Buena gente en malas circunstancias, que ya le ha empezado a proporcionar alegrías a Ruffalo en modo de nominaciones, con una interpretación sólida y contundente, como viene siendo norma en el actor, que respaldado por un reparto de secundarios de calidad promete una cinta que podríamos englobar dentro de la tendencia de cine que profesa James Gray, heredero en aspectos del gran Scorsese.

Cine negro del bueno, en cualquier caso.

Vía: Awars Daily

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Le acompañan en el reparto Colin Hanks, haciendo de su joven e ingenuo ayudante, Tom Hanks como el padre frustrado por las compañías que frecuenta su hijo (juas juas juas), Emily Blunt y Steve Zahn con un mostacho imposible. Aunque no tanto como el flequillo y los coloretes en las mejillas que nos lleva el amigo Malkovich.

El director y guionista es Sean McGinly, que hasta el momento había dirigido películas directas a videoclub, pero esperemos que aquí demuestre que todo lo anterior era un entrenamiento. Por el momento, el tráiler es breve pero cachondo… aunque Malkovich da más miedo sonriendo que enfadado…

Vía: Film Junk

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Cuando se estrenó en mi pueblo Moonraker pataleé hasta convencer a mis padres de que me llevaran a verla. Me sentí tan fascinado durante la proyección que, aunque llevaba más de hora y media, me repetía a mí mismo que aquello no podía terminar y que todavía tenían que aparecer escenas en montañas nevadas y otros lugares exóticos que había visto en el reportaje. Por supuesto, a los pocos minutos la película terminó y yo me quedé con la cara a cuadros y sin saber muy bien qué había pasado.

No tardé en enterarme de que 007 había tenido otros rostros además del de Roger Moore y una larga carrera anterior a Moonraker. Descubrí los míticos títulos interpretados por Sean Connery, del que me quedé con Goldfinger por encima de todos, y la escueta pero crucial aparición de George Lazenby en On Her Majesty’s Secret Service, en la que el intrépido agente perdía a su esposa. Por supuesto, devoré con fruición el resto de películas protagonizadas por el acartonado Roger Moore, entre las que sobresalía (con permiso de la carismática The Man with the Golden Gun) una trilogía no declarada formada por las estupendas The Spy Who Loved Me, For Your Eyes Only y la mencionada Moonraker.

Ya subido al carro del MI6 disfruté en su momento del duelo en la cumbre que supuso el estreno simultáneo de Octopussy y Never Say Never Again, interpretadas respectivamente por Moore y (un exageradamente maquillado) Connery.

El relevo a cargo de Timothy Dalton comenzó una decadencia que continuó con el en principio prometedor Pierce Brosnan (su participación en The Fourth Protocol había hecho presagiar lo mejor) y unos últimos títulos en verdad decepcionantes, aunque a Goldeneye hay que agradecerle el servir de base para uno de los más grandes videojuegos de toda la historia.

A sabiendas de que el personaje se encontraba en crisis y después de toda una serie de rumores que incluían la realización de películas de la serie a cargo de autores de prestigio llegamos a la elección del actor Daniel Craig como nuevo Bond , decisión que resultó un espanto para todos los fans. Aquel tipo con cara de boxeador de tercera se alejaba radicalmente del aspecto señorial de anteriores caballeros británicos. Además, el título para su estreno recurría a una película ya rodada, la excesiva Casino Royale, que en los 60 había reunido a David Niven, Peter Sellers, Woody Allen, Orson Welles y a la primera chica bond, Ursula Andress, en una locura que se salvaba únicamente por la canción de Burt Bacharach The Look of Love, susurrada magistralmente al oído por la estupenda Dusty Springfield (por qué no decirlo, una de mis canciones favoritas de todos los tiempos).

No hace falta comentar a estas alturas que el Bond de Craig supuso la reactivación de la serie. Casino Royale volvía a los orígenes del personaje consciente de su carácter iniciático para una nueva era. Violenta y animal, la película se apoyaba en un excelente guión (algo confuso al final del metraje) y en un Craig que lograba hacer suyo el personaje desde el primer momento (durísimo sí, pero a la vez más humano y cercano que nunca).

Con la llegada de Quantum of Solace se mantiene el pulso, creando por primera vez una continuación directa de la entrega anterior. Cruzaré los dedos para que el actual nivel siga ahí. Por cierto y volviendo al principio de esta historia personal, unos días después de ver Moonraker me encontré en el escaparate de un comercio junto al cine algo muy extraño y que sin saberlo entonces cambiaría para siempre mi relación con el séptimo arte, el póster de dicha película en un formato como de libro de plástico que tenía en su lomo unas extrañas siglas: VHS.

