Tenía que ocurrir. En un momento u otro, algún desgraciado productor de Hollywood se decidiría a adaptar mi novela favorita: A Confederancy of Dunces. Titulada en español La conjura de los necios, la novela póstuma de John Kennedy Toole, ganaba el premio Pulitzer en 1981, después de que su autor se suicidara en 1969, a los 31 años de edad, sin conseguir que su magnífica novela fuera publicada. Sólo el tesón de su madre, Thelma Toole, permitió que once años después, las desventuras de Ignatius J. Reilly vieran la luz para convertirse inmediatamente en toda una referencia cultural contemporánea. Una obra que comenzaba con una cita de Jonathan Swift:

Cuando en el mundo aparece un verdadero genio, puede identificarse por este signo: todos los necios se conjuran contra él.

No es que no quiera que se realice una adaptación de la novela, sinceramente me da lo mismo porque la novela siempre seguirá siendo la misma y mi visión particular, al igual que la de cada uno de los demás lectores de la obra, seguirá siendo incorrupta. Pero es que en este caso, es tan fácil pasarse y convertir un texto tan divertido e inteligente como este en en un producto burdo y chabacano, tan lejano de la trágica visión de la vida que asola a este tan entrañable como desagradable personaje. Hay que recordar que siempre se ha especulado con la posibilidad de que detrás del personaje se refugiara la propia filosofía vital del propio John Kennedy Toole, que al igual que se Ignatius encontraba la consolación en la filosofía de Boecio, lo hacía el autor en su alter ego literario.

No es esta la primera vez que surge un proyecto de estas características. Poco después de la publicación de la novela, en 1982, Harold Ramis tuvo la brillante idea de hacer una adaptación con John Belushi de protagonista, que se vio truncada por el fallecimiento repentino del actor a causa de una sobredosis. Nombres tan inapropiados como los de John Candy, Chris Farley o Will Ferrell fueron candidatos en algún que otro momento y Chris Elliott fue incluso protagonista de una serie de televisión, Get a Life, que no ocultaba su inspiración en el orondo personaje. El simpático Zach Galifianakis, muy popular por su participación en filmes recientes como The Hangover y su secuela o Due Date, viene a sumarse a esta lista en un proyecto en fase de negociación.

Si en un momento mi primera elección hubiera sido para un actor dramático pero con claras dotes para la comedia, como es el caso de Jonah Hill, debo decir que Zach Galifianakis me parece que puede conseguir una interpretación bastante digna y apropiada del personaje. Pero no puedo evitar que salten disparadas todas mis alarmas cuando descubro los demás nombres asociados al proyecto. No tanto por el que sería su guionista, Phil Johnston, responsable de Cedar Rapids y el guión de Nebraska -próximo proyecto cinematográfico de Alexander Payne después de The Descendants-, sino porque el director asociado al proyecto, James Bobin, que si anteriormente ha desarrollado su carrera cinematográfica en la televisión, estrenaba este último año su ópera prima cinematográfica: The Muppets.

Nada en contra de los teleñecos. Me encantan. Pero me da a mi que no. Presiento que aunque el proyecto parte de una novela ganadora del Pulitzer, no vamos a tener una película con opción a Oscar, Concha de Plata o Palma de Oro. Va a ser que no. Tendré que seguir emulando a Ignatius buscando signos de mal gusto, pero en otras películas, porque a no ser que finalmente me disuadan con alguna declaración de intenciones del director o con algún tráiler realmente interesante, un servidor no va ni a pasar por delante del cine en que proyecten la pelíucla. Ni para fastidiar la proyección de los demás espectadores al igual que Ignatius iba al cine a volcar toda sus iras contra Debbie Reynolds.

Ridley Scott empieza a parecerse a uno de esos viejos músicos y cantantes que siguen aquella leyenda de que las viejas glorias del rock nunca mueren. A pocos días ya del estreno de Prometheus, se reavivan los proyectos relacionados con sus grandes éxitos de antaño, como Blade Runner, precisamente la película que rodara después de Alien, y que juntas forman una pareja de películas de ciencia ficción que ha dejado su influencia en el cine fantástico (y menos fantástico) posterior. La llama de los replicantes se avivaba hace cosa de una año, cuando Alcon Entertainment anunciaba que se encontraba en negociaciones para adquirir los derechos de la que era la tercera película del director de The Duellists, con la intención de rodar un reboot, precuelas y/o seculeas, sin saber exactamente la dirección que tomaría el proyecto.

Si como admirador tanto de la novela de Philip K. Dick en la que se basa la historia, Do Androids Dream of Electric Sheep?, como de la película de 1982, no me hacía mucha ilusión contemplar una nueva versión de las aventuras de Rick Deckard (Harrison Ford), no me importaba en absoluto que girara en torno a lo que pasó antes o después. Finalmente, la productora no sólo confirma que se trata de una secuela, sino que, a priori, tampoco se centrará en el personaje que interpretara Harrison Ford, pero se desarrollará años después de la escapada de Deckard con Rachael (Sean Young). De hecho, no hay ninguna intención de involucrar a Harrison Ford en el proyecto.

Y la garantía de la continuidad del espíritu de la obra original podría estar asegurada si resultan fructíferas las negociaciones con Hampton Fancher, que fuera uno de los guionistas de la adaptación original, junto a David Peoples. Si a Peoples le fue bastante bien desde entonces participando en filmes como Ladyhawke, Hero, Unforgiven o Twelve Monkeys, no ha sido tan estimulante la trayectoria de Fancher, que escribió los guiones de un par de películas, The Mighty Quinn y The Minus Man, de las que también fue director de esta última.

Nominada en su momento a dos Oscar de la academia -dirección artística y efectos visuales-, Blade Runner no fue precisamente una película taquillera, pero con el paso del tiempo fue convirtiéndose progresivamente en una película de culto en toda regla. A esto contribuyó la reedición en 1991 de un nuevo montaje del director -absolutamente pionero en estas lides- que llevó de nuevo a las salas de cine esta obra maestra del cine moderno con espíritu de cine clásico. Si todavía no sabes si estás dispuesto a dejarte seducir por estos nuevos replicantes, seguro que echar un vistazo a Prometheus termina de convencerte a favor o en contra de este nuevo proyecto de Ridley Scott. ¿Veremos después un renacer de las aventuras de Thelma and Louis?

Resulta irónico que cuando determinados cineastas alcanzan un auténtico estatus dentro de la industria audiovisual, en lugar de utilizar ese reconocimiento para arriesgarse artísticamente y hacer aquello que antes ni se habrían planteado, caen rendidos ante las mieles del éxito y el vil metal, abocando su obra artística a un continuo ejercicio de autocomplacencia. Esto es lo que, desde mi punto de vista, le ha sucedido al cine de Tim Burton en los últimos años. Dark Shadows tiene todos los ingredientes que la certifican como una obra del director de Biteljuice: unos personajes divertidos llenos de ironía y sarcasmo, retratados con una estética gótica deslumbrante y extraordinariamente atractiva, sintonizados en una estupenda banda sonora compuesta por el habitual Danny Elfmann… pero nada más. Detrás de su versión de la historia de Barnabas Collins no encontraremos ni la ternura de Ed Wood, ni las estimulantes contradicciones de los personajes de Batman Returns, ni la maligna perversión de Mars Attacks!. Tan sólo una película, más o menos simpática y entretenida, con demasiados clichés, más televisivos que cinematográficos, y que fracasa estrepitosamente en el momento en que está presentada como una comedia porque resulta tremendamente aburrida.

Dentro de todo este maremagnum de lujo gótico, debo decir que brillan con luz propia las interpretaciones de la divina Chlöe Grace Moretz, y de una estupenda y divertida Helena Bonham Carter -más burtoniana ya que el propio Burton. Pero el esfuerzo de ambas actrices queda deslucido con las pocas ganas del resto del reparto, que parecen no estar dispuestos a aportar nada más allá de lo que expresan sus respectivos maquillajes, incluyendo en esta desgana a Michelle Pfeiffer y Johnny Depp -aunque debo decir que es la primera vez que uno de sus personajes no da la impresión de ser gay. El primero.

Es posible que el guión de Seth Grahame-Smith no diera para lucirse demasiado: los personajes no están presentados -simplemente se van cruzando unos con otros-, el conflicto casi parece más propio de un cuento infantil -y no me vale la premisa de que se trata de un cuento porque Edward Scissorhands también lo era y no tenía nada de infantil-, los chistes de la película están demasiado desperdigados, las acciones que debieran hacer que la trama avance la retrasan, surgen giros imprevisibles cual conejos del sombrero de un mago… Y todo esto lleva a la pérdida progresiva de un interés absoluto por el destino de tan originales personajes. Que nunca se creería provienen de Liverpool.

Pero lo que sí he encontrado interesante son las reflexiones a las que estas Sombras tenebrosas me han llevado. La primera que me asalta es una reflexión cinéfila. Aparte del enésimo homenaje que hace al cine de la Hammer con la aparición de Christopher Lee, y del mucho más sentido que hace a The Night of the Hunter, con el destino que reserva para la doctora Julia Hoffman (Helena Bonham Carter), la película podría esconder alguna que otra frustración del cineasta. ¿No pareciera que le hubiera encantado haber dirigido aquella adaptación cinematográfica de otro serie de televisión como The Addams Family, que se estrenaba un año después que Eduardo Manostijeras? La alusión es obvia, pero el resultado es lamentablemente distante pues cuando todos y cada uno de los personajes de la película dirigida por Barry Sonnenfeld tienen carisma propio, aquí sólo lo tienen aquellos que han encontrado un estupendo actor o actriz que les de vida (las dos mencionadas). Todavía hay más, quizás le hubiera gustado hacer otra fantasía gótica como Death Becomes Her, que se estrenaba el mismo año que Batman Returns. O yendo algo más atrás en el tiempo, ¿cómo hubiera sido The War of the Roses si en lugar de haberla dirigido el simpático Dany DeVito, hubiera sido una película de Tim Burton en lugar de haberse embarcado en Batman? Resultados que nunca sabremos, pero que afloran detrás de las sombras de Dark Shadows.

