Siempre que me alguien me pregunta sobre el tema de una película contesto de la misma manera: ¿acaso importa? Me da lo mismo si es de género o de autor, drama o acción, que gire en torno al mundo de las finanzas o sobre universo femenino, adaptación o historia original. Lo que hace que una película me resulte interesante o no, siempre es la manera en la que un cineasta transmite la historia que quiere contar.

Million Dollar Baby, The Blind Side o Rocky son películas que se desarrollan en ambientes deportivos, pero en las que lo más importante son siempre los conflictos personales de sus protagonistas. Por eso no me importó en absoluto que Moneyball, la última película dirigida por Bennett Miller, girara en torno al deporte más aburrido del mundo. Al menos para el que no juega y desde luego siempre desde mi punto de vista, de hecho, creo que la película encajaría más dentro de un ciclo dedicado a las matemáticas que al béisbol.

Avalada con seis nominaciones a los premios Oscar, me sucede casi lo mismo que con otras películas nominadas este año en la categoría de mejor película pues si Moneyball no deja de ser una película interesante y hasta entretenida, también resulta larga, pesada y un tanto esclavizada por demasiadas palabras para tan pocas acciones. Una tara que ya se percibía en el texto previo de Aaron Sorkin, The Social Network, pero que mientras en la película que dirigía David Fincher se las ingeniaba para jugar con los saltos temporales a tres bandas manteniendo la atención del espectador hasta el final de la historia, aquí tan sólo nos encontramos con algunos racontos que no alteran ni aportan nada a la línea argumental principal.

Si acaso aclaran la estupidez del personaje principal que pudiendo elegir entre estudiar en la Universidad y jugar al béisbol, elige lo segundo -en lo que me parece la vía rápida- para descubrir posteriormente que había cometido una equivocación. Curiosamente, una premisa similar a la del personaje protagonista de The Social Network, que ciertamente también tiene una estructura inductiva teniendo que llagar al final de la historia tanto para descubrir los motivos reales que llevan al protagonista a tomar las decisiones que toma, como para que termine contradiciendo la propia premisa racional que pone en práctica en el juego, venciendo el sentimiento en la cuestión principal (y no es spoiler).

Desde mi punto de vista, aunque el guión avanza con fluidez, delata que está pensado para un público que no esté familiarizado con el deporte sobre el que trata pues está demasiado contaminado de explicaciones forzadas que no sólo no aportan demasiado, sino que dilatan el ritmo de la película hasta dilapidarlo, particularmente el último tercio que se hace un poco pesado. Ni el conflicto personal del propio Billy Beane (Brad Pitt), ni las aportaciones humorísticas de Peter Brand (Jonah Hill), consiguen vitalizar el desarrollo de una trama demasiado centrada en los logros aritméticos. ¿Quizás sea esta la aportación de Steven Zaillan? Dicho de otra manera, las aportaciones sentimentales no consiguen hacer más entretenidas las premisas racionales.

Si Brat Pitt se esfuerza considerablemente, su interpretación no sólo no está de Oscar, sino mucho menos de nominación, pero sí que es cierto que me parece más lograda que incluso la de The Tree of Life. Admiro mucho a Jonah Hill y si bien celebro su nominación, también me parece un poco excesivo este reconocimiento, más que nada porque algunas de sus interpretaciones anteriores fueran mucho más destacadas. Quizás lo más impactante sea la transformación de Philip Seymour Hoffman, casi irreconocible en un principio, aunque lo más lamentable es la escasa presencia de una actriz tan estupenda como Robin Wright, que se deja ver en ¿¡una sola secuencia!? Quizás lo que más me haya gustado sea la interpretación de Madeleine G. Hall, que consigue realmente emocionar con sólo su voz y una guitarra -otra vez los actores infantiles.

La última película dirigida por Alexander Payne, The Descendants, parte como una de las favoritas en los premios Oscar, con sus cinco nominaciones y después de haber recogido el Globo de Oro a la mejor película dramática, así como al mejor actor protagonista para George Clooney. Demasiadas expectativas para tan pocas pretensiones diría yo. Algunos pensarán que es una cuestión de prejuicios, por estar hablando de George Clooney, que no es santo de mi devoción, pero que sabe estar a la altura cuando es necesario. Tampoco es que no me haya gustado la película, pero tampoco me ha entusiasmado. Quizás sea cuestión de la manera en la que se elogia la película, para para que sea finalmente un filme poco más que entretenido y un tanto previsible. Trataré de explicarme.

Lo que me ha parecido más interesante de The Descendants es su guión. El punto concreto desde el que parte la historia conociendo el personaje de la madre a través de una anáfora, siempre a partir de los demás personajes. Cómo se desmorona el núcleo familiar a partir del accidente que deja a la madre en un coma y, sobre todo, la manera en la que se abren nuevos caminos entre padre e hijas que antes estaban distanciados por las convenciones típicas de esos padres que hacen todo por sus vástagos, aunque sólo sepan quienes son porque lo pone en el libro de familia. Pero lo más interesante es cómo a partir del mismo incidente se abre también una linea argumental que envuelve a toda la familia, así como, indirectamente a toda la sociedad en la que viven puesto que son propietarios de una basta zona que tienen planeado convertir en un lujoso complejo turístico.

Lo malo es que, si bien los personajes están perfectamente trazados y podemos encontrarnos con situaciones más o menos cómicas, interesantes y emotivas, resulta bastante lamentable que desde la segunda y tercera secuencia sepamos exactamente cómo va a terminar la película y sus dos líneas argumentales. La que se refiere directamente al personaje de George Clooney y sus hijas porque se lo dice claramente el médico que atiende a su esposa, y la que envuelve a toda la familia porque se deduce inmediatamente de la conversación (forzada) que mantiene Matt King cuando obliga a su hija a pedir perdón a otra compañera de clase, antes incluso de que nos hayan puesto en conocimiento de esa otra línea argumental.

Probablemente el fallo se deba a que, aparte de Alexander Payne, los otros dos guionistas responsables del texto, Nat Faxon y Jim Rash, son a su vez actores. Si por un lado no me cabe ninguna duda de que se han esforzado mucho en los personajes, a la visa está que todos y cada uno de los intérpretes de la película están más o menos estupendos, pero en lo que respecta a las acciones y cómo se desarrolla la trama todo resulta tan previsible como un telefilme de sobremesa cualquiera. Con el inconveniente de que resulta excesivamente largo y que contiene demasiadas canciones hawaianas insoportables -aquí no hay más o menos.

Si al menos Alexander Payne hubiera tenido la gentileza de hacer una aproximación visual, no digo llamativa, pero sí algo más elaborada, quizás me habría resultado algo más estimulante el visitando de The Descendants. Pero el director se limita a mostrar en plano a la persona que habla, para insertar a continuación el contraplano de la que responde. A esto le añadimos unas bonitas panorámicas del exuberante paisaje de Hawai, un par de planos subacuáticos y algún primer plano de un personaje soltando la lagrimita y ya tenemos un melodrama sencillo y exótico, a la par que facilito y digerible para todos los gustos y edades.

Si no fuera porque estoy hablando de Alexander Payne quizás me hubiera dado lo mismo, o hasta habría sido menos tolerante. Pero si ubicamos The Descendants dentro del contexto de su filmografía, detrás de Sideways, que estaba precedida por About Schmidt, sin duda estamos hablando de un director que pareciera que consigue más logros cuanto menos se esfuerza. De entrada, ni siquiera estuvo nominado como guionista o director de la película que protagonizara Jack Nicholson, aunque por lo menos tuvieran el detalle de nominarle a él y a la maravillosa Kathy Bates. Después no sólo estaría nominado por Sideways, que pareciéndome una película interesante, tampoco es el no va más y, sin duda, me parece inferior que la precedente, aunque encima se llevó el Oscar al mejor guión, que sí que me parecía lo más destacable de la película. Y ahora repite de nuevo la operación con The Descendants en lo que parece que va a tener un resultado todavía mejor -aunque todavía está por ver.

Con lo que respecta a las interpretaciones, qué puedo decir. George Clooney no está mal, pero, sinceramente, le he visto mejor en otras ocasiones. Que aquí aguanta el plano más tiempo y utiliza colirio en alguna de las secuencias, de acuerdo, pero no me parece una interpretación tan loable. Si acaso justito. Desde luego hay dos momentos que no entiendo: la carrerita a lo película de Charles Chaplin que se echa una vez se entera de que su esposa le ha sido infiel y la otra carrerita que se echa una vez que encuentra a la familia del pavo con el que le ha estado engañando. Auténticos momentos slapstick en un contexto que me saca de la película. Sin embargo, quien sí me merece todos los elogios, ni siquiera es su hija mayor, Shailene Woodley, que lleva tanto peso en la película como Clooney, sino la hija pequeña, Amara Miller, que transmite a la perfección la confusión característica de su edad y del resultado de no conocer toda la información de lo que sucede a su alrededor. Claramente 2011 fue un año tremendamente fecundo en interpretaciones infantiles.

También me parece que este personaje es uno de los que mejor construidos están, junto con el amigo de la hermana mayor, porque en el caso de esta última, me parece que está demasiado preparada para explicarle a su padre (y al espectador) aquello que ni guionistas y ni director supieron o pudieron explicar de una manera visual. ¿Y no es una contradicción que no sepan contar la historia con imágenes cuando son precisamente los espacios y los sentimientos lo más importante de The Descendants?

¿Te imaginas lo que hubiera sido si Anton Corbijn hubiera dirigido Tinker Tailor Soldier Spy? Bueno, quizás tampoco hace falta que vayas tan lejos porque lo mismo se convierte en realidad. No porque el cineasta de origen holandés tenga previsto hacer una nueva adaptación de la misma novela, sino porque como ya comentáramos en el momento en que el proyecto diera sus primeros pasos, el director de Control y The American, está preparando la adaptación de otra novela de John Le Carré: A Most Wanted Man.

Con un guión escrito por Andrew Bovell -Head On, Edge of Darkness-, la historia se desarrolla en nuestro presente en Hamburgo, donde un moribundo, mitad checheno mitad ruso, llega desesperado hasta una comunidad islámica con la intención de pedir ayuda en su búsqueda para la recuperación de la fortuna de su difunto padre. Mientras acaba enredado con una idealista abogada que decide luchar con todos sus medios para que no le deporten y un banquero británico al borde de la quiebra, una unidad de espías alemanes está encima de ellos creyendo que están detrás de la pista de un peligroso terrorista.

De lo que tenemos muchas pistas es sobre la identidad del reparto. Ni sobre quien interpretará al musulmán, ni a la abogada, ni al banquero. Pero sí que me encantaría ver a Philip Seymour Hoffman en la piel del cabecilla de este grupo de agentes secretos. El ganador del Oscar por Capote, que participara en filmes tan interesantes como Happiness, Red Dragon o Doubt está en negociaciones para participar en A Most Wanted Man y hasta el momento es el único actor ligado al proyecto.

Estamos completamente intrigados ante la perspectiva de que Philip Seymour Hoffman pueda interpretar a Bachmann en la brillante adaptación que Andrew Bovell ha realizado de este thriller moderno de John Le Carré. Comenzaremos a rodar en Hamburgo en septiembre y estamos encantados de trabajar con Anton Corbijn en esa película. Su única visión del complejo y estilizado universo de Le Carré es muy contemporánea, muy real, muy humana.

Pues si Glen Basner, director ejecutivo de FilmNation Entertainment, compañía que se encargará de la distribución de la película está encantado, nosotros no vamos a ser menos, por lo menos un servidor, pues si soy un ferviente admirador del trabajo de Hoffman, me encantan las dos películas de Corbijn, además que nunca me ha dejado indiferente una película basada en una novela de John Le Carré.