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Tras media hora de teléfono con Stallone, Van Damme se negó a participar en The Expendables. Ya saben, esa vuelta a un cine que a estas alturas parece del todo fuera de lugar y que reúne en su plantel a Statham, Li, Lundgren y al propio Sly. La otra oferta tenía que ver con la secuela de (la nefasta) Street Fighter, por lo que no hace falta ni comentarlo.

Desde aquí le deseamos suerte, y nada mejor que ponerles el teaser y el tráiler de JVCD para celebrar tan arriesgada y valiente decisión.

Enlace: Van Damme le da calabazas a Stallone | Vía: europapress

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Universal anunció una agenda muy apretada para ti después de El Hobbit. ¿Veremos un Hellboy 3?

Si es por mi, ¡sí! Pero es una decisión corporativa y los sistemas cambian muy rápidamente en estos estudios.

¿Hay profesionales que trabajasen contigo en Hellboy II que se te unan en El Hobbit?

Esperemos que Mignola (creador del cómic original de Hellboy y diseñador conceptual del film), Barlowe (otro diseñador artístico), Spectral Motion (efectos especiales), Guillermo Navarro (su director de fotografía, ganador de un Oscar por El Laberinto del Fauno) y más…

¿Usarás a Danny Elfman como compositor de nuevo en proyectos futuros?

Por supuesto, pero no hasta que termine las películas de El Hobbit.

¿Crees que rodar Hellboy II te ayudó a prepararte para rodar El Hobbit?

Técnicamente, sí. Pero ese no es el desafío en este caso, que no es otro que crear y expandir un vasto universo y ser tan detallistas como lo fueron en la trilogía. Aproximarse a los libros de Tolkien con la correcta mezcla de reverencia, entusiasmo e inventiva.

¿Habrá criaturas molonas en El Hobbit como las hubo en Hellboy II?

Muchas, muchas más, y daremos importancia al reino de los duendes, a Smaug, las arañas de Mirkwood. Los llevaremos a todos al límite de lo que nos permita la tecnología donde la fusión de animatrónicos y CGI cree una nueva forma de arte en términos de desarrollo de criaturas, creo.

¿Planeas usar algún efecto o técnica particular que usaras en Hellboy II para El Hobbit?

Bueno, sí, pero de un modo distinto. Veréis algunas alucinantes mezclas de marionetas y CGI como no se ha hecho nunca. El límite donde una técnica acaba y empieza la otra no será tan clara como en Hellboy II, Blade II o El laberinto del Fauno. Quiero presionar en ambos frentes para llevarlos más allá.

¿Cuándo comienza el rodaje de El Hobbit?

Será en 2010 y durará aproximadamente 370 días…

¿A qué edad leíste por primera vez El Hobbit?

Creo que fue entre mis 10 y 11 años. Mi primera copia fue impresa en 1973 y sé que la compré poco después de ser publicada por una gran editorial llamada Minotauro […].

¿Quiénes son tus principales apuestas para interpretar a Bilbo Bolsón en las películas?

Con suerte pronto podremos revelarlo…

Enlace: The Hobbit Shooting for 370 days in 2010 | Vía: Rotten Tomatoes

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Hay muchas conversaciones sobre la versión cinematográfica, afirma, se está moviendo. No afirmaremos nada hasta que esté firmado. Me encataría poder rematarlo.

El fastuoso drama histórico se pudo disfrutar durante dos temporadas en la HBO, que co-produjo la serie junto a la BBC. Con el final de Los Soprano como enganche, la primera temporada tuvo audiencias sólidas, pero los altos costes de producción se presentaban como un serio problema para la cadena. HBO apostó por una segunda temporada intentando ayudar a consolidar su inversión inicial, pero no lo hizo así con una tercera cancelando el show en verano de 2006, antes incluso de empezar a emitir la segunda temporada el Enero siguiente. Los decorados fueron destruidos y los actores liberados de sus compromisos contractuales, haciendo la decisión irreversible.

La segunda temporada fue un éxito sorpresa. Aunque ligeramente menos vista que la primera, lo hizo terriblemente bien sin el gancho que suponía el final de Los Soprano. La primera temporada recibió 4 Emmy y la segunda acumuló 7 nominaciones. De repente Roma estaba en una situación altamente paradójica: era un éxito pero no tenía futuro. Los directivos de HBO han admitido que cortar el show fue probablemente un error. Probablemente dicen. Premio al eufemismo del año.