Y ya que hablamos de frustración, ¿porqué no hablar de psicoanálisis? Si estamos hablando de un cineasta que al igual que a los demás de los mortales y algunos de sus compañeros, deja mostrar la influencia que sus distinguidas parejas han tenido en su trayectoria profesional, ¿no les parece que Tim Burton está tratando de enviar un mensaje? Primero: si tanto se quieren y tanto les gusta vestirse de negro y prestarse el pintalabios morado, ¿cómo es que no le da a su queridísima Helena el personaje protagonista femenino? De entre tres personajes que podemos tildar como principales: la matriarca de la familia Elizabeth Collins (Michelle Pfeiffer); la malvada y vengativa Angelique Bouchard (Eva Green) o el auténtico amor de Barnabas, personaje doble con el nombre de Victoria Winters o Josette DuPres (Bella Heathcote), le relega a un personaje secundario como el de la doctora Julia Hoffman. Desde mi punto de vista el interés del personaje no estaba en el guión, sino que se lo da la propia actriz, de la misma manera que las otras tres no consiguen sacar ningún partido de sus respectivas interpretaciones. En el caso de Michelle Pfeiffer podría pesar la popularidad de la actriz en su elección, pero no me parece ya que nadie vaya a ver una película por el único motivo de que ella esté en el cartel. Tiran mucho más la propia Helena o incluso Chlöe. Si es la edad tampoco me vale, porque Johnny Depp podría perfectamente ser el padre de cualquiera de las otras dos actrices y casi sería más coherente que estuviera enamorado de Helena, que es poco más joven que él.

También está todo este rollo Disney de la familia y estar unidos y hacer cosas juntos y entender al otro y toda esta blandenguería que sin ninguna duda provocaría el vómito de la querida Wednesday (Christina Ricci) en The Addams Family. Todo esto sumado a las lindezas que le regalan a la doctora Hoffman: fea, vieja y resentida, me pregunto si el mensaje no estará dirigido a ella misma. Yo lo tengo claro: Tim Burton quiere dejar a Helena Bonham Carter y volver con Lisa Marie. De hecho, ¿no está caracterizada Eva Green total y absolutamente como una copia imperfecta de la propia Lisa Marie? ¡Vuelve con Lisa! ¡Tim, vuelve con Lisa! ¡Lisa escúchale! ¡Helena, vuelve a los siglos pasados que es donde más nos gustas!

Adaptaciones de la inmortal novela de Emily Brontë ha habido muchas. Desde la que protagonizaran Laurence Olivier y Merle Oberon en 1939, que fuera la primera que la propia Andrea Arnold viera antes de leer la novela, hasta aquella adaptación libre y algo canalla que hiciera Luis Buñuel en México, Abismo de pasión, cuya influencia aseguraría también se deja ver en la cineasta británica, incluyendo numerosas versiones para televisión, así como una versión cinematográfica cada década desde los años sesenta. Por eso mi única duda, antes de ver esta última revisión era sobre lo que la directora de Tank Fish tendría que aportar. Precisamente, igual que la última adaptación de Jane Eyre, su principal aportación es que se despoja de cualquier atisbo de melodrama y romanticismo folletinesco de versiones anteriores, logrando una adaptación tan intimista y romántica como sucia, agresiva, violenta y arrebatadoramente emocional.

Andrea Arnold y Olivia Hetreed, responsables del guión consiguen la adaptación más fiel a la novela, pero siendo a la vez la más libre. Fiel porque consiguen captar a la perfección el espíritu de la novela, pero con la libertad de traicionar las palabras. En su lugar se agarran casi desesperadamente a unas sobrecogedoras imágenes y unos sonidos envolventes por los que Heathcliff y Cathy arrastran su desgarradora historia de amor. Casi es de agradecer que Wuthering Hights sea parca en diálogos, pues cuando los personajes hablan, sus palabras son como dagas que se clavan en el corazón para dejarnos desangrar con la agonía del dolor que trasmiten sus terribles actos y las emociones que se esconden detrás de ellos.

La maravillosa fotografía de Robbie Ryan, premiada en los festivales de Venecia y Valladolid, casi se ve empobrecida por la hipnótica banda sonora compuesta por la naturaleza misma que acompaña a Heathcliff y Cathy en su agónica historia de amor y dolor. Y si las interpretaciones de James Howson y Kaya Scodelario como Heathcliff y Cathy adultos son realmente prodigiosas, me rindo ante las de los jóvencísimos Solomon Glave y Shannon Beer, que consiguen transmitir a la perfección su historia de amor sin palabras, así como dejar en ridículo cualquier otra historia reciente de amor adolescente.

Pareciera que Andrea Arnold se hubiera propuesto ofrecer una obra romántica en el sentido tanto alemán como francés del movimiento. Por un lado el relato se instala en un duro intimísimo que sigue a Heatcliff allá donde vaya, sin despegarse apenas de su lado, sin mostrar nada de su entorno en lo que no se fije el personaje, siguiendo al pie de la letra la máxima alemana sobre la exaltación del yo. Por otro lado, igual que sucedía en el movimiento naturalista francés de entre guerras, cuando alza la vista se deja embriagar y absorber por la exuberancia de la campiña inglesa y las inclemencias de un clima tan abrupto como el alma misma de Heathcliff, forjada a golpes y desprecio, que se pueden apreciar en su piel, de la misma manera que también queda en las paredes el reflejo de su amor por Cathy.

Tanto se centra la directora en los personajes y sus sentimientos que a pesar de que la dirección artística y el vestuario son absolutamente precisos y concretos, casi pasan totalmente desapercibidos, como si de una obra documental estuviéramos hablando. Pero es que mi exaltación era tal disfrutando del tormento de esta trágica pareja que por un momento deseé que sonara aquella famosa canción que Katie Bush dedicara a los mismos personajes. En su lugar, la película se cierra con otra canción, único y exclusivo tema musical extradiegético que se escucha en la banda sonora y que, desde mi punto de vista, empaña ligeramente la catarsis de esta maravillosa película gótica en esencia pero no en estética, romántica en sentimiento y trágica en emoción que consigue que el espectador termine tan enajenado como el propio Heathcliff persiguiendo el fantasma de Cathy.

Estoy seguro de que a muchos de los fans que quieren ver de nuevo en la gran pantalla a Katniss Everdeen y compañía, las diferentes noticias que han aparecido sobre directores que no continuarán en la saga y posibles retrasos no les ha sentado nada bien. Afortunadamente, desde Lionsgate son muy conscientes de que esta franquicia les puede reportar una buena fuente de ingresos y por eso no tienen ninguna intención en alargar la producción de las adaptaciones de los tres libros (que serán en cuatro películas ya que el último, Mockingjay, se dividirá en dos partes).

Así que, ante la negativa de Gary Ross de continuar con la saga, la productora se ha puesto manos a la obra para encontrar uno, o unos, sustitutos de garantías que se hagan cargo de reescribir el guión de Simon Beaufoy y que la dirijan en detrimento de Ross. Y casi sin darnos cuenta Lionsgate ya ha confirmado a los que se harán cargo de ello: Francis Lawrence como director y el gran Michael Arndt como guionista. Personalmente me sorprende muchísimo la confirmación de este último, puesto que estoy seguro de que tendrá numerosos proyectos en cartera después de sus magistrales trabajos como guionista de Little Miss Sunshine y Toy Story 3. Pocas películas pero de gran calidad.

En cuanto a Francis Lawrence, recordemos que se trata del director de Constantine o I Am Legend, por lo que sabrá darle un toque de acción y ritmo adecuado que pueda tener la película. Al menos la secuela ya cuenta con los dos pilares centrales para que la producción eche a andar, aunque no se ha confirmado aún cuánto tardará Arndt en tener listo el libreto para ponerse manos a la obra con el rodaje. Lo peor de todo es que la producción no puede alargarse demasiado puesto que Jennifer Lawrence, protagonista absoluta de la primera película, debe comenzar el rodaje de X-Men: First Class 2 en diciembre de este año, y para entonces ya debe haber concluido el rodaje de Catching Fire o se alargaría demasiado.

Es probable que para entonces todo esté solucionado, puesto que los principales problemas que estaba viviendo la producción era encontrar un guionista y un director que pudieran sacar el proyecto a flote después de la incertidumbre en la que se encontraba. Parece que todos esos problemas han quedado atrás y que pronto conoceremos más detalles del rodaje, aunque todavía queda bastante hasta que podamos verla en las salas: el 22 de noviembre de 2013.

Lo más probable es que una película como Les infidèles (Los infieles) hubiera pasado desapercibida de no haber estado precedida por The Artist. No tanto porque uno de sus fragmentos esté dirigido por Michel Hazanavicius, sino porque está protagonizada por Jean Dujardin, ganador del Oscar al mejor actor por la popular película, que aquí asume también las funciones de productor, guionista y hasta dirige uno de los episodios. A alguno también le sonará su compañero de reparto, Gilles Lellouche, que aunque no produce, también colabora en el guión y dirige otro de los episodios.

Seguro recuerdan al segundo de películas recientes como Les petits mourchant, en la que ya coincidiera con el primero, estando ambos dirigidos por el también actor Guillaume Canet, que también se asoma en un par de episodios. También le hemos visto en À bout portant, en la que estuviera dirigido por Fred Cavayé, que también se hace cargo de otro de los episodios. Pareciera que Dujardin y Lellouche estuvieran algo aburridos y hubieran decidido sacar adelante un proyecto para divertirse junto a sus amigos y colegas. Lástima que sean ellos los únicos que se lo han pasado bien.

Les infieles es una colección de episodios independientes, que confluyen en un punto determinado, pero no para dotar de un sentido global a la historia, sino con el fan de intentar ser más graciosos. Puede que si estuviéramos en otro tiempo y lugar, por ejemplo en España durante la transición española, me hubieran hecho algo de gracia las desafortunadas bromas que proponen en su película. Pero aunque sí estoy en España, hace tiempo que quedó atrás la transición española y aquella explosión de mal gusto que se extendiera por el cine español de la mano de cineastas tan infames como Mariano Ozores, Pedro Lazaga o Vicente Escrivá. Esta colección de situaciones que Dujardin y Lellouche interpretan junto a sus “amiguetes” son tan incomprensibles y de mal gusto que me quedo perplejo.

Intercalados con los episodios hay una especie de bromas breves, a cual más inverosímil que acaban por destruir la poca credibilidad que los episodios más largos pudieran albergar. Lo forzado de muchas de las situaciones provoca que cuando llega algún giro medianamente gracioso, además de previsible, ya no tenga gracia alguna. No se lleven a error, puede que alguna de las situaciones y momentos resulten cómicos, pero el conjunto de la película es vulgar, soez, deleznable, de mal gusto e insoportablemente machista y antiguo.

Si la publicación del cartel levantara ampollas en algunos medios por su mal gusto, la película es asombrosamente peor. Casi hubiera preferido aquellas colecciones de pedos a las que nos sometía Louis De Funès o el erotismo vulgar de las películas protagonizadas por Alvaro Vitali. ¿Querrán acaso Dujardin y Lellouche erigirse como los nuevos Andrés Pajares y Fernando Esteso del cine galo? Porque esta es la tesitura en la que se mueven Les infidèles. Que alguien rompa esta alianza, por favor. Que le retiren el Oscar a Dujardin y a Hazanavicius. ¡Que resuciten a Russ Meyer, que al lado de estos dos tenía un gran respeto por la mujer, además de mucho más sentido del humor!

