Murder” (1954) y muchos más que repasaremos en nuestra lista de favoritos a continuación.

10. “Dial M for Murder (1954)

Abrimos la lista con “Dial M for Murder”, una adaptación de la obra de teatro escrita por Frederick Knott, responsable también de realizar el guión para cine. Protagonizada por Ray Millard, Grace Kelly y Robert Cummings, la película se centra en un tenista profesional retirado quien busca deshacerse de su adinerada esposa tras descubrir que tiene un amorío con un escritor. Motivado por el resentimiento y la avaricia, planea el asesinato, pero las cosas no salen conforme lo planeado.

“Dial M for Murder” es considerada por el American Film Institute como un clásico entre los thrillers, obteniendo el noveno lugar en su top ten en 2008. Para Alfred Hitchcock fue tan sólo una película por encargo, que realizó debido a su contrato con Warner Bros. Aunque no se dedicó tanto tiempo a este filme, el cual fue filmado en 36 días, se nota el sello Hitchcock en gracias a elementos de la puesta en escena; por ejemplo, tuvo especial cuidado para que la vestimenta de Kelly fuera oscureciendo conforme avanzaba la trama. Esta sería la primera ocasión que Hitch trabajara con Grace Kelly, una de sus actrices más recordadas.

9. “The Man Who Knew Too Much” (1956)

«Que sera, sera, Whatever will be, will be; The future’s not ours to see. Que sera, sera, What will be, will be.» En el noveno lugar entre nuestros favoritos de Hitchcock, tenemos “The Man Who Knew Too Much”, el remake de una película propia realizada en 1934. La película fue presentada en el Festival de Cannes, en su novena edición; además ganó un Oscar a Mejor Canción por Qué será, será, escrita por Jay Livinston y Ray Evans. Un gran ejemplo de que un remake propio es un gran ejercicio de mejora.

Protagonizada por James Stewart y Doris Day, sigue a Ben, Jo y su pequeño Hank, una familia que se encuentra de vacaciones en Marruecos y, accidentalmente, se ven envueltos en un complot. En camino hacia Marrakech, la familia conoce a un tal Louis Bernard (Daniel Gelin), a quien posteriormente se encontrarían, en el momento que es apuñalado. Al borde de la muerte, Louis dice a Ben que alguien está en peligro y que debe contactar a las autoridades de Londres. Pero antes de hacer algo, los autores del complot secuestran a Hank. Así acompañamos a Ben y Jo en la búsqueda de su hijo, mientras siguen la pista de quienes lo llevaron.

8. “Rebecca” (1940)

Primera película que Alfred Hitchcock realizó en Estados Unidos, de la mano del productor David O. Selznick, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine. Basada en una novela de Daphne du Maurier, cuenta la historia de una joven mujer que se casa con Maxim de White (Olivier), un hombre viudo y adinerado. Al mudarse a su gigantesca mansión, la segunda esposa de Winter descubre que la presencia de Rebecca todavía está presente en Manderley.

Con “Rebecca”, Hitchcock comenzó con el pie derecho su etapa americana. Además de ser la película que inauguró el Festival Internacional de Cine de Berlín, en su primera edición, “Rebeca” obtuvo 11 nominaciones al Oscar, de las cuales logró Mejor Película y Mejor Cinematografía. Según su entrevista con François Truffaut, Hitchcock no la consideraba una película de su autoría, pues era una película oscura a la cual le faltaba un poco de humor. Aún así, el suspenso se encuentra presente en el conflicto de los personajes.

7. “The Birds” (1963)

Sólo Alfred Hitchcock haría una película sobre pájaros, pájaros comunes y corrientes atacando a las personas. El mismo director la describía como la película más terrorífica realizada por él hasta el momento. Hitch adapta un relato de Daphne du Maurier, sólo que, al contrario que en “Rebecca”, en está ocasión se toma libertades creativas; aquí también figura como productor. De la novela toma el título y la idea del ataque de los pájaros a las personas. “The Birds” es protagonizada por Tippi Hedren y Rob Taylor.

Cuenta la historia de Melanie, una socialite de San Francisco quien conoce a Mitch Brenner, en una tienda de mascotas. Melanie ir a Bodega Bay con el par de pajaritos que él buscaba para regalar a su hermana. En el lugar, poco a poco se observa un comportamiento extraño en los pájaros, en general, de todas las clases. De repente comienzan a atacar a las personas. «Suspenso y shock más allá que cualquier cosa que hayas visto o imaginado.» Con esta película, Hitchcock reta al espectador, con un relato fantástico que queda a interpretación de quien la lee. ¿Por qué atacaron las aves? Cada quien forma su respuesta. Debutó en Festival de Cannes y recibió una nominación al Oscar por sus efectos visuales; el premio fue para “Cleopatra”.

6. “North by Northwest” (1959)

Una historia sobre la confusión de identidades, protagonizada por Cary Grant, en la cuarta y última película que realizaría con Hitchcock. “North by Nortwest” se considera una de las mejores películas del director. Cuenta la historia de Roger Thornhill (Grant), un ejecutivo, quien es confundido por George Kaplan, un agente secreto. Thornhill debe escapar de quienes le siguen y, en su fuga, conoce a Eve Kendall (Eva Marie Saint), quien le ayuda a esconderse de quienes le siguen la pista. Así Thornhill recorre el país buscando la manera de sobrevivir. Esta fue la única película que Hitchcock realizó para MGM, siendo que originalmente se trataba de la adaptación de otra novela.

La idea de “North by Northwest” vino cuando Hitch y Lehman comenzaron a poner varias ideas juntas, a partir de una idea: una persecución en el Monte Rushmore, lo que termina siendo el clímax de la película. En esta película, además de manipular el tiempo cinematográfico como él solo lo hace, el director aprovecha también el espacio en favor a la historia; un ejemplo de esto es la escena donde el personaje de Cary Grant se encuentra en el desierto. “North by Northwest” debutó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Estuvo nominada a tres premios Oscar, incluyendo las categorías de Mejor Edición, Mejor Diseño de Arte y Mejor Guión Original; pero llegó “Ben-Hur” y el resto es historia.

5. “Notorious” (1946)

Una historia de amor entre dos espías, que son asignados a una misión en Río de Janeiro para investigar a un grupo nazi. Nació como eso, un romance, pero necesitaba un elemento más. Alfred Hitchcock y Ben Hecht, guionistas, pensaron en un elemento que dirigiera la trama, lo cual causaría que el director fuera investigado durante meses por el FBI. En el imaginario de Hitchcock entraba la posibilidad de una bomba atómica y, después de realizar una consulta con expertos, se decidió que el macguffin de la película fuera uranio, uranio en una botella de vino.

Esto ocurrió un año antes de Hiroshima, “Notorius” se estrenaría al año siguiente, con Cary Grant e Ingrid Bergman como protagonistas. Alice Huberman (Bergman) es requerida por el agente especial T.R. Devlin (Grant) para infiltrarse en una organización nazi establecida en Brasil. En Rio de Janeiro, se le ordena a Alicia seducir a Alex Sebastian (Claude Rains), un amigo de su padre y líder del grupo. ¿Qué tan lejos llegará por la misión? “Notorious” es uno de los títulos con mejor estilo visual en la filmografía del director, con tomas efectivas y un montaje bien logrado.

4. “Psycho” (1960)

El título clásico y, tal vez, el más representativo del director. Este thriller psicológico es protagonizado por Janet Leigh y Anthony Perkins, como Norman Bates. Con guión de John Stefano, “Psycho” presenta a una secretaria, Marion Crane, quien toma una dinero en efectivo de su trabajo y se dirige con su amante. Después de pasar una noche en la carretera, razón por la cual un oficial le llama la atención, Marion decide detenerse en un motel, donde conoce a Norman Bates. Después de este encuentro nos acercamos más al personaje, a sus obsesiones, a su fascinación con la taxidermia, así como la serie de eventos vinculados con la desaparición de Marion.

Se considera el primer thriller que emplea el psicoanálisis como base para el personaje de Norman Bates, dando así una explicación sobre el predominio de la Madre.”Psycho” tiene la escena más emblemática del director, conocida hasta por quienes no han visto la película: la clásica escena de la regadera. Para realizar esta película, Hitchcock tuvo que reducir costos al máximo y, así, obtener el apoyo del estudio para su distribución — para ello contrató al equipo que trabajaba como base en su programa de televisión —. De nuevo, los créditos iniciales son de Saul Bass y la música, por supuesto, de Bernard Herrmann; ambos redujeron su cuota para participar en el film.

3. “Rope” (1948)

Regresamos a 1948, con una brillante película, controversial en su momento. “Rope” se basa en la obra de teatro escrita por Patrick Hamilton que, a su vez, fue inspirada en el caso de Leopold y Loeb (dos jóvenes que secuestraron y asesinaron a un chico de 14 años). En la película, dos brillantes estudiantes universitarios, Brandon Shaw y Phillip Morgan, quienes buscan demostrar superioridad cometiendo el crimen perfecto. Una tarde asesinan en su departamento a un compañero y lo esconden en un baúl. Ese mismo día, más tarde, Brandon y Phillip ofrecen una cena donde invitan al padre de la víctima, su tía, su prometida, su mejor amigo y, también, a su profesor, Rupert Cadell (James Stewart), quien les habló sobre los conceptos de Nietzche, el superhombre y el arte del asesinato.

Para esta película Hitchcock quiso filmar en un sólo plano, pero, por limitaciones de la época, era imposible. En aquel entonces los rollos de película duraban sólo 10 minutos, por lo cual planeó toda la película para que fuera filmada por diez segmentos, cuidando la transición de uno a otro con el fin de dar esa sensación de continuidad. La película fue controversial pues, aunque no se menciona en la película, queda claro que Brandon y Phillips son homosexuales. Esta fue la primera película que Hitch realizó a color.

2. “Rear Window” (1954)

Como un gran ejemplo del voyerismo característico de Hitchcock, esa invitación que le hace al espectador de observar la vida de los demás, se encuentra este filme protagonizado por James Stewart y Grace Kelly; para ambos, su segunda experiencia con el director; después de “Rope” en el caso de Stewart y la también mencionada “Dial M for Murder”, en el caso de Kelly.

“Rear Window” se centra en Jeff (Stewart), un fotógrafo profesional quien, durante una peligrosa misión, se rompe la pierna. Postrado en una silla de ruedas, sin poder salir de su apartamento, se la pasa todo el día observando el patio y a sus vecinos, a través de su ventana con a ayuda de su lente. Por medio de la observación, va asignando sobrenombres, armando historias de vida. Un día le llama la atención la ausencia de la esposa de un vecino, mientras ve a Thorwald (Raymon Burr) limpiando un cuchillo, sacando un bulto. Jeff comenta los sucedido a Lisa (Kelly) y a su enfermera Stella (Thelma Ritter), con las sospechas de un posible homicidio.

A lo largo de la película acompañamos a Jeff y Lisa observando, uniendo pistas, para conocer la verdad que oculta el vecino. Con “Rear Window”, Hitchcock tuvo especial cuidado en mostrar, en lugar de decir, lo cual resulta un ejercicio cinematográfico interesante. También da un peso especial a la puesta en escena, dando importancia debida a los elementos que se encuentran en la toma. La película recibió cuatro nominaciones al Oscar: Mejor Dirección, Mejor Guión para John Michael Hayes, Mejor Cinematografía en Color para Robert Burks y Mejor Sonido.

1. “Vertigo” (1958)

Y llegamos a la número uno, la favorita por los editores de Extracine: “Vertigo”. Si “Rear Window” era un ejemplo del voyeurismo, “Vertigo” ilustra la obsesión. Esta sería la cuarta película y última película que James Stewart protagoniza para Hitchcock, acompañado en esta ocasión por Kim Novak, otra de sus rubias. La película se centra en John Scottie Ferguson, un detective retirado de la policía de San Francisco, quien sufre de acrofobia, temor a las alturas, resultado de un episodio traumático vivido durante una investigación.

Scottie trata de superar sus miedos, pero le resulta imposible. Sin nada mejor que hacer, acepta una propuesta de trabajo de Gavin Elster (Tom Helmore), quien le contrata como investigador privado para seguir a su esposa, Madeleine Elster, asegurando se encuentra poseída. Mientras la sigue Scottie descubre que Madeleine intenta suicidarse y, poco a poco, crece una conexión entre ellos. Aún en su intento por ayudarle, Madeleine comete suicidio al arrojarse de una torre. Scottie no puede hacer nada a consecuencia de su fobia y cae en una fuerte depresión. Tiempo después ve a una mujer en la calle, que le recuerda mucho a Madeleine y la sigue con el fin de conocerla. Su obsesión con aquella chica es tal que la obliga a Judy a transformarse, poco a poco, en aquel recuerdo.