Descubrí cuando iba escribiendo la mitad de la segunda temporada que la serie se cancelaba, dice Heller. Inicialmente iba a terminar con la muerte de Bruto. La tercera y la cuarta estarían ambientadas en Egipto. La quinta iba a ser el ascenso del Mesías en Palestina. Pero a causa del cierre, comprimí la tercera y cuarta en el final de la segunda, lo cual explica la velocidad con la avanza la historia al final de la segunda. Ciertamente hay historia más que suficiente para seguir.

Aunque los actores andan en sus respectivos proyectos, y el final de algún que otro personaje queda en entredicho, Heller se muestra optimista en poder reunir el reparto.

Personalmente, Roma es un pepinazo de serie como la copa de un pino, una de las mejores que he visto en mi vida. Una historia épica de dimensiones universales pero sin perder nunca la escala humana sobre la miseria, el poder, la felicidad y la muerte que desborda cada uno de los capitulazos que la componen con maestría.

Y no soy especialmente fan del peplum, que conste.

Vía: The Hollywood Reporter

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¡Haz CLIC! y se hará más grande, tía.

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El caso es que este vídeo hace una repaso a la serie original de Star Trek en los sesenta dando a entender una extraña relación entre mortalidad y vestir uniforme rojo. Como si la muerte, cual toro de miura, fuera atraída por tan llamativo color.

Me imagino que el capitán Kirk evitaría cogerle cariño a sus subordinados (lo de Spock es distinto, ya sabemos que la frialdad viene de serie con los vulcanianos) viendo lo poco que le duraban. Supongo que ese el verdadero motivo por el que la serie se canceló, la creciente dificultad de encontrar a nuevos miembros para la tripulación.

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La última aventura en este sentido nos viene con Black Dynamite, dirigida por el televisivo y desconocido Scott Sanders, una auténtica y genuina pasada de rosca en todos los sentidos, repleta de humor casposo setentero, zooms imposibles, ninjas y cadillacs (faltan dinosaurios), totos y tetas, más un reparto que oscila entre lo chanante, el mal gusto directo y la excelencia en cutrez.

Extracine, sección películas para ver un sábado noche lluvioso en casa con colegas y alcohol, avisa que vienen curvas. El tráiler, que sale por los laos del monitor y está pa chillarle y tocarle las palmas, a sus pies:

Sitio Oficial: Black Dynamite | Vía: Film Junk

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Como todas las listas, esta sacará de quicio a más de uno. Ya publicamos por aquí la de las 500 mejores películas realizada por la misma revista, donde un servidor se escandalizó al encontrar a Back to the Future por delante de Citizen Kane o a Shichinin no samurai justo detrás de la segunda parte de Evil Death.

Hay que remarcar la escasa memoria cinéfila de la lista, que se introduce a duras penas en décadas anteriores a los 60. Con un gran plantel perteneciente a los 70 (The Godfather, Taxi Driver, la inevitable Star Wars casi con un pleno) la mayor parte hace sin embargo pleitesía a héroes más contemporáneos. De esta forma, el primer personaje perteneciente al llamado cine clásico no aparece hasta el puesto 52, lugar que ocupa el entrañable George Bailey de It’s A Wonderful Life (1946), haciendo lo propio en el 58 el mítico Rick Blaine, dueño en 1942 de un local en Casablanca. En el puesto 70 tenemos al protagonista de una de mis películas favoritas de todos los tiempos, Atticus Finch de To Kill A Mockingbird, que no hace mucho encabezó una lista de similares características. Hay lugar además para personajes que no son de carne y hueso como Yoda, HAL 9000, E.T. o Wall-E, para películas de culto como Donnie Darko, Reservoir Dogs, Clerks o Blue Velvet y sí, hay un puesto para un español, o más bien para su flequillo, el de Bardem en No Country for Old Man. Sin lugar a dudas lo que queda de manifiesto tras ojear la lista es la indiscutible fábrica de mitos que es Hollywood.

Tras el salto les dejo con el top 10 (tiren de enlaces para ver el resto). ¿A quién echan de menos?, yo a uno de los primeros héroes de la historia del cine que es cine en sí mismo: Charlot.

• 1-Tyler Durden (Fight Club)

• 2-Darth Vader (Star Wars)

• 3-The Joker (The Dark Knight)

• 4-Han Solo (Star Wars)

• 5-Hannibal Lecter (The Silence Of The Lambs)

• 6-Indiana Jones (Raiders Of The Lost Ark)

• 7-El Nota (The Big Lebowski)

• 8-Jack Sparrow (Pirates Of The Caribbean)

• 9-Ripley (Alien)

• 10-Vito Corleone (The Godfather)

Enlace: Brad Pitt en ‘El club de la lucha’, el mejor personaje de historia del cine | Vía: The 100 Greatest Movie Characters

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He estado haciendo películas independientes durante 20 años, pero ahora me paro a mirar a mi alrededor y lo que veo es estéril, un terreno baldío en términos de financiación, de audiencia y distribución (en Hollywood), declaró Schrader. En cambio, en la India afirma tener tanto libertad creativa como un público expectante.