Ahora que Marvel está tan de actualidad con el estreno de The Avengers, un servidor sigue reivindicando a los X-Men como su saga de superhéroes favorita. Quede claro que estoy hablando en términos cinematográficos, en ningún momento me refiero a los cómics originales, este no sería el sitio. Estrenada en el año 2000 y dirigida por Bryan Singer, después de X-Men vendrían X2 y X-Men: The Last Stand, que completarían una primera trilogía a la que seguiría un spin-off, X-Men Origins: Wolverine, cuya secuela se está resistiendo pero que llegará a materializarse tarde o temprano, y una precuela, X-Men: First Class, que todo indica que también va a tener sus propias secuelas.

No dudo que las intenciones de los productores que están detrás de la saga sean más lucrativas que artísticas, pero al menos no da la impresión de que se mueven única y exclusivamente por motivaciones económicas. Hace una década no me dio la impresión de que tuviera tanto éxito como para que estuvieran interesados en prolongar una saga que tenía menos acción de la que seguro muchos hubieran esperado, pero cuyos personajes estaban demasiado bien dibujados para tratarse de la adaptación de un cómic, por lo que confieso que en un principio hasta me sorprendió que hubiera una primera secuela de X-Men. Y ni siquiera han tratado de sacar rentabilidad de todos y cada uno de sus personajes, como sucede en The Avenares cuyas ramificaciones han precedido a la película y parece que van a prosperar hasta la extenuación en una operación que claramente no responde a necesidades artísticas o emocionales, sino puramente comerciales.

De entre todas las películas sobre los X-Men que se han producido, sigo inclinándome por aquellas que están vinculadas con Bryan Singer. Si quizás la saga perdió algo de autenticidad con The Last Stand, se mantuvo bastante bien con Wolverine, pero se revitalizó enormemente con First Class, que aunque estaba dirigida por Matthew Vaughn, tenía a Singer entre sus productores, así como detrás del origen de su guión. Y es que cuando las virtudes de otras sagas de este tipo está en la acción que proporcionan, en ésta el interés que despierta se esconde en de la construcción de sus personajes y detrás de las metáforas de sus mutaciones. Con conductas como la de Rogue (Anna Paquin) seguro podrán identificarse muchos adolescentes rechazados por pertenecer a colectivos culturales con tendencias estéticas menos populares que las que dicta la masa, o incluso colectivos sociales minoritarios entre la sociedad que muchas veces deben haber pensado lo mismo que Rogue en la tercera parte, clamando por una fórmula que les haga parecer como los demás.

Pero si contra todo pronóstico, por aquello que muchas veces se dice de que segundas partes nunca fueron buenas, mi predilecta sigue siendo X2. Y una de mis secuencias favoritas de la película es, precisamente, aquella en la que tras el ataque del Instituto Xavier, Wolverine (Hugh Jackman) se refugia con Rogue y Pyro (Aaron stanford) en la casa familiar de Iceman (Shawn Ashmore). Una vez allí son sorprendidos por sus padres y hermano. Si le habían matriculado en el Instituto Xavier pensando que se trataba de una escuela para personas especiales, ha llegado el momento de que el joven Bobby les revele aquello que siempre les había ocultado por temor al rechazo, por no ser igual que los demás, ni siquiera como su hermano. Una secuencia que, salvo por la reacción del hermano, es muy similar a la que experimentan quienes han revelado en casa que son homosexuales. De hecho, los diálogos de la secuencia funcionan igual de bien si en lugar de decir mutante, hubiera dicho que es gay.

Para aquellos que puedan pensar que mi interpretación es algo rocambolesca, sólo tienen que tener en cuenta que, de hecho, los dos protagonistas de la película, Ian McKellen y Patrick Stewart, son homosexuales militantes que probablemente vieran en las metáforas que utiliza Bryan Singer -que tiene todas las papeletas de ser también homosexual- para reivindicar sus tendencias sexuales. Y ni te cuento lo orgullosos que deben estar cuando en First Class utilizan la premisa del orgullo para afianzarse como mutantes. Porque tanto si lo eres como si lo fueras, ¿no serías tú también mutant and proud?

Sabíamos desde hace bastante tiempo que la Universal estaba planeando realizar una nueva película sobre el personaje de Van Helsing, ese cazador de vampiros que apareció por primera vez en la famosa novela de Bram Stoker de 1897. Sin embargo, lo que estaba claro es que Hugh Jackman no repetiría su papel de 2004, por lo que la productora había comenzado a trabajar para encontrar un protagonista de altura para el personaje, un actor de primera línea.

Y al final los rumores se han confirmado: Tom Cruise ha sido el elegido para interpretar al personaje. La propia productora se ha encargado de confirmarlo mediante una nota de prensa, donde también afirman que están trabajando en la enésima versión de The Mummy, de la que también os hablamos:

Universal Pictures anuncia que ha firmado un acuerdo de producción de dos años con uno de los principales equipos de guionistas y productores de la industria del entretenimiento, Alex Kurtzman y Roberto Orci, a través de su sello K/O Paper Products. El dúo dará inicio a una serie de títulos para Universal, incluyendo dos nuevas versiones de Van Helsing y The Mummy, la primera de ellas siendo protagonizada y producida por Tom Cruise

No se qué os parecerá el fichaje de Tom Cruise para este personaje, pero creo que las intenciones de la productora son bastante claras: no quieren a un actor joven para el personaje, para convertir la película en una simple cinta de acción, sino que han preferido buscar un actor ya maduro para poder trabajar sobre los puntos débiles del personaje. Esto es algo que se está poniendo muy de moda entre los superhéroes desde que Nolan hizo lo propio con Batman: desmitificarlos y mostrar su lado más humano, recalcando que al fin y al cabo no dejan de ser personas.

También hemos conocido que el proyecto ya cuenta con guionistas, Alex Kurtzman o Roberto Orci, que hace poco también se pusieron a trabajar en el guión de The Amazing Spider-Man 2:

Kurtzman y Orci han colaborado con algunas de las principales mentes creativas de la industria, entre ellos J.J. Abrams, con quien escribieron la tercera entrega de Misión Imposible, que recaudó 400 millones de dólares en la taquilla mundial. En 2007 escribieron Transformers y en 2009, Transformers: Revenge of the Fallen; ambas han recaudado 1.500 millones a nivel mundial. La pareja también escribió Star Trek en 2009, la cual recaudó 385 millones en todo el mundo. A través de la televisión el dúo ha obtenido un gran éxito después de crear series como Fringe o Alias

Aún queda bastante hasta que el proyecto eche a rodar seriamente, pero al menos la Universal tiene cerrados dos frentes importantes. Ahora sólo queda conocer cuáles serán las fechas de comienzo de la producción y quién será el director que se haga cargo de rodarla.

Stan Lee, genio creador de personajes del mundo del cómic tan conocidos, carismáticos e icónicos como Spiderman, Hulk, Iron Man, Los X-Men, Los 4 Fantásticos, Los Vengadores … ha visto como sus personajes cobraban vida en gran pantalla. Uno de sus mejores creaciones se dio a conocer en 1964, estoy hablando de Daredevil, personaje creado a dos manos por Lee y Bill Everett. Desde entonces el personaje ha pasado por muchas cosas, por muchas manos y ha vivido un sin fin de aventuras. En 2003 se estrenó Daredevil en las salas de cine, el papel protagonista recayó sobre un Ben Affleck que empezaba a perder el respaldo de los estudios y sus seguidores. El resto del reparto estaba conformado por Jennifer Garner dando vida a Elektra; Colin Farrell como el villano Bullseye y Michael Clarke Duncan como Kingpin, una decisión de casting que hizo correr ríos de tinta. Muy pocas personas disfrutaron con una película que suele aparecer en todas las listas de peores cintas de superhéroes. No sé que opina Stan Lee de Daredevil (2003) pero si no le gustó lo que vio entonces tendrá la oportunidad de ver, de nuevo, al hombre sin miedo en la gran pantalla; y esta vez, todo indica que será una experiencia mucho más gratificante.

Desde hace dos años venimos recibiendo noticias sobre el remake de Daredevil que prepara la 20th Century Fox. En principio, David Scarpta fue elegido para sentarse en la silla del director; un año más tarde lo sustituyeron por David Slade (30 Days of Night) El tiempo pasaba y la película iba tomando forma; no obstante en las últimos días Slade parecía más centrado en el proyecto televisivo Hannibal que en Daredevil. La Fox, para acallar rumores y mantener vivo el proyecto, anunció que David James Kelly había sido contratado para re-escribir el guión de Brad Caleb Kane (Fringe).

El proyecto es ambicioso ya que la productora pretende adaptar Born Again, una de las mejores historias de todos los tiempos y un punto de inflexión en la vida del personaje. Frank Miller y David Mazzuchelli crearon, en una saga que abarca seis números 227-233, una magnífica trama en la que Matt Murdock sufre lo indecible cuando Kingpin descubre su verdadera identidad.

Por ahora nada se sabe del reparto ¿Quién se pondrá el traje de Daredevil? ¿Quién se dedicará a proteger Hell´s Kitchen? Hagan sus apuestas.

Foto: We came from de basement

Puede que Roger Donaldson sea un cineasta irregular, pero muchas de sus propuestas, aunque estén afincadas en estructuras de productos comerciales, consiguen resultar interesantes tanto por los conflictos que se plantean entre sus personajes, como por las premisas éticas de sus historias. Quizás su película más interesante hasta la fecha sea sigue siendo No Way Out, un thriller político en el que los vínculos emocionales entre los personajes servían como eje que hacía girar su argumento por derroteros complicados, exactamente igual que sucede en su última película: Seeking Justice (El pacto).

Si el conflicto es sencillo, su resolución será un poco más peliaguda: Laura (January Jones), ha sido brutalmente atacada por un desconocido, motivo por el que Will (Nicolas Cage), su marido, accede a la tentativa de un desconocido, Simon (Guy Pearce), que le ofrece “justicia”, a cambio de una pequeña contribución a su organización (criminal). Lo que will no es capaz de anticipar en el momento de confusión que Simon aprovecha para hacer su oferta es que el precio a pagar quizás sea demasiado alto para él.

Cualquier otro cineasta podría haber convertido una historia como esta en un panfleto propagandístico, sin embargo, el guión escrito por Robert Tannen consigue desarrollar sus personajes sin caer en clichés, desarrollando la historia de una manera sencilla, pero contundente. Si Laura tendrá que superar los traumas que le han causado el ataque sufrido, Will también tendrá que sobreponerse a la presión moral de sus propias decisiones. Aunque forman una pareja muy enamorada, cada uno deberá salir de su abismo por sus propios medios, con el apoyo del otro, pero por sus propios medios.