De nuevo, Hitchcock hace uso de cada elemento a cuadro para contar esta historia. En este caso tomó especial cuidado en el personaje interpretado por Novak, detallando vestimenta y peinados desde antes de comenzar a rodar la película. El ritmo también es un rasgo importante, que va llevando el personaje de Stewart alo largo de la película. “Vertigo” es otra muestra más de la impecable colaboración de Saul Bass en los créditos de entrada, así como el póster, además de la banda sonora escrita por Bernard Herrmann.

Foto: Film noir

Entre los cineastas que han dejado su marca en la evolución del cine, encontramos al gran Alfred Hitchcock. El cineasta británico aportó elementos importantes al lenguaje cinematográfico, a lo largo de su obra extendida por más de cinco décadas. El llamado maestro del suspenso desarrolló técnicas distintas que enriquecen el storytelling, logrando enganchar a los espectadores en sus diferentes historias. Seguimos los pasos de sus protagonistas, con empatía y ansiedad, dejándonos llevar por los miedos expuestos en cada filme. En sus películas, Hitchcock también se dio la oportunidad jugar, de dejar un sello distintivo, algo que hace desde el inicio de su carrera pero cobra especial fuerza con su llegada a Estados Unidos. Me refiero a sus cameos.

Alfred Hitchcock es especialmente conocido por sus cameos. El director apareció a cuadro en 37 películas, sin contar las producciones perdidas (como la que recién encontraron en Nueva Zelanda). En su mayoría son apariciones entre la gente, caminando en las calles, paseando perros, subiendo a algún transporte. En algunas películas el director tuvo que ser creativo. Tal es el caso de “Lifeboat”, filme donde la acción ocurre en un bote. En la entrevista que le realiza François Truffaut, Hitch comenta que originalmente consideró aparecer como un cuerpo flotando en el océano. Sin embargo, aprovechando que había bajado de peso, el director decide aparecer en un periódico, modelando para la publicidad de Reducto, un fármaco ficticio.

Hoy que es viernes, y recordando al cineasta, que mañana cumpliría 112 años de edad, comparto un vídeo visto en Award’s Daily. Con una duración de tres minutos y medio, podemos disfrutar de todos los cameos de Alfred Hitchcock, al menos de los filmes conocidos hasta ahora. Entre sus apariciones, en lo personal me quedo con: el anuncio en “Lifeboat” (1944); cuando pierde el autobús en “North by Northwest”; al inicio de “The Birds”, cuando le vemos salir de la tienda veterinaria con dos perritos (la imagen que ilustra este post); en “Stage Fright”, cuando voltea a ver a Eve Gill (Jane Wyman) cuando va pasando. ¿Cuál es su favorito?

Foto: Hitchcock’s Wiki

Sin tener en cuenta su retorno al Reino Unido en los años sesenta con “Frenzy”, 1940 marcaría el nacimiento de Hitchcock en la industria de Hollywood con “Rebecca”, de la mano de David O. Selznick, siendo “Jamaica Inn” la última película que rodaría en Europa, justamente un año antes. Curiosamente ambas películas tienen una cosa en común, además de su director, y es que ambas historias partían de novelas de Daphne Du Maurier. Aunque varias son las películas que se pueden destacar de su período británico, como “The 39 Steps”, “Secret Agent”, “Sabotage” o “Young and Innocent”, quisiera aprovechar mi turno en esta sección, que destaca nuestros ‘placeres culpables’, para destacar una película poco conocida de Hitchcock, que combinaba sus ya incuestionables aptitudes para el suspense con un agudo sentido del humor en una película de 1938: “The Lady Vanishes”, que protagonizaran Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Basil Radford, Paul Lukas y Dame May Whitty.

Basada en una novela de Ethel Lina White, la historia transcurre en un país ficticio de Europa central, Bandrika, en el que, debido al mal tiempo, un grupo de viajeros que regresan en tren a Londres, deben detener su viaje alojándose en un Hotel de una remota localidad. Si algunas cosas curiosas suceden esa noche, a la mañana siguiente, cuando reanudan su viaje, una encantadora señora que responde al nombre de Froy (May Whitty), desaparece, tal y como adelanta el título de la película, dejando a la protagonista, Iris Henderson (Margaret Lockwood), inmersa en una pesadilla, pues nadie parece haber visto a la señora Froy, ni siquiera antes de que esta desaparezca, cuestionando siquiera que haya existido.

Si en su etapa estadounidense le costaría transmitir su sentido del humor, que quedaría tímidamente plasmado en filmes como “The Trouble with Harry” o la incomprendida “Mr. & Mrs. Smith”, en su etapa británica no tendría ningún problema para compaginarlos en la misma película, pues esta misma dualidad entre humor y suspense la podemos encontrar en títulos previos como “The 39 Steps” o “Young and Innocent”. Sin pasar de alto la posible influencia de Ernst Lubitsch, llama la atención la ironía de algunos personajes a través de los cineasta aprovecha para ¿¡incluir una relación homosexual!? No sería la única vez que lo vemos en un título de Hitchcock. Sin embargo, debo advertir que toda la gracia se acaba en el momento en que la señora Froy desaparece, convirtiéndose repentinamente en un intenso filme de suspense en el que al identificarnos con Iris, sufriremos su misma desesperación.

“The Lady Vanishes” sería en su tiempo uno de los mayores éxitos del cineasta, que le pondrían en muy buena posición para negociar su salto al otro lado del charco. De hecho, sería nombrada por el New York Times como la mejor película de 1938, así como el Círculo de Críticos de Nueva York otorgaría al cineasta el premio al Mejor Director.

Como curiosidad, destacar que fue la primera película en la que intervenía Michael Redgrave, posteriormente rebautizado como Sir Michael Redgrave por la gracia de su Majestad. Un actor desconocido en aquel entonces para el público de cine, pero muy reputado entre los habituales del teatro, que posteriormente se alzaría con un premio en Cannes por su interpretación en “The Browning Version”. Muchos son los filmes a los que aportaría sus magníficas aptitudes interpretativas como “Mourning Becomes Electra”, “Secret Beyond the Door…”, “The Importance of Being Ernest”, “Mr. Arkadin”, “The Innocents”, “The Loneliness of the Long Distance Runner”, “The Hill” o “Goodbye, Mr. Chips”. Su linaje se prolongaría en varias generaciones de actores y actrices de los que su última representante viva será Vanessa Redgrave.

Actriz de teatro antes de iniciarse en el cine donde destacara en títulos como “The Thirteenth Chair” o “Maria Walewska”, Dame Mary Whitty, volvería a trabajar con el mago del suspense en “Suspicion” y, habiendo recibido una nominación a la Mejor Actriz de Reparto por su interpretación en “Night Must Fall”, posteriormente conseguiría una segunda por su papel en “Mrs. Miniver”. No dejen de revisar un título que les hará pasar un rato divertido, a la vez que les llevará por el frenesí que caracteriza las obras del mago del suspense.

La producción de remakes no es algo nuevo, ni propio del Hollywood que conocemos actualmente. A lo largo de la historia del cine, ya con un poco más de 100 años, se han contado y recontado varias historias, en diferentes épocas, una y otra vez. Cada versión surge por diferentes razones, con distintos resultados. “Ben-Hur” , la versión que todos conocemos, la protagonizada por Charlton Heston en 1959, fue la tercera versión que llegó al cine; aclamada por la crítica y el público, recibió 11 premios Oscar.

Lo vemos con las películas consideras extranjeras en Hollywood, las cuales adoptan y adaptan. Se retoman historias clásicas, fórmulas que funcionaron en algún momento. Con cada remake se intenta plasmar la visión del director en turno. Hasta existen casos, pocos, en donde el mismo director hace un segundo ejercicio con una misma historia. “The Man Who Knew Too Much”, de Alfred Hitchcock, es un gran ejemplo de esto.

Pero qué ocurre cuando un director decide hacer un remake a copia calca de un clásico del cine. Hoy confieso que no soporto el intento de Gus Van Sant por recrear “Psycho”.

En 1998, como homenaje a Alfred Hitchcock, Gus Van Sant presenta su versión de “Psycho”. La historia es la misma que la original, exactamente igual: una secretaria, de nombre Marion Crane, roba dinero de su trabajo y, posteriormente, llega a un motel donde conoce a Norman Bates, quien vive bajo en dominio de la Madre. Pero no sólo la historia es la misma.

Aquí las palabras copia calca toman sentido. Los encuadres, los movimientos de cámara, la música, cada detalle fue cuidado para emular el trabajo de Hitchcock. El director hasta tenía un reproductor con “Pyscho” como guía, como si fuera el storyboard. Hasta los pequeños errores en la película original, Gus Van Sant los reprodujo tal cual. El director tuvo la oportunidad de seguir cada pauta de su Maestro. Desafortunadamente, se preocupó más en realizar una copia exacta (ahora a color) que darle una voz propia contando su versión.

“Psycho” de 1998 es una película tan similar a la original, pero también se perciben ciertas diferencias. Y no sólo hablo del salto al color. Aunque los personajes son los mismos, por desgracia, el reparto tiene mucho que ver en esto. En la versión de 1998, Marion Crane es interpretada por Anne Heche, quien no termina de encajar en el personaje; más parece una marioneta que una actriz siguiendo un libreto. En el papel de Norman Bates tenemos a Vince Vaughn, que por momentos le creemos su locura, sin embargo, no llega ni a los talones a la interpretación de Anthony Perkins.

En el caso de Lila Crane y Sam, estos son los únicos personajes que parecen transportados a un contexto contemporáneo, respetando su misma función en la trama. Es su vestimenta, su expresión, su actitud. Aunque se hace nota la intensión de plantear de manera distinta estos personajes, el trabajo de Julianne Moore y Viggo Mortensen resulta insuficiente para sacar los personajes adelante (¿o será la mala dirección?). El cuadro por cuadro, la copia de la narrativa, no tiene punto si no se logran los personajes.

Gus Van Sant, si acaso, modificó algunos movimientos de cámara, empleando tomas que Hitchcock quería pero que en 1960 era imposible lograr por las limitaciones tecnológicas. La toma inicial es un gran ejemplo; se establece el lugar hasta entrar al cuarto donde vemos a la pareja en cama. Así como esta toma y el movimiento de cámara, ocurrió lo mismo con un par de líneas que en aquellos años eran motivo de censura — como la escena en la oficina, cuando el cliente le sugiera a Marion tomar unas vacaciones en Las Vegas —.

Otra diferencia es la escena donde Bates observa a Marion a través de un agujero, mientras se masturba. Con una buena edición, hubiera logrado mejor efecto (pero dejemos al autor hablar por si mismo aunque sea en esta escena). Y, por supuesto, el montaje de la clásica escena en la regadera. Además, a color, termina perdiendo fuerza. Alfred Hitchcock logró dicha escena, a blanco y negro, con un presupuesto mínimo; de hecho, el equipo técnico de su filme fue el mismo que trabajaba con él en su programa de televisión Alfred Hitchcock presents…

En general, el resultado es un filme fallido, pero que queda como un ejemplo importante para todos los cineastas que tengan en mente realizar algo similar. Si bien los remakes seguirán existiendo, “Psycho” de Gus Van Sant muestra que un ejercicio realizado cuadro por cuadro termina siendo una copia sin chiste, donde lo único que se logra es imitar, más no aprender de una obra clásica. No existe propuesta. No hay evolución en el lenguaje cinematográfico. Nada. ¿Cuál es el punto de re-producir un filme? Creo que seguiré sin entender el propósito de Gus Van Sant.

El cine de Alfred Hitchcock funciona en una lógica que cuesta entender. El tipo era un maestro. Tenía códigos secretos para cada una de sus cintas y siempre trataba de entregar emocionalmente todo lo que podía. De hecho, muchas veces sin muchos recursos y sólo con la magia de un juego de cámaras, lograba dejar boquiabiertos a todos los espectadores de sus cintas. Ahí es donde nacen los buenos momentos, las buenas escenas, ésas que se quedan en la memoria y que son imborrables.

A estas alturas, hablar de la “escena de la ducha” de “Psycho” es un cliché tremendo. De hecho, ya ni siquiera vale la pena destacarla porque, de verdad, el que no entienda el gran valor de ese trozo de película, no está sintiendo bien el cine de un realizador como Hitchcock. Entonces, ¿de qué les quiero hablar? De un pedazo bastante particular, donde, en la misma película que recién les mencioné, podemos entender cierta psicología del personaje de Norman Bates. Un poco de sus miedos, de sus convicciones y de todo lo que rodea su retorcida mente.

A lo largo de la cinta, hay varios momentos donde no hay nada más que diálogos. Diálogos cerrados sin música y sólo con la expresión y buena interpretación de los actores. Hay una en particular, que siempre me ha llamado la atención porque, efectivamente, explica, de manera sutil, como le gusta a Hitchcock, lo que sucede en la mente del psicótico personaje. En YouTube, la encontré con el título de “We All Go A Little Mad Sometimes” y creo que no puede tener un nombre más acertado.