Extreme City es una historia intercultural centrada en un americano que viaja a la India para ayudar a su padrastro a resolver un secuestro, sólo para verse envuelto en una trama con la mafia local.

Es posible que haya algún número musical, afirman en la nota de prensa, y tiemblo al pensarlo, con diálogos en inglés e hindú, con un guión del propio Schrader, quien comenta que la película, en ningún caso, será una repetición de los esquémas clásicos de la industria India. No va a ser una película Masala, afirmó, refiriéndose a ese tipo de películas clásicas que mezclan curry, acción, romance folletinesco (que gran palabra…), familia, drama y todo lo que quepa en la coctelera.

El viejo Bollywood nunca se irá del todo, pero está cambiando. Las películas pueden durar menos de dos horas. No tiene que haber necesariamente canciones y baile, dijo el cineasta.

Éste movimiento de Schrader es sólo uno más a la lista de eventos que interrelaciones las industrias india y usamericana. Este mismo año una de las cintas punteras en términos de calidad y premios es Slumdog Millionaire, la fábula romántica de acción de Danny Boyle, director británico que también ha sido producido allende los mares y tierras. La compañía de Will Smith Overbrook Entertainment tiene un acuerdo con la productora hindú UTV para producir dos films. Y el premio gordo se lo lleva Dreamworks, compañía que al separar lazos con Paramount se lanzó a los brazos de Reliance Big Entertainment, también de base india.

Schrader está promocionando Adam Resurrected, un drama sobre el Holocausto con Jeff Goldblum a la cabeza sobre un actor judío que sobrevive a la guerra interpretando a un oficial Nazi.

Al principio pensé “el mundo no necesita otra película sobre el Holocausto”. Mucho menos una de Paul Schrader. Pero entonces empecé a leer el guión y en la página 65 me dije “necesito hacer esto”. Es una historia muy original, comentó el director.

Presupondremos que cuando dijo que necesitaba hacerlo quería decir oh dios mío, vaya mierda seca de vaca hice con el exorcista, no puedo decir que no a ésto. La chupo y me lo trago. Sí, tiene razón en una cosa: el mundo no necesita otra película sobre el Holocausto. El niño del pijama a rayas lo demostró.

Vía: Hollywood Reporter

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Sly, como vemos todo un hombre del renacimiento (tomen el término en todos los sentidos posibles), reunirá en el plantel protagonista a un elenco de reconocidos camorristas. A saber, Jason Statham, Jet Li y,… redoble de tambores, ¡Dolph Lundgren!. Como lo oyen, el duelo en las alturas entre capitalismo y comunismo que supuso en su día el duelo pugilístico de Rocky IV se presenta ahora como el principal interés de The Expendables, ambientado esta vez en una república bananera donde el bueno de Dolph hará las veces de malo malísimo (que paradoja ¿verdad?).

Así que ya saben, si quieren una buena ración de mamporros y no les importa lo previsible de la trama, manténganse al tanto de este proyecto, que en estos momentos tiene el 2010 como fecha prevista de estreno. Ahora sólo falta recoger firmas para obligar al equipo a que vuelva a incluir como tema principal aquel mítico y vitaminado Eye of the Tiger de Rocky IV.

Enlace: Sylvester Stallone y Dolph Lundgren, de nuevo cara a cara en ‘The Expendables’ | Vía: europapress

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Basada en el cómic homónimo escrito por Greg Rucka y dibujado por Steve Lieber, nos cuenta la historia de la agente federal Carrie Stetko y la investigación que realiza del primer asesinato cometido en la Antártida justo cuando el Sol está a punto de ponerse por seis meses. Debe atrapar al asesino antes de que huya o quedarse atrapado con él en la oscuridad durante ese largo periodo de noche.

El cómic original estuvo nominado en los premios Eisner de ese año, los Oscar del tebeo, a mejor guión, dibujante, serie limitada y novela gráfica (por su recopilación). Tuvo continuación en Whiteout: Melt.

Es curioso como en el primer cartel de la película aparecía el nombre del co-protagonista de la cinta, Gabriel Macht, y ahora no.

Digo que es curioso porque Macht está ahora mismo en la cresta de la ola al protagonizar The Spirit, la película de Frank Miller que nos bombardea semana sí, semana también, con promos y demás.

También cabe remarcar que la película lleva rodada un tiempo ya, que se vio metraje en la San Diego Comic-Con del verano de 2008 y aún así su estreno se realizará un año después, un retraso cuanto menos notable.