De hecho, si una decisión individual es la que mete a Will en este lío, serán las decisiones individuales de Laura, las que contribuyan a que ambos salgan adelante. Al menos yo entiendo que si el punto de vista de los autores de la película es que el amor es cosa de dos y cada uno de ellos puede tomar decisiones de manera individual, sólo el apoyo en el otro podrá conseguir que ambos consigan superar sus problemas, pero superándolos cada uno de ellos también de manera individual.

Hacía mucho tiempo que no disfrutaba de una interpretación de Nicolas Cage, prácticamente desde que le dieran el Oscar por Leaving Las Vegas. Quizás en Seeking Justice no llegue a una interpretación tan profunda, pero desde luego consigue que lamente que se haya empeñado en convertirse en un héroe de acción. Incluso Guy Pearce, que no es santo de mi devoción, está estupendo en su interpretación del enigmático Simon. Quizás no sean más que cuestiones personales, pero la única que no consigue estar a la altura, o al menos al mismo nivel que ellos, aunque no está del todo mal, es January Jones. No sé si es tanto por la falta de química con su pareja en la ficción, o porque su imagen es demasiado agresiva para estar encorsetada dentro de una simple mujer enamorada, algo que sí conseguía perfectamente Sean Young en la mencionada No Way Out, pero quizás hubiera estado más convincente estando al lado de Simon que de Will.

A un servidor, que siente mayor predilección por un tipo de cine más profundo, también le apetece de vez en cuando disfrutar de una película sencillamente entretenida. Lo que uno no está dispuesto es a tragarse historias fantasiosas, no porque se alejen más o menos de la realidad, sino porque en aras de la espectacularidad, acaban por ser completamente increíbles. Si Roger Donaldson no trata en ningún momento de hacer de Seeking Justice, o El pacto como ha sido titulada en España, un ejercicio de acción desmesurada, tampoco hace alarde de una aproximación estética, consiguiendo un thriller moral contundente y efectivo que mantiene el interés de principio a fin.

No puedo decir que no me haya gustado Les femmes du 6ème étage (Las chicas de la 6º planta), la película de Philippe Le Guay por la que Carmen Maura ha obtenido el César a la mejor actriz de reparto. Es una película amable, sincera y emotiva. Pero el retrato que se hace de las españolas en el exilio es un tanto exagerado y lleno de tópicos más apropiados de una visión estadounidense que de nuestros vecinos galos, que nos conocen mucho mejor, pero por otro lado, la historia que sirve de columna vertebral a todo el relato, siendo verosímil, no resulta en absoluto creíble. Cuando el grupo de fabulosas actrices españolas que interpretan a las criadas son capaces de vencer los prejuicios de un visión algo distorsionada de la realidad, es precisamente en la interpretación donde la otra historia fracasa, provocando así que el conjunto de la película sea inestable e inconsistente.

Partiendo de lo general a lo particular el problema de Les femmes du 6ème étage parte desde su guión, escrito por el propio Philippe De Guay en colaboración de Jérôme Tonnerre. Se desprende de la superficialidad de su discurso el escaso conocimiento que de la cultura española tienen, algo que delata el hecho de que si en un principio parece haber una preocupación por la situación política de España en los años sesenta, consecuencia de la guerra civil española, no tiene la más mínima importancia el trasfondo político que se encuentran al volver a su país. No es que a mi me interese más o menos, es que los personajes dispersan a lo largo del relato sus respectivas posturas ante su situación en lo que parece una preocupación del relato, pero que se diluye a medida que la historia personal ocupa más espacio que la colectiva.

Lo curioso es que esta visión parcial de la realidad se da tanto en la visión española como en la francesa, pues si parece que estas mujeres españolas están todo el día de fiesta a pesar de que sacan adelante toda su labor profesional, las francesas que se muestran personas completamente aburridas e incapaces de trabajar. Quizás esto demuestre que más que ante una obra, estamos ante un producto, calculado para entretener y enternecer entre sonrisa y sonrisa, pero que acaba fracasando por su propio carácter artificial.

Una vez comprobado que Philippe Le Guay tiene las mismas carencias para la escritura que para dotar de vitalidad visual a sus propios textos, tan sólo cabe esperar que el reparto consiga hacer más digerible este panfleto simpático. Y así es en lo que respecta al conjunto de actrices españolas, desde Carmen Maura, hasta Lola Dueñas, con mención especial para Concha Galán -casi parece una convención de chicas Almodóvar en Francia-, que aportan a la perfección lo que se espera de sus personajes, a pesar de que estén dibujados tan a la ligera. Sucede lo mismo con el lado francés, pues tanto Sandrine Kiberlain como sus amigas aportan esa sofisticación que se espera de la mujer francesa.

Lástima que que tanto Fabrice Luchini como Natalia Verbeke fracasen estrepitosamente en sus respectivos personajes. Ninguno de los dos consigue aportar ni la fascinación que Jean-Louis adquiere progresivamente hacia la cultura española, ni la atracción de María Gonzalez hacia los hombres mayores. Si el problema de Luchini reside posiblemente en la inconsistencia con la que están escritos los personajes, la de Verbeke se basa exclusivamente en que no es una actriz. Tan sólo es una niña (más o menos) mona que se limita a repetir los textos y realizar las acciones indicadas, sin transmitir la más mínima emoción ni sentimiento. Quizás su interpretación hubiera sido más emotiva si en lugar de besar a Luchini, hubiera besado la plancha, pero encendida.

Todavía no se estrena la primera Snow White and the Huntsman que Universal ya está pensando en la segunda entrega, algo que nos deja con la duda de si la malvada bruja interpretada por Charlize Theron sobrevivirá entonces a esta primera entrega a estrenarse en Mayo en Argentina y en Junio en USA y España. Según parece, Universal visiona este film como el primero de una saga al estilo Lord of the Ring, algo que suena realmente extraño si nos ponemos a comparar el clásico infantil con aquel mundo ideado por Tolkien. Asique el estudio ahora está en tratativas con David Koepp, aquel que estuviera involucrado en films como Jurassic Park y Spider-Man, para escribir la secuela. Además, esperan que al proyecto pueda sumarse otra vez Ruper Sanders, director de la primera.

Tanto Kristen Stewart como Chris Hemsworth, personajes centrales de esta primera parte, han filmado por dos films asique es muy probable que los tengamos de vuelta en la segunda entrega, aun cuando Chris tenga en su lista de deberes una segunda parte de Thor. Por su parte Stewart parece no tener aun proyectos en camino luego que finalice la saga Twilight; sin embargo quién será la figura central de esta segunda parte aun no se sabe, es muy temprano para conjeturas pero viendo los tráilers y spots del film podemos intuir que esta princesa, mucho más guerrera que la original, podría encarar muchas aventuras aun cuando se alejara de aquella que nos han leído de niños.

Por el momento no se tienen más noticias salvo que Universal a través de uno de sus voceros expresó que “espera adentrarse rápido en este proyecto” por lo que si la agenda de Hemsworth y Stewart así lo permite, no es de extrañar que el rodaje se iniciase días después que se estrene la primera parte.

Es curioso que cuando un actor o actriz participa en una película de gran éxito comercial tendemos a pensar que va a tener la posibilidad de desarrollar una espléndida carrera artística, o al menos que podrá elegir los trabajos en los que participe a partir de ese momento. Mucho más cuando se trata de alguien que además de participar en un título de culto, también resulta ser una película taquillera. Seguro es lo que muchos pensaron cuando descubrieron a Sean Young en Blade Runner, que volvería a incurrir en la ciencia ficción de la mano de David Lynch en Dune, para después diluir su carrera en títulos olvidables -salvo alguna que otra excepción como A Kiss Before Dying.

Parecía que eso mismo le iba a suceder a Carrie-Anne Moss. Lo cierto es que es pronto para decir que la carrera de esta actriz canadiense se haya diluido, al fin y al cabo ha participado en títulos relativamente conocidos como Disturbia o Fireflies in the Garden, pero al menos no parece que haya seguido el camino que se preveía para la que fuera protagonista de The Matrix y Memento. Aunque quizás este año comprobemos cómo resurge en la memoria de muchos puesto que si en otoño se estrena Silent Hill: Revelation, en la que comparte cartel con Sean Bean, Malcolm McDowell, Radha Mitchell y Deborah Kara Unger, se encuentra en estos momentos rodando en Ontario la que será su siguiente película: Compulsion.

No confundir con la película homónima que estrenaba Richard Fleischer en 1959. Estamos hablando de una historia en la que Carrie-Anne Moss interpreta a Saffron, una ex-estrella infantil que siendo brillante y muy elegante, le ha dado la espalda al mundo, pero que ve en peligro su aislamiento con la llegada de una nueva vecina: Amy. Cargada de ilusiones y posibilidades, Amy empieza una nueva vida tras una separación sentimental, lo que le llevan a centrarse en su trabajo: un programa de televisión centrado en la cocina. De hecho sueña en convertirse en una celebridad como la que precisamente descubre que vive al otro lado del pasillo. Pero si Amy no le teme a nada en la vida, su vecina no le teme a nada en la muerte.

Dirigida por Egidio Coccimiglio (Imaginary Grace), a partir de un guión original de Floyd Byars (Masterminds), en el reparto de Compulsion coinciden presencias masculinas como las de Kevin Dillon o Joe Mantegna, aunque el combate será puramente femenino. Y lo cierto es que soy incapaz de escoger favorita porque Carrie-Anne Moss tendrá que verse con otra estupenda actriz como es Heather Graham, que si tiene una dilatada carrera y a participado en varias películas tanto de gran éxito comercial como de culto, no parece que tampoco acabe de conseguir el estatus que desde mi punto de vista se merece.

Foto: FrikArte Galla Wallpapers

Aunque la película no llegará a los cines hasta el 2 de mayo de 2014, desde la Columbia no quieren dejar ningún cabo suelto hasta entonces ni tener que retrasar la fecha de estreno por cualquier imprevisto durante la producción, así que ya se encuentran trabajando en la que será la continuación para una nueva franquicia del hombre araña. Recordemos que el reboot aún no ha llegado a las salas, que lo hará el próximo 3 de julio, y que deberá conseguir un recaudación bastante importante si quiere justificar una secuela en la que ya se lleva trabajando desde hace tiempo.