¿Qué vemos? A Norman hablando con la señorita Crane. La discusión trata acerca de los problemas mentales que podría tener su madre y de porqué no la deja en alguna institución para locos. La conversación se sube un poco de tono y Bates, con su cara totalmente perdida, le dice que no, que su madre no puede herir a nadie, que esos lugares son horribles, que se mezcla la risa con el llanto y que su progenitora no está loca, sólo a veces se pone loca. A lo que continua con la frase, “bueno, todos nos volvemos locos de vez en cuando”. Sentencia que, bajo mi punto de vista, refleja completamente el prisma bajo el que está vista la cinta. La locura, la demencia. Esos segundos en que no somos nosotros. A todos nos ha pasado.

La maestría de esta escena termina siendo llevada a un plano mayor gracias a la genial actuación de Anthony Perkins, quien le da vida al desquiciado Norman Bates. Aquí se demuestra claramente cómo un actor, solamente con el uso de sus caras, su tono de voz y la energía que transmite, puede transformar el entorno, puede convertir una conversación amena en algo que, para los espectadores, llega a ser aterrador.

¿Por qué esta escena? Porque tiene dos cosas que siempre han existido en el cine de Hitchcock: grandes diálogos y actuaciones notables. Además, como les mencioné, acá no hay un uso de palabras aleatorias, acá todo está pensado. Ésta es la declaración de principios de un hombre loco, de alguien que busca dar a conocer sus miedos y que quiere generar simpatía con la persona que tiene en frente. Simplemente genial.

¿Y, ustedes? ¿Se han vuelto locos alguna vez? Aunque sea por un par de minutos. Vamos. No mientan. Yo sé que lo han hecho. Quizás no a este extremo, pero todos tenemos nuestros secretos.

¡Qué no habrá escondido en Nueva Zelanada! Si hace poco más de un año descubrían una increíble colección de setenta y cinco películas estadounidenses que se creían perdidas para siempre, ahora nos llegan noticias, vía LA Times, del hallazgo de la **primera película en la que trabajara profesionalmente Alfred Hitchcock**, “The White Shadow”, tal y como anunciaban el miércoles pasado el National Film Preservation Foundation (Fundación Nacional para la Preservación del Cine) y el Archivo Cinematográfico de Nueva Zelanda.

No se trata de la ópera prima como director del cineasta londinense, ni de la película completa, pues de los seis rollos que componen el filme solo se han encontrado tres, sino de treinta minutos de un melodrama de 1923 dirigido por Graham Cutts, en el que el que posteriormente sería conocido como el mago del suspense ejercía funciones de guionista, ayudante de dirección, montador y diseñador de producción, por lo que no se debería desdeñar la influencia de Hitchcock en el resultado final. Protagonizada por Betty Compson y Clive Brook, “The White Shadow” podrá ser vista el próximo 22 de septiembre en el Samuel Goldwyn Theatre de la Academia de las Artes y las Ciencias estadounidense. Dos años después de la realización de la película, Alfred Hitchcock dirigiría “The Pleasure Garden”, su segundo filme como realizador tras el inacabado y perdido “Number 13”.

La película fue descubierta en una colección sin identificar de películas estadounidenses que habían permanecido en el archivo de Nueva Zelanda desde 1989. Año en el que Tony Osborne, nieto del proteccionista y coleccionista cinematográfico Jack Murtagh, incorporó al archivo el inestable material de nitrato. Debido a que el archivo está financiado para la restauración de filmes neozelandeses, no se había prestado mucha atención a un paquete de estrenos de los Estados Unidos, en el que se encontraba la película británica que tuviera un estreno estadounidense de la mano de Lewis J. Selznick Enterprises en 1924. Curiosamente sería quien quince años más tarde su propio nieto, el productor David O. Selznick, quien traería al ya cineasta británico a tierras americanas para la realización de “Rebecca”.

Si uno de los libros de cabecera de cualquier cinéfilo debería ser El cine según Hitchcock, aquellas magníficas conversaciones que el cineasta británico mantuviera con el también estupendo cineasta francés, François Truffaut, la filmografía de Alfred Hitchcock es una de las que más fácilmente se presta a revisión. No sólo por lo entretenidas que son sus películas, sino por su interés cinematográfico, y porque además debe ser de las pocas que están editadas al completo en DVD, incluyendo su etapa muda de la que incluso un servidor, todavía no ha visto todos sus títulos y que, indudablemente, puede ser un entretenimiento más que válido y estimulante para las noches estivales.

En mi personal reconocimiento de Ricciotto Canudo y el centenario de su Manifiesto de las Siete Artes, que la semana asada nos introducía en la primera parte de su texto que hablaba sobre la edad en la que se encontraba el Séptimo Arte a pocos años de su nacimiento, ahora podremos comprobar, a través de la segunda parte de su teoría, la manera en la que Canudo incorpora las Siete Artes en una pirámide que será finalmente coronada por el cine como arte que engloba todas las demás formas de expresión artística:

Y aqui va a ser necesario explicar una vez más, rápidamente, aquella teoría ya conocida en los círculos más iniciados como la Teoría de las Siete Artes. La fuente que hemos encontrado nos la revela en toda su claridad. Descubrimos que, en realidad, dos de estas artes surgieron originariamente del cerebro humano para permitirle fijar todo lo efímero de la vida, en lucha contra la muerte de las apariencias y de las formas, enriqueciendo a las generaciones con la experiencia estética. Se trataba, en los albores de la humanidad, de algo que completase la vida, elevándola por encima de las realidades fugaces, afirmando la eternidad de las cosas ante las que los hombres experimentaban una emoción. Así se crearon los primeros focos de emoción, capaces de irradiar sobre todas las generaciones lo que un filósofo italiano llama «el olvido estético», es decir, el goce de una vida superior a la vida, de una personalidad múltiple que cada uno puede crearse al margen y por encima de la propia.

En mi Psychologie musicale des Civilisations (París, Sansot, 1908) ya señalé que la Arquitectura y la Música habían expresado inmediatamente esta necesidad ineluctable del hombre primitivo, que intentaba “retener” para sí mismo todas las fuerzas plásticas y rítmicas de su existencia sentimental. Al construir la primera cabaña, al bailar la primera danza con el mero acompañamiento de la voz como pauta para mover los pies sobre el suelo, ya había descubierto la Arquitectura y la Música. Más tarde embelleció a la primera con la representación de los seres y de las cosas cuyo recuerdo deseaba perpetuar, mientras añadía a la danza la expresión articulada de sus movimientos: la palabra. De esta forma había inventado la Escultura, la Pintura y la Poesía; había concretado su sueño de inmortalidad en el espacio y en el tiempo. A partir de aquel momento el Ángulo estético había aparecido ante su espíritu.

Si bien comparto la opinión del teórico italiano, con respecto a que en el cine podemos encontrar todas las formas de expresión artística englobadas en una sola, sí creo que hace falta puntualizar una sola cosa: que mientras las seis primeras formas de expresión son individuales, el cine es la única que se realiza de forma colectiva. Si bien unas veces nos encontramos con obras en las que prevalece una forma de expresión artística sobre las otras, también es justo señalar que la mayoría de las veces una obra cinematográfica responde a las inquietudes de dos fuerzas intelectuales primigenias: el productor y el director. Mas remitiéndome a las palabras que escuchara una vez de boca de Bigas Luna en una clase magistral: “si el productor es el padre, el director es la madre”, me inclino a pensar que la responsabilidad final de cada propuesta es producto de la unión entre estos dos profesionales, o del mayor peso o influencia que uno de ellos tenga sobre el otro.

Por citar dos claros ejemplos de cada una de las figuras, pocos podrán contradecirme si afirmo que las producciones de David O. Selznick respondían más a su criterio colosal y grandilocuente que al de la mayoría de los directores que puso al frente de sus proyectos, siendo el ejemplo más claro el de “Gone with the Wind”. En el polo opuesto tenemos a Alfred Hitchcock, ejemplo de cineasta que se apodera de cualquier proyecto que aborda, haciéndolo suyo al incorporar su personal concepto estético. Curiosamente, podemos encontrar una obra que se beneficia de ambas personalidades, una hija que tiene tanto de su padre, como de su madre: “Rebecca” pues podemos considerarla tanto un exacerbado melodrama del estilo del productor estadounidense, como una obra llena del morbo, misterio y suspense del cineasta británico.

En cualquier caso, y tratando de justificar la pirámide de Ricciotto Canudo, propongo a continuación un esquema que establece, desde mi punto de vista, el vínculo de cada una de las principales disciplinas audiovisuales con las seis artes anteriores:

• La arquitectura visual que proporciona, desde un punto de vista interno, el diseñador de producción, bajo cuya responsabilidad se desarrolla la dirección artística, los decorados y el vestuario; pero también desde un punto de vista externo, de cara al producto final que veremos en pantalla y la organización de los diferentes elementos como el plano, el punto de vista de la cámara, el encuadre o la composición, que organizan el espacio según el criterio y la concepción visual del director de la película.
• La coreografía que nace de la acción, tanto por el movimiento dentro del plano con los movimientos de los actores, como fuera del plano con los movimientos de cámara.
• La palabra y poesía que proceden del guión: el primer elemento de la producción audiovisual que queda establecido por el guionista, único profesional de la cadena cinematográfica que no participa ni en el rodaje ni en la posproducción.
• La pintura que surge con las posibilidades plásticas que ofrecen la luz y el color, modelados por el director de fotografía, siguiendo unos preceptos marcados en colaboración por el diseñador de producción y siguiendo siempre los intereses del director.
• La música y los diferentes ritmos que proporcionan tanto la manipulación del tiempo a través del montaje, como el propio universo sonoro que se aporta con la llegada del sonido y la incorporación de voces, ruidos y sonidos diegéticos, además de la música y canciones que se incorporan a la banda sonora.
• La escultura y el sentimiento que aportan actores y actrices de escuelas tan dispares como las rusas con los diferentes métodos de Stanislawski, Meyerhold o Eisenstein, el expresionismo de Reinhardt, el estereotipo del star system, el sentimiento del Actor’s Studio, el naturalismo y otras maneras de transmitir la emoción a partir no sólo de la palabra, sino, casi más importante, del cuerpo del actor.

Está claro que a la hora de hacer una nueva versión de una película de Alfred Hitchcock, mejor coger una de sus obras consideradas menores, que grandes títulos como “Vertigo”, “Rear Window” o “Notorious”. O, por lo memos, debe ser lo que pensaban en Paramount para hacerse con los derechos para hacer el remake de “To Catch A Thief”, la película de 1955 protagonizada por Cary Grant y Grace Kelly.

En una entrevista a Latino Review, el guionista Josh Stolberg, responsable de textos para “Piranha 3D”, “Sorority Row” o “Good Luck Chuck”, se encarga de darle un giro a la historia original, tal y como revelan en The Playlist.

Escribí, con Bobby (Florsheim), una nueva versión de “To Catch a Thief” para Paramount. Neal Moritz está produciendo, y es muy emocionante porque es una de mis películas favoritas de Hitchcock y es divertido volver a ella desde un ángulo diferente, hacerla un poco más moderna y entretenida. Nunca he escrito otro guión que tuviera tal cantidad de secuencias de robos y acción… y fue como una inyección. (…) Estoy realmente emocionado. Hace sólo un par de meses que entregamos el guión al estudio y ya están trabajando en el reparto. La acción transcurre en Santarini… será un cuaderno de viaje de los lugares más increíbles del planeta… va a ser muy divertido, un viaje muy divertido, según creo.

Muy emocionado está Stolberg con el proyecto, pero si tenemos en cuenta que el tal Moritz que produce es el responsable de títulos recientes como “Fast Five”, “Battle: Los Angeles” o “The Bounty Hunter”, tampoco es que le falte aliciente. Dado el material previo de uno y otro, igual les da por hacer una película de acción y amor, pero con adolescentes. Sea como fuere, la duda, ahora mismo, no creo que sea ni siquiera quién va a interpretar el personaje de Cary Grant, como quién será la que se ponga en el lugar de Grace Kelly.

Para los que no estén muy familiarizados con la película recordarles que Cary Grant interpreta a John Robie, un ladrón de joyas reformado anteriormente conocido como “el gato”. Por eso se convierte en el principal sospechoso cuando se suceden una serie de robos en los más lujosos hoteles de la Riviera francesa, por lo que se dispone a hacer todo lo posible para limpiar su nombre, dado que deja la misma marca que dejara él en sus robos. Cuando conoce a una rica heredera, Frances —-personaje interpretado por Grace Kelly—-, y utilizando como señuelo las fabulosas joyas de la madre de la joven, ve la oportunidad de desenmascarar al misterioso ladrón. ¿O será ladrona?