Robert Rodriguez ha terminado, por fin, de darle forma a Machete Kills, la secuela de Machete, que fuera uno de los más fulgurantes éxitos del verano de 2010. En esta nueva aventura el héroe mexicano es contratado por el Gobierno de los Estados unidos para una misión que sería imposible de cumplir para cualquier otro hombre mortal. Machete debe encontrar el camino, a través de México, hasta alcanzar al excéntrico líder de un traficante de armas que ha ideado un plan para extender la guerra a todo el planeta con una arma en el espacio. Machete tendrá que hacerse con un ejército para desmantelar este plan de crear la anarquía global.

La respuesta de los seguidores de Machete ha sido fanática desde el principio (…). Machete es un verdadero superhéroe y Machete Kills será mucho más gande y ambiciosa que la primera.

Consciente de la fabulosa respuesta que su personaje tuviera en la primera película, el director de Texas no sólo amenazara con esta secuela y con que veríamos a Machete en el espacio, sino con que habría una segunda secuela con el título de Machete Kills Again. Para sacar adelante su proyecto Robert Rodriguez ha hecho equipo con el productor europeo Alexander Rodnyansky, natural de Kiev, que ha desarrollado la mayor parte de su labor profesional entre Ucrania y Alemania. Reconocido por su labor documentalista, también ha desarrollado una gran labor tanto en la televisión rusa como en los Estados Unidos.

Las previsiones indican que el rodaje comienza en abril y que no sólo se está negociando que Danny Trejo repita su personaje, sino que lo hagan también todos aquellos que no sucumbieran a la primera aventura de Machete. Lo que no está del todo claro es que vaya a ser dirigida por Robert Rodriguez, quien sí ha supervisado el guión junto con Marcel Rodriguez, aunque quien reza como su autor es en realidad Kyle Ward. Si no estoy equivocado, es el responsable de los textos de Kane & Lynch, el próximo estreno de F. Gary Gray; y Arabian Nights, una aventura exótica que dirige Chuck Russell -A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, The Mask, Eraser, Bless the Child, The Scorpion King- con fecha de estreno prevista para 2014.

¿Conseguirán repetir el éxito de Machete? Protagonizada por Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Jeff Fahey y Robert De Niro y con un presupuesto de diez millones y medio de dólares, Machete engrosó la nada despreciable cifra de cuarenta y cuatro millones de dólares en su distribución internacional.

Dios los cría y ellos se juntan. No sé quien me da más miedo, si el guionista o el director. Y no lo digo porque tenga dudas de su capacidad en cada uno de sus terrenos, sino porque si a Mel Gibson le acusaran de antisemita -no ya por The Passion of the Christ, sino por aquellas jugosas declaraciones acerca de la responsabilidad de los judíos en todas las guerras cuando se le detuviera por conducir en estado de embriaguez-, a Joe Eszterhas siempre le ha tildado de machista. El caso es que el guionista de filmes como Flashdance, Basic Instinct o Showgirls, nunca nominado a un premio Oscar y cuatro veces a los premios Razzie -lo ganó en dos ocasiones-, afirma estar a punto de terminar un guión sobre un héroe judío: Judah Maccabee (Judas Macabeo). Y está convencido que Mel Gibson es el director ideal para dirigir la película.

No estoy seguro de si la intención de Eszterhas es sincera o irónica pues si por un lado considera que la visión épica que Gibson proporcionara a una película como Braveheart es la idónea para el guión que está terminando, por otro secunda las palabras de la ex compañera sentimental del actor-director cuando dice que “necesita medicación”. El guionista no sólo se confiesa admirador de The Passion of the Christ, que no considera una película antisemita, es que además está encantado con la peculiar visión católica de su colega, de la que afirma es producto de su imaginación. Con amigos como estos, ¿para qué vas a querer enemigos? Preocupado por aquellas polémicas declaraciones del cineasta, Eszterhas esperará a ver cual es la reacción de Gibson cuando lea su guión. Igual espera que se redima de sus palabras de la misma manera que el propio guionista rechazó sus años de excesos en Hollywood para convertirse en un hombre religioso.

He sido un chico malo toda mi vida. Era el rey del sexo y la violencia, el pelo salvaje, el elefante pícaro, el tío más bebedor, drogata, salvaje, un cowboy de la coca

Algo más de un lustro ha pasado desde que Gibson no se pone detrás de las cámaras. Puede que Apocalypto pasara con más pena que gloria, pero muchos todavía recuerdan el festival gore que nos regalara de la mano de The Passion of the Christ. Aunque muchos todavía siguen prendados de su segunda película, Braveheart, ganadora de cinco Oscar de la Academia, aunque criticada por su peculiar visión de la historia de William Wallace, contada sin poco o ningún rigor histórico. Un pequeño empujón no le vendría nada mal a su carrera, ya no como director, sino también como actor pues finiquitadas la franquicia iniciada con Lethal Weapon, pocos o casi ningún éxito a cosechado en la última década. Si en estos últimos años estrenaba películas discretas como Edge of Darkness y The Beaver, tendríamos que remontarnos a 2002 para recordar su último gran éxito de público, Signs, que tampoco es que gustara mucho realmente.

Por otro lado, parece que el proyecto sobre vikingos que lleva años tratando de sacar adelante con su productora, Icon Label, va camino del segundo guión, aunque según un acuerdo con 20th Century Fox se estrenaría directamente en la televisión de pago. Algo un poco descabellado si tenemos en cuenta que, en la linea de sus películas previas, quiere rodarla en el antiguo idioma vikingo. ¿Como no se le ocurriría rodar Braveheart en gaélico? Seguramente porque tendría que habérselo aprendido él mismo.

Jason Reitman lo ha vuelto hacer. En su cuarto largometraje, Young Adult, vuelve a hacer gala de un fabuloso sentido del humor tomando como base una historia tan patética como real, cercana y auténtica. Desde luego no se puede dejar fuera de la responsabilidad del éxito de su película tanto a su protagonista, Charlize Theron, como a su guionista, Diablo Cody, quien sin duda conoce a la perfección la psicología de los treintañeros y cuarentones contemporáneos y los problemas y traumas a los que se enfrentan. Ambas comparten, además, créditos como productoras, al igual que el director de la cinta.

Como es habitual Jason Reitman nos regala una secuencia de créditos absolutamente deliciosa que, si por un lado sirve para introducirnos en la película, también cumplé una función de identificación con aquella generación que todavía utilizara las cintas de cassette. Esa misma secuencia, complementada con el prólogo que la precede, es suficiente para presentarnos a Mavis Gary (Charlize Theron) una mujer impulsiva, inestable y alocada. Un retrato en el que lo peor de Marvis es igualmente lo mejor de Marvis. Y esta es una máxima que sirve para toda la película porque una de las virtudes del relato es que lo más divertido es también lo más patético, con toda la dureza que tal afirmación conlleva.

Si el estilo visual de toda la película, y al igual que en sus títulos anteriores, es sencillo, no por ello es simple, pues sabe perfectamente cuándo y dónde fijar la atención, deteniéndose en un detalle o abriendo el plano sólo cuando Marvis abre también su propio objetivo psicológico. Porque Marvis es inteligente, y se da cuenta de lo que sucede, salvo que muchas veces, prefiere no verlo o mirar hacia otro lado. Preciso y casi matemático, Reitman no se prodiga demasiado en movimientos de cámara, salvo cuando quiere resaltar alguna emoción de los personajes. Nunca me había reído tanto como con un zoom como el que hace sobre Marvis cuando escucha The Concept, el tema de Teenage Funclub, pero no cuando conduce, sino más adelante, en el concierto de la esposa de Buddy (Patrick Wilson).

Pareciera que todo el discurso estuviera apoyado precisamente, no en esa secuencia, sino en la subjetividad que se desprende de lo que siente Marvis escuchando esa canción que, salta a la vista, no es lo mismo que sienten Buddy o su esposa. La conclusión que plantea Diablo Cody en su texto es, precisamente, que tan sólo depende de la óptica con la que veamos las cosas podremos superar los traumas y problemas que nos hayan puesto en el camino. Porque da lo mismo que vivas en un entorno rural o en la gran ciudad, la frustración y el éxito siempre serán relativos en función de cómo sea tu visión sobre ellos, o tu aceptación del mundo en el que te ha tocado vivir.

Patrick Wilson está justito en su personaje, pero todos los demás componentes del reparto están excepcionales en su interpretaciones. Quizás Patton Oswalt merezca una mención especial pues habría sido fácil que su personaje hubiera sido una caricatura con cualquier otro actor. Una buena dosis de sentido del humor se percibe en los propios artífices de la película al haber recurrido a Elizabeth Reaser para el papel de Beth, la madre y esposa que a Marvis le hubiera gustado ser. La broma viene a propósito de la participación de la actriz en The Twilight Saga, objeto de una sutil broma en la película. Pero quien desde luego se merece todos los honores y el Oscar de este año es Charlize Theron, muy superior a Meryl Streep o Rooney Mara. ¿Cómo? ¿Que no está nominada? Sinceramente no lo entiendo por que está absolutamente patética cuando se miente a sí misma y radiante y resplandeciente cuando tiene que engañar a los demás. Nota a favor del diseñador de vestuario por los tres fabulosos estilismos de la actriz en cada una de las citas con Buddy. Irresistible, como la propia película.

No cabe duda de que esta ha sido un año más que estupendo para Jessica Chastain, nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por The Help, también protagoniza The Tree of Life, una de las películas del año (para bien o para mal) y que se ha dejado ver en algunos de los proyectos más interesantes de este pasado año, como The Debt, Take Shelter, Coriolanus, Wilde Salome o Texas Killing Field. Y no vayan a pensar que esta actriz californiana tiene planeado poner el freno porque está involucrada en unos cuantos proyectos cinematográficos como Mama, Wettest County, la película que dirige Terrenca Malick en a que comparte cartel con Rachel McAdams, Rachel Weisz y Ben Affleck, o el thriller internacional que dirige Kathryn Bigelow y que protagoniza junto a Joel Edgerton.

Precisamente, el actor australiano también ha disfrutado de uno de sus mejores años. A pesar de que ya participara en filmes de alcance internacional como Star Wars: Episode II - Attack of the Clones, Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, se hiciera notorio entre el gran público el año pasado con Animal Kingdom, aterrizando en el cine estadounidense a través de propuestas como The Thing y Warrior, y que también tiene un porrón de proyectos en preparación, como Wish You Were Here, The Odd Life of Timothy Green o The Great Gatsby. Y ya es seguro que la película de la directora de The Hurt Locker no será la única que protagonice junto a la actriz pelirroja porque ambos acaban de firmar para participar en un interesante proyecto doble para Myriad Pictures al que podría unirse William Hurt.

Se trata de un drama romántico sobre una pareja que vive en Nueva York, propietario de un restaurante él y de vuelta a la Universidad ella, que pasan por un mal momento en su matrimonio. La peculiaridad del proyecto es que conoceremos la historia desde el punto de vista de ambos, pero no por el uso del montaje alterno, sino porque se presentará por partida doble en las películas The Disappearance of Eleanor Rigby: His y The Disappearance of Eleanor Rigby: Hers.

Ambos guiones están escritos por Ned Benson, quien también escribiera el guión de In Defiance of Gravity, dirigida por Cassandra Kulukundis, quien también dirige este doble proyecto. Kirk D’amico, responsable de Myriad Pictures se ha apresurado a recalcar que no se trata de un película y su secuela, de hecho, no importa el orden en el que se vean las películas. La propuesta no pretende pues repetir aquel experimento de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, que bautizaran con el nombre conjunto de Grindhouse, sino que parece estar más cercano al espíritu de la propuesta de Clint Eastwood con Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima, salvo que con una historia que probablemente tenga muchos más puntos en común. Lo que parece bastante probable es que en la banda sonora de la película podamos escuchar la famosa canción de The Beatles, que también nos dará una pista sobre los problemas de esa pareja.