Hoy se ha dado un paso más, muy importante, en la producción de The Amazing Spider-Man 2 ya que se han confirmado los guionistas que se encargarán de escribir el libreto. No repetirán Alvin Sargent ni Steve Kloves, encargados del reboot, sino que esta vez el trabajo recaerá en Alex Kurtzman y Roberto Orci. Parece que desde la productora tienen muy claro que han contratado a dos buenos guionistas que tendrán mucho que aportar a esta secuela, tal y como ha comentado Matt Tolmach, productor del film:

Alex y Bob tienen una capacidad única para escribir un gran guión lleno de una espectacular acción que le de a Spider-Man el tono perfecto. Ellos han sido amigos nuestros desde hace mucho tiempo y tienen un punto de vista muy interesante sobre la franquicia. Estamos encantados de que se unan a la familia Spider-Man

Este tipo de declaraciones y peloteo es muy común cuando se hacen estos anuncios, regodeándose en que han contratado, supuestamente, a los mejores artistas con los que se podía contar para su película. Por otra parte, Kurtzman y Orci tampoco son nuevos en esto de escribir guiones y, entre otros tantos, trabajaron juntos en el guión del Star Trek que dirigió J. J. Abrams en 2009. Los guionistas también han tenido tiempo para hacer sus declaraciones y ponerse manos a la obra, teniendo en cuenta que el rodaje comenzará en el primer trimestre de 2013:

Hemos crecido como grandes fans de Spider-Man. Para nosotros, la oportunidad de trabajar en esta película es similar a conseguir el Santo Grial. Nos encanta la dirección que Columbia ha dado a la mitología de la nueva aventura de Peter Parker/Spider-Man

Habitualmente, la confirmación de que una figura de primera línea accede definitivamente a participar en un determinado proyecto, facilita completar el resto del reparto de su reparto, modificando de esa manera la fisonomía que tendrá después la película definitiva. Es lo que sucede tras la confirmación de la participación de Russell Crowe en Noah, ya se le asocian nuevos nombres. Y de la misma manera que sucede en muchos otros títulos como Iron Man 3, Motor City, Defiant, The Glass Castle, The Secret Life of Walter Mitty o The Necessary Death of charle Countryman para las que se postulan nombres como los de Toni Collette, Sean Penn, Jennifer Lawrence, Liam Neeson, Gina Carano, Gerard Butler, Jessica Chastain o Richard Jenkins. Ordenemos ahora cada nombre con su película.

Noah

Nada está confirmado, todo son rumores pero, efectivamente, una vez se ha confirmado que Russell Crowe participará en la película de Darren Aranofsky enseguida ha cogido fuerza el nombre de Liam Neeson. Más que nada porque son los dos nombres que surgieran en un principio de boca del propio cineasta, por lo que si el primero ha accedido, ¿por qué no iba a hacerlo el segundo? Si ha principios de este mismo mes me preguntaba hacía dónde iba la carrera del actor de Irlanda del Norte a propósito de la posibilidad de que se sume al reparto de Non-Stop, lo cierto es que interpretar un personaje en un proyecto como este podría devolverle la solvencia de filmes pretéritos que ha quedado un tanto diluida con tanta película de acción. A favor.

Iron Man 3

En el caso diametralmente opuesto estaría una actriz como Jessica Chastain, que si este año podemos decir que ha estado en todas partes, con nominación al Oscar incluida, pareciera que se quisiera tomar unas pequeñas vacaciones de verano. Quiero decir que podría trabajar en una película que requiera menos más concentración intelectual, aunque mayor entrega física. Si en un principio ya se hablara de la posible participación de la actriz en Iron Man 3, parece que vuelve a estar interesada en interpretar a una científico tan sexy como inteligente, después de que se haya cuadrado su agenda con la película sobre la muerte de Bin Landen. De esta manera desbanca inmediatamente a otras candidatas como Diane Kruger, Gemma Arterton o Isla Fisher. Si Robert Downey Jr, Gwyneth Paltrow y Don Cheadle repiten en sus respectivos personajes, es más que probable que Guy Pearce y Ben Kingsley también se sumen a un proyecto que dirigirá Shane Black.

Fast & Furious 6

Si tenemos que juzgar la capacidad interpretativa de Gina Carano por su participación en Haywire, lo único que un servidor puede decir a favor de ella es que no le importa en absoluto correr. Lo que la convierte en una opción mas que indicada para involucrarse en la exitosa franquicia de Universal que va por su sexta entrega. Argumento y personajes permanecen en el más absoluto secreto, pero parece que Paul Walker, Vin Diesel y Dwayne Johnson repetirían sus respectivos personajes. también repiten Justin Lin como director y Chris Morgan como guionista.

The Glass Castle

A pesar de que la carrera de Jennifer Lawrence todavía es breve, ha dejado bien claro que sabe moverse a la perfección tanto en el seno del cine más independiente como en las megaproducciones que arrasan en taquilla. Por eso a alguna no nos preocupa hacia dónde se muevan sus nuevos proyectos pues sabemos que ella siempre lo hará lo mejor que pueda. Aunque todavía no hay confirmación, todo indica que tras el rodaje de Catching Fire, podría incorporarse al de The Glass Castle, la adaptación de la novela homónima de Jeannette Walls. Se trata de las memorias de la turbulenta infancia de la propia escritora en manos de unos padres negligentes. Esto me suena a una interpretación con la intensidad de la que ofreciera en Winter Bonnes.

The Secret Life of Walter Mitty

Hablamos ahora del remake de The Secret Life of Walter Mitty, una película de Twentieth Century Fox que dirigiera Norman Z. Leonard en 1947. Al menos la película original gira en torno a un tímido e infeliz escritor de una revista de fotografías, que vive con su dominante y posesiva madre, evadiéndose de la opresiva atmósfera en la que vive imaginando que es un héroe que vive grandes aventuras… hasta que un día sus sueños se hacen realidad. Si Ben Stiller es el director al frente del proyecto, también él será el protagonista de la película que en su momento protagonizara el actor cómico Danny Kaye. Junto a él ya están confirmados nombres tan interesantes como Kristen Wiig, Patton Oswalt, Kathryn Hahn, Adam Scott o Shirley MacLaine, a quienes podría unirse ahora Sean Penn. Pinta bien, ¿no? Por lo menos mejor que cuando aspiraban a que fuera protagonizada por Sacha Baron Cohen y Mike Myers.

One Square Mile

Quizás no tenga la misma reputación que Sean Penn, tampoco la misma capacidad para escoger sus títulos, pero a un servidor siempre le estimula encontrar a Richard Jenkins en el reparto de una película. Mejor todavía cuando no interpreta a un secundario, sino a uno de sus personajes principales, como sucede en One Square Mile, que dirigirá Charles-Olivier Michaud a partir de un guión de Josh Campbell y Jeff Van Wie. Jenkins está confirmado para interpretar a un entretenedor de atletismo que entablará a una sólida amistad con un adolescente privado de sus derechos, que estará interpretado por Cameron Bright. El rodaje comienza en agosto.

Defiant

Lo mismo que le importaba a Red Butler el destino de Escarlata O’Hara me importa a mi el de Dev Patel, quien protagonizará Defiant a las órdenes de Bill Bennett. Pero si Toni Collette está dispuesta a entrar en este proyecto, yo estoy dispuesto a ir a ver la película. Basada en una historia real, se trata de un thriller que tiene como trasfondo un doble asesinato de honor en la India. Parece ser que a los hombres musulmanes se les permite casarse con mujeres no musulmanas -con el fin de mermar la capacidad reproductora de los no musulmanes-, pero a las mujeres musulmanas sólo les está permitido casarse con varones musulmanes. En esta historia tan truculenta Patel será el novio que trata de escapar junto con su novia de un destino fatal, mientras que Toni Colette interpreta a la periodista que cubre su historia, que se verá envuelta en el mismo peligro que la noticia que sigue. intuyo que no va tener mucho que ver con Sllumdog Millionaire.

Motor City

Aunque tampoco tenga la reputación de Sean Penn, un actor como Gerard Butler tampoco creo que tenga que demostrar nada a estas alturas, capacitado igualmente para abordar películas de acción como personajes psicológicos con mayor densidad. O quizás sea él quien proporcione la fuerza y profundidad que necesitan personajes que a simple vista pueden parecer otra cosa. De hecho, Motor City es un proyecto de Albert Hughes que estuviera involucrado anteriormente en proyectos que se revelaran más densos de lo que las apariencias mostraban, como The Book of Eli. La historia vuelve a ser aparentemente sencilla al centrarse en torno a un hombre al que han engañado y busca venganza contra quien le metió entre rejas y le arrebató a su mujer. Si podemos identificar a la perfección el personaje que hará Butler, no les quepa ninguna duda de qué personaje interpretará Gary Oldman, que también estará en la película junto a Amber Heard, que interpreta el personaje femenino.

The Necessary Death of Charlie Countryman

Si Russell Crowe sirve como estimulante para completar el reparto de Noah, no parece que Shia LaBeouf haya servido de inspiración ni valor seguro para un proyecto como The Necessary Death of Charlie Countryman, al que lleva ligado cierto tiempo. Fredrik Bond está dispuesto a dirigir la historia de un individuo que se enamora de una joven que es reclamada por un violento e inestable mafioso del este de Europa. A nombres como Evan Rachel Wood, la joven, y Mads Mikkelse, el mafioso, se suman ahora los de Til Schweiger, que algunos recordarán de Inglourious Basterds, y la maravillosa Melissa Leo, que todos recordamos a la perfección de The Fighter, y que volverá a hacer nuevamente de madre.

Fotos: Moviespad Cinemascomic Fanpop Ongo News

¿Será posible que las adaptaciones de novelas adolescentes desbanquen a las de superhéroes en los próximos años en Hollywood? Lo que siempre se mantendrá, porque ha sido así desde los inicios de la industria, es la prioridad de que una película sea relativamente barata de realizar pero que tenga los mayores beneficios en taquilla posibles. Y esto, ante la falta de ideas originales con la que nos encontramos actualmente en Hollywood, han tenido que recurrir a otras disciplinas artísticas para sobrellevarlo.

Por eso, viendo el éxito que tuvieron sagas como la de Harry Potter o Twilight, que ya tenían un público asentado que irían a ver las películas, les gustaran o no, es normal que se siga explotando esta rama de adaptaciones cinematográficas. Actualmente nos encontramos en el momento de The Hunger Games, que está arrasando en todas las taquillas del mundo, pero no será la última. Hoy hemos conocido que desde Lionsgate, que se están haciendo de oro con la película, también están preparando la adaptación de la trilogía titulada Chaos Walking.