Empire Online parece ser uno de esos sitios en donde los editores se rompen la cabeza con el objetivo de poder clasificar, frente a cualquier evento nuevo, una serie de injusticias en un cómodo ranking para que todos la puedan disfrutar. Y qué mejor circunstancia que los premios que siempren dejan poco conformes a la mayoría de los seres humanos interesados por el séptimo arte: hablamos nada más ni nada menos que de los premios Oscar, a entregarse este mismísimo fin de semana. Como para tener presente la polémica que seguramente se dará entre un premio inesperado y otro, vale la pena tener en cuenta una serie de injusticias que han hecho que tanto la ceremonia como todos los sucesos posteriores quedaran atravesadas por la ignominia y el oprobio: revisemos apenas diez premios no tan merecidos como para hacer un poco de memoria y ofendernos retrospectivamente.

10. “Brokeback Mountain” (2005) Vs. “Crash” (2004)

Esta es una de las instancias más raras de los premios: todo el mundo sabe que, pese a que “Crash” se alzó con el premio a mejor película, la cinta que había cautivado la atención tanto de la prensa como del público era nada más ni nada menos que la ahora mítica “Brokeback Mountain”, cinta que supo explorar uno de los tópicos que quedaban para la vida de los vaqueros con elegancia y atractivo masivo, tal como lo demostró el hecho de haber instalado una discusión legítima dentro de la opinión pública. Veremos qué sucede con esta cinta con el paso del tiempo, pero huelga decir que como mínimo el premio se lo merecía la primera sobre la segunda.

9. “Singin’ In The Rain” (1952) Vs. “The Greatest Show On Earth” (1952)

Ven, esto es increíble: “The Greatest Show On Earth” pudo haber estado muy buena para su tiempo, pudo haber demostrado qué se podía llegar a hacer en el cine de su tiempo y demás, pero… ¿”Singin’ In The Rain” no ganó el premio a Mejor Película de su tiempo? ¿De verdad? ¿Estamos hablando de una de las películas qeu estructuró la manera de hacer cine, instaló con fuerza el género de musical dentro de lo que es el cine, ofreció un espectáculo audiovisual que aún en nuestros días sigue generando consecuencias? Bueno, este es un claro ejemplo de injusticia.

8. John Cazale Vs. George Burns

John Cazale es uno de los actores más trascendentes de su generación, sin lugar a dudas, pese a que tuvo una corta participación como actor cinematográfico debido a su joven deceso, víctima del cáncer. “Dog Day Afternoon” (1975) fue una de esas cintas polémicas que también, al estilo de “Brokeback Mountain”, supieron instalar en su momento una polémica que hasta el día de hoy tienen una fuerte influencia en más de una discusión referente a temas tan complejos como los límites de la ley y su problemática aplicación a casos concretos, con personas efectivas sufriendo serios problemas personales, además de toda la distancia real con respecto a lo que fue planificado como un golpe maestro y el terrible desenlace de la situación. No puedo decir que “The Sunshine Boys” (1975) y Burns fueron tan mala elección, pero hay que sopesar retrospectivamente el peso que tiene una producción sobre la audiencia antes que por el cariño de ciertas figuras. Aunque, en el caso de Cazale, personalmente, se junten las dos cosas.

7. Robert Zemeckis Vs. Quentin Tarantino

“Forrest Gump” (1994) es una digna merecedora de todos los premios que se llevó allá por el año 1994, pero claro, el problema en el rubro del Mejor Director es una constante: Zemeckis realizó una labor más que digna, el tema es que Tarantino, en algún punto, lo superó al proporcionar una de las películas básicas para cualquier admirador del Séptimo Arte: “Pulp Fiction” (1994) es un trabajo que cualquiera envidiaría, y el paso del tiempo nos dirá qué queda de cada uno de estos contrincantes, además de cómo se lee el hecho de que uno se haya llevado la estatuilla y el otro no.

6. Steven Spielberg Vs. Warren Beatty

Bueno, acá sí que estamos frente a un caso un poco más definido que el punto anterior: “Raiders of the Lost Ark” (1981) es un trabajo cuya vigencia no se ha visto para nada alterada con el paso del tiempo, mientras que no podemos decir lo mismo de “Reds” (1981) de Beatty: ¿cuál de los dos trabajos como directores tendría que haberse premiado en esta contienda? Es claro que el de Spielberg, pese a que lograría alzarse con el muñequito dorado en el año 1993 con “The Schindler´s List”.

5. Stanley Kubrick Vs. Carol Reed

“2001: A Space Oddissey” (1968) es una película excepcional por donde la miremos, y Kubrick ha sido un director de esos pocos que existen, sin lugar a dudas, dejando una huella imposible de olvidar en la producción cinematográfica occidental. Ahora bien: “Oliver!” (1968) le permitió a Reed alzarse con el premio por una producción de la cual dudo mucho se vaya a hablar con tanta insistencia como la película que inició el género de los viajes espaciales y la ciencia ficción repensada cinco años después del primer alunizaje: es claro que el premio fue inustamente otorgado, y que Kubrick nunca, nunca constituyó uno de los nombres favoritos de la crítica.

4. Alfred Hitchcock Vs. Vincente Minelli

“Vertigo” (1958) es casi todo lo que una película debe ser: ¿podemos decir lo mismo de “Gigi” (1958)? Es claro que Hitchock se merece este premio y muchísimos más, tanto en vida como post-mortem —- más de un reconocimiento se le otorga en cada producción cinematográfica posterior a su labor —-; se sigue sin entender cómo pudo alzarse Minelli con un premio que a todas luces pertenecía al maestro inglés.

3. Francis Ford Coppola Vs. Robert Benton

Si hay una película con altas pretensiones que logra conquistar asombrosamente, esa cinta sin lugar a dudas es “Apocalypse Now” (1979), película que perdió en términos de Mejor Dirección frente a otro gran trabajo, “Kramer Vs. Kramer” (1979), pero que no constituye esa especie de monumento a la cinematografía que es el trabajo de Coppola: una cruda crítica tanto a la guerra de Vietnam como a Occidente, un viaje de transformación en donde se encuentran capas y capas de denso trabajo artístico: eso, mis muy queridos, es más que un breve reconocimiento a un trabajo monumental que no se alzó con la estatuilla que correspondía.

2. Martin Scorsese Vs. Robert Redford

Esta es una de las injusticias más grandes de los premios Oscar, sin lugar a dudas: “Raging Bull” (1980) es una obra con todas las letras, completísima, eclipsante, nueva, diferente; no creo que se pueda decir lo mismo de “Ordinary People” de Redford, pero creo que este premio mal otorgado está en la misma línea que la falta de reconocimiento que en su tiempo se presentaba como constante para toda esta nueva generación de directores, como Scorsese, Coppola y Spielberg: es un cine con una figura de director nueva y fuerte frente a un tipo de trabajo que apunta más al lado del director de teatro, quiero decir, el director de actores: dos modelos de cine circunstancialmente enfrentados.

1. “How Green Was My Valley” (1941) Vs. “Citizen Kane” (1941)

Aquí se ubica una de esas injusticas complejas pero que vale la pena mencionar: Orson Welles es uno de los directores que formó el cine Occidental, así, sin más palabras: es un básico, es la línea por la cual todo otro director debe medirse, ya sea en trabajo técnico o actoral, dando uno de los mayores mitos de la producción artística de este lado del mapa, nada menos que “Citizen Kane”. El problema es que casi lo mismo se puede decir de John Ford, por lo que el premio que ganó en su momento no es tan injusto como todos los otros que hemos repasado: sin embargo, quiero rescatar aquí que sin lugar a dudas la Mejor Película no sólo de ese año, sino del siglo, otra vez, la película fundadora de una manera de contar, es la de Welles y no tanto la de Ford… Aquí, mis amigos, estamos frente a una complicada contienda de box que sólo puede ganarse por puntos.

Apenas un breve listado para invitarlos a ver alguna de las películas mencionadas para que saquen sus propias conclusiones. Este domingo tendremos seguramente nuevas instancias para preocuparnos y, esperemos, ningún nombre nuevo a la lista de los infames galardones entregados.

Uno de los proyectos que se lleva retrasando desde hace varios años es la adaptación cinematográfica del libro de Stephen Rebello, titulado Alfred Hitchcock and the Making of ‘Psycho’. En él se narra la historia sobre los hechos originales en los que está basada la famosa película Hitchcock, “Psycho”, además de la propia producción de la película, con los problemas comunes en este tipo de producciones y cómo consiguió solventarlas el director británico, y por último habla de obras posteriores que se han visto inevitablemente influidas por ella.

Cuando todo parecía que el proyecto nunca saldría adelante, Montecito Pictures Company, la productora de Ivan Reitman, vuelve a retomar su interés por la adaptación y parece que harán todo lo posible para llevarla finalmente a las pantallas. Este no sería el primer trabajo del estudio basado en material de Hitchcock, puesto que ya realizaron “Disturbia” una especie remake protagonizado por Shia LaBeouf sobre otra famosísima obra del director británico: “Rear Window”.

En cuanto a los rumores sobre el posible reparto y al director, algunos nombres que han surgido son el del debutante Sacha Gervasi para dirigir la obra, cuyo papel principal siempre ha sido el de guionista en obras como “The Terminal”. Más interesante es el nombre que ha cogido fuerza para interpretar a Hitchcock: Anthony Hopkins. Recordemos que cuando el director británico realizó “Psycho”, contaba con unos 59 años de edad, mientras que Hopkins actualmente ronda los 73. Claro que no sería la primera vez que el maquillaje y los retoques digitales hacen milagros en una película. Aún no han trascendido datos sobre una posible fecha de estreno aunque provisionalmente llevará el mismo título que el libro.

Por ahora, parece que el proyecto sigue adelante y la productora tiene mucho interés de conseguir una gran película, sobre todo si cuenta con un protagonista de altura como es Hopkins. Además, parece que se ha puesto de moda en Hollywood hacer obras basadas, o al menos que estén influenciadas por Hitchcock y su carrera, puesto que recordemos que este año llegará a los cines “Number 13”, donde se habla de la última e inacabada obra del director, de triángulos amorosos y de misteriosos asesinatos. Esta vez el actor que interpretará a Hitchcock es Dan Fogler.

Vía: WorstPreviews | Foto: TiempoRecuperado

En el año en el que se cumple el 50 aniversario de “Psycho”, una de nuestras películas de terror favoritas, y la que supone el salto de Alfred Hitchcock del cine clásico al cine moderno, casi sería imperdonable no reconocer y recordar al autor de un sencillo acorde repetido tres veces, que todos hemos entonado en alguna ocasión, acompañado de un sencillo balanceo de brazo como si estuviéramos empuñando un cuchillo, y que es, además, uno de los más influyentes músicos y compositores que ha dado el cine para la música, o viceversa: Bernard Herrmann.

Nominado al Oscar en 5 ocasiones —-que consigue únicamente por “All the Money Can Buy”—-, Bernard Herrmann nace en la ciudad de Nueva York un 29 de de junio de 1911. Es su propio padre quien le encamina por el sendero de la música llevándole a la ópera y animándole a tomar clases de violín. Tras ganar un concurso de composición con 13 años y formar su propia orquesta con 20, The Chamber Orchestra of New York, en 1934 entra a formar parte de la CBS como director de orquesta. En nueve años se convierte en el principal director de orquesta de la CBS Symphony Orchestra, desarrollando una interesante carrera a través de las ondas, retransmitiendo programas de radio innovadores y arriesgados en los que incluye piezas de música que no era frecuente escuchar en los conciertos de música clásica, así como introduciendo trabajos de compositores poco conocidos.

Coincidiendo con este primer período radiofónico, Bernard Herrmann conoce a Lucille Fletcher, con la que inicia una relación que, a pesar de la oposición de familiar, debido a su condición de judío y una personalidad obstinada y prominente, se convierte en su esposa en 1939. Guionista y colaboradora de Bernard en algunos de sus trabajos, como la adaptación del libreto para la ópera “Wuthering Heights”, Lucille se divorcia en 1948. Tras Liculle, se casa con Lucy Anderson, prima de la primera, con la que estaría casado desde 1949 hasta 1964. Finalmente, en 1967, se casa con Norma Shepherd, que le sobrevive a su muerte en 1975.

Pero volviendo a la radio, es allí donde conoce a un prometedor, talentoso y arrogante joven: Orson Welles. Para él que no sólo escribe música original y hace arreglos orquestales como acompañamiento para el Mercury Theatre, sino que es el director de orquesta de la mítica emisión de la adaptación radiofónica llevada a cabo por el propio Orson Welles de la no menos mítica obra de H. G. Wells, “The War of the Worlds”, que marca el final de la etapa radiofónica y el principio de la cinematográfica de ambos.