Por no decir sospechoso.

Vía: Bloody Disgusting

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Como saben, el famoso barco tiene, además de una importancia histórica, una puramente cinematográfica. Y es que el lujoso artefacto fílmico del señor James Cameron (me gustaría saber el C.I. de este hombre porque escucharlo hablar y ponerse uno a babear van de la mano) basado en la trágica historia de su hundimiento sigue siendo, más de diez años después de su estreno, la película más taquillera de la historia del cine.

Ahora tienen ustedes la oportunidad de visitar en Madrid una exposición dedicada al Titanic en la que podrán empaparse de historia y de cine. Multitud de elementos pertenecientes al barco y al pasaje que tanto fascinaron en su momento al director americano. No duden en comunicarnos su experiencia, ya contamos con la seguridad de que nuestro compañero Adrián lo hará, dada la conocida admiración que tiene por Don Cameron.

Enlace: titanicmadrid

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La música de la película, recodemos dirigida por David Fincher y protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, con un guión adaptado por Eric Roth (ganador del Oscar por Forrest Gump), está compuesta por el francés Alexandre Desplat, quien estuvo nominado a los Globos de Oro por La Joven de la Perla, Syriana y llevóselo al final por El velo pintado. Fue candidato al Oscar por The Queen, y año pasado habría tenido que estar nominado, con total justicia, por Deseo, Peligro o por Mr. Magorium, por citar las que considero a título personal sus dos joyitas de ese período en concreto.

La edición comercial de la banda sonora, una composición delicada, mágica y misteriosa, rica en matices, romántica y emotiva, no sale a la venta hasta el 16 de Diciembre. Su tracklist es el siguiente:

1. Postcards 2. Mr. Gateau 3. Meeting Daisy 4. A New Life 5. Love in Mourmansk 6. Meeting Again 7. Mr. Button 8. Little Man Oti 9. Alone At Night 10. It Was Nice to Have Met You 11. Children Games 12. Submarine Attack 13. The Hummingbird 14. Love Returns 15. Sunrise On Lake Pontchartrain 16. Daisy’s Ballet Career 17. The Accident 18. Stay Out of My Life 19. Nothing Lasts 20. Some Things You Never Forget 21. Growing Younger 22. Dying Away 23. Benjamin and Daisy

El score de Desplat para la cinta de Fincher se perfila, al igual que la película en sí misma, como una de las grandes favoritas de cara a los Oscar, aunque antes habría que escuchar el Milk de Elfman o el Soloist de Marianelli, por decir dos gordos así a bote pronto.

Enlace: Listen to The Curious Case of Bejamin Button score | Vía: Awards Daily

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En una reciente entrevista, el co-creador de todo el tinglado, Trey Parker comentó que la idea les venía rondado desde hacía ya bastante tiempo. Hablamos sobre quizás hacer una película para darle un fin a todo, y ahora mismo nos parece la mejor idea, comentó Parker.

Él mismo y Matt Stone, el matrimonio intelectual que dieron a luz a la pandilla formada por Cartman, Kyle, Stan y Kenny, tienen firmado con Comedy Central, el canal de televisión que los ampara, un contrato para seguir con la serie hasta 2011 en principio.

Parker también comentó que con anterioridad habían tenido otra idea genial para un largo, que finalmente se convirtió en la Trilogía de Imaginolandia, tres capítulos que confirman un arco argumental ganador del Emmy al mejor programa de animación de una hora o más (adoro el nombre el premio).

Se nos ocurrió una idea realmente buena para una película, pero de repente nos vimos envueltos de nuevo en medio del desarrollo de la temporada en curso de la serie, y además totalmente faltos de ideas. Y claro, pensamos que teníamos que usar la idea de la película. Y eso se convirtió en Imaginolandia, comenta Parker.

A título personal, aunque no he visto demasiado la serie, su primer largo, South Park: más grande, más largo y sin cortes ha sido una de las veces que más bestialmente me he reído en una sala. No había visto nada de la serie, en España se estrenó con un retraso alucinante, mucho después de su nominación al Oscar a mejor canción por Blame Canada (de hecho la conocí por eso) y cuando empezó la proyección lo único que pensaba era “me han timado, me han timado”. Pero 3 minutos después empecé a reírme y no paré hasta que llegué a mi casa. La gente de la sala estaba asustada y todo.

Frases como “¿¿te crees que estamos en casa buscándole el chocho a la gallina Caponata??”, “joder Satán, tienes un culo grande y rojo, ¿en qué quieres que piense, Liza Minelli?” o “¿¿porqué no me chupa la po**a señor Garrison??” son parte indisoluble del iconográfico de frases colectivo.