Si de mi dependiera, ya estaría enviando al FBI a las oficinas de Millenium Films, Nu Image FIlms y Winkler Films, principales responsables de producir Trespass. De la misma manera que detuvieron a los trabajadores de Megaupload, entiendo que deberían detener también a Joel Schumacher, director del bodrio, y Karl Gajdusek, principal responsable de haber robado idea, planteamiento, escenarios, personajes y hasta diálogos de la película española Secuestrados, que dirigiera Miguel Ángel Vivas según guión propio escrito junto a Javier García. Y aquí debería concluir la crítica de Trespass porque no hay nada más que decir, salvo que si la película española provocaba una tremenda sensación de angustia y terror en el espectador al evidenciarse la facilidad y rapidez con la que un grupo de desalmados eludían cualquier sistema de seguridad, queda claro que los estadounidenses saben perfectamente como encajar ese tipo de situaciones. ¡Ja!

Precisamente la primera sensación terrorífica que se experimenta en Trespass se produce en el momento en que ves el coche y la casa del protagonista, que provoca el efecto contrario que en Secuestrados pues estás deseando que les destrocen la cara. Pero, no. La cara ya la tienen destrozada porque la película está protagonizada por las dos momias peor restauradas de Hollywood: Nicol & Nicol (¿no se les habrá ocurrido formar un dúo musical?). Perdón por la broma, quería decir Nicolas Cage y Nicole Kidman. Sin duda los directores de casting de la película eran unos auténticos cachondos. Pero si los protagonistas con los que se supone que nos tenemos que identificar son un cuadro físico, no esperen mucho más del retrato psicológico de los chicos malos de la película. Auténticas caricaturas de camellos, drogadictos y enfermos mentales que con su torpeza todo les sale absolutamente mal.

Trespass brilla por su total ausencia de verosimilitud y lo peor de todo, por su empeño en explicar cosas innecesarias, que encima resuelve fatal. Todos y cada uno de los flashbacks con los que se nos tortura no sólo no aportan nada, sino que dejan clara la incapacidad de los artífices de la película para convencernos de nada. Lo pero de todo es que pretenden justificar sus motivos para convertirse en criminales de ultra pacotilla y que utilizan un discurso inconcebiblemente manipulador al recurrir a falsos flashbacks ¿debería denominar este recurso como una influencia nefasta de C.S.I.?

¿Y quien se va a creer que con esa cara ella solita iba a haber diseñado la casa? ¡Por favor! Si salta a la vista que no ha sabido diseñar su cara. ¿Cuando dicen que salen las nominaciones a los premios Razzie? Trespass tiene todos los boletos para arrasar en todas y cada una de las categorías, incluso hasta en la de copiar y pegar, porque no han sabido mantener las virtudes de una propuesta como Secuestrados. ¿Habrá nominación para el maquillaje y peluquería? ¡Que incluyan a los cirujanos, por favor! ¿Cuantos bodrios consecutivos tiene que hacer un director como Joel Schumacher para que dejen de contratarle?

Te propongo un juego. Yo te digo nombres de actores y títulos de películas y tú tienes que tratar de unirlos. Sin duda para muchas proyectos es muy importante el nombre del actor con el que se asociará su película, sobre todo cuando tienen el rodaje a la vuelta de la esquina, como aquel que dice. Tampoco deben tomar muy a la ligera una tarea que después les servirá para una mejor promoción de la película, por eso es vital conseguir nombres como los de Gary Oldman, Al Pacino, Colin Firth, Christopher Walken, Ed harris, Alan Arkin o John Hawkes para encabezar los repartos de títulos en preparación como Stand Up Guys, The Devil’s Knot, Motor City, Pain and Gain o Switch. Quizás con tan pocos datos sea un juego algo difícil, así que os daré algunas pistas.

Stand Up Guys

No uno sino tres de los anteriores nombres encabezan el reparto de esta película que planea dirigir Fisher Stevens, conocido actor televisivo quien se hiciera con un Oscar por sus labores como productor del documental The Cove. En este caso se trata aborda una comedia de acción cuyo rodaje comenzará en abril en Los Angeles.

Según un guión escrito por el primerizo Noah Haidle, conocido anteriormente como Old Timers, el argumento trata de dos viejos amigos dedicados a turbios negocios, de los que uno ha sido contratado para matar al otro. Decididos a disfrutar de una última noche de locura juntos, aprovechan esos momentos para reflexionar sobre sus propias vidas. No vas nada desencaminado si has pensado en Christopher Walken como uno de los amigos y en Al Pacino como el otro. Has acertado de pleno y a ellos se uniría Alan Arkin en el papel del policía que va detrás de ambos. Aunque lo cierto es que no importaría si el policía fuera Al Pacino o Christopher Walken y los otros dos se repartieran los criminales. Funcionaría igual de bien.

The Devil’s Knot

De corte menos comercial, pero con actores perfectamente conocidos, arranca el nuevo proyecto del cineasta canadiense Atom Egoyam, que gira en torno a una historia real sobre tres adolescentes que fueron llevados a juicio en 1993 por el asesinato de un muchacho de ocho años, condenados y encarcelados a pesar de no haberse encontrado pruebas físicas de su implicación. Una polémica historia que se diera a conocer en el documental Paradise Lost, al que continuaran dos secuelas, Paradise Lost: Revelations y Paradise Lost 3: Purgatory, y a los que hay que sumar un documental alternativo dirigido por Amy Berg: West of Memphis.

Qué duda cabe que el que fuera director de filmes tan complejos como The Adjuster, The Sweet Hereafter o Felicia’s Journey está altamente cualificado para abordar un proyecto de estas características. Por eso se encuentra ya trabajando en el guión que escribieran originalmente Scott Derrickson y Paul Boardman -Love in the Ruins, Urban Legends: Final Cut, Hellraiser: Inferno, The Exorcism of Emily Rose- con la idea de comenzar a rodar este verano en Louisiana.

Reese Witherspoon interpreta a la madre de la víctima que si en un principio estaba convencida de la culpabilidad del trío sospechosos, finalmente acabó persuadida de que les habían acusado injustamente. ¿Se te ocurre algún actor indicado para este proyecto? Si has pensado en el que fuera ganador del Oscar al mejor actor el año pasado has acertado porque el británico Colin Firth será el investigador privado que se pusiera a favor de la inocencia de los tres acusados.

Motor City

Dominic Cooper -An Education,Tamara Drewe, Captain America: The First Avenger, My Week with Marilyn- y Amber Heard -Zombieland, The Ward, Drive Angry, The Rum Diary- ya integran el reparto de esta película sobre un ratero de tres al cuarto al que engañan y envían a prisión. Cuando es liberado decide vengarse de los que le engañaron. Cooper es el pardillo con sed venganza y Heard será su novia.

Si añado que dirige Albert Hughes no te constará demasiado escoger entre los nombres citados el de Gary Oldman, nominado este año por Tinker Tailor Soldier Spy, y que ya fuera antagonista de Denzel Washington en Book of Eli, la apocalíptica película dirigida por Hughes. Oldman se encuentra actualmetne en negociaciones para interpretar al papel del capo que maneja los hilos.

Pain and Gain

Varios culturistas de Miami conspiran para secuestrar, robar y asesinar a un rico empresario. Pero como a mayor testosterona menor capacidad intelectual, la banda abandona el cuerpo del empresario dándole por muerto, solo que no lo está. Tras recuperarse en secreto, decide contratar los servicios de un detective privado para localizar a sus raptores y vengarse de ellos. En este caso basta con decir que dirige Michael Bay y que, a pesar de que Paramount y Hasbro querrían hacer una nueva entrega de Transformers, el director de Armageddon y Pearl Harbor prefiere volver a trabajar con un actor con el que coincidiera en The Rock.

No estando Nicolas Cage ni Sean Connery en la lista previa, estaba claro que en este caso será Ed Harris quien le plante cara a Dwayne “The Rock” Johnson, que también está ligado al proyecto. Con un guión escrito por Christopher Makus y Stephen McFeely -The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe y sus secuelas, Captain America: The First Avenger-, todo está previsto para comenzar a rodar en primavera.

Switch

¿Cómo te quedas si te cuento que están preparando la precuela de Jackie Brown? Desarrollada quince años antes que la película protagonizada por Pam Grier, la idea es seguir la carrera criminal de Ordell y Louis cuando hacen equipo para secuestrar a Mickey Dawson, la esposa de un constructor corrupto de Detroit. Cuando el marido de la secuestrada se niega a pagar el rescate por su mujer los ex-convictos están obligados a reconsiderar su plan, y la esposa enfurecida les utiliza para conseguir su venganza.

Se trata de la adaptación de otra novela de Elmore Leonard, Switch, que a estaba protagonizada por Ordell y Louis, interpretados por Robert De Niro y Samuel L. Jackson en la película de Quentin Tarantino. Dan Schechter adapta el guión y dirige la película, cuyo rodaje está previsto para mayo. Si uno de los dos secuestradores será Yasiin Bey (aka Mos Def), poco te costará adivinar que el otro será John Hawkes, que acaba de estrenar con éxito The Surrogate en Sundance y que estuviera nominado al Oscar al mejor actor secundario por Winter Bones. Si participaba en Martha Marcy May Marlene y en Contaggion, también podremos verle en Lincoln, por lo que ni deberíamos ni vamos a perderle de pista.

No dudo que muchos se sorprenderán de que escoja la película con la que se diera a conocer Jennifer Beals en 1983 como uno de mis placeres culpables. Segunda película dirigida por Adrian Lyne, la película fue todo un éxito de público que no sólo sirvió para impulsar la carrera de su protagonista, sino también la de su director que todavía cosecharía un mayor éxito con Nine ½ Weeks. Si quizás esta me gustaría más desde un punto de vista cinematográfico, encuentro un auténtico placer inexplicable cuando alguna vez he revisado Flashdance. Ningún problema con que sea una película pop o que tenga esa onda romántica. Tampoco tiene nada que ver con que sea un musical, que por cierto se llevara el Oscar a la mejor canción, Flashdance… What a feeling, con música de Giorgio Moroder e interpretada por Irene Cara. Entonces, ¿por qué me siento culpable?

El problema lo tengo, sin ninguna duda con su director: Adrian Lyne. Si se a lo largo de su breve trayectoria -ocho largometrajes en treinta años no es demasiado- acabaría revelándose como un retrógrado conservador que pretendiera erigirse como el defensor de la moral correcta y verdadera en todos y cada uno de sus títulos posteriores, por lo que me cuesta reconocer que me la metiera doblada con Flashdance. Echaré la culpa a que la vi cuando era adolescente. Básicamente, lo que quiero decir es que en su momento me pareció muy simpática la historia de una soldadora cuyo sueño es convertirse en bailarina, para lo que se entrena en un club de pseudo streap-tease con una clientela de dudosa moralidad y conoce a un atractivo joven que se quiere “sacarle de la calle”. Es como si estuviéramos hablando de un precedente de Pretty Woman, pero mezclado con Fame, que era anterior. Salvo que aquí ella no está dispuesta a que él interceda en su favor, sino que quiere alcanzar su sueño por sí misma.

Visionados posteriores me han permitido percibir que por mucho que ese planteamiento inicial de mujer emancipada, con un trabajo tan masculino como soldadora, no es más que un falso envoltorio que esconde la típica historia de chica-conoce-chico y lo deja todo por él. Que es lo que finalmente acaba siendo la película porque, por mucho que la prueba final sea estupenda y ella consiga emocionar al tribunal y al público, la película termina con la chica en los brazos del chico, que es lo que se puede esperar de una mujer conservadora, católica y decente. ¿Creéis que después de pasar por el conservatorio hizo realmente carrera o se casó con su hombre y le dio unos hijos estupendos a los que les enseño solfeo?