Herrmann en Welles y su legado

• “Citizen Kane” (1941)
• “The Magnificent Amberson” (1942)
• “The Day the Earth Stood Still” (1951)
• “Bitka na Neretvi” (1969)

Orson Welles le encarga a Bernard Herrmann la composición de la partitura de su primera película, “Citizen Kane”, que sería posteriormente considerada como la mejor ópera prima de todos los tiempos. Para ella herrmann desarrolla una espléndida banda sonora dinámica y enérgica que sabe ser misteriosa, romántica y sensible cuando lo necesita y que marca las señas de identidad que Herrmann desarrollará a lo largo de su carrera.

Para su segunda película Welles vuelve a contar con Herrmann, pero igual que el cineasta solicita que se retire su nombre de los títulos de crédito, ante un montaje realizado por la productora, presa del pánico y sin su autorización, Bernard Herrmann haría la misma petición con el mismo pretexto al haberse incluido fragmentos musicales sin su consentimiento. En cualquier caso, al igual que estéticamente la película sigue la estela de “Citizen Kane”, su partitura continúa en la misma línea por lo que a pesar de sus peticiones, director y compositor se reconocen perfectamente en el resultado.

Si en 1941 Robert Wise fuera en montador de “Citizen Kane”, diez años después, ya como director, recurre a un ya consagrado Bernard Herrmann que demuestra que sabe adaptarse al tema y estilo visual que se le plantea en “The Day the earth stood Still”, con una partitura que incluye una de las primeras experimentaciones con música electrónica al incluir el curioso sonido del theremin e incorporarlo como una sección más de la orquesta. La influencia de esta partitura se deja notar en Danny Elfman, admirador confeso de Herrmann, cuyo interés por la música de cine nace con esta película, algo que evidencia en su partitura para “Mars Attacks!”. En este caso, la influencia traspasa la pantalla para “contaminar” a DJs y productores musicales contemporáneos como Timo Maas que le rinde un claro homenaje en un tema interpretado por Kelis y llamado Help Me.

El cineasta yugoslavo Veljko Bulajic, influido también por la obra de Orson Welles, que participa como actor en su película nominada para el Oscar a la mejor película extranjera, “Bitka na Neretvi”, solicita también los servicios de Bernard Herrmann para la composición de la banda sonora en una especie de homenaje al cineasta, además y a través de su compositor, una ecuación que se repetirá con otros cineastas con los que el compositor trabajará en el futuro.

Herrmann y un cierto cine gótico noir

• “All That Money Can Buy” (1941)
• “Jane Eyre” (1943)
• “The Ghost & Mrs. Muir” (1947)
• “On Dangerous Ground” (1952)
• “Hangover Square” (1945)

De entre todas las composiciones para cine de Bernard Herrmann, la fascinante partitura que compusiera para la película “The Ghost & Mrs. Muir” sería su favorita. Una música envolvente y misteriosa, perfectamente adecuada para el ambiente gótico con influencias del expresionismo de la primera etapa de Joseph L. Mankiewicz, con quien volvería a colaborar en “5 fingers”. Retornaría al universo etéreo y romántico de la señora Muir para rescatar algunos acordes para su ópera Wuthering Heights.

Herrmann en el cine exótico

• “Anna and the King of Siam” (1946)
• “The Snows of Kilimanjaro” (1952)
• “White Witch Doctor” (1953)
• “The Egyptian” (1954)

Ecléctico y adaptable, aunque totalmente coherente a su estilo, Bernard Herrmann trabaja en una serie de películas desarrolladas en ambientes exóticos que le permiten experimentar con instrumentos como el serpentón, que utiliza en “White Witch Doctor”.

Herrmann en el cine fantástico

• “Benneath the 12-Mile Reef” (1953)
• “The 7th Voyage of Simbad” (1958)
• “Journey to the Center of the Earth” (1959)
• “The Three Worlds of Gulliver” (1960)
• “Mysterious Island” (1961)
• “Jason and the Argonauts” (1963)

Como una especie de fusión entre su faceta gótica y la exótica surge una curiosa colaboración dentro de un tipo de cine vinculado tanto a las maravillosas creaciones de Ray Harryhausen como a las maravillosas creaciones fantásticas que surgen de la mente de Julio Verne y que se inician con una película mediocre como “Benneath the 12-Mile Reedf”, en la que sobresale una estupenda banda sonora en la que el uso de arpas crea un espectacular paisaje sonoro bajo el agua. En su línea de admiración, Danny Elfman toma prestado el tema “Mountaintop/Sunrise” de “Journey to the Center of the Earth” para el tema principal de “Batman”.

Herrmann en Hitchcock

• “The Trouble with Harry” (1955)
• “The Man Who know Too Much” (1956)
• “The Wrong Man” (1956)
• “Vertigo” (1958)
• “North by Northwest” (1959)
• “Psycho” (1960)
• “Marnie” (1964)
• “Torn Curtain” (1960)
• “The Birds” (1963)

De entre las colaboraciones cineasta-compositor más populares de la Historia del Cine, sin duda la que forman Alfred Hitchcock y Berhard Herrmann es una de las más fructíferas e interesantes —-con permiso de Federico Fellini y Nino Rota—-, curiosamente ninguna de las partituras que hiciera para el mago del suspense fue nominada para un Oscar de la academia americana.

De corte clásico algunas, con influencia del jazz otras, las bandas sonoras que compuso para las películas de Hitchcock son sin duda las más recordadas e influyentes. En 1985, Richard Band toma prestada la apertura de “Psycho” para la pieza de apertura que “compone” para “Re-Animator” —-no creo ni que se pueda hablar de plagio pues toma prestada la pieza exacta.

En 1990, y a propósito de una precuela televisiva, Graeme Revell adapta la partitura de “Psycho”. En este mismo compositor se percibe notablemente la influencia del Herrmann de los años setenta, como la de “Sisters”, en bandas sonoras como la que compone para “Child’s Play 2”. Curiosamente la franquicia de Chuky estaría inspirada en un episodio de “The Twilight Zone”, “Living Doll”, cuya banda sonora corriera a cargo de Bernard Herrmann, incluyendo la conocida sintonía de la cabecera de la serie.

Siguiendo su devoción por el compositor neoyorkino, Danny Elfman adapta la partitura de “Psycho”, para el remake de la misma película que en 1998 realiza Gus Van Sant.

Precisamente, Herrmann tuviera que esforzarse para convencer a Hitchcock de incluir música en la famosa secuencia de la ducha, pues el cineasta pretendía montar la secuencia sólo con el sonido diegético del sonido del agua, los gritos, la cortina, etc. La obstinación del compositor le llevó a crear un momento musical siguiendo los bocetos que Saul Bass había dibujado en el storyborad de la secuencia y que, inevitablemente, Hitchcock no pudo rechazar.

Cuando en 1968 Alfred Hitchcock quedara impresionado por la enigmática película de Michelangelo Antonioni, “Blowup”, el cineasta británico quiso dar un giro a su estética por lo que solicita a Herrmann una música más pop para “Torn Curtain”. Íntegro y testarudo, él que siempre había gozado de libertad artística para componer sin la intromisión del director de la película, Herrmann no sigue las indicaciones de Hitch, que tras diez años de colaboración, rompe su relación laboral. No obstante, Herrmann graba y publica su partitura convirtiéndose en una de las curiosas bandas sonoras denominadas como rechazadas.

En cualquier caso, sí volverían a colaborar nuevamente, pero para una película sin banda sonora y con sonidos, total y absolutamente diegéticos, como los que se escuchan en “The Birds”, en la que Herrmann figura en los créditos como consultor de sonido, labor que realiza en los graznidos de los pájaros utilizando nuevamente instrumentos electrónicos.

Herrmann y los homenajes

• “Fahrenheit 451” (1966)
• “La mariée était en noir” (1968)
• “Twisted Nerve” (1968)
• “The Night Digger” (1971)
• “Endless Night” (1972)
• “Sisters” (1973)
• “It’s Alive” (1974)
• “Obsession” (1976)
• “Taxi Driver” (1976
• “Cape Fear” (1991)

Tras finalizar su periplo con Hitchcock, Bernard Herrmann inicia una intersante colaboración con diferentes admiradores tanto del cine de Hitchcock, como de sus propias partituras en unas colaboraciones que sirven para homenajear a ambos, y que favorecen una evolución en la música de Bernard Herrmann al colaborar, mayoritariamente, con cineastas de nuevas generaciones, con los que aprovecha para experimentar dentro con la música electrónica a partir de “It’s Alive”.

La primera colaboración viene de la mano de François Truffaut en “Fahrenheit 451”. Admirador confeso de Alfred Hitchcock, Truffaut le rinde pleitesía en el que debiera ser libro de cabecera de todo cinéfilo que se precie: El cine según Hitchcock. La frenética y enloquecida partitura de “Fahrenheit 451” influiría, además, en el arreglo de cuerda que Sir George Martin, productor y arreglista habitual de The Beatles, incorpora a un tema compuesto por Paul Mccartney para la banda de Liverpool: Eleanor Rigby. Sir George Martin ampliaría esta influencia en el tema que compondría en 1984 para la banda sonora de “Give My Regards to Broad Street”, que incluye un reconocible homenaje a la partitura de “Psycho”.

La segunda colaboración es más que evidente pues Brian De Palma no se limita a tomar prestado al compositor habitual de Hitchcock, sino que él mismo se dedica a realizar relecturas, más que remakes, y combinaciones de los argumentos típicos de las películas del mago del suspense, como si de samplers musicales estuviéramos hablando. Estaba previsto que Bernard Herrmann fuera también el compositor de la banda sonora de “Carrie”, pero su fallecimiento propicia la contratación de Pino Donaggio, quien tampoco disimula su influencia en algunos pasajes.

Brian De Palma es quien sugiere a Martin Scorsese la contratación de Bernard Herrmann para “Taxi Driver”. En la noche del 23 de diciembre de 1975, en Los Angeles, después de terminar la grabación de esa misma banda sonora, Herrmann cena con Larry Cohen para comentar su próxima colaboración en “God Told Me To”. Cuando vuelve a su hotel se echa a dormir y no despierta jamás a causa de un fallo cardiovascular. Tanto Scorsese como Cohen dedican sus respectivas películas a la memoria de Bernard Herrmann.

Curiosamente, años más tarde Martin Scorsese realizaría el remake de una película de J. Lee Thompson, “Cape Fear”, cuya banda sonora había sido obra de Bernard Herrmann y que Elmer Bernstein toma prestada, con unos pequeños arreglos, y a la que incluye algunos temas de la rechazada “Torn Curtain”.

Herrmann y su legado

• “Pepi. Lucy, Bom y otras chicas del montón”
• “Kika” (1993)
• “Twelve Monkeys” (1995)
• “Contact” (1997)
• “The Majestic” (2001)
• “Finding Nemo” (2003)
• “Charlie’s Angels: Full Throttle” (2003)
• “Kill Bill: Vol. 1” (2003)
• “Death Proof” (2007)
• “Capitalism: A Love Story” (2009)
• “A Single Man” (2009)

El legado de Bernard Herrmann sigue plenamente vivo y activo gracias a las nuevas generaciones de cineastas que ya no igual que hicieran Truffaut, De Palma y Scorsese, que aprovecharan a Herrmann para homenajear a Hitchcock, sino que en una reivindicación directa de las maravillosas e hipnóticas composiciones de Bernard Herrmann desperdigan fragmentos de sus temas en sus propias películas. Si en las selecciones anteriores no he incluido todas y cada una de las composiciones para cine de Bernard Herrmann, aquí tan sólo he destacado una selección de las más significativas.

Prolífico como ninguno, Bernard Herrmann también compone para televisión, además de escribir numerosas piezas de música clásica. Su estilo se reconoce perfectamente de la de otros compositores, aparte de por sus característicos y agresivos violines, por unas señas de identidad entre las que se encuentra el uso de pequeños patrones de acordes repetidos, una novedosa orquestación capaz de integrar instrumentos inusuales y una portentosa habilidad para hacer retratos de los personajes a partir de elementos de la partitura general de una banda sonora.

Desde el punto de vista de Bernard Herrmann, la mejor partitura para una película es aquella que es capaz de sostenerse cuando es separada de las imágenes para las que fue creada originalmente. Tampoco concebía componer una partitura sin ser además el que dirigiera la orquesta que le daría vida.

No puedo resistirme a terminar este repaso por la vida y obra de mi compositor de bandas sonoras favorito sin hacerme eco de una anécdota, que no tiene ninguna intención de incitar a la violencia, y que dice que cuando tomaba clases de violín, y ante la negativa de su profesor a la petición de interpretar algo estrambótico y tenebroso, el joven Herrmann le empotró el violín en toda la cabeza. Todo un carácter.