Escritas por Patrick Ness entre 2008 y 2010, fueron galardonadas con la Carnegie Medal. La historia nos traslada a un futuro donde la raza humana ha sido capaz de conquistar y establecerse en un nuevo planeta. Sin embargo, en este nuevo mundo, muy parecido a la Tierra, existe una rara enfermedad llamada El Ruido que convierte en audibles todos los pensamientos. Tal y como dice la sinopsis del libro:

La privacidad desaparece, se desata el caos y un autócrata corrupto amenaza con librar una guerra contra la población indígena. Solo el joven Todd Hewitt tiene la llave para salvar a ese mundo de la destrucción

Lo más estrambótico de todo es que desde Lionsgate han contactado con el genial guionista Charlie Kaufman para que se haga cargo de escribir la adaptación del primer libro, titulado The Knife of Never Letting Go. La noticia habla de que la productora le ha encargado este trabajo pero no dice si el guionista ha aceptado, o siquiera si tiene alguna posibilidad de negociar este contrato. No sé cómo serán las novelas de Ness, aunque por el argumento parecen interesantes, pero tampoco parece que sean del estilo que trabaja Kaufman. Igualmente, en el caso de que el guionista finalmente se haga cargo del trabajo, al menos tendremos una buena base para la futura película, que viendo cómo está el nivel de estas adaptaciones siempre es de agradecer.

Si una película como Top Gun viniera a convertirse en los años ochenta en una perfecta campaña de promoción para estimular la testosterona de aquellos que no tuvieran claro su futuro y se alistaran al cuerpo de aviación, Battleship vendría a hacer lo mismo en lo que respecta a la época actual, salvo que aquí el mensaje, acorde con los tiempos actuales, va dirigido tanto a ellos como a ellas, pero para fomentar su alistamiento en el cuerpo de marines. Y es lo mejor que voy a decir sobre tremendo bodrio porque antes incluso de que aparezca el crédito con el nombre de la película ya me he arrepentido de dejarme arrastrar por el hecho de que se trata de una película de ciencia ficción, porque no lo es.

Una película como Battleship se puede analizar simplemente con sólo dos secuencias: la primera y la segunda. La primera porque enlaza con la última y desvela el lado político en el que se mueven sus creadores: la extrema derecha. Comenzar una película en unas instalaciones de alta tecnología en las que se tiende la mano a cualquier forma de vida extraterrestre para establecer un contacto -qué irónico y absurdo resulta que el individuo a cargo de las instalaciones sea el que menos interesado está en ese mensaje-, para terminar (SPOLIER) destruyendo esas mismas instalaciones, revela que no estamos más que ante un panfleto propagandístico. ¿Son estas las medidas de austeridad en tiempos de crisis que proponen Erich y Jon Hoeber, guionistas del proyecto?

Quizás sólo con la primera secuencia en sí misma no tengamos clara la noción de que estamos ante un filme de propaganda, pero de lo que no queda ninguna duda es del tono de absurda ¿comedia romántica? que se apodera de la mayor parte de Battleship, una vez vista la patética segunda secuencia de la película, con la única “originalidad” de que además está llena de extraterrestres. Lo peor de todo es el momento en que compruebo que el protagonista de la película es completamente imbécil e irresponsable al cometer un allanamiento de morada, irrumpiendo en una tienda a través de su techo, destrozando todo lo que encuentra a su paso y al ritmo del maravilloso tema que Henry Mancini compusiera para The Pink Panther. Y todo con el fin de conseguir un burrito de pollo para impresionar a la chica que automáticamente se enamorará de él, dando la casualidad de que es la hija del que será su oficial superior. Y eso que todavía no se ha alistado, sino que además será su hermano el que le obligue (la extrema derecha es así, te obligan a hacer cosas aunque no quieras hacerlas).

Tal cúmulo de casualidades y despropósitos provoca que inmediatamente me ponga del lado de los extraterrestres, deseando que consigan exterminar a toda la humanidad (incluyéndome a mi). Y no tengo nada más que decir porque si los personajes son patéticos, los actores que les interpretan no son capaces de dotarles de la más mínima credibilidad. Liam Neeson sigue en su línea de personajes de acción sin ningún fundamento y Taylor Kitsch sigue sin tener muy buen ojo para escoger proyectos, aparte de que tiene mucho menos que ofrecer que el otro, y el personaje de Rihanna parece mucho más indicado para Demi Moore, la verdad.

Ni me impresionan los efectos especiales ni encuentro ningún giro de guión curioso o interesante. Bueno sí, cabe resaltar ciertos detalles de los memorables diálogos, como la despectiva manera en la que se refieren a sus enemigos, “apuesto a que son coreanos”, antes de saber que son extraterrestres, dispuestos a aniquilar a cualquier ser humano sea cual sea su nacionalidad; la frase que evidencia que la imagen que ellos mismos tienen de los que se alistan al ejército, “señor, déme una orden, señor, no sé qué hacer”; o ese regocijo con el que el protagonista disfruta con lo que está sucediendo, “el arte de la guerra”, mostrando que además de idiota e irresponsable debe ser sadomasoquista (como un servidor que no quiso abandonar la sala antes de que terminara la película).

En esta apuesta propagandística que debe hacer las delicias de políticos de la talla de Sarah Palin, Marine Le Pen o Esperanza Aguirre, también podemos encontrar una poderosa crítica a las nuevas tecnologías en favor de los medios de comunicación analógicos, ¿será porque estos últimos son más fáciles de manipular?. Puede que para Peter Berg cualquier tiempo pasado fue mejor, sobre todo porque igual todavía no ha superado la que fuera su mejor y mayor éxito, aquella interpretación de un chulito fracasado que acaba seducido por un travesti en The Last Seduction, lo que le hizo dirigir su carrera hacia la dirección cinematográfica. Algo lamentable para todos los seres humanos.

Charlize Theron es una profesional polivalente que da lo mejor de sí misma en cualquier faceta, tanto como modelo, como de actriz. Siendo capaz de ganar un Oscar por su espeluznante interpretación de Aileen en Monster, puede compaginar a la perfección su carrera cinematográfica entre filmes de corte puramente independientes y productos comerciales al estilo de Hollywood. Si algunos quedamos fascinados por su reciente interpretación de Mavis Gary en Young Adults, en breve podremos verla como la bruja malvada de Snow White and the Huntsman y, todavía mucho mejor, como Meredith Vickers en Prometheus. Y parece que la actriz se encuentra bastante cómoda en el género fantástico y de ciencia ficción pues si ya forma parte de proyectos como Mad Max: Fury Road, Hancock 2 y Two Eyes Staring, también será una de las protagonistas de un proyecto de Universal con muchos ingredientes para convertirse en un gran éxito: Agent 13.

¡Ojo! No confundir con uno de los personajes del universo Marvel, que fuera agente de campo de S.H.I.E.L.D. al servicio de Nick Fury, y que ocasionalmente fuera novia del Cpaitán América. Se trata de una historia basada en Agent 13: The Midnight Avenger, un cómic publicado originalmente desde 1986 hasta 1988, cuya acción se desarrolla en los años treinta. Quizás no sepamos mucho de T.S. Nowlin, guionista que se ha encargado de la adaptación cinematográfica, pero los autores del cómic fueron Flint Dille y David Marconi, creadores también de los cómics de G.I. Joe y Transformers. Marconi sí ha estado más vinculado al mundo del cine en calidad de guionista de filmes como Enemy of the State y Live Free or Die Hard. Si esto ya nos puede dar un pista de lo que nos podemos esperar del proyecto, seguro que muchos comienzan a frotarse las manos cuando sepan que el director asignado a Agent 13 no es otro que Rupert Wyatt, responsable de uno de los éxitos del verano pasado: Rise of the Planet of the Apes.

Personalmente lamento mucho el fracaso de Aeon Flux, la fatídica y estimulante heroína de acción de la serie de animación creada por Peter Chung, pero a la que Karyn Kusama no supo sacarle todo su partido en la versión cinematográfica. Sobre todo porque podría haberse convertido en una interesante franquicia al servicio de la actriz sudafricana. Quizás esta sea una segunda oportunidad para ella pues Agent 13 tiene el mismo tono postmoderno y también está repleta de mujeres fatales y momentos de máximo riesgo que la serie original de animación creada para MTV. Al menos aquí Charlize Theron tendrá algo más de responsabilidad en el producto final pues aunque no será exactamente la protagonista, sí que produce la película junto a Sean Daniels, que es quien ha estado desarrollando el proyecto desde que descubriera el cómic.

Puede que la edición japonesa del trailer de The Bourne Legacy, no aporte mucho más al que ya habíamos visto de la película que protagoniza Jeremy Renner. De hecho, es considerablemente más corto que el primero. Lo bueno no es sólo que llega con el cartel de la película, que confirma el homenaje a los magníficos diseños gráficos que Saul Bass creara para las películas de Otto Preminger, Billy Wilder o Alfred Hitchcock, recordando particularmente los títulos de créditos de Psycho, sino que además podemos conocer de primera mano la opinión de Tony Gilroy, director y guionista de la película, sobre la evolución de la historia.

Todo lo que pasó antes no era un sueño. Todo lo que pasó era completamente real, pero pensabas que sabías lo que estaba pasando. Creías que lo habías visto todo, y esta película te dice que hay un mundo mucho más amplio, una conspiración que va más allá. Los hechos de las otras tres películas están muy presentes, pero no están realmente aquí. Lo que pasa en The Bourne Ultimatum es realmente la chispa que abre la puerta hacia esta película porque la historia de Jason Bourne se dispara hacia el público. Se hace imposible ocultar más lo que está causando los problemas de una conspiración mucho más grande. Ultimatum opera en el trasfondo del comienzo mismo de esta película.

No veremos a Matt Damon en The Bourne Legacy, pero puede que no le echemos de menos porque si junto a Jeremy Renner volveremos a ver a Albert Finney, Joan Allen, David Strathairn y Scott Glenn repitiendo sus personajes, se incorporan a la franquicia las estimulantes presencias de Rachel Weisz, Edward Norton, Stacy Keach y Oscar Isaac. ¿Alguien se resiste al estreno de la película el 3 de agosto?

The Bourne Legacy - International Trailer #1… por addictomovie

Por si no los recuerdas muy bien, o incluso si tienes pendiente alguna de las secuelas de la serie, recordarte que estamos hablando de una franquicia de acción que comenzaba hace una década con The Bourne Identity, continuaba con The Bourne Supremacy y concluía con The Bourne Ultimatum, para renacer de nuevo con este The Bourne Legacy. Una serie cuya coherencia y continuidad viene aportada, precisamente, por el propio Tony Gilroy, que ha participado en el guión de las tres entregas, así como en filmes como Dolores Claibourne, Armageddon, Michael Clyton o Duplicity. Junto a él su propio hermano, Dan Gilroy, participa en la confección del guión tras colaborar en los guiones de filmes como Freejack, Two for the Money, The Fall o, más recientemente, Real Steel.