Pero no me sorprende nada encontrar esta actitud de machismo soterrado en el argumento de Flashdance, cuando me entero de que su guionista no es otro que el inefable Joe Eszterhas, quien posteriormente se convertiría en guionista estrella de Hollywood gracias a su trabajo para Basic Instintc, otra película estupenda que esconde tanto machismo como lesbianas. Aunque lo mejor es descubrir que su productor no es otro que Jerry Brukheimer, uno de los productores detrás de las películas (y series de televisión) más machistas, conservadoras y retrógradas que ha dado el cine (y la televisión) en los últimos años. Luego no resulta nada extraño que con un par de esta guise acabe asociado un director como Adrian Lyne, quien a través de su propia trayectoria profesional se embarcaría en impartir lecciones de ética y moral. A saber:

• Nine ½ Weeks demostraba que si conoces a alguien y liberas una pasión desenfrenada no esperes que la relación dure más allá de dos meses,
• Fatal Attraction advertía terroríficamente sobre los peligros del adulterio,
• Jacob’s Ladder le quitaba hierro al asunto a los experimentos sobre drogas que se habían realizado con soldados en la guerra de Vietnam -poco más recuerdo de la película, salvo que esta ya me molestó mucho-,
• Indecent Proposal reincidía sobre la fidelidad en la pareja y lo malo que era un señor que pretendía acostarse con la mujer del prójimo quien acababan irremediablemente sólido por mucha pasta que tuviera y por muy bien que fornicara,
• Lolita ni me molesté en ir a verla, con la novela de Vladimir Nabokov y la película de Stanley Kubrick tengo más que suficiente, no necesito que un mojigato me diga que está mal quedarse colgado de una adolescente,
• Unfaithful, de esta ya ni te cuento, con un título tan explícito no puedo ni imaginarme lo que pretendía de contar, a pesar de que fuera una adaptación de un filme de Claude Chabrol.

Siempre me he preguntado ¿cómo es que a nadie se le ha ocurrido nunca abrir un club con un escenario como ese? Claramente el diseñador de producción, Charles Rosen, tan sólo respondía a unas necesidades prácticas para que no se viera la cara de la bailarina mientras hacía su número musical, por eso colocaba un gran panel iluminado desde atrás que favorecía el contraluz que impedía que el espectador se diera cuenta de que la que bailara no era realmente Jennifer Beals. Si el resultado era elegante y efectivo a la vez que novedoso y rompedor, en realidad también respondía a una tendencia de la época, de la que se aprovechaba igualmente su director de fotografía, Donald Peterman, que llenaba toda la película de fuertes claro-oscuros, aun cuando estaban en penumbra, como sucede en la secuencia del baile final. Y es que si la Flashdance pierde la batalla en moralidad, lo cierto en que la gana en estética, sobre todo cuando de cine de los años ochenta estamos hablando pues es absolutamente representativa de esa época.

No puedo remediar disfrutar con todos y cada uno de los números musicales de Flashdance, incluyendo el momento en que van al gimnasio y se escucha el mítico tema I Love Rock and Roll, interpretado por Joan Jett & The Blackhearts, y aunque la canción de la banda sonora que más me gusta sigue siendo el que interpreta Michael Sembello, Maniac, como casi la mayoría de los mortales una de las coreografías que más me gusta es la del tema He’s a Dream. Verdaderamente quizás lo que más me gusta de Flashdance sea su banda sonora, o sus números musicales, pero en cualquier caso, tampoco me importa.

Algunas veces nos quejamos de la falta de originalidad de muchos cineastas a la hora de abordar nuevos proyectos. En los últimos tiempos las pantallas se han ido llenando de clones de aquellas películas que resultan ser rentables en taquilla. Unas veces zombies, otras vampiros, de repente todo son superhéroes y otras veces son invasiones extraterrestres. Sí. Pero de vez en cuando surge un cineasta con la capacidad de darle la vuelta a una fórmula manida y consigue cautivarnos con su visión personal de algo que ya habíamos visto.

Hace poco más de una década, cuando tan de moda se pusiera el terror japonés por obra y gracia de la fascinante Rindu, apareciera Takashi Shimizu con Ju-On, que grabara primero en vídeo para hacer después su secuela, con tal éxito que repetiría la misma pareja en formato cinematográfico, volviendo a adaptar su propuesta para el cine estadounidense con The Grudge y su secuela -como ellos ni saben japonés ni leer inglés.

El caso es que, quizás, yo mismo no prestara demasiada atención cuando, el otro día, Ana Belén nos presentaba una imagen de 7500. Se trata de un thriller paranormal que, a partir de un guión de Craig Rosenberg -After the Sunset, Half Light, The Uninvited-, vuelve a reincidir sobre lo que parece un encuentro con unas fuerzas sobrenaturales. En este caso la diferencia o particularidad de la propuesta se incrementa debido a que los sucesos extraños se producen en un avión con 273 pasajeros, en tránsito desde Los Angeles hasta Tokyo.

¿No decían que volar era el medio más seguro de viajar? Cualquiera lo diría después de echar un vistazo al teaser tráiler de 7500 en el que todo parece indicar que Takashi Shimizu va a saber utilizar todos los recursos a su disposición para hacernos pasar un rato estupendo pasando miedo.

7500 está protagonizada por Leslie Bibb -Iron Man, Law Abiding Citizen, Iron Man 2, Zookepper-, Ryan Kwanten -conocido por True Blood-, Amy Smart -Dead Awake, House of the Rising Sun, The Reunion, Columbus Circle-, Jerry Ferrara -Brooklyn Rules, Seven Days in Utopia- y Jamie Chung -Sorority Row, Grown Ups, Sucker Punch, The hangover Part II- y tiene como fecha de estreno el próximo 31 de agosto, por lo que todavía tienes tiempo de sobra para hacer tu reserva.

Ya con su ópera prima Andres Wood se diera a conocer internacionalmente consiguiendo una Mención Especial al Mejor Director Debutante en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por Historias de fútbol. Ganador de un Goya a la mejor película Hispanoamericana por La buena vida, y nominado también por Machuca, el cineasta chileno parte como favorito para recoger el mismo galardón, en este mismo año en el que su película, Violeta se fue a los cielos, ha recibido el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película Dramática Internacional en Sundance.

Violeta se fue a los cielos es un bopic sobre la polifacética artista chilena Violeta Parra. No te preocupes si no te gusta su música o el folklore chileno. Ni siquiera necesitas haber oído hablar de Violeta, saber lo que hizo o lo que dejó de hacer. El guión de la película se encarga de fijar la atención sobre momentos muy puntuales de la vida de Violeta. Los mejores y los peores. Andrés Wood amplifica con elegancia y eficacia el relato elaborado por Eliseo Altunaga -colaborador habitual en los guiones de otras de sus películas. Ni juzga sus actos, ni toma partido por sus opiniones, permite que sea el espectador quien se forme su propia opinión sobre el polémico y controvertido personaje.

A través de un relato no lineal en el que pasado y presente se intercalan sin orden aparente, conoceremos a Violeta tanto por sus actos, como por sus obras y las explicaciones que se le pidieran tanto sobre sus logros artísticos, como sobre sí misma. Uno llega a pensar que debió ser muy difícil convivir con Violeta, pero para todos los que tuvieron la suerte o desgracia de sentir tal experiencia, indiscutiblemente mereció la pena.

Es innegable la fabulosa aportación de Francisca Gavilán en su portentosa interpretación de Violeta. La entrega a su personaje es de tal magnitud que logra trascender el tiempo y, no utilizando ningún tipo de maquillaje, logra que el espectador no llegue ni a plantearse la edad de Violeta en ningún momento, trasmitiendo perfectamente su edad emocional a través de la intensidad de su interpretación.

Otro de las grandes virtudes de la película es que a pesar del tono visual árido y realista con el que se muestran algunas de las secuencias, Andrés Wood consigue transformar un relato que pareciera construido en una dura prosa en una obra absolutamente poética y deliciosa. Una obra cargada de sentimientos y emociones que perduran y aumentan con el paso del tiempo. Porque la capacidad emocional de Violeta se fue a los cielos convierte la película en una experiencia tan tierna y entrañable como desgarradamente salvaje, que cautiva nuestros sentidos y se agarra irremediablemente y con fuerza a nuestros corazones.

Quizás el primer tráiler de Lockout, también conocida como MS One: Maximum security, no mostraba demasiado de la película dirigida por James Mather y Stephen St. Leger. Más allá de la secuencia de Peter Stormare con Guy Pierce, lo único que ofrecía era una sucesión de imágenes más o menos espectaculares, pero que poco desvelaban de lo que podríamos ver realmente en la película. Una cosa me queda clara de este segundo tráiler para el mercado estadounidense, que vas a disfrutar como un enano, o que te vas a aburrir como un condenado.

Con la colaboración del veterano cineasta francés, Luc Besson, los dos directores debutantes escriben también el guión de Lockout, que gira en torno a un convicto encarcelado por espionaje contra los Estados Unidos al que se le ofrece la libertad a cambio de rescatar a la hija del presidente de una prisión… con la peculiaridad de que esta prisión está en el espacio. No vamos a rasgarnos las vestiduras, queda claro en el tráiler que la única intención de los creadores de la película no es hacernos pensar, sino entretenernos. Por eso no debería importar demasiado que la premisa de su argumento sea idéntica a aquella mítica película que dirigía John Carpenter en 1981, Escape from New York, salvo que entonces la cárcel estaba en una isla: Manhattan.

Puede que Guy Pearce no tenga el contundente físico de Kurt Russell -ni su carisma-, pero la verdad es que parece encontrase como pez en el agua en su nuevo personaje de acción. Maggie Grace, que se ha dejado ver recientemente en filmes como Taken, Knight and Day o The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part 1, además de interpretar a Shannon Rutherford en la serie de televisión Lost, responde al personaje a rescatar, del que tampoco se puede apreciar demasiado en un tráiler en el que sí podemos intuir numerosas influencias de títulos de acción y ciencia ficción recientes.

Si por un lado me entusiasmó la película de John Carpenter, que posteriormente tuviera una curiosa secuela, Escape from L.A., que precisamente se estrenara el año anterior al que tuviera lugar la acción de la anterior, 1996, ver asociado el nombre de Luc Besson a la película hace que se ponga en modo alerta todas las alarmas. No digo que no haya disfrutado con algunas de las películas de acción que ha dirigido, pero distan bastante de los productos que produce para otros cineastas. Todavía tengo reciente la mala experiencia de Colombiana. En cualquier caso, el tráiler promete lo suficiente como para asumir el riesgo, ¿o no? El 20 de abril saldremos de dudas.

Ya no será posible que estén todos, pero los supervivientes que fueran miembros del grupo de humor británico Monty Python podrían reunirse para participar en una película cómica de ciencia ficción, en la que se combinará imagen real con CGI, y que responde al título de Absolutely Anything. Detrás del proyecto está Terry Jones, que fuera director de los largometrajes más conocidos del grupo, entre las que se encuentran títulos tan desternillantes como Monty Python and the Holy Grail -co-dirigida junto a Terry Gilliam-, Life of Brian o The Meaning of Life.

No es una película de Monty Python, aunque pueda parecerlo.

Dieciseis años han pasado desde que Terry Jones se pusiera detrás de las cámaras por última vez con The Wind in the Willows, película que no he visto, pero que parece que pasara sin pena ni gloria. Mayor fortuna tuvieran sus dos incursiones cinematográficas previas, Personal Services y Erik the Viking, ambas realizadas a finales de los años ochenta y que, aunque ya estuvieran fuera de la órbita del grupo de cómicos, guardaban alguna que otra similitud con la ironía y el sentido del humor que les hiciera famosos en el mundo entero. El propio Terry Jones, en colaboración con Gavin Scott -colaborador de los guiones de The Borrowers y Small Soldiers-, ha estado desarrollando el guión de Absolutely Anything durante las dos últimas décadas, aunque no ha trascendido su contenido.