Foto: Encadenados The Bernard Herrmann Society

El último vehículo para el lucimiento de Angelina Jolie, “Salt”, es un filme fallido y obsoleto que pudiendo haber sido un simpático Hitchcock en la onda del falso culpable que tiene que demostrar su inocencia, no hace más que evidenciar la anunciada ineficacia como director de Phillip Noyce desde títulos como “Sliver”, “The Saint” o “The Quiet American”.

Evelyn Salt (Angelina Jolie), trabaja para la CIA, donde practica a doblar servilletas para hacerle creer a su marido que no es una arrogante y eficiente espía, sino una humilde y eficiente ama de casa. En un interrogatorio de menos de 25 minutos —-porque ella tiene que ir a celebrar su aniversario con su maridito—- Salt es destapada por su prisionero, quien asegura que no es más que una doble agente rusa con la misión de atentar contra el presidente ruso en suelo estadounidense, en una rocambolesca conspiración que comenzara cuando Lee Harvey Oswald estuviera en la URSS y asesinara después al presidente John Fitzgerald Kennedy en lo que fuera la primera acción de su plan.

Parece ser que o Kurt Wimmer —-autor del guión de “Law Abidin Citizen”, de la que hemos dado cuenta a su tiempo—- no está informado de las noticias y situación del mundo en la actualidad, o le trae sin cuidado.

No sé que resulta menos creíble, si la conspiración de los rusos para destruir el sueño americano o el hecho de que la CIA esté infestada de agentes dobles rusos. Y todo ello a ni diez años del asunto 11-S, con toda la paranoia de control y seguridad que generara en la sociedad estadounidense y del que no asoma rastro alguno en toda la película. No es ni una cuestión de que sea una película de acción, es que simplemente no tiene ni pies ni cabeza.

Si acaso, lo que no puedo eludir es la capacidad de Angelina Jolie para interpretar heroínas absolutamente deshumanizadas a base de caras y poses, auténticos trasuntos femeninos de “MacGyver”, más que de otro héroe de acción. Lo cierto es que está más convincente en este tipo de papeles que cuando se involucra en proyectos de otra índole, como “Alexander” o “The Good Shepherd”, donde es incapaz de transmitir que es madre o esposa. El resto del reparto no merece la pena ni mencionarlo, ni siquiera a Liev Schreiber, a quien acabamos de ver en otro fiasco de cine de ciencia ficción como era “Repo Men”.

Fotos: Cinemanía

Desde la primera vez que supe de la existencia de “Buried”, inevitablemente llamó mi atención —-y no, no tiene nada que ver con el protagonista—-. El director Rodrigo Cortés nos ofrece la historia de un hombre que, de la nada, se encuentra enterrado en vida con sólo un celular y un encendedor a la mano. Después de su presentación en el pasado Festival de Sundance, el filme ha dado de qué hablar, describiéndola como un thriller que podría haber sido realizado por Alfred Hitchcock. Y, sí, las críticas pueden “vender” una película pero estamos acostumbrados a avances espectaculares; todo un reto para esta producción.

Después de compartir un teaser y un póster animado, Lionsgate lanza el tráiler de “Buried”. En casi minuto y medio, escuchamos algunos diálogos de la película, acompañados de capturas y líneas de vertiginosa movilidad, lo cual le da ritmo. En cierta forma da un guiño al arte detrás de Hitchcock, en específico al trabajo de Saul Bass en “Psycho”.

En “Buried”, Ryan Reynolds interpreta a Paul Conroy, un hombre que despierta enterrado sin idea de quién lo puso ahí o por qué. La vida de este hombre, un simple conductor de camión y padre de familia, se vuelve una lucha infernal por sobrevivir con sólo un celular —- el cual esperemos no sea un iPhone 4; ok, mal chiste—- y un encendedor. Conroy establecerá comunicación con gente del exterior, con lo que reunirá pistas para saber exactamente dónde se localiza. Una historia que nos llevará a sentir la misma claustrofobia del protagonista. Ustedes, ¿le darían una oportunidad?

“Buried” llega a carteleras estadounidenses de manera limitada el 24 de septiembre.

Vía: Worst Previews

Si hace unas semanas hablábamos de la deíxis, a propósito de “The Ghost Writer”, el treinta aniversario de “The Shining” nos brinda la oportunidad de comentar la deixis catafórica, otro recurso de la misma familia denominado, sencilla y comúnmente, como catáfora.

Similar al efecto expresivo que sugiere la deixis, que nos fuerza a imaginar algo que no esta presente en el relato, en ocasiones, sucede que, la persona, el objeto o el lugar acerca del que se esta hablando se sitúa dentro del discurso más adelante, al final o después de haber hablado de ello, dejando de constituir lo que denominábamos deixis, para convertirse en catáfora. Aunque sean recursos similares, la sensación que produce en el espectador es diferente pues puede llegar a provocar decepción en el espectador, por lo que un cineasta debe decidir cuidadosamente si desea que aquello a lo que alude se incluya en el relato, o quede formando parte de la imaginación personal.

En el caso de “The Shining”, utiliza este recurso, primero a través del relato que le cuentan a Jack Torrance (Jack Nicholson) de los trágicos sucesos que ocurrieran en el Hotel Overlook, introduciéndonos a Delbert Grady (Philip Stone), el antiguo cuidador que acabara asesinado a su mujer y sus hijas, de manera que cuando les vemos, ya sabemos quienes son, lo que les ha sucedido y el horror que han vivido. De la misma manera, Dick Hallorann (Scatman Crothers) hace lo mismo cuando avisa a Danny (Danny Lloyd) sobre los peligros de la habitación 237, haciendo disparar en el espectador los mecanismos de la sugestión en cuanto Danny se cruza por delante de la temida habitación.

Pero mucho antes hay un caso muy celebrado de catáfora, en el que toda la película gira realmente en torno a la posible existencia de un personaje que se dice ha fallecido y ha sido enterrado. Se trata de “The Third Man”, en la que Holly Martins (Joseph Cotten), reclamado por su amigo Harry Lime (Orson Welles) para que acuda a Vienna, se encuentra con que ha fallecido en extrañas circunstancias. Su deambular por las calles de Viena interrogando todos los que le conocieron, no sirve más que para revelarle la verdadera naturaleza de un individuo tan fascinante y enigmático como embaucador y mentiroso. Harry Lime se materializa, finalmente, constituyendo una de las más recordadas interpretaciones de Orson Welles.

Alfred Hitchcock, quien recurre a menudo a este tipo de recursos, utiliza la catáfora en “Psycho”, con el propósito de que el espectador se familiarice con un personaje antes de que aparezca en pantalla y lo tenga realmente en consideración, pues aparece en escena cuando la acción principal ya ha tenido lugar. Me refiero a Lila Crane (Vera Miles), la hermana de Marion Crane (Janet Leigh), quien antes de morir asesinada en la famosa habitación número 1 del Motel Bates, se encarga de mencionar repetidas veces a su hermana, llegando el espectador a hacerse una imagen psicológica bastante acertada del personaje. La menciona en la primera secuencia, cuando está con Sam (John Gavin) en el apartamento, pasando un rato de amor furtivo en el descanso para el almuerzo, recurre a ella en sus pensamientos, cuando está decidiendo robar el dinero que se le ha encomendado llevar al banco, la menciona cuando especula sobre la posible reacción de su jefe cuando se de cuenta de que le ha robado el dinero. Tal es la presencia del personaje que cuando aparece en la tienda de Sam no necesita presentación, todos sabemos quien es y lo que busca.

Siguiendo la estela de Hitchcock, Roman Polanski, también utilizara puntualmente este recurso en “Rosemary’s Baby” cuando Terry Gionoffrio (Victoria Vetri) le habla a Rosemary (Mia Farrow), de sus anfitriones que la acogen desinteresadamente en su casa, los Castevet (Ruth Gordon y Sidney Blackmer), de manera que cuando les vemos aparecer ya sabemos quienes son, aunque la imagen que nos hayamos hecho no sea la verdadera, la real, pero eso también juega a favor del desarrollo de la trama. Uno de los rompederos de cabeza de Roman Polanski en esta película fue la decisión de si debía aparecer o no el bebe de Rosemary, al que se alude ya desde el título de la película. Algo que soluciona con un recurso, tramposo para algunos, pero sugerente para otros, en el que se muestran, tan sólo, unos ojos, que ni siquiera sabemos si son los del niño o los del padre, Satán, dejando se intuya todo lo demás a través del llanto, la cuna y los demás elementos, y permitiendo que cada cual decida si estamos hablando de deixis o de catáfora ¿sale o no sale el bebé de Rosemary?

David Lynch, al igual que los anteriores utiliza a este tipo de recursos, siendo también más dado a la deixis utiliza la catáfora, por ejemplo, en “Blue Velvet” en el que sólo en el último plano veremos al hijo de Dorothy Vallens (Isabella Rossellini), que permaneciera secuestrado durante toda la película y al que escucháramos llorar y llamar a su madre en un momento concreto persin verlo. También en “The Straight Story”, al final del lento y largo viaje de Alvin (Richard Farnsworth) podemos ver a su hermano, Lyle (Harry Dean Stanton), en una de las catáforas cinematográficas más reconfortantes.

También Wim Wenders practica la catáfora en “Paris, Texas”, en la que Travis (Harry Dean Stanton), tras deambular perdido y desorientado por el desierto, se reencuentra con su hijo, Hunter (Hunter Carson), a través del que recuerda el motivo que le llevara a su desconexión con el mundo por los celos y los malos tratos que le diera a Jane (Nastassja Kinski), su esposa. Un recuerdo del que no consigue sobreponerse y que le lleva a buscarla para devolverle a su hijo, encontrándola en uno de los más bellos y emotivos momentos del cine de los años ochenta.

Si lo pensamos un poco, hablando más que de cine, de lenguaje audiovisual, llegaríamos a la conclusión de que la catáfora es uno de los recursos más utilizados en el medio televisivo, más concretamente en los spots de publicidad, que muchas veces hablan de un determinado producto, para mostrarlo sólo al final del anuncio, sucede mucho, por ejemplo, en los anuncios de perfume.

Por último, quisiera remarcar un caso en el que la catáfora debiera haber permanecido como deixis, siempre desde mi personal punto de vista, claro. Me refiero a un título del aclamado Pedro Almodóvar, “Todo sobre mi madre”, en el que puedo ser capaz de imaginarme a un travesti portador del virus del sida que deja embarazada a una monja (Penélope Cruz), hasta el momento en el que el travesti se materializa en la figura de Lola (Toni Cantó), vestido, más como un dragqueen que como un travesti, que no es lo mismo. Casi lo mismo podría decirse de la aparición de Jack (Jonathan Pryce) en “Jumpin’ Jack Flash”, sobre todo para los que no hubieran visto la fascinante “Brazil” y desconocieran quien es el actor galés.

En estos casos, para evitar la especulación personal y que la imaginación individual nos lleve por el camino equivocado, defraudándonos cuando se muestra el objeto real, hubiera sido preferible mostrarlo antes, al principio, pero eso ya no sería catáfora, sino el recurso opuesto, la anáfora, que dejamos para una última entrada sobre este tipo de recursos.

Fotos: Puerta de Babel Bill’s Movie Emporium Legends of Horror Horror File Rinconcito del Cine

“Knight and Day” es una divertida vuelta de tuerca, que ironiza sobre el cine de acción y de espías, apoyada en un soberbio reparto que se beneficia de las espléndidas habilidades cómicas de Cameron Diaz.

June Havens (Cameron Diaz) se ve envuelta una serie de retenciones, persecuciones, asaltos y todo tipo de inusitadas y rocambolescas situaciones tras las que se encuentra Roy Millar (Tom Cruise), quien dice estar en posesión de un objeto megapeligroso que le lleva a ser perseguido por la CIA, además de estar protegiendo a su inventor. Sin embargo, la CIA tiene otra versión y asegura que es un peligroso espía capaz de mentir con tal de cumplir su objetivo.

Podríamos resumir “Knight and Day” como un cruce entre las películas de James Bond y las películas de espías en general —-entre las que se incluye la saga “Mission: Impossible“—- con las de Alfred Hitchcock en particular. Para ello, James Mangold hace uso de la hipérbole más descarada para realizar una sólida, casi hilarante, crítica irónica sobre el cine de espías —-y el de acción—- y sus inverosímiles situaciones, que se sostiene gracias a un sólido reparto que incluye actores como Peter Sasgaard, Paul Dano, Marc Blucas, Viola Davis o Jordi Mollà.