VIDE-O-RAMA: Échale la culpa a Canadá

Times have changed Our kids are getting worse They won’t obey their parents They just want to fart and curse!

The smut we must stop The trash we must bash The Laughter and fun Must all be undone We must blame them and cause a fuss Before somebody thinks of blaming uuuuuuuuuuuuuuuuuuuus!!!!

Enlace: Trey Parker on a South Park movie sequel | Vía: Movieweb

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Dirigida por Catherine Hardwicke, quien empezó con la interesante Thirteen para ir progresivamente estandarizándose y perdiendo interés, con un guión adaptado por Melissa Rosenberg, la historia de amor teen entre una humana y un vampiro, lejos como de aquí a Marte de True Blood, el pelotazo televisivo de la temporada y que sigue un relativo parecido, tiene unas cifras curiosas. Según el estudio, tres cuartas partes del público usamericano que lo ha visto es femenino, del cual el 55 % eran menores de 25 años. Eso es un hecho y no pienso crear polémica con ello.

Obviamente, Summit Entertainment, la productora, ha anunciado con los pantalones llenos de felicidad la secuela, adaptación igualmente de la siguiente novela de Meyer, Luna Nueva. No pienso que ningún otro autor haya tenido una experiencia más positiva con cineastas en una adaptación que la que yo he tenido con Summit. Estoy emocionada de que tengamos la oportunidad de trabajar con ellos de nuevo en ‘Luna Nueva’, declaró Meyer. El gran cheque que sostenía bajo el sobaco en ningún caso influenció esa afirmación.

En términos de crítica, los medios profesionales la han suspendido en Rotten Tomatoes con un 44% de comentarios medianamente positivos, recalcando que los/as fans de las novelas son los únicos que saldrán dando botes de alegría de la sala, mientras que los usuarios le dan un aprobado raspadete, con un 5.3 en Imdb y un 6.3 en Metacritic.

Pero sólo se puede votar una vez para que sea moralmente correcto, lo saben, ¿verdad?

Vía: Coming Soon

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Y es que por fin es viernes señores, así que nada mejor que tirar de risas y simpatía con esta no declarada sección que pretende con sus vídeos que abordemos de forma harto relajada los deseados días que nos esperan.

Enlace: Gnar Wars | Vía: collegehumor

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En Bolt, Powell da música a la aventura del perro que da nombre a la cinta, un canino actor que no diferencia realidad y ficción, y cree ser realmente el perro con superpoderes del show televisivo que protagoniza. Cuando escapa intentando salvar a su dueña, que realmente no está en peligro, el retorno al hogar será toda aventura real, en la cual le acompañarán una gata, en calidad de secuestrada, y un hamster friki fan de la serie, que hará lo que sea por estar al lado de su héroe en tan insigne odisea.

Ya en las primeros temas de la banda sonora, Powell sienta las bases de la arquitectura sonora de la composición. Desde la tranquilidad descriptiva de Meet Bolt, a la heróica magnificencia triunfal de Bolt transforms, al frenético virtuosismo de acción en Scooter Chase con el remate formal que supone el tono desenfadado y burlesco de New York o Meet Mittens.

La música de Powell es altamente descriptiva, rica en matices, resolutiva y enfatizadora, pero no cargante. Sabe cuando usar las cuerdas para marcar el paso, los vientos para mofarse de lo que acontece, y cuando introducir la electrónica, medida, para dar marcha, siendo en todo momento una música tierna, coqueta y juguetona cuando puntea y remarca por ejemplo, enfocada al acompañamiento de un público infantil, quizás no terriblemente original y reminiscente de otras obras del autor, quizás de Ice Age 2 la que más, con toques de Happy Feet o Shrek, claramente obras del mismo género, pero en ningún momento calcadora de ellas.

Aunque el Sing-Along Rhino se pudiese parecer al de los monos bichos carnívoros de La Edad de Hielo 2, son autoreferencias quizás más probablemente causadas por guión que por exigencias del compositor, que resultan simpáticas, bien resueltas y sobre todo, terriblemente frescas.

Para rematar comercialmente el cd se incluyen 3 canciones, dos a cargo de Jenny Lewis con un tono country moderno muy molón, y una cantada a panchas por Miley Cyrus y John Travolta, quienes ponen voz a los protagonistas en la versión original, y que, en contra de lo que suelo opinar de este tipo de inclusiones, resultan amenas y bastante a tono con el resto.

Aunque el compositor se ha movido siempre en productos de, digamos, consumo fácil, si exceptuamos sus colaboraciones con Paul Greengrass, venerada sea su santa gordura, y ojalá sigan formando un tándem fijo que proporcione obras magnas, se echa en falta que el talento de Powell despunte en producciones de más calidad, más ambiciosas en términos artísticos, porque siendo uno de los mejores compositores de su generación hay peores compañeros más solicitados.