El primero de los que se ha sumado al proyecto ha sido Mike Medavoy, quien ya fuera productor de Life of Brian, quizás la película de Monty Python que más seguidores ha generado. Y entre los miembros del grupo cuya presencia ya está confirmada están Terry Gilliam -director de filmes tan excepcionales como Brazil, The Fisher King, Twelve Monkeys, The Brothers Grimm o The Imaginarium of Doctor Parnassus-, John Cleese -que se ha dejado ver en films comma A Fish Called Wanda, Frankenstein, Fierce Ceratures, The World is not Enough, Harry Potter and the Chamber of Secrets, Die another Day, Charlie’s Angels: Full Throttle o ha puesto la voz al rey en Shrek y sus secuelas- y Michael Palin -que coincidía con algunos de sus compañeros en Brazil, A Fish Called Wanda o Fearce Creatures, además de desarrollar una intensa carrera como guionista para televisión.

Tan sólo se espera ahora confirmación de Eric Idle, quizás el miembro menos pródigo, que si se dejaba ver en filmes como The Adventures of Baron Munchausen, Nuns on the Run o Casper, también ha desarrollado la mayor parte de su carrera en la pequeña pantalla. Tendríamos que remontarnos a 1998 para ver una reunión casi completa de Monty Phyton, en el Festival Cómico de Aspen, pues los cinco supervivientes acudían con una urna que contenía las cenizas de Graham Chapman, el actor que interpretara a Brian Cohen en Life of Brian. Aunque algunos de ellos han colaborado en proyectos conjuntos, lo cierto es que no han vuelto ha trabajar juntos desde The Meaning of Life.

Fotos: Fanpop Scope Features

No parece que este vaya a ser el año en que veamos The World’s End. Desde luego no el que planean Edgar Wright y Simon Pegg, pues hace un par de días el director de Scott Pilgrim Vs. the World publicaba, vía twitter, una imagen que atestiguaba que estaban manos a la obra y, por lo que se puede interpretar, ganas tienen, pero poco más.

SI Shaun of the Dead era sobre dejar atrás tus treinta años y aceptar responsabilidades y Hot Fuzz era sobre ser un hombre, entonces la próxima será sobre ser un viejo teniendo cuarenta años.

Estas eran las cómicas declaraciones de Simon Pegg, hace casi tres años, sobre la que sería, no exactamente su tercera colaboración, pues ambos coincidían de alguna manera en The Adventures of Tintin: the Secret of the Unicorn, en la que Wright colaboraba en el guión, mientras que Pegg ponía voz a Thompson, siendo Nick Frost quien ponía voz a Thomson. Y es que los tres británicos han sacado adelante una de las trilogías más divertidas de la última década: Three Flavours Trilogy o, como también se le denomina Blood and Ice Cream Trilogy. Tan sugerentes nombres se deben a la presencia de heados y sangre en las dos primera películas que han realizado juntos hasta la fecha: Shaun of the Dead, en 2004, y Hot Fuzz, en 2007.

Ya sea juntos o por separado, este estimulante trío de humoristas ha desarrollado una interesante carrera cinematográfica que les ha proporcionado multitud de seguidores en todo el mundo. Pegg y Frost escribían y protagonizaban Paul el verano pasado, una película en la que Seth Rogen ponía voz al extraterrestre que se cruzaba en el camino de dos británicos de turismo por los estados Unidos, y en la que también se dejaba ver la divertida Kristen Wiig antes de desternillarnos con Bridesmaids. Por su lado, Nick Frost participaba en Attack the Block, la fabulosa película escrita y dirigida por Joe Cornish, quien también colaboraba juntos Edgar Wright en el guión de the Adentures of Tintin: the Secret of the Unicorn, uniendo las colaboraciones en un círculo de humor, ironía y acción.

Sin duda la fotografía publicada responde única y exclusivamente a mantener la atención sobre un proyecto del que ya se rumoreaba que había un borrador circulando por ahí y que la intención era comenzar a rodar este mismo año. Sin embargo, todo indica que tendremos que esperar, al menos, hasta 2014 para poder ver The World’s End, dados los compromisos adquiridos por algunos de los miembros del grupo. Si a Norman Frost podremos verle enseguida en Snow White and the Huntsman, todavía falta un poco más para que veamos a Simon Pegg en Fantastic Fear of Everything, quien participará después en la secuela de Star Trek. En lo que respecta a Edgar Wright, su propósito inmediato es dirigir Ant-man, que sería su siguiente película después de hacernos disfrutar con Scott Pilgrim Vs. the World.

En 1994 se estrenaba The Crow, la película que dirigida por Alex Proyas se basaba en una serie de cómics de James O’Barr, que habían sido publicados un lustro antes. Protagonizada por Brandon Lee, hijo del malogrado Bruce Lee, un lamentable accidente provocaría la muerte del actor, haciéndole partícipe de una de las leyendas urbanas del cine, que pasaba de padre a hijo. Pareciera que esa maldición sigue ligada a la adaptación del cómic pues si hace casi dos años que comentábamos la primera noticia sobre el proyecto que tenía como objetivo realizar un reboot de la captación del cómic, seguimos hoy, casi en el mismo punto del proyecto, tras muchas entradas y salidas de actores, guionistas y directores, incluyendo también un litigio legal.

El primero de los directores ligado al proyecto era Stephen Norrington -The League of Extraordinary Gentlemen-, que tenía previsto comenzar a rodar en el verano de 2010. Ryan Kavanaugh, productor del proyecto, era quien afirmaba que el guión estaba listo, aunque no tenía como protagonista el personaje de Eric Draven, sino que tenía una línea argumental diferente en lo que se vendía como una actualización original y muy contemporánea del cómic original. Sin embargo, cuando se suponía que tenían que estar rodando, nos llegaba la insólita, pero interesante, noticia de que el músico, cantante y compositor Nick Cave estaba reescribiendo el guión de la película.

Mark Wahlberg era el primero de los actores al que le ofrecerían protagonizar The Crow, pero lejos de confirmar o desmentir esta información, Stephen Norrington se desvinculaba del proyecto bastante cabreado, no tanto debido a la intrusión de Nick Cave, quien reescribía sobre lo que él ya había construido, sino porque un actor cuyo hombre no quiso desvelar, estaba vinculado al proyecto con la condición de reescribir de nuevo el guión. Nunca hubo confirmación oficial sobre si se refería a Mark Wahlberg, pero lo que parecía bastante claro para algunos era que el proyecto ya estaba maldito antes comenzar a rodar. De hecho, Mark Wahlberg se desvinculaba también del proyecto alegando que sólo estaba interesado si lo fuera a dirigir Stephen Norrigton. Los rumores apuntaron a Ethan Peck -The Sorcerer’s Apprentice, In Time- como sustituto para el personaje principal.

Justo cuando se cumplía un año de que se anunciara el proyecto, The Crow renace después de que Relativity Media le ofreciera la dirección al cineasta español Juan Carlos Fresnadillo. Dos meses tardaría en aceptar el proyecto con vistas a comenzar a rodar en otoño de 2011. Si Bradley Cooper sería el siguiente actor al que le ofrecieran protagonizar la película, justo a mitad del verano el protagonista de Limitless y The Hangover y su secuela, renunciaba al proyecto. Si enseguida surge otro nombre,Channing Tatum, este sería el menor de los problemas a los que se enfrentaba Relativity Media porque The Weinstein Company les demandaba reclamando que ellos eran los legítimos distribuidores de cualquier secuela, precuela, remake o reboot de cualquier proyecto ligado a The Crow. Entre retrasos y demandas, Fresnadillo abandonaba el proyecto para abordar otro reboot, el de Highlander.

Tan sólo unos días después de que ambas compañías enterraran el hacha de guerra, Relativity Media se ha puesto manos a la obra y ya tiene nuevo guionista y director. Si Jesse Wigutow -It Runs in the Family- está cerrando un trato para escribir un nuevo guión, y es otro cineasta español (y desconocido), F. Javier Gutiérrez -Tres días-, quien ya ha confirmado que dirigirá The Crow, siempre que la maldición no se cebe también con él.

Tras casi una década que debe haber pasado dedicado a la meditación trascendental, Lawrence Kasdan vuelve a dirigir una película: Darling Companion, de la que acaba de publicar su primer tráiler. No debe extrañar que el que fuera uno de los guionistas de filmes como Raiders of the Lost Ark, The Empire Strikes Back, The Retunr of the Jedi o The Bodyguard, o director de otros de menor tirada comercial aunque ampliamente reconocidos por la crítica, como Body Heat, The Accidental Tourist o Wyatt Earp, iba a tardar tanto tiempo en estrenar nueva película. Sin duda el inconmensurable esfuerzo que debió suponer la realización de una película de las insólitas características de Dreamcatcher, debió provocarle toda una crisis de identidad.

El caso es que no ha escatimado esfuerzo alguno en su retorno pues se ha rodeado de un impresionante reparto de ganadores o candidatos al Oscar. Pero claro, si el público más joven no debe tener ninguna pista de lo que ha dado de sí la labor cinematográfica del señor Kasdan, igual tampoco tienen mucha idea quienes son estas señoras y señores tan mayores. Con toda probabilidad reconocerán a Richard Jenkins, nominado por The Visitor, que se dejaba ver recientemente en películas como Eat Pray Love, Let Me In, Hall Pass o Friends with Benefits, aunque igual no tienen mucha idea de quien puede ser Sam Shepard, que estuviera nominado al oscar por The Right Staff y cuyas última apariciones en el cine han sido algo más escalonadas en títulos también menos populares como The Assassinaton of Jesse James, Brothers, Fair Game o Blackthorn.

Otra cosa son los que sí han ganado un Oscar, como Diane Keaton, que lo recogía por Annie Hall, estando nominada en otras tres ocasiones; Diane Wiest, que aunque fuera por personajes de reparto, recogía dos, uno por Hannah and her Sisters y otro por Bullets over Broadway; o Kevin Kline, que ganaba el suyo también como actor de reparto por A Fish Called Wanda. Junto a ellos estarán Elisabeth Moss, que podrán reconocer de la serie de televisión Mad Men y que se dejaba ver en la gran pantalla en títulos recientes como Did You Hear About the Morgans? o Get Him ti the Greek; o Mark Duplass, que pueden recordar de títulos como Greenberg.

Guionista además de director de la película, Lawrence Kasdan nos trae la historia de Beth, que encuentra un desaliñado perro abandonado vagando al lado de una autopista. Lidiando con un esposo distraído y ensimismado cónsul propios asuntos, Beth creará un vínculo especia con el rescatado canino. El problema surge cuando después de una boda, Jospeh, su marido, pierde al perro en su casa de vacaciones de las Montañas Rocosas. Beth arrastra en la busca del can a los pocos invitados de la boda que todavía no se habían marchado, incluyendo a una misteriosa joven. Cada uno de los miembros de este improvisado equipo de rescate se verá afectado por esta aventura que les lleva por caminos inesperados. Puede que no se aun guión muy estimulante. Pero tampoco es que se trate de un trailer muy atractivo. Más bien diría que estamos ante otro de los pinchazos del director de bodrios tan grandes como Grand Cannyon.

Puede que Pa negre se quedara fuera de la carrera por el Oscar, pero finalmente ha habido nominación con sabor español al conseguir hueco la película de Fernando Trueba y Javier Mariscal, Chico & Rita, premiada con el Goya a la mejor película de animación, así como el premio de la academia del cine europeo. Para gozo de algunos, queda fuera de esta candidatura la película de animación de Steven Spielberg, The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn. Y aunque War Horse, se haya colado entre las nominadas a mejor película, el propio cineasta no ha conseguido su nominación al mejor director.