Lo mejor de la película es, sin ningún tipo de dudas, el humor del que hace gala, que convierte cualquiera de las situaciones en una excelente oportunidad para demostrar las dotes cómicas de sus protagonistas. Resalta particularmente la de Cameron Diaz, que borda el papel de rubia, que ya practicara en “There’s Something About Mary”, y que aquí eleva a una categoría superior, gracias a un estupendo personaje, escrito por el principiante Patrick O’Neill, que coloca al espectador en jaque desde el primer momento —-la broma del control de seguridad cuando Cameron abre sus maletas en las que transporta tubos de escape y otras piezas para un coche, además de su femenino secador de pelo, es la primera de una lista de gags impagables. Un guión que utiliza la elipsis para evitar cualquier tipo de explicación lógica o verosímil que, indudablemente, carecería de sentido si se pretendiese explicar, pero de las que están llenas cualquiera de los títulos tradicionales de cine de espías.

Más allá de la hipérbole o la elipsis, es la ironía dramática, que coloca al espectador en posesión de mucha más información que June en la primera parte de la película, la que facilita esos momentos cómicos, llevándonos por el camino de, las llamadas, screwball comedies —-o comedias alocadas—-, y todo tipo de situaciones hilarantes, para la reconsideración posterior, una vez que June está en posesión de toda la información. Esta ironía dramática se invierte siendo Roy el perjudicado, quien jugará en desventaja en la última parte de la película, convirtiendo la máxima de una conocida canción de la etapa del cine clásico —-etapa sobre la que planea un discreto homenaje—-, Anything you can do, compuesta por Irving Berlin y que utilizara un dueto compuesto por un hombre y una mujer en lo que representara un duelo entre ambos en el que ella termina como vencedora según la frase más recordada de la canción: “Anything you can do I can do better; I can do anything better than you (cualquier cosa que hagas yo lo hago mejor; puedo hacer cualquier cosa mejor que tú)”.

Las citas al cine de James Bond no parecen utilizados como crítica, sino como guiño, pues más que cine de acción, siempre se ha acercado más al cine de ciencia ficción que permite parecer verosímiles muchas situaciones que escaparían a las leyes de la naturaleza. Los homenajes al cine de Hitchcock funcionan en dos vertientes, por un lado utiliza los mismos recursos narrativos, particularmente los de “Notorious”, “The 39 Steps” o “North by Northwest”, no tanto por sus tramas, sino por la capacidad del mago del suspense para dotar de humor e ironía a sus descabelladas tramas de espías, convirtiendo en absurdas las explicaciones que llevaban a sus personajes a perseguirse de un lugar a otro y centrándose en las historias de amor de sus personajes principales; además del consabido elemento MacGuffin, elemento tras el que corren todos los personajes (la batería que no necesita recarga), pero que realmente no tiene ninguna relevancia en la evolución de la trama, tan sólo en la de la acción. La otra vertiente, la estética, le lleva a utilizar sistemáticamente las transparencias que Hitchcock utilizara en sus películas y que consiguiera convertir en uno de sus sellos visuales y que, al contrario que sucede hoy en día que nadie tolera un fallo en los efectos especiales, era tomando con la mínima importancia en sus películas al ser un elemento superficial, deliberadamente irreal, que poco o nada tenía que ver realmente con la situación retratada.

El trabajo interpretativo de actores como Jordi Mollà haciendo de un histriónico villano hispano, Paul Dano reinterpretando el personaje de nerd, el patético bombero que interpreta Marc Blucas, la seria directora de la Cia que no se entera de nada que compone Viola Davis, o el traicionero y chaquetero malvado que interpreta Peter Sasgaard, aportan credibilidad y, lo más importante, verosimilitud —-que no tiene nada que ver con realidad—-, a la hilarante historia que protagonizan Cameron Diaz y Tom Cruise, una pareja que sorprende por la estupenda química que desprenden en la pantalla y que, si bien no esperábamos menos de la magnífica Cameron Diaz, a mi por lo menos, me sorprende encontrar un Tom Cruise con el sentido de humor suficiente como para reírse de sí mismo.

Sin comentarios sobre el hecho de que San Fermín se celebre en Sevilla, ¿o será quizá una broma con doble sentido por la espectacular incoherencia que supuso mezclar fallas con Semana Santa en “Mission: Imposible II”? Más que nada porque vistos los ríos de tinta, que no de sangre, que derramara Hemingway sobre la típica fiesta pamplonica, me sorprende esta incoherencia. ¿O quizás era más barato rodar en Sevilla que en Pamplona?

Fotos: The Fire Wire CBC

Que la Cultura forma parte del patrimonio de un país es algo que nadie pone en duda. Y que el cine es parte fundamental de la cultura de los último 100 años es algo que, al fin, se está entendiendo cada vez más. Por eso el Instituto Británico de Cine ha puesto en marcha una campaña para mantener viva parte de la historia de éste país, y sobre todo, parte de su legado cultural.

Y es que hablar de cine en el Reino Unido lleva, inevitablemente, a hablar de Alfred Hitchcock. Pese a que gran parte de su carrera la desarrollara en Hollywood, Hitchcock es el cineasta británico más famoso de todos los tiempos (con perdón de Chaplin). Ahora por poco más de 6.000 Euros, puedes “adoptar” una película del genio del suspense y colaborar a su restauración.

Una serie de nueve obras de su época muda necesitan de una restauración urgente, pues están a riesgo de perderse. Para ello, el BFI está recaudando fondos entre donantes voluntariosos. A cambio, una mención en los créditos finales de dicha película. La restauración de cada película ronda los 120.000 €, y entre ellas se encuentra una de las más famosas y aclamadas de la época muda de Hitchcock: “The Lodger: A Story of the London Fog”.

Pero no sólo se trata de recuperar cintas en mal estado. El BFI también está buscando 75 películas británicas cuyas copias están perdidas. La más buscada de ésta lista es precisamente “The Mountain Eagle”, dirigida por Hitchcock en 1926 y de la cual no se conserva ni una sola copia. Todo ésto no es más que un ejemplo de las consecuencias de la tardía aceptación del cine como arte y bien cultural. Como nuevo medio de entretenimento, en su día se tomó como un simple artefacto, una atracción de circo, por lo que las labores de conservación del patrimonio (no sólo en Europa, sino en todo el mundo) fueron nulas o escasas. Cuando ya está considerado parte importante de la cultura del siglo XX, es cuando se dan cuenta de lo mal que lo hicieron en su día.

Pensando en ello se me viene algo a la cabeza: Dentro de 50 años ¿andaremos como locos buscando copias perdidas de videojuegos que se considerarán clásicos? Al fin y al cabo, de puro entretenimiento, son cada vez más las voces que reclaman para el videojuego el status de bien cultural u obra de arte. Yo creo que esas cosas sólo se saben con el tiempo, aunque vendría bien estar prevenidos por si acaso, ¿no?.

Vía: El Mundo Foto:Mardecortesbaja

Roman Polanski recupera en “The Ghost Writer” uno de los recursos que más ha utilizado a lo largo de su filmografía, la deixis, un recurso utilizado frecuentemente por cineastas tan dispares como Víctor Erice, David Lynch o Alfred Hitchcock.

La deixis es un término procedente del griego y que significa ‘mostrar’, ‘señalar’. En literatura, hace referencia a aquellas palabras que indican personas, acciones o lugares, estamos hablando de palabras como tú, élla, nosotros, ayer, luego, allí, etc. Podemos aplicar este término a los formatos audiovisuales cuando se produce el mismo efecto y se señalan o realzan objetos, personajes, eventos o lugares no presentes en la situación del discurso del relato. De esta manera, activando la imaginación del espectador, se amplía el espacio fílmico de la película, traspasando la pantalla y permitiendo múltiples interpretaciones.

Roman Polanski es uno de los cineastas contemporáneos que más ha utilizado la deixis a lo largo de toda su filmografía, haciendo de este recurso uno de sus sellos más representativos. En “Repulsion” lo utiliza para aludir a la infancia de Carole (Catherine Deneuve), sin ofrecer ninguna explicación, pero permitiendo que el espectador imagine sobre las causas de su patología; en “Rosemary’s Baby”, consigue crear un personaje completo, Donald Baumgart, el actor que queda ciego permitiendo el ascenso profesional de Guy Woodhouse (John Cassavetes), al que se alude numerosas veces en la película y que, aunque sí tiene una intervención telefónica, no llega a aparecer físicamente en ningún momento; en el claustrofóbico thriller psicológico, “Le locataire (El quimérico inquilino)”, la paranoia que invade a Trelkovsky (Roman Polanski) le lleva a identificare tanto con la anterior inquilina que acaba por intentar suicidarse de la misma manera que ella, aunque nunca llegamos a verla a ella ¿o era él?; en “Death and the Maiden”, Paulina Escobar (Sigourney Weaver) retiene a la fuerza al Dr. Roberto Miranda (Ben Kingsley) exigiendo una disculpa por la serie de torturas y violaciones a las que fue sometida durante la dictadura, unos sucesos que nunca se ven en la pantalla, sembrando el beneficio de la duda; por último, en “The Ghost Writer”, se alude constantemente al escritor que ocupaba el puesto asignado al personaje de Ewan McGregor, quedando este último personaje hasta sin nombre alguno y teniendo que aludir a él como ‘the ghost’.

El mago del suspense, Alfred Hitchcock, aprovechara como nadie este recurso, tal como puede apreciarse, precisamente, en “Rebecca”, en la que —-al igual que sucede en “The Ghost Writer”—- nunca llegamos a saber el nombre de la segunda señora de Winter (Joan Fontaine), quedando ésta completamente subyugada por la imponente presencia de Rebecca y consiguiendo crear un personaje con entidad propia a través de todos y cada uno de los testimonios que de ella se proporcionan en la película; esta misma recreación la realiza el espectador con respecto a los sucesos que se juzgan en “The Paradine Case” con respecto a la actuación de Mrs. Maddalena Anna Paradine (Alida Valli) y los diferentes testimonios que se escuchan en el juicio; en “Vertigo” realiza una de las más espectaculares creaciones deícticas al hacernos creer, igual que a ‘Scottie’ (James Stewart), que Judy Barton (Kim Novak) era la Sra. Ester, cuando en realidad, la esposa del amigo de ‘Scottie’ nunca llega a aparecer en pantalla, más que para caer del campanario; lo mismo sucede con Mr. Kaplan en “North by Northwest” o con la madre de Norman Bates (Antony Perkins) en “Psycho”, nunca llegan a verse en pantalla, aunque desde luego están perfectamente vivos en nuestra imaginación.

David Lynch utiliza magistralmente la deixis en la serie que hiciera para televisión, “Twin Peaks”, en la que se alude constantemente a Laura Palmer (Sheryl Lee) quien es hallada muerta, envuelta en plástico, y permitiendo todo tipo de conjeturas con respecto a su personalidad. En “Lost Highway”, uno de los acontecimientos a los que se alude por parte de varios personajes, es a lo que sucediera una fatídica noche a partir de la que todo cambiara, una noche que el protagonista no recuerda y que no será revelada ni al espectador, minando el fértil campo de la especulación.

Los lugares también pueden tener un objetivo deíctico, así, Víctor Erice, en una de sus pequeñas obras maestras, “El sur”, evoca constante y repetidamente un lugar mítico que se muestra sólo en fotografías y que permitirá la entrada psicológica del calor en un filme tan frío. Siempre se ha dicho que la segunda película del director vasco quedara inconclusa, pues sí estaba previsto mostrar la llegada de sus protagonistas al mítico Sur, hecho que si se hubiera producido, en lugar de constituir deixis, se denominaría deíxis catafórica, o más sencillamente catáfora, en la que el objeto evocado, aludido, aparece dentro del discurso, aunque al final, pero este es otro recurso, con otro tipo de propiedades expresivas que queda pendiente para un futuro próximo.

Fotos: IMP Awards

Enfrascado ya en la preparación de su próximo proyecto, Daniel Monzón es homenajeado en Cinema Jove, (Festival Internacional de Cine de Valencia), recién clausurado el pasado 25 de junio y entre cuyas secciones con las que ha celebrado su vigésimo quinta edición se encuentra Cuadernos de Rodaje, que ha consistido en una programación escogida por el director de “Celda 211”, en la que da cuenta de las películas de la Historia del Cine que más le han influido.

Si algo tiene de glorioso el cine es esa capacidad única para transmitir vívidamente sensaciones tan abstractas de forma colectiva.