Cuando llegaron a mis oídos las primeras noticias sobre la adaptación estadounidense de Oldboy, antes incluso de que se confirmara que la iba a dirigir Spike Lee, uno de mis primeros candidatos para interpretar al protagonista fue el inconmensurable Samuel L. Jackson. Quizás por eso me tomé con algo de humor el comentario del tráiler de The Samaritan, la película canadiense dirigida por David Weaver que recordaba ligeramente a la fabulosa película dirigida por Park Chan-wook, y que, en consecuencia, supuse podría servir para comprobar lo que nos perdíamos al no contar con el actor afroamericano para el remake estadounidense de la película coreana. Es obvio que el cineasta canadiense ya tuvo la misma idea, y o bien porque no pudo conseguir los derechos de adaptación, o porque se le adelantaron, no ha tenido ningún escrúpulo en copiar, pegar y plagiar la película o el cómic en el que se basaba, haciendo del espectador el auténtico samaritano que encima tiene que soportar una película increíble, inverosímil y tremendamente aburrida.

Imagino que se pueden hacer a la idea de que el contenido de este escrito está lleno de spoliers, no tanto porque un servidor comente alguno de los giros de The Samaritan, sino porque son los mismos que tenía Oldboy. En cualquier caso, si algún incauto no ha visto todavía la mencionada película, directamente le conmino a verla y pasar de largo de la cinta que comento. La operación de adaptación a la que Elan Mastai y el propio David Weaver someten el guión original de Oldboy se zanja justificando el encarcelamiento del protagonista y adelantando al primer giro de guión su relación con la joven protagonista. Superado esto, como todavía queda media película por delante, podemos decir que cogieron una porción de The Sting, y una pizca de The Grifters, y cerraron su olla a presión (esto na ha sido cocinado a fuego lento), para ofrecer lo que pensaron iba a ser un thriller de acción pura y dura.

Se equivocaron. The Samaritan no sólo es un despropósito porque se trata de un timo hacia el espectador, sino porque la capacidad de David Weaver para hacer un tratamiento visual tan fascinante como el que Park Chan-wook le diera a su película, es completamente nula. Qué decir de su fotografía o su banda sonora, que tan espectaculares fueran también en el modelo coreano, o de las interpretaciones de sus protagonistas. Si Luke Kirby resulta completamente insoportable como antagonista, Ruth Negga no llega a arrancar ningún sentimiento de empatía del espectador. Samuel L. Jackson no llega a estar completamente convincente. Y por muy estimulantes que sean las breves apariciones de Tom Wilkinson y Deborah Kara Anger, no son suficientes ni para distraer al espectador.

Puede que algunos crean que estoy exagerando, pero es que si en general no estoy a favor de remakes, mucho menos de que me engañen haciéndome creer que es original algo que no es más que una mala copia. Está claro que puestos a comparar películas siempre podemos sacar parecidos y similitudes, pero si tengo que ser el samaritano -así se refieren en la película al individuo al que pretender timar-, por lo menos que se estrujen el cerebro para que no me de cuenta del engaño ya no en los primeros quince minutos, sino desde el mismo tráiler. Que es que parece que nacieron ayer, o a lo mejor fui yo por dejarme engañar para ver semejante bodrio.

Con un reparto internacional, en el que destacan Clive Owens y Daniel Brühl, hace un par de semanas se estrenaba Intruders en los Estados Unidos. Última película dirigida por Juan Carlos Fresnadillo, tercera de su filmografía y segunda que rueda en inglés, que ya pasara por las pantallas españolas a tiempo de ser incluida en las nominaciones a los premios Goya, en los que Pilar López de Ayala obtuviera una nominación a la mejor interpretación femenina de reparto, así como también comparecía en la categoría de mejores efectos especiales.

Es curioso que cuando muchos cineastas internacionales miran hacia el cine norteamericano, en aras de dotar a sus películas de un aura universal, el director de origen tinerfeño prefiriera fijar su modelo a seguir en el cine británico, no perdiendo por ello su propia identidad española. La influencia es además muy concreta pues si 28 Weeks Later fuera la secuela de una película dirigida por Danny Boyle, 28 Days Later, en el reparto de Intruders interviene también Kerry Fox, que fuera la protagonista de Shallow Grave, la ópera prima de Danny Boyle. Si Fresnadillo falla estrepitosamente en la selección de su banda sonora, que casi es la mayor virtud de su modelo británico, acierta de pleno en la historia que cuenta y en su aproximación formal, aunque no del todo en la visual.

La dualidad idiomática de las dos historias a través de las que se desarrolla el guión, escrito por el propio director en colaboración con Jaime Marques -responsable de títulos como Noche de reyes y Ladrones, que también dirigía-, contribuyen a que el cineasta se mantenga fiel a sus orígenes, así como a sus influencias. La dualidad forma parte también del germen mismo de su relato, a mitad de camino entre el género fantástico y el drama psicológico, consiguiendo una simbiosis que permite que si en un principio parece realmente que estamos ante un relato fantástico. Cuando asoman las señales de traumas y tragedias familiares, ya no nos importa si estamos realmente ante lo primero o ante lo segundo, de la misma manera que no importa si es más una película española o inglesa.

Puede que en algún momento de la proyección, alguna señal parezca anacrónica o fuera de lugar, también hay algún personaje molesto o situaciones resueltas con algo de celeridad, pero cualquier duda o molestia queda resuelta con un giro de guión que enlaza a la perfección tanto las dos historias que cuenta y las razones y motivos de las dos lenguas y localizaciones, así como sirve de perfecto puente entre lo fantástico y lo psicológico. Por eso Fresnadillo no da demasiados detalles del entorno de sus personajes, fijando la atención muy cerca de ellos y consiguiendo un perfecto clímax para el final de la película.

Una atmósfera que tan sólo es enturbiada por una insoportable y predecible banda sonora de Roque Baños, ausente de total entidad y personalidad y repleta de alusiones a Bernard Herrmann. Más que un auténtica banda sonora, y en oposición a la influencia británica y europea del director, el compositor se empeña en ofrecer una colección de efectos de sonido que pretenden contribuir al espíritu de cada secuencia, es decir, efectos de miedo en las secuencias inquietantes, efectos rítmicos en las secuencias de persecución y este tipo de recursos que tanto predominan en el cine estadounidense.

Casi podría decir que ésta es la única tara de Intruders. Pero entonces ¿por qué pasó sin pena ni gloria por la cartelera española? Probablemente porque el tono visual de la película responde al de una película clásica, más que al del cine contemporáneo, a pesar de que parece estar rodada en escenarios naturales, más que en artificiales decorados. Quizás sea la fotografía de Enrique Chediak -vinculado con Fresnadillo ya en 28 Weeks Later y con Danny Boyle en 127 Hours- la que no termina de encajar en las dos historias que forman el relato. Probablemente por exigencias del giro final, pero eso ya no lo voy a desvelar. En cualquier caso Intruders es una película muy recomendable que, si se disfruta mejor fuera del contexto de su estreno, todo indica que ganará con el tiempo.

En algunos casos la participación de una actriz tan conocida en el panorama cinematográfico internacional, como Marion Cotillard, sirve para dar notoriedad a alguna de las películas europeas en las que participa. Más todavía si su antagonista es Matthias Schoenaerts, un actor europeo con todas las papeletas para convertirse en una figura de la misma relevancia, sobre todo después de protagonizar Rundskop (Bullhead), que fuera nominada a la mejor película en lengua extranjera en la última edición de los premios Oscar. En última instancia, ambos quedan en un segundo plano cuando estamos hablando de De rouille et d’os, titulada para el mercado internacional como Rust & Bone (Óxido y Hueso), la última película de Jacques Audiard.

Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela homónima del canadiense Craig Davidson compuesta de una serie de relatos cortos poblados de boxeadores, peleas de perros, adictos al sexo, apuestas, alcohólicos y una colección de personajes y situaciones muy afines a la filmografía del cineasta galo. Adaptada en colaboración con Thomas Bidegain, que ya participara en el guión de Un prophéte y la reciente Et maintenant on va où?, la historia se centra en dos de los personajes de la novela original: una cuidadora marina que pierde las piernas por el ataque de una orca y un boxeador obligado a combatir en peleas callejeras para sobrevivir.

La primera impresión de la historia, junto con el tono del cartel, me trae a la memoria la magnífica y maravillosa película de Léox Caras, Les amants du Pount Neuf. Pero el tráiler de la película, si bien da a entender que nos enfrentaremos a una historia tan intensa y desgarradora como cabe esperar de un cineasta como Audiard, también deja traslucir que nos encontramos ante un drama romántico de superación personal, pero sin la dosis de sensiblería que tendría si en lugar de francesa fuera una película made in Hollywood.

De carrera profesional dilatada pero intensa, algunos conocimos a Jacques Audiard con De batee mon coeur s’est arrêté -titulada en España como De latir, mi corazón se ha parado-, confirmando después con Un prophète que estábamos ante uno de los cineastas europeos más sólidos e impresionantes de los últimos tiempos. Aunque se trate de su sexta película como director, lo cierto es que ya había desarrollado una intensa carrera como guionista desde los años setenta, involucrado en proyectos como Le professionel -protagonizada por Jean-Paul Belmondo-, Poussiére d’ange (Polvo de ángel) o Confessions d’un Barjo -adaptación de una novela de Philip K. Dick. Si en un principio hubiéramos tenido que esperar hasta octubre para conocer la respuesta de público y crítica a su película, podremos saber algo más de De rouille et d’ors gracias a su proyección en mayo en el próximo festival de Cannes.

Foto: Les Films du Fleuve

Pocas cosas se pueden esperar de una película con un título tan simple (más que sencillo) como Man on a Ledge, que ya pone de manifiesto los pocos recursos creativos de sus creadores, superados en este caso por algún traductor que ha decidido bautizarla con un título más atractivo como Al borde del abismo, como se la denomina en español. Esa misma simpleza se extiende a la mayor parte de la película con unos personajes etereotipados que se mueven en unas premisas inverosímiles y forzadas que, en cualquier caso, pueden llegar a captar la atención del espectador, siempre y cuando este tenga verdaderas ganas de evadirse con un producto de entretenimiento cuyo sabor se acaba en el momento en que te quedas sin palomitas.

Puede que en los últimos tiempos muchos cineastas hayan establecido una correspondencia con los formatos televisivos, aportando su creatividad a fabulosas series de televisión o hasta TV-Movies interesantes, pero está comprobado que el viaje inverso, el paso de la televisión al cine, no es tan sencillo ni fructífero. La prueba la tenemos en Man on a Ledge, cuyos principales artífices, guionista y director, realizan su primera incursión cinematográfica con este enrevesado ¿¡thriller familiar!? Si para el primero, Pablo F. Fenjves, se trata de su primer guión para cine después de casi dos décadas escribiendo TV-Movies, para el segundo, Asger Leth, se trata de su primera incursión en la ficción cinematográfica después de su labor como documentalista, tanto en lo que respecta a su trabajo como guionista, como a la dirección.

Partir desde este punto nos puede ayudar a entender tanto las virtudes como los defectos de un producto cuya responsabilidad última recae en un productor como Lorenzo di Bonaventura, interesado sólo en productos de entretenimiento fáciles y digeribles en los que no suele quedar pensar, tal y como sucede con filmes como Doom, Derailed, Shooter, G.I. Joe, Salt, Transformers y sus secuelas.

La reducida cornisa por la que se mueve Nick Cassidy (Sam Worthington) es suficiente para demostrar el poco respeto que la propia película tiene hacia el espectador, o por lo menos al espectador contemporáneo (todos sabemos cual es actualmente la respuesta de la gente ante el suicidio de una persona, lo vimos hace un año en Egipto, y hace muy poco en Grecia) al unificar la respuesta ante la situación del protagonista de una manera unánime y desagradablemente superficial, para después colocarle en el extremo opuesto, subestimando de esta manera al espectador al dar por sentado que van a ser capaces de manipularle de la misma manera que manejan a su chusma en su relato.

Para colmo, el interesante reparto de la película no logra convencer en ningún momento. La verdad es que no esperaba mucho de Sam Worthington, pero si Elizabeth Banks y Edward Burns están juntitos en sus respectivos personajes, hay que lamentar las flojas interpretaciones de Kyra Sedwick, Jamie Bell y, sobre todo, Ed Harris en personajes maniqueos, inverosímiles y demasiado estereotipados para lo que nos tienen acostumbrados. Pareciera que todos ellos también hubieran abordado sus interpretaciones como si de un producto televisivo se tratara, que es lo que en definitiva ofrece Man on a Ledge, siendo un producto tramposo e inverosímil que si puede lograr atraparte en un momento dado, tal y como sucede con algunas películas de sobremesa que no apelan a la razón, envolviendo su acción en un artefacto audiovisual que efectivo pero carente de personalidad, pero sí al corazón, logrando la identificación del espectador, más que con el personaje, con su causa.

Al que pueda servir de ayuda para decidirse a ver dónde acaba este Man on a Ledge, comentar que tanto en su planteamiento como en su resolución me ha recordado a otro producto similar como Phone Booth, que también sucedía en la ciudad de Nueva York, también llevaba a un individuo al límite de sus posibilidades, y también tenía tanto a policía como a ciudadanos pendientes de sus actos. No siendo mucho más efectiva en lo que respecta a su director, Joel Schumacher -gran creador de bodrios-, quizás Colin Farrell mantuviera mucho mejor el tipo de Sam Worthington, consiguiendo mucho más y mejor esa empatía con el espectador.

Por muy completa que sea una campaña de promoción, sólo hasta que llegan las imágenes en movimiento de cualquier película somos capaces de dejarnos seducir por lo que tenga que contarnos. Al menos eso es lo que le ha sucedido a un servidor con el tráiler de Looper, una película escrita y dirigida por el estadounidense Rian Johnson, que cuenta entre sus protagonistas con Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Jeff Daniels y Paul Dano. Quizás no le había prestado demasiada atención a este thriller de acción con viaje en el tiempo que trata sobre un grupo de mafiosos que se dedican a enviar treinta años atrás a un asesino a sueldo, al que denominan “looper”, para eliminar a aquellos que suponen un problema. Las cosas se ponen complicadas para Joe, un efectivo looper cuya vida prospera inmejorablemente, hasta que se encuentra en su presente con su propio yo, treinta años más viejo, que ha vuelto para cerrar el círculo.

Siento decir que desconozco los trabajos previos de Rian Johnson -dos largometrajes, The Brothers Bloom y Brick, y algún episodio de series como Terriers y Breaking Bad-, pero me da la impresión de que estamos ante un cineasta posmoderno con la misma capacidad para el sentido del humor que para la acción y la ciencia-ficción. No lo digo tanto por lo que se respira en el avance de su película ni por el planteamiento argumental de su propuesta, que pareciera un cruce de Goodfellas y Back to the Future con Terminator, sino por la selección de actores y actrices que dan vida a los personajes de su película, que en mayor o menor medida están relacionados con filmes de espíritu similar.

Si Bruce Willis ya viajaba en el tiempo en Twelve Monkeys, también ofrecía una versión joven y avejentada de su personaje en Death Becomes Her; Joseph Gordon-Levitt no saltaba en el tiempo, pero se movía como pez en el agua a través de los sueños ajenos en Inception; Emily Blunt ya sufriera, de la mano de Matt Damon, los golpes del destino a través de los delirios ideados por la fascinante mente de Philip K. Dick para The Adjustment Bureau; Jeff Daniels se desdoblaba en dos personajes en The Rose Purple of Cairo para ofrecer dos versiones de sí mismo, una realista y otra romántica; y Paul Dano… bueno, Paul Dano ya es lo suficientemente peculiar en sí mismo como para que necesite estar relacionado con algún otro título fantástico, además no he podido verle (o reconocerle) en el tráiler, por lo que no estoy seguro si su personaje estará en la onda del que interpreta en Cowboys & Aliens o, casi más probablemente, con el que hace en There Will Be Blood.

Para salir de dudas y colmar expectativas, tendremos que esperar hasta el 28 de septiembre, fecha fijada para su estreno en los Estados Unidos.

Ahora que Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger se llevan a las mil maravillas y hacen películas juntos, no está de más recordar aquella estúpida rivalidad que les enfrentaba en los años ochenta y noventa. Quizás el de origen italiano se metiera a público y crítica en el bolsillo con Rocky y First Blood, pero su peligrosa inclinación a repetir personaje y fórmula, sumado a su incapacidad para salir del género o fracasar cuando lo hacía, lograron que la carrera del segundo cobrara más interés. Quizás también porque aunque también tuvo algún que otro fracaso, sabía escoger mucho mejor sus películas, además de que no le iba nada mal cuando cambiaba de registro y hacía cine de comedia. De hecho, el placer culpable que propongo para hoy, Last Action Hero, está a mitad de camino entre la acción y la comedia, siendo un ejercicio metacinematográfico que parodiaba los recursos que ambos actores habían contribuido a crear con sus propias películas, pero que no fue muy bien recibida en su momento.

Dirigida por John MacTiernan, que había sido responsable de títulos como Predator, Die Hard o The Hunt for Red October, que posteriormente se convertirían en rentables franquicias, Last Action Hero cuenta la historia de un adolescente, Danny Madigan (Austin O’Brien), fan incondicional de Jack Slater (Arnold Schwarzenegger), el mayor héroe del cine de acción. A pesar de que su madre (Mercedes Ruehl) está siempre detrás de él, Danny nunca se pierde el primer pase de las películas de Jack, e incluso esta vez tiene la suerte de asistir a un pase especial, gracias al acomodador (Art Carney) de su cine habitual, que le ha preparado un pase privado un día antes del estreno. Éste le entrega una entrada, que no sabe que es mágica, y que le transporta directamente dentro de la pantalla, junto a Jack. Si Danny se da cuenta de que dentro de la película las cosas no son tal y como parecen cuando las ve desde su butaca y su héroe no es tan fabuloso, Jack Slater comprobará que la vida no se parece en nada a la ficción cuando traspase la barrera en sentido contrario. Lo malo es que él no es el único personaje que se escapa de la película. Confieso que no la he visto recientemente, pero intuyo que el paso del tiempo debe haber hecho menos mella en esta película que en otras de idénticas características, incluso las protagonizadas por Schwarzenegger o Stallone.

El guión original de Last Action Hero surgía de los primerizos Adam Leff y Zack Penn, que se proponían parodiar las historias de acción de guionistas como Shane Black, autor de Lethal Weapon y The Last Boy Scout, que irónicamente acabaría re-escribiendo su guión, figurando él como guionista junto David Arnott, y quedando la otra pareja acreditados como responsables de la idea original. ¿Sería esta la primera pieza clave para determinar el fracaso de la película? El caso es que el mismísimo William Goldman, uno de los guionistas más reputados de Hollywood, se encargó de hacer un tercer repaso para dotar de profundidad psicológica a los personajes, pero puede ser cierto que finalmente Last Action hero no acaba de ser más que un híbrido. Ni es una parodia intelectual, como se supone se pretendía por las referencias que se pueden encontrar con The Purple Rose of Cairo o Cinema Paradiso y las alusiones directas a Hamlet, Amadeus o The Seventh Seal -magnífica esta última-, ni la película de acción destinada a ser el blockbuster del verano como sus productores pretendían.

Pero un servidor la reivindica como una película de entretenimiento que ofrece algo más que pasar el rato. La suma de ironía más hipérbole me permite disfrutar de las secuencias de acción sin tener en cuenta ni la credibilidad ni la verosimilitud, de la misma manera que me fascina la posibilidad de que personajes de distintas películas puedan encontrarse en el mundo real, siendo algunos de ellos mucho más fascinantes e interesantes que los propios actores que les han dado vida.

Si atendemos a sus productores, el (siempre relativo) fracaso de la película se debe a que se estrenaba un fin de semana después de la que sí sería el acontecimiento mediático del año, Jurasic Park -ahora entiendo la broma del dinosaurio-, además de verse sobrepasada por un título con el que no contaban, como Sleepless in Seatle, que se hacía con el segundo puesto de las películas más vista en el fin de semana del estreno de Last Action Hero. Si me preguntan a mi, les diría que quizás el público no estaba preparado en aquel momento para una película de estas características. Schwarzenegger venía de protagonizar filmes como Total Recall y Terminator 2: Judgement Day, y aunque ya había participado en alguna comedia como Twins o Kindergarten Cop, no parecía el momento oportuno para cambiar a un registro más serio y dramático, mucho menos irónico. La crítica le fulminó y el público no le favoreció demasiado, pero obtuvo seis nominaciones… a los premios Razzie, aunque no ganó ninguno.

Un cinéfilo empecinado, como ya era un servidor en 1993, aparte de disfrutar con la parodia, la trama de la película y un fabuloso reparto que incluía a Charles Dance, F. Murray Abraham, Anthony Quinn, Ian McKellen o Joan Plowright, disfrutaba descubriendo los numerosos cameos entre los que se podía encontrar a Sharon Stone, Robert Patrick, M.C. Hammer, Melvin Van Peebles, Tina Turner, Bobbie Brown, Colleen Camp, James Belushi, Chevy Chase, Jean-Claude Van Damme, Danny DeVito, el propio Arnold Schwarzenegger haciendo de sí mismo, Humphrey Bogart a través de uno de sus personajes, los cartoons de Who Framed Roger Rabbit?, o el propio Sylvester Stallone en la publicidad de un videoclub en el que, dentro de la ficción de la película, él era quien había hecho Terminator.

Al menos en España hubo un ingrediente más para entorpecer el estreno de la película pues los dobladores se encontraban sumergidos en una huelga que obligó a que el doblaje no se realizara con las voces acostumbradas. Al menos a mi no me afectó pues siempre veo el cine en su versión original, incluso aunque se trate de cine español.