Entre las sorpresas destacables podemos incluir las nominaciones de Woody Allen como mejor guión y dirección, así como el de la mejor película para Midnight in Paris, más que nada porque ha pasado desapercibida en algunos de los premios de crítica y sindicatos. Si Kristen Wiig no ha sido nominada como actriz protagonista, sí ha conseguido nominación su guión para Bridesmaids, así como Melissa MacCarthy como actriz secundaria. Esta compite con otra de las sorpresas, la de Janet McTeer por su interpretación en Albert Nobbs. Aunque más sorpresas ha habido todavía en el sector masculino, tanto por las inesperadas nominaciones de Demián Bichir, Nick Nolte o Max von Sydow, como por la de Gary Oldman por Tinker Tailor Soldier Spy, película que si ha conseguido otra nominación por la adaptación de su guión también ha sido ignorada en otras categorías, como también lo ha sido la película de Stephen Daldry, que por lo menos se ha colado entre las que compiten como mejor película.

Entre las ausencias destacables hay que resaltar las de Drive, que no aparece por ningún sitio, ni Michael Fassbender por su interpretación en Shame, la Melancholia de Lars von Trier o el reparto de Carnage. Para quien no ha habido embargo cultural ha sido para le película iraní que si se coloca automáticamente como la favorita entre las películas en lengua extranjera, también consigue nominación para el guión de Asghar Farhadi. Mientras llega el 26 de febrero, cuando se celebra la ceremonia de entrega de los premios Oscar en la que será su 84 edición, podemos dar rienda suelta a todo tipo de especulaciones con todos los nominados. ¡Que empiece el espectáculo!

Mejor película

• War Horse
• The Artist
• Moneyball
• The Descendants
• The Tree of Life
• Midnight in Paris
• The Help
• Hugo
• Extremely Loud and Incredibly Close

Mejor dirección

• Michel Hanazanicius por The Artist
• Alexander Payne por The Descendants
• Martin Scorsese por Hugo
• Woody Allen por Midnight in Paris
• Terrence Malick por The Tree of Life

Mejor actor protagonista

• Demián Bichir por A Better Life
• George Clooney por The Descendants
• Jean Dujardin por The Artist
• Gary Oldman por Tinker Tailor Soldier Spy
• Brad Pitt por Moneyball

Mejor actriz protagonista

• Glenn Close por Albert Nobbs
• Viola Davis por The Help
• Rooney Mara por The Girl with the Dragon Tattoo
• Meryl Streep por The iron Lady
• Michelle Williams por My Week with Marilyn

Mejor actor de reparto

• Kenneth Brannagh por My Week with Marilyn
• Jonah Hill por Moneyball
• Nick Nolte por Warrior
• Christopher Plummer por Beguinners
• Max von Sydow por Extremely Loud and incredibly Close

Mejor actriz de reparto

• Bérénice Bejo por The Artist
• Jessica Chastain por The Help
• Melissa McCarthy por Bridesmaids
• Janet McTeer por Albert Nobbs
• Octavia Spencer The Help

Mejor guión original

• Michel Hazanavicius por The Artist
• Kristen Wiig y Annie Mumolo por Bridesmaids
• J.C. Chandor por Margin Call
• Woody Allen por Midnight in Paris
• Asghar Farhadi por Jodaeiye Nader az Simin (A separation)

Mejor guión adaptado

• Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por The Descendants
• John Logan por Hugo
• George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon por The Ides of March
• Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin por Moneyball
• Bridget O’Connor y Peter Straughan por Tinker Tailor Soldier Spy

Mejor largometraje animado

• Un vie de chat (Francia), dirigida por Jean-Loup Feliciolo y Alain Gagnol
• Chico & Rita (España), dirigida por Fernando Trueba y Javier mariscal
• Kung Fu Panda 2 (EE.UU.), dirigida por Jennifer Yuh
• Puss in Boots (EE.UU.), dirigida por Chris Miller
• Rango (EE.UU.), dirigida por Gore Verbinski

Mejor película en lengua extranjera

• Rundskop (Bullhead, Bélgica), dirigida por Michael R. Roskam
• Hearat Shulayim (Footnote, Israel), dirigida por Joseph Cedar
• In Darkness (Polonia), dirigida por Agnieszka Holland
• Monsieur Lazhar (Francia), dirigida por Philippe Falardeau
• Jodaeiye Nader az Simin (A separation, Irán), dirigida por Asghar Farhadi

En 1994 los hermanos Ethan y Joel Coen ya se habían labrado una sólida carrera dentro del panorama cinematográfico independiente. Habían ganado el Gran Premio del Jurado en Sundance con su ópera prima, Simple Blood; tenían la Concha de Plata del festival de San Sebastián por Miller’s Crossing y conseguían un fabuloso triple en Cannes con Barton Fink llevándose la Palma de Oro a la mejor película, a la mejor dirección y al mejor actor para John Turturro. Además todas sus películas habían funcionado bastante bien en taquilla, por lo que no es de extrañar que ante tan espléndido currículo la industria estadounidense estuviera deseando hincares el diente. Irónicamente y a pesar de que el público la recibiría con cierto agrado, The Hudsucker Proxy no cumpliría todas las expectativas de los ejecutivos de Hollywood. Si personalmente considero que tampoco es una de sus mejores películas, me despierta tal ternura que nunca puedo evitar volver a verla cada vez que la pasan por televisión.

Protagonizada por Tim Robbins, Paul Newman, Charles Durning y Jennifer Jason Leigh, el argumento de The Hudsucker Proxy se centra en torno al ingenuo Norville Barnes (Tim Robbins), que tras dejar a tras la vida en el campo se dispone a ganarse la vida en la gran ciudad. Desde un puesto sin importancia en una gran compañía, su carrera sufre un inesperado y meteórico ascenso cuando el director se suicida saltando desde una ventana para terminar aplastado en el asfalto de Nueva York. La responsabilidad de su nuevo cargo es muy alta, pero sale airoso de su primera propuesta: el hula-hoop. Sin embargo, quien le ha nombrado en el cargo está preparado para ponerle la zancadilla, así como una intrépida periodista está convencida de que no es más que un impostor.

Tanto por la época en la que se desarrolla la trama, los años treinta posteriores a la Gran Depresión, como por el desarrollo de algunas de las acciones, como que la película comience en Nochevieja con su protagonista a punto de salar de la cornisa de uno de los edificios más altos de Nueva York, la aparición del directivo suicida convertido en ángel con regalillo de Navidad y, particularmente, el personaje de Jennifer Jason Leigh, trasunto del que interpretara Barbara Stanwick en John Doe, nos sitúan directamente en el espíritu del cine de Frank Capra. Desde mi punto de vista la revisión que de algunos géneros han realizado los hermanos Coen no se realiza sobre la renovación que se produjera en los años cuarenta por aquellos cineastas de la Generación Perdida, como John Huston, Elia Kazan, Fred Zinnemann, Billy Wilder o George Stevens, sino sobre las obras que surgieran en la denominada era del New Deal en la que proliferaran Frank Capra, Howard Hawks y sus comedias alocadas.

The Hudsucker Proxy encierra también citas a filmes previos de los Coen: el nombre de la fábrica que da nombre a la película aparecía en los uniformes de unos trabajadores en Raising Arizona, al igual que la canción que Waring Hudsucker (Charles Durning) canta cuando se aparece en forma de ángel es la misma que cantaban Gale (Nicolas Cage) y Evelle (Holly Hunter) tras secuestrar a su pequeño también en Raising Arizona, en la que el personaje que interpreta John Goodman utiliza un alias, Karl Mundt, nombre con el que es acreditado el propio actor en un cameo que hace en The Hudsucker Proxy. Las conexiones también nos llevan al universo de Sam Raimi pues “Hudsucker Proxy” era uno de los encantamientos del Libro de la Muerte en Evil Dead II. Y es que Sam Raimi tuvo también su parte de responsabilidad en la película de los Coen.

Conocido por aquel entonces por sus logros dentro del cine gore con The Evil Dead y sus secuelas, o Darkman, cuya protagonista femenina era, precisamente, Frances McDormand, Sam Raimi estaba acreditado como guionista junto a Joel y Ethan Coen. Dice la leyenda que los hermanos Coen invitaron a Raimi a dirigir alguna de las secuencias de la película, concretamente la que ha terminado siendo mi favorita: la del niño probando el hula-hoop. Se trata de una larga secuencia en la que se sintetiza el paso del invento de diseño hasta su fabricación, su bautismo, el proceso de distribución y los largos minutos en los que esperan los resultados de la acogida del público ante el nuevo juguete.

Toda la secuencia transcurre al ritmo que marca el Adagio del ballet en cuatro actos Espartaco, compuesto por el compositor de ascendencia armenia Aram Khachaturyan. El momento culminante comienza tras abaratarse considerablemente el precio del producto. Dado que nadie parece estar interesado en comprar el novedoso objeto, un vendedor se deshace de sus hula-hoops, arrojándolos entre un montón de basura en el callejón de atrás de su establecimiento. Pero un hula-hoop rojo sale rodando, y termina por azar a los pies de un niño que, ante la mirada atónita de otros niños y niñas de su edad, demuestra las prodigiosas posibilidades del cilíndrico objeto. La profesionalidad el actor infantil es tal que se presentó al casting portando su propio hula-hoop y debo confesar que cada vez que veo esta secuencia, no puedo evitar emocionarme, como espero les suceda a ustedes.

Más allá de su tráiler, poco más sabíamos de The Collector, al menos un servidor, que se estrena con un retraso de casi tres años en España. Se trata del debut como director de Marcus Dunstan, que fuera guionista de franquicias terroríficas (en su sentido literal y figurado) como Feast y sus secuelas, o se había encargado algunos de los guiones de las secuelas de la Saw, concretamente las que van desde su cuarta entrega hasta la séptima, además de Pianha 3DD. Todo esto siempre en colaboración de su colaborador Patrick Melton. Y por lo que a mi respecta, podría perfectamente haber seguido viviendo sin saber absolutamente nada de su película.

Una cosa es retomar una serie como Saw, cuyas premisas estaban establecidas por otros guionistas, lo mismo le sucede con Piranha 3DD, pero otra muy diferente es iniciar, no ya un nuevo argumento, sino lo que se presupone como todo un nuevo formato que se pueda estirar y alargar, y en el que tan sólo se trata de reajustar una misma fórmula en un contexto diferente. Si la primera secuencia de la película, planteada con sencillez y rapidez resoluta crea una expectación bastante efectiva, en cuanto surgen los títulos de crédito asoman las inequívocas señales de encontrarnos ante un producto menor, o mejor dicho, subterráneo, más que underground.

En primer lugar, encuentro tremendamente irresponsable el uso asincrónico de temas rock y pop asociados a momentos tan espeluznantes como, por ejemplo, la secuencia en la que suena el tema Bela Lugosi’s Dead, interpretado por Bauhaus. Cierto es que es bastante habitual, no tanto en el cine, pero sí en la televisión, aprovechar canciones populares para hacer estéticos y confortables situaciones de por sí desagradables como el reconocimiento de la escena de un crimen o el proceso de autopsia de un cadáver. No se trata del mismo recurso utilizado por cineastas como, por ejemplo, David Lynch o Quentin Tarantino, que haciendo un uso igualmente asincrónico de la música su intención no estética, sino precisamente para provocar extrañeza e incomodidad en el espectador por la peculiar asociación de música e imágenes.