Y eso en mi pueblo se llama injusticia. Una nueva partitura de Powell, por baja que sea dentro de su media, en una banda sonora de escucha inmediata y disfrute pleno.

Ole tus eggs, John.

PUNTUACIÓN: 7 / 10

LO MEJOR: El ritmo marca Powell.

LO PEOR: Ciertas reminiscencias autoreferenciales.

TRACKLIST: 1. I Thought I Lost You (03:36) performed by Miley Cyrus & John Travolta 2. Barking at the Moon (03:17) performed by Jenny Lewis 3. Meet Bolt (01:49) 4. Bolt Transforms (01:00) 5. Scooter Chase (02:29) 6. New York (01:44) 7. Meet Mittens (01:25) 8. The RV Park (02:14) 9. A Fast Train (02:38) 10. Where Were You on St. Rhino’s Day? (01:58) 11. Sing-Along Rhino (00:42) 12. Saving Mittens (01:02) 13. House on Wheels (03:07) 14. Las Vegas (02:01) 15. A Friend in Need (01:13) 16. Rescuing Penny (03:09) 17. A Real Live Superbark (00:46) 18. Unbelievable TV (01:20) 19. Home at Last / Barking at the Moon (Reprise) (01:29)

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La historia de un combatiente de lucha libre venido a menos con la edad (un Mickey Rourke recuperado de su tormentoso pasado personal), la relación que entabla con una bailarina de streaptease (Marisa Tomei, ganándose el Oscar a posteriori) y los intentos por arreglar la deteriorada comunicación con su hija (Evan Rachel Wood, que con su cara de chica High School sólo se mete en proyectos comúnmente denominados como chungos) componen un desgarrador, tierno y certero retrato del ocaso de un luchador, tanto en la vida como en el ring.

A título personal, Aronofsky, que se ha cascado con 6 millones de pavos esto que pinta como un peliculonazo, es uno de mis directores favoritos, uno de los pocos actualmente con una voz propia y una sensibilidad a prueba de bombas H, cuyo cine sólo se puede definir como visceral, y es así el tipo de reacciones que provoca. Pi es una ópera prima precisa y envolvente, Requiem por un sueño es directamente demoledora y La Fuente es un bello y triste poema de amor a la muerte y la vida. Con todos ustedes, The Wrestler…

Vía: Las Horas Perdidas

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Todos los cortometrajes se basan en una carta abierta y su trama gravita en torno a una palabra que captura la esencia de PlayStation: Jugar, Crear, Compartir, Conectar, Descubrir y Desafiar. Estas producciones, filmadas en alta definición, se mostrarán en Berlín de forma paralela al festival de cine, que goza de gran reconocimiento internacional y se celebrará en febrero de 2009.

En la PStore, el servicio on-line de PS3, ya están disponibles algunos de los trabajos, así como entrevistas y making-of. Curiosamente, me ha resultado imposible encontrar material visual para mostrarles algo en movimiento, ni un mísero tráiler del proyecto, oigan. Supongo que tanto celo se debe a la exclusividad que quieren dar al servicio a través de PS3 y PSP, así como a la cobertura que realizará posteriormente Shorts International.

En cuanto el material empiece a circular libremente por la red volveremos sobre el tema para hacerles llegar un vídeo genérico. Tras el salto encontrarán la relación de los primeros trabajos, atentos a los padrinos porque estamos hablando de pesos pesados del cine mundial (por lo menos para aquellos que aprecian este arte más allá de los límites que marca Hollywood).

• Bitter, de Joel Wilson y Jamie Campbell. Productor ejecutivo: Michael Winterbottom.

• Citizen Hero, de Christophe Perie. Productor ejecutivo: Jan Kounen.

• Prison Food, de Uwe Flade. Productor ejecutivo: Marc Rothemund.

• Hands, de Xavi Jose. Productor ejecutivo: Montxo Armendáriz.

• 8.3 Minutes, de Klaus Thymann. Productor ejecutivo: Thomas Vinterberg.

• The Dreaming, de Anthony Green. Productor ejecutivo: Jerry Bruckheimer.

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El contar una historia basándose en imágenes pero no dejando de lado el texto que es en sí mismo la historia que se cuenta es un campo común de cultivo en los dos medios, y ya en el cine, el germen mismo del planteamiento narrativo que se realizará en la cinta parte de un cómic, el storyboard. Ha habido insignes dibujantes de cómic que han dibujado éstos, desde Carlos Gimenez en Hable con ella o El espinazo del Diablo, hasta Geoff Darrow y Steve Skroce para Matrix, por decir nombres que se me vengan de forma rápida.