Flamante vencedor de la última edición de los premios Goya, a pesar de su todavía breve carrera dentro del cine, Daniel Monzón había desarrollado una carrera profesional como periodista y crítico de cine en medios como la revista Fotogramas, los programas radiofónicos Dos horas de nada y La radio de Julia y como subdirector de uno de los pocos programas de televisión sobre cine en España: Días de cine. Comienza su carrera cinematográfica como guionista de “Desvío al paraíso”, saltando pocos años después a la dirección cinematográfica con “El corazón del guerrero”, a las que siguen “El robo más grande jamás contado”, “The Kovak Box” y “Celda 211”. En una carrera caracterizada por una inclinación al cine de género, comprobemos cuales fueron los títulos que le empujaron a ponerse detrás de una cámara:

1. “Touch of Evil”. No era de extrañar un título de Orson Welles, entre los que podría haber escogido cualquier otro, decantándose por este y ubicándolo en primera posición “por su turbiedad, su atmósfera enrarecida, su fascinante forma de encuadrar y narrar, por su ambigüedad moral, por ese ‘toque de maldad’ que cala tan hondo en la naturaleza humana, en la que remueve y hurga hasta llegar al hueso”.
2. “The Man Who Would Be King”. La fabulosa película de John Huston, ocupa el segundo lugar y es considerada por el mallorquín como “la mejor película de aventuras de la historia”.
3. “M”. Dirigida por Fritz Lang cuando todavía estaba en Alemania y en la que se intuye todo lo que vendría después. Seleccionada por su estilo osado y el innovador tratamiento del sonido, “aspecto aún más notable si tenemos en cuenta que es la primera película sonora de Fritz Lang”.
4. “El ángel exterminador”, primer y único título en español de la lista, gracias seguramente, a lo impresionado que quedara el cineasta en su primer visitando en un cine de Valencia, de una de las obras maestras que rodara Luis Buñuel en México.
5. “The Devil-Doll”. Este filme de Tod Browning le impresionara cuando la viera de niño, enterándose más adelante que era del mismo director de otras, no menos míticos, filmes como “Freaks” o “The Unknown”, y que además contara en el guión con la firma de Erich von Stroheim, uno de los grandes genios del cine mudo junto con F. W. Murnau.
6. “L’armee des ombres”. “Un tipo de cine maduro, áspero, directo… y apasionante, como no se ve a menudo estos días y que, para mi, significa la obra cumbre de su director”, así se pronuncia el cineasta sobre la obra de Jean-Pierre Melville, quien fuera el creador del cine polar galo e influyera en los jóvenes cineastas de la nouvelle vague.
7. “Amarcord”. Dirigido por Federico Fellini, “uno de esos cineastas que le hacen a uno sentirse orgulloso del cine europeo”, que cuenta con una de las más inolvidables bandas sonoras del no menos mítico compositor Nino Rota.
8. “Paths of Glory”. La primera de las contundentes obras antibélicas que rodara Stanley Kubrick, estrenada en España a finales de los años setenta debido a una prohibición de la censura frnaquista.
9. “The Elephant Man”. Compartiendo calado emocional con “Umberto D”, la película de David Lynch suele aparecer en muchas de las listas de directores (españoles), que contando con “una de las más bellas fotografías en expresionista blanco y negro que recuerdo”, de Freddie Francis, y de la que destaca la habilidad de su director para contar una historia que podría haber caído en el melodrama más sentimental.
10. “The Beguiled”. Responsable de otros títulos afines a su gusto, como “Dirty Harry” o “Escape from Alcatraz”, Monzón destaca este filme dirigido por Don Siegel, que cuenta con la presencia de Clint Eastwood en su reparto y en la que Don Siegel da “uno de sus Do de pecho, en un cuento cruel y envenenado, a caballo entre el western y el terror gótico, al que en su día se le dio la espalda por su negritud e indomable espíritu contra corriente”.
11. “Le locataire”. Uno de los más inquietantes títulos de Roman Polanski, escrito por uno de los grandes colaboradores del cineasta, el guionista Gérard Brach, y que se acerca a las atmósferas inquietantes de David Lynch y para la que tiene palabras como “inquietante, sugerente, malvada… Un billete sin retorno a la paranoia”.
12. “Frenzy”. Obligatorio era incluir una película de Alfred Hitchcock y, de la misma manera que con Orson Welles, resulta difícil escoger, por lo que se decanta por esta película
    debido a que es la más cruda del maestro del suspense.
13. “King Kong”. Una elección puramente sentimental y que, según el propio Daniel Monzón, “es la película por la que yo soy director de cine”.
14. “Jaws”. La mejor película de Seteven Spielberg para el director de “Celda 211” y la que más veces a visto en toda su vida.
15. “The Thing”. Considerada por Mozón como una de las mejores películas de John Carpenter, de la que destaca que “es el remake menos remake posible. Supera al original con creces y se convierte en quintaesencia del cine de su autor”.

Busquen, comparen y si encuentran algo mejor cómprenlo, pero hasta aquí, la selección de Daniel Monzón en la que incluye menos títulos americanos de lo que cabría pensar y en la que puede que se eche en falta algún título más en español y en la que pesa más el cine de los años setenta, debido, probablemente a que fuera el que el cineasta viera en su época adolescente. De cualquier manera una lista bastante personal y coherente con el cine que el director mallorquín ha realizado hasta la fecha. ¿No crees?

Vía: 25 Cinema Jove

Mucho no hay que contar de “Rear Window”: lo que tienen este tipo de películas es que parece que hemos nacido con su historia grabada en nuestro inconsciente, en nuestra misma estructura genética, casi.

¿Qué es lo que llevará a Tyler Perry a meterse con este clásico que, con la sóla observación de toda su carrera filmográfica anterior, le queda muy grande? Bueno, no seamos tan prejuiciosos: Perry participó con éxito en la producción del celebrado film “Precious: Based on the Novel Push by Sapphire” (2009), y aquí no planea hacer otra cosa que actuar de la misma ejecutiva manera para que algún director se meta en el asunto.

El cuento original de Cornell Woolrich, llamado “It Had To Be Murder”, aparecido en 1942, sería entonces retomado desde una perspectiva nueva bajo la productora 34th Street Films, la cual está dirigida por Perry con el objetivo de presentar escritores y directores ajenos al ámbito hollywoodense a meterse con grandes producciones.

Comparto la sensación de arruinar un clásico que se expresa en la nota que escribe Dustin Hucks en Film School Rejects, pero también me parece que puede ser menos una remake que una interpretación que, como cada una de las vertidas en tantos y tantos lugares, manifiestas en tantas y tantas producciones, será una perspectiva diferente de algo que ya casi es una expresión mítica de la “esencia” del cine: el vouyerismo.

Bueno, pero que tanto: al principio pensé que era una noticia falsa, pero habiendo tantas discusiones organizadas en torno al problema de que este muchacho siquiera piense en meterse en el tema… También da qué pensar con respecto a la posibilidad de llevar adelante cualquier realización por cualquier otra persona. Casi una dimensión ética, ¿no?.

Vía: Pajiba | Foto: The Quintessential

Siempre dije que Hugh Jackman sería el próximo Cary Grant. Ya saben: carismático, multifacético, apuesto… Tuve la oportunidad de “enfrentarlo” y decirle en entrevista para “X-Men Origins: Wolverine”: “Estoy completamente de acuerdo que tú puedes ser el Cary Grant del milenio”. Abrió sus hermosos ojos azules, exclamó “wow!” y, acto seguido, se sonrojó.

Si algún día yo hubiera imaginado que cualquiera de los filmes protagonizados por Grant se produjera nuevamente, Jackman sería buena elección para representarlo o, por lo menos, no habría pensado en Will Smith. Sin embargo, hay rumores de que el remake de la cinta “Sospecha”, de Alfred Hitchcock, será realizada en estas fechas y protagonizada por este moreno, que también tiene lo suyo.

La “sospechada” nueva version de la cinta que se estrenó en 1941, aún no contempla ni director ni coprotagonista femenina. Este papel corrió a cargo de Joan Fontaine, como Lina, la ingenua y adinerada chica de anteojos, que es seducida por el galante casanova, Johnnie –Cary Grant–, de quien, a su vez, desconfía, pues cree que quiere asesinarla. Se dice también que Smith fungirá como productor.

Ahora veo que el protagonista y reproducir ese delator y luminoso vaso de leche será lo de menos, y posiblemente este sea un antojo del señor Smith en memoria de este clásico de la intriga. Lo que podría perturbarme es la gran dimensión del compromiso a la hora de elegir quien lo dirija, ya que hubo un intento por parte de Gus Van Sant en la obra del maestro del suspenso y, quizá, uno de sus más emblemáticos filmes de Hitchcock, “Psicosis”, cuyos resultados en la nueva versión fueron altamente devastadores para quienes admiramos a Sir Alfred. Estoy aterrada.

Vía: Coming Soon | Foto: No Solo HD

Hay ciertas películas que cambiaron para bien o para mal la historia del cine. “Psicosis” es una de ellas y ahora cumple 50 años. La obra maestra de Hitchcock cambió el concepto de cine de terror y dio al mundo una de las secuencias más famosas de la historia del cine. El magistral asesinato de Marion Crane en la ducha se rodó desde 70 ángulos distintos, con una banda sonora completamente innovadora de manos de Bernard Herrmann. Repetida, plagiada y parodiada hasta la extenuación, la secuencia de la ducha aún hoy dia es un prefecto ejemplo del dominio de la puesta en escena y el montaje del genio inglés.

En su día fueron varias las innovaciones de “Psicosis”. La fundamental es 100% narrativa: Al final del primer acto moría la protagonista y la película daba un giro de 180 grados para contar la historia de Norman Bates. Una apuesta arriesgada que no se había realizado jamás en la historia del cine, pero que funcionó a la perfección. El giro final de la película, desvelando la auténtica identidad de la madre de Norman Bates, también supondría una revolución dentro de la narrativa cinematográfica, y se repetiría hasta la extenuación, con variantes, en films excelentes como “El club de la lucha” o patéticos como “El escondite.”

Hitchcock rodó “Psicosis” a contracorriente: En blanco y negro cuando el color ya se había impuesto, matando a la protagonista, toda una estrella del momento, empezando con una escena de dos amantes en ropa interior (algo impensable para la época), y con una protagonista inmoral y ladrona. Ahora 50 años después, Hollywood lo celebra con una proyección en el Alex Theatre de Los Ángeles con algunos de los supervivientes de aquel hito cinematográfico.

Nosotros no tenemos sala de proyección, pero siempre nos quedará YouTube, así que desde Extracine queremos hacerle nuestro particular homenaje a “Psicosis”. Os dejamos con la escena más famosa de la película: Rodada en siete días, con 70 posiciones de cámara, en la que no vemos ni una sola puñalada, ni una sola zona impúdica del cuerpo femenino. Osea, un claro ejemplo de lo que el montaje puede hacer en el cine.

Via: El Mundo | Foto:Legends of Horror

En el Festival de Sundance se presentan algunas curiosidades, “Double Take” es sin duda una de ellas. Esta “docuficción” dirigida por Johan Grimonprez —si es que podemos llamarla así: el film pareciera exceder tanto los géneros de ficción como los del documental y el híbrido “mockumentary”—, nos sitúa en un cruce de registros muy interesante: el mundo de Hitchcock y la escalada armamentística de la guerra fría. El guión del film es una colaboración entre el director y Tom McCarthy, encargado de escribir la historia detrás de “Double Take”.

La película pareciera —y si digo pareciera es porque no he leído mucho sobre ella de manera de no llenarme la cabeza con ideas preconcebidas antes de ver el ejercicio propuesto por Johan Grimonprez— poner en evidencia recursos propios de la posmodernidad y la hiperrealidad —aunque lo de posmodernidad es relativo, la categoría viene dando vueltas hace ya muchos años y los cambios en la última década ameritan modificaciones en algunas claves de lectura de nuestro presente.

En “Double Take” trabaja Ron Burrage como Alfred Hitchcock —doble oficial del genio y a quien Grimonprez ya dirigió en “Looking for Alfred”—. El film será presentado en la categoría New Frontier Films en el Sundance. Acá les dejo los cuatro tráilers oficiales para que vean de qué va la cosa, que seguro irá de pájaros en la cabeza y dobles borgianos que se enfrentan en una excelente postproducción.

Vía: Sundance2010 | Foto: Frieze

¡Increíble lo que acabo de encontrar en Intermediarte! Una aplicación disponible para iPhone y también para el iPod Touch que permite hacer de una manera muy sencilla storyboards totalmente profesionales. Si bien Hitchcock lleva unos meses en el mercado (a un precio de $19 dólares con moneditas) me acabo de enterar del asunto y quería compartirlo con ustedes.

Los videos que copio muestran de manera muy didáctica cómo se puede armar un storyboard de manera creativa utilizando esta aplicación para capturar las imágenes, crearlas o bajarlas, modificarlas, agregarles sonidos y guión, etc etc. Se puede elegir el enfoque del cuadro, determinar el tiempo de duración de cada escena, combinar clips, cambiar el orden de las escenas. Y lo mejor de todo es que se puede exportar como .PDF para poder descargarlo a una PC.

Me parece una herramienta genial para incursionar en el mundo del cine, creando historias propias y aprovechando la inspiración que puede ocurrirnos en cualquier momento. O para facilitar la tarea a muchos estudiantes de cine. ¿A ustedes qué les pareció? ¿Soy la única entusiasmada?