Entiéndase que no me estoy refiriendo en absoluto a la banda sonora de la película, sino al uso de temas musicales extradiegéticos del relato. Quizás pueda ilustrar las sensaciones que me provoca este desafortunado uso musical recurriendo a la incomodidad del drugo Alex en Clocockwork Orange, que se rebelaba ante la asociación de la novena sinfonía del divino Beethoven con aquellas imágenes de asesinatos, violaciones y genocidio. Quizás Marcus Dunstan tenga tan buen gusto musical como pésimo sentido del humor, o que quizás estuviera convencido de que iba a seducir al espectador con tan deplorable asociación audiovisual. Si probablemente no les falte razón a aquellos que piensen que quien carece de sentido del humor debe ser un servidor, tan sólo alegar que, precisamente, The Collector huye deliberadamente de cualquier código cómico, por lo que interpreto que el uso de las canciones es única y exclusivamente estético.

Si por un lado el ritmo de la película es realmente preciso y está perfectamente milimetrado para crear tensión en el espectador, es precisamente esa ausencia absoluta de sentido del humor que se detecta en la seriedad con la que se muestran ciertos aspectos del relato lo que provoca la caída en picado de la credibilidad del discurso. Si podría ser verosímil la existencia de un sociópata de las características del que aquí se retrata, no es nada creíble la rapidez y agilidad física con las que acondiciona a oscuras tal número de trampas y con la complejidad de elaboración como las que se muestran en la película. Y muchos menos, a la vez y en el tiempo en que otro individuo se cuela en la misma casa sin que su pericia y precisión se percaten de nada.

Todas estas carencias no responden únicamente a la falta de tablas de Marcus Dunstan como director, sino a la falta de consistencia del guión, tanto en la construcción de personajes como en la desmesurada espectacularidad con la que se quieren resolver la mayoría de las situaciones, colocándole como responsable junto a Patrick Melton, su colaborador, con el que vuelve a colaborar en su casi terminada secuela que responde al título de The Collection. No estoy en absoluto seguro de querer seguir esta colección.

Hace tiempo que no comentábamos nada sobre Horizons, el proyecto que Walt Disney está tratando de sacar adelante a partir de una novela de Joseph Kosinski, Oblivion, quien debutara en el cine con TRON: Legacy, que también se encargará de dirigir la adaptación cinematográfica de su propia novela (que no se quejen los admiradores después). Si todavía no está claro si se llamará finalmente Obivion u Horizon, pues el nombre coincidía con el de un conocido videojuego, ya podemos hacernos es una idea de lo que podemos esperar de la película en lo que a sus personajes principales se refiere pues a Tom Cruise, primero de los actores asociado al proyecto, se le unen ahora Olga Kurylenko y Andrea Riseborough.

De origen ucraniano y vinculada casi siempre al cine de acción, Olga Kyrilenko participaba en filmes como L’annulaire, Paris, je t’aime, Hitman o Max Payne, antes de darse a conocer definitivamente con su personaje en Quantum of Solace. Centurion o There Be Dragons son algunos de sus posteriores posteriores, que ha compaginado con su intervención en las series de televisión Tyranny y Magic City. En Oblivion interpretará el papel de Vika, la amante del protagonista a interpretar por Cruise. Menos conocida es, todavía, Andrea Riseborough, protagonista de la última película dirigida por Madona, W.E., que ha participado anteriormente en títulos tan estimables como Brighton Rock, madre in Dagenham, Never Let Me Go o Happy-Go-Lucky. Ella interpreta a a una extraña, Julia, que arrancará a Cruise de los brazos de su amada.

Para poder ubicar a estos personajes nada mejor que aclarar que el argumento de Horizons se desarrolla en un futuro post-apocalíptico y destruido por la radiación en el que la raza humana trata de sobrevivir en ciudades aéreas para evitar el contacto con los seres carroñeros que pueblan la superficie terrestre. Para Jack, el personaje a interpretar por Cruise, la vida cambia completamente al descubrir a una misteriosa mujer que ha sufrido un accidente en la superficie del planeta. El caso es que las dos actrices desbancan a otras opciones que se estaban barajando para la película, como Jessica Chastain, que prefiere asociarse con Katheryn Bigelow en su película sobre Obama, o Noomy Rapace y Olivia Wilde cuyo caché actual no parecía encajar con el presupuesto asignado a la producción, o que probablemente prefieran gastárselo en efectos especiales y ambientación en lugar de en recursos humanos.

Si el estreno de Horizons está fijado para 2013, poco más se sabe del proyecto, aparte de que Joseph Kosinski ha renunciado a la dirección de una nueva secuela de Tron para concentrar todas sus energías en este proyecto. ¿Hará bien Walt Disney en volver a confiar en él tras TRON: Legacy? Si bien es cierto que la cinta tuvo muy buena recaudación, creo que nadie me negará que se debió a las fuertes expectativas creadas por una espléndida campaña de publicidad porque una vez vista, la verdad es que defraudó un poquito. Al menos parece ser que en este caso están dándole bastantes vueltas a la historia pues si al primer borrador de William Monahan -Kindom of heaven, The Departed, London Boulevard-, le siguiera una segunda versión de Karl Gajdusek -Trespass-, y es ahora Michael Arndt -Little Miss Sunshine, Toy Story 3- quien revisa de nuevo el guión. Esperemos que tanto trabajo valga la pena.

Debe haber mucha gente que critique los premios Goya por no pretender ser más que una copia deslavada de la gala de los Oscar. No te digo entonces lo que deben pensar de los premios Bafta que, siendo los que entrega la Academia Británica al cine hecho en su país, sí constituyen un calco más o menos acertado de lo que sucede tanto en los Oscar como en los recién entregados Globos de Oro. Al menos en España, las películas que entran en cualquiera de las categorías son aquellas que tienen algún porcentaje de producción española y (todavía) no se venden al mercado estadounidense, siendo las únicas categorías para cine no español las que premian películas hispanoamericanas o europeas.

Que luego las nominaciones y premios sean más o menos justos ya es otra cuestión, pero al menos no sucede lo mismo que en los premios británicos, cuyas nominaciones se daban a conocer ayer mismo, y parecen un calco de lo que han sido los Globos de Oro. De otra manera, no me puedo explicar lo que hace una película francesa como The Artist entre las películas nominadas a Mejor Película y no entre Incendies, Pina, Potiche, Jodaeiye Nader az Simin (A separation) y La piel que habito. Ah, sí, porque las pocas palabras que se dicen en The Artist están pronunciadas en inglés.

Por lo demás pocas sorpresas, más que la inclusión de la excelente Tinker Tailor Soldier Spy, que parte con once nominaciones, o Drive, que es tomada más en cuenta que en los Globos de Oro y con nominación para su director, Nicolas Winding Refn, y su protagonista femenina, Carey Mulligan. Quizás algunos echen en falta a The Girl with the Dragon Tattoo, que ha sido completamente eliminada de cualquier categoría. Pero no puedo evitar enviar mis mejores deseosa para Attack the Block, nominada en la categoría de ópera prima, así como para su director, Joe Cornish.

Película

• The Artist
• The Descendants
• The Help
• Tinker Tailor Soldier Spy

Película británica

• My Week With Marilyn
• Senna
• Shame
• Tinker Tailor Soldier Spy
• We Need to Talk About Kevin

Ópera prima

• Attack the Block, guión y dirección de Joe Cornish
• Black Pond, guión de Will Sharpe, dirección de Will Sharpe y Tom Kingsley, producción de Sarah Brocklehurst
• Coriolanus, dirección de Ralph Fiennes
• Submarine, guión y dirección de Richard Ayoade
• Tyrannosaur, dirección de Paddy Considine, producción de Diarmid Scrimshaw

Película de habla no inglesa

• Incendies, dirigida por Denis Vielleneuve (Fancia & Canada)
• Pina, dirigida por Wim Wenders (Alemania, Francia y Reino Unido)
• Potiche, dirigida por François Ozon (Francia)
• Jodaeiye Nader az Simin (A separation), dirigida por Asghar Farhadi (Iran)
• La piel que habito, dirigida por Pedro Almodóvar (España)

Película documental

• George Harrison: Living in the Material World, dirigida por Martin scorsese
• Project Nim, dirigida por James Marsh
• Senna, dirigida por Asif Kapadia

Película animada

• The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, dirigida por Steven Spielberg
• Arthur Christmas, dirigida por Sarah Smith y Barry Cook
• Rango, dirigida por Gore Verbinski

Dirección

• Michel Hazanavicius, por The Artist
• Nicolas Winding Refn, por Drive
• Martin Scorsese, por Hugo
• Tomas Alfredson, por Tinker Tailor Soldier Spy
• Lynne Ramsay, por We Need to Talk About Kevin

Guión original

• Michel Hazanavicius, por The Artist
• Kristen Wiig y Annie Mumolo, porBridesmaids
• John Michael McDonagh, por The Guard
• Woody Allen, por Midnight in Paris

Guión adaptado

• Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash, por The Descendants
• Tate Taylor, por The Help
• George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon, por The Ides of March
• Aaron Sorkin y Steven Zaillian, por Moneyball
• Bridget O’Connor y Peter Straughan, por Tinker Tailor Soldier Spy

Actor protagonista

• Brad Pitt, por Moneyball
• Gary Oldman, por TInker tailor Soldier Spy
• George Clooney, por The Descendants
• Jean Dujardin, por The Artist
• Michael Fassbender, por Shame

Actriz protagonista

• Berenice Bejo, por The Artist
• Meryl Streep, por The Iron Lady
• Michelle Williams, por My Week with Marilyn
• Tilda Swinton, por We Need to Talk About Kevin
• Viola Davis, por The Help

Actor de reparto

• Christopher Plummer, por Beginners
• Jim Broadbent, por The Iron Lady
• Jonah Hill, por Moneyball
• Kenneth Branagh, por My Week with Marilyn
• Philip Seymour Hoffman, por The Ides of March

Actriz de reparto

• Carey Mulligan, por Drive
• Jessica Chastain, por The Help
• Judi Dench, por My Week with Marilyn
• Melissa Mccarthy, por Bridesmaids
• Octavia Spencer, por The Help

Lo primero que sorprende de The Girl with the Dragon Tattoo no es la aproximación visual con la que David Fincher ha abordado el guión que Steven Zaillian ha elaborado a partir de la novela de Stieg Larsson, ni los puntos de vista y matices que el guionista de The Schindler List ha aportado a una historia que todos conocemos de sobra, ya sea porque vimos la película o la miniserie o leímos la novela hace tan sólo un par de años. No. Lo que más sorprende de The Girl with the Dragon Tattoo es el descubrimiento de que en Suecia conviven sueco e inglés de la misma manera que lo hace el español con el vasco, el gallego y el catalán en el País Vasco, Galicia y Cataluña. Efectivamente, Steven Zaillian no ha realizado ningún cambio sustancial ni en los personajes ni en la ubicación de las acciones. Ni tan siquiera algo tan leve como que el periodista Mikael Blomkvist pase a llamarse Michael, siendo inglés o estadounidense, y justificando así que todo el mundo le hable en inglés. No. En Suecia, todos hablan inglés siempre y en todo momento, hasta cuando no hay ingleses delante.

Salvada esta primera sorpresa, cabría esperar que David Fincher, cineasta que proviene del mundo del videoclip y que ha creado filmes tan impactantes -para algunos- como Se7en o Fight Club-, fuera capaz de ofrecer algo más interesante visualmente que un planificación basada en plano-contraplano, muy similar a la que ofreciera Niels Arden Oplev en Män som hatear kvinnor, la película sueca. Lo cierto es que ambas resultan películas flojas, más o menos entretenidas, cuya fuerza o interés para continuar la proyección reside única y exclusivamente en el morbo del relato, pero que ninguno de los dos directores ha conseguido contar de una manera cinematográfica, tan sólo televisiva. No parece, de hecho, que la filmografía del sueco haya mejorado en absoluto, pero quizás esperaba algo más de un cineasta como David Fincher, tan cercano con sus obras previas a las posturas del futurismo cinematográfico.

Si quizás en una valoración comparativa me inclino más en favor de la película sueca, no es tanto por su calidad, sino detalles de construcción del relato como enlazar a Mikael Blomkvist con Lisbeth Salander de una manera más natural, o porque consigue una involucración emocional con el espectador mucho más consistente en secuencias como las del tutor o, lo más importante, porque cuando termina, termina. La adaptación de Steven Zaillian consigue estirar insoportablemente la larga larga larga resolución de la película durante treinta minutos en los que no sólo no se aporta nada, sino que consigue desvirtuar el personaje de Lisbeth Salander con un comportamiento patético e incomprensible ¿Lisbeth firmando una tarjeta de Navidad? ¿Lisbeth enamorándose así de esta manera? Ah, claro, que es una película para estadounidenses.

No recuerdo si era exactamente igual en la película sueca, pero una de las cosas que más gracia me ha hecho es la ligereza con la que se autodenominan nazis algunos personajes en la película. Lo que me lleva a aquel lío en el que se vio envuelto Lars von Trier en el festival de Cannes, y que no viene a demostrar que no es lo mismo decir que eres nazi en Escandinavia que en Fracia. Quizás así algunos puedan entender que en los países nórdicos no es algo tan grave como para rasgarse las vestiduras.

Algunos esperábamos mucho de la banda sonora compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross, sobre todo después de que se llevaran un Oscar por su magnífica partitura para David Fincher en The Social Network. El caso es que en The Girl with the Dragon Tattoo no sólo pinchan estrepitosamente, sino que meten la pata hasta el fondo con una banda sonora que no aporta nada ni a la psicología de los personajes, ni a la atmósfera de la película. Quizás precisamente su mayor virtud sea la de pasar totalmente desapercibida.

No sucede lo mismo con las canciones que suenan de manera diegética dentro del relato, que consigue que, si uno ya encuentra raro que todos hablen en inglés siempre y en todo momento, te salgas de la película cuando suena una canción de Enya. Y no de su último álbum, no, sino aquel Orinoco Flow (Sail Away), que le hiciera tan famosa a finales de los años ochenta. Vale que se haya reeditado a finales de los noventa, pero ¿acaso llega ahora a Suecia o los Estados Unidos? La canción es muy bonita, me encanta, pero no encaja ni en la historia ni el en momento que se escucha. Habría estado mejor un tema de ABBA, puestos a retorcer emocionalmente al espectador o , por vinculación con Trent Reznor y alusiones nazis, mucho mejor Rammstein. ¡Dónde va aparar!

He dejado para el final a Rooney Mara. Lamentablemente para ella, y para el espectador, no sólo no consigue estar a la altura de Noomi Rapace, es que no llega a parecer algo más que una de esas adolescentes que son góticas un año y que, cuando le cambian de colegio o cuando se enfada con sus amigas, se vuelve la más pija del barrio o se une a cualquier otra tribu urbana con la que se cruce.

Como cada dos o tres años, el cineasta estadounidense Wes Anderson, parece tener toda la intención de volver a cautivarnos con una de sus nuevas obras cinematográficas. Al menos es lo que se desprende del fabuloso y emocionante primer tráiler de Moonrise Kingdom. Su nueva película, con la que viene a confirmar -por si a alguien tuviera alguna duda- que estamos ante un cineasta que utiliza la ironía, el sarcasmo y un agudo sentido del humor para seguir profundizando en el que parece haberse convertido definitivamente en su tema preferido: la familia o, más bien, su decadencia.

El guión de Moonrise Kingdom está escrito por el propio Anderson en colaboración de Roman Coppola, con quien ya escribiera el guión de THe Darjeeling Limited, además de ser su ayudante de dirección en esa misma película y en Life Aquatic. Además de ser hermano de Sofia Coppola, para la que también ha sido ayudante de dirección en casi todas sus películas, el propio Roman Coppola es uno de los videocreadores más interesantes del panorama contemporáneo, como atestiguan sus videoclips para Moby, Green Day o Fatboy Slim, y que debutara en la dirección cinematográfica hace algo más de una década con CQ.

Moonrise Kingdom nos traslada a una isla en la costa de Nueva Inglaterra, en el verano de 1965, para contarnos la historia de dos adolescentes que se enamoran, hacen un pacto secreto y huyen juntos hacia la naturaleza salvaje. A partir de aquí se desencadena una violenta tormenta emocional al manifestarse viejos rencores y relaciones románticas ocultas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda que organizan las autoridades para encontrarles. Jared Gilman y Kara Hayward interpretan a los jóvenes enamorados en sus primera aparición en el cine. Bruce Willis es el shérif local y Bill Murray y Frances McDormand son los padres de la chica. Junto a ellos también intervienen Edward Norton, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Bob Balaban y el habitual Jason Schwartzman.

Con paso lento pero seguro, Wes Anderson ha ido posicionándose como uno de los cineastas más interesantes y personales dentro del panorama cinematográfico estadounidense. Hace tres años nos sorprendía muy gratamente con su primera incursión en el cine de animación, Fantastic Mr. Fox, con la que se demostraba que su peculiar aproximación visual procedía, precisamente, de la aplicación de técnicas de animación en sus historias de imagen real. ¿Vas a perderte la nueva película del director de Rushmore y The Royal Tenenbaums? Después de ver el tráiler, yo no me la pierdo, aunque habrá que esperar hasta mayo -y no abril como reza en el cartel- para poder verla.

Steven Zaillian debe estar que no puede más. Estrenadas ya Moneyball y The Girl With the Dragon Tattoo, tiene ahora que abordar el guión de The Girl Who Played With Fire. Eso si no está de vueltas con la adaptación de la novela de Philip K Dick, Ubik, que preparaba con Michel Gondry; preparando As She Climbed Across the Table para David Cronenberg; o retocando Timecrimes, la adaptación estadounidense de Los cronocrímenes, que planea también dirigir. Por eso seguramente ha decidido afrontar la producción de Deep Water, a través de Film Bites, en lugar de escribir también el guión. Se trata de la adaptación de una novela de Patricia Highsmith que si en un principio iba a ser un vehículo para Mike Nichols, actualmente está huérfana de director.

Y el afortunado que tendrá que abordar la adaptación de esta novela publicada en 1957 será Zach Helm, quien ha estado escribiendo el guión de Feezing People is Easy, también para Film Bites. Adaptación de una novela de Robert Nelson, *We Froze the Firt Man, la película estará por Errol Morris, quien contará con Paul Rudd, Kristen Wiig, Owen Wilson y Christopher Walken como protagonistas; anteriormente ya fuera el guionista de Stranger Than Fiction, la película dirigida en 2006 por Mark Foster que protagonizara Will Ferrer. Con Deep Water vuelve a moverse en los parámetros de la comedia, pero esta vez sexy y con toques oscuros. El argumento gira en torno al longevo matrimonio que mantienen Vic y Melinda. Una duración que se debe a un acuerdo según el cual Melinda puede tener todos los amantes que le plazca, siempre que no pida el divorcio. Vic trata de ganarle la partida a Melinda inventando una historia sobre unos asesinatos. El problema surge cuando los amantes de Melinda comienzan realmente a desaparecer. No cabe duda de que estamos ante una historia con todos los ingredientes de las historias creadas por Patricia Highsmith que tan bien han funcionado en el cine.

Si patricia Highsmith rechazaba el American Way of Life, los estadounidenses tampoco la aceptaban a ella. Papel difícil debía de tener siendo mujer y lesbiana y habiendo nacido en Texas. Su condición sexual le haría arrastrar un fuerte sentimiento de culpa que le llevaría a exiliarse primero al Reino Unido, después a Francia y finalmente a Suiza. Influida por autores como Edgar Allan Poe, Joseph Conrad o Fiodor Dostoievski y apodada por Graham Greene como la poetisa del miedo, Patricia Highsmith desarrolla un fascinante universo poblado de personajes ambiguos que luchan entre el bien y el mal y se mueven entre la culpa, la mentira, el crimen y la sexualidad indefinida. Su primera novela publicada sería también la primera de las exitosas adaptaciones que se han realizado de su obra, tras cuyo repaso, seguro que anotas Deep Water entre tus películas por ver.

Strangers on a Train

Entre Stage Fright y I Confess, Alfred Hitchcock estrena en 1951 Strangers on a Train. Una magnífica película protagonizada por Farley Granger -que ya había trabajado con él en Rope-, Ruth Roman y Robert Walker, quien conseguiría una nominación al Oscar por su interpretación de Bruno. Un encuentro fortuito en un tren de dos desconocidos, Guy y Bruno, les ofrece la oportunidad de desarrollar un plan maquiavélico: Bruno asesinaría a la mujer de Guy, que no quiere concederle el divorcio, y Guy asesinaría al padre de Bruno, que le hace la vida imposible. Mientras que Guy se lo toma como una broma sin gracia, Bruno habla totalmente en serio. La excepcional pluma de Raymond Chandler participaría en la adaptación de una novela publicada en 1950, que inspiraría también títulos posteriores como One You Kiss a Stranger y la divertida parodia que realizaría Danny DeVito en Throw Momma from the Train.

The Talented Mr. Ripley

Tom Ripley es “un hombre tan civilizado que mata cuando tiene necesariamente que hacerlo. No tienen que admirarlo pero tampoco hay que censurarlo. Vive su vida a su manera, no es un criminal, es un arribista obligado a matar”. Así describía la propia escritora al que fuera uno de sus más conocidos personajes, que protagonizaría varias de sus novelas. Un lustro después de que fuera publicada la novela, el cineasta francés René Clément estrenaba Plein soleil, en1960, contando con Alain Delon, Maurice Ronet y Marie Laforêt en sus principales personajes y en la que sería, para la escritora, la mejor adaptación cinematográfica de sus novelas. Muchos años después, en 1999, el inefable Anthony Minghella haría una pobre, innecesaria y afectada versión de la misma novela con la que tan sólo vendría a demostrar que la francesa era infinitamente mejor. Matt Damon, Jude Law y Gwyneth Paltrow pondrían voz y cuerpo a los personajes de The Talented Mr. Ripley.

Rippley’s Game

En 1977 se estrenaba Der amerikanische Freund, una de las mejores películas del cineasta alemán Wim Wenders, que adaptaba otra de las novelas de Patricia Highsmith que giraba en torno a Tom Ripley, la tercera, que fuera publicada en 1974. Dennis Hopper y Bruno Ganz protagonizaban una fascinante película en la que Tom Ripley es un marchante de arte que encarga a un asesinato a un sencillo fabricante de marcos que padece una enfermedad terminal. Pensando en el incierto de su mujer y su hijo, decide aceptar el encargo, sin prever las consecuencias de sus actos. Liliana Cavani realizaría una nueva versión de la misma novela en 2002 que si bien no estaba mal, tampoco tenía la fuerza visual y profundidad psicológica de la adaptación de Wim Wenders, a pesar de que contara con un inquietante John Malkovich en el papel de Tom Ripley.

The Cry of the Owl

Con su gusto por los personajes oscuros y ambiguos, era obligatorio que el cineasta francés Claude Chabrol abordara la adaptación de alguna de las novelas de Patricia Highsmith, inclinándose por adaptar la que publicara en 1962. Tras su divorcio Robert decide poner tierra de por medio y se muda al campo, donde conocerá a Juliette. El prometido de esta se pondrá celoso de esta nueva relación de su novia y desaparece después de atacar a Robert, señalando a este como el principal sospechoso de su desaparición. Estrenada en 1987, Le cri du hibou estaba protagonizada por Christophe Malavoy, Mathilda May y Jacques Penot. En 2009, Jamie Thraves, realizaba una nueva versión de la novela en la que Paddy Considine, Julia Stiles y Karl Pruner eran los protagonistas de The Cry of the Owl.