Y aunque el cine interpreta el cómic, y de forma recíproca, el cómic ha interpretado el cine, hablando de los casos en los cuales se han serializado en papel éxitos de taquilla con posterioridad a éste mismo, lo que es difícil de encontrar es lo que Chris Ware nos ofrece, un resumen en 3 viñetas de toda una película, en los cuales el silencio, el entorno, la soledad y el vacío existencial de sus personajes se remata con la precisión fría del lápiz del artista.

Ware, un teórico del medio, un potente narrador de historias que no se ampara en ningún tipo de concesiones, sea de forma o de fondo, para analizar sus personajes y desarrollar sus historias, maestro de la lentitud y esteta de la tristeza como han llegado a llamarle, mira la cinematografía de otro grande, Yasujiru Ozu, firme defensor del plano fijo y la composición equilibrada, y traduce los 136 minutos de metraje de Cuento de Tokio en una estructura de viñetas semejante a la ilustración por la reposada genialidad con la que se ejecuta. Miren, miren…

Desde Extracine, sección extraperlas, que no extraperlo, recomendamos encarecidamente, a raíz y colación del dibujo de Ware, revisitar no sólo la obra del gran Ozu, plato de paladares exquisitos, sino de Ware, desde su Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo, lo cual no deja de ser el gran eufemismo del año y cuando lo leáis me daréis la razón, hasta el Acme Novelty Library, una publicación referencial en Estados Unidos y que, pardiez, en este caso no cuenta con edición española.

Porque el cómic esconde grandes cineastas, al igual que el cine guarda grandes autores de cómic.

Vía: Entrecomics

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Si la producción nos ha ido regalando poco a poco teasers tanto en forma de pósters como de algún trailer previo, por fin y de cara a la dura campaña navideña tenemos un avance completo, en condiciones y real de la cinta, también realizada con animación stop-motion, esa que está reservada sólo para los genios, God save Aardman.

Coincidiendo con el lanzamiento del tráiler, en el que habréis podido con todo lujo de detalles el fantástico mundo de diseño surrealista donde la joven Coraline se pierde al atravesar una puerta que encuentra en su habitación y las aventuras que correrá para escapar de las garras de su otra-madre, han lanzado un divertido juego através de la página web.

Si entráis en Coraline.com se os mostrará una cerradura, a través de la cual un curioso ojo os espiará, y se os pedirá una llave, la cual os permita atravesar esa puerta virtual con la que os acabáis de topar. Son combinaciones de palabras relacionadas con la película, y siempre que introduzcas una llave diferente te llevará a una sección distinta dentro del site, con secretos y detalles fantásticos de la producción. Las llaves encontradas hasta el momento son:

buttoneyes stopmotion moustachio puppetlove armpithair sweaterxxs

Y como no se lo han currado lo suficiente, atentos a los gift packs que están enviando a la prensa… ¡que envidia!

A partir de Febrero de 2009 yo ya empiezo a ponerme realmente nervioso por verla, no sé vosotros.

Vía: Drawn | Film Junk

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Pues sí. Uno de los directores más míticos de la cinematografía española, y uno de los directores españoles más conocidos internacionalmente, el madrileño Jess Franco (Jesús de nacimiento, pero todo sea por internacionalizarse; también tiene otros seudónimos anglosajones…) ha sido designado por la augusta Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España para ser depositario del premio honorífico que se entregará en la Gala de los Goya el último fin de semana del próximo enero.

A sus 72 años, este hombre puede presumir de haber rodado unas 180 películas en más de cuatro décadas de carrera, y de un estatus, siempre agradecido, de ‘director maldito’. Especializado en producciones rápidas, de bajo coste y alto rendimiento, que pocas veces han contado con el beneplácito de la crítica, el mismo Quentin Tarantino le considera el mejor director vivo, y su auténtico gurú.

El ya anciano cineasta ha declarado:

Es una alegría y un gran honor. Nunca esperé ningún reconocimiento de mi carrera.

Vía: Web Oficial de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España

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El secreto del cristal, libro que se ha presentado hoy en Madrid, recoge alrededor de 300 aforismos de la obra, como cineasta y escritor, de Gonzalo Suárez. Comentaba el autor con respecto su hija Anne-Hélène Suárez y a Salvador Foraster, compiladores del material:

Les felicito por conseguir crear a trozos esta obra, una muestra de mi pasado delictivo.

Como es normal para un libro que surge de profundizar en una dilatada carrera como es la del director de Remando al viento, el propio Gonzalo Suárez admiraba el resultado final sorprendido: