Siempre que me alguien me pregunta sobre el tema de una película contesto de la misma manera: ¿acaso importa? Me da lo mismo si es de género o de autor, drama o acción, que gire en torno al mundo de las finanzas o sobre universo femenino, adaptación o historia original. Lo que hace que una película me resulte interesante o no, siempre es la manera en la que un cineasta transmite la historia que quiere contar.

Million Dollar Baby, The Blind Side o Rocky son películas que se desarrollan en ambientes deportivos, pero en las que lo más importante son siempre los conflictos personales de sus protagonistas. Por eso no me importó en absoluto que Moneyball, la última película dirigida por Bennett Miller, girara en torno al deporte más aburrido del mundo. Al menos para el que no juega y desde luego siempre desde mi punto de vista, de hecho, creo que la película encajaría más dentro de un ciclo dedicado a las matemáticas que al béisbol.

Avalada con seis nominaciones a los premios Oscar, me sucede casi lo mismo que con otras películas nominadas este año en la categoría de mejor película pues si Moneyball no deja de ser una película interesante y hasta entretenida, también resulta larga, pesada y un tanto esclavizada por demasiadas palabras para tan pocas acciones. Una tara que ya se percibía en el texto previo de Aaron Sorkin, The Social Network, pero que mientras en la película que dirigía David Fincher se las ingeniaba para jugar con los saltos temporales a tres bandas manteniendo la atención del espectador hasta el final de la historia, aquí tan sólo nos encontramos con algunos racontos que no alteran ni aportan nada a la línea argumental principal.

Si acaso aclaran la estupidez del personaje principal que pudiendo elegir entre estudiar en la Universidad y jugar al béisbol, elige lo segundo -en lo que me parece la vía rápida- para descubrir posteriormente que había cometido una equivocación. Curiosamente, una premisa similar a la del personaje protagonista de The Social Network, que ciertamente también tiene una estructura inductiva teniendo que llagar al final de la historia tanto para descubrir los motivos reales que llevan al protagonista a tomar las decisiones que toma, como para que termine contradiciendo la propia premisa racional que pone en práctica en el juego, venciendo el sentimiento en la cuestión principal (y no es spoiler).

Desde mi punto de vista, aunque el guión avanza con fluidez, delata que está pensado para un público que no esté familiarizado con el deporte sobre el que trata pues está demasiado contaminado de explicaciones forzadas que no sólo no aportan demasiado, sino que dilatan el ritmo de la película hasta dilapidarlo, particularmente el último tercio que se hace un poco pesado. Ni el conflicto personal del propio Billy Beane (Brad Pitt), ni las aportaciones humorísticas de Peter Brand (Jonah Hill), consiguen vitalizar el desarrollo de una trama demasiado centrada en los logros aritméticos. ¿Quizás sea esta la aportación de Steven Zaillan? Dicho de otra manera, las aportaciones sentimentales no consiguen hacer más entretenidas las premisas racionales.

Si Brat Pitt se esfuerza considerablemente, su interpretación no sólo no está de Oscar, sino mucho menos de nominación, pero sí que es cierto que me parece más lograda que incluso la de The Tree of Life. Admiro mucho a Jonah Hill y si bien celebro su nominación, también me parece un poco excesivo este reconocimiento, más que nada porque algunas de sus interpretaciones anteriores fueran mucho más destacadas. Quizás lo más impactante sea la transformación de Philip Seymour Hoffman, casi irreconocible en un principio, aunque lo más lamentable es la escasa presencia de una actriz tan estupenda como Robin Wright, que se deja ver en ¿¡una sola secuencia!? Quizás lo que más me haya gustado sea la interpretación de Madeleine G. Hall, que consigue realmente emocionar con sólo su voz y una guitarra -otra vez los actores infantiles.

La última película dirigida por Alexander Payne, The Descendants, parte como una de las favoritas en los premios Oscar, con sus cinco nominaciones y después de haber recogido el Globo de Oro a la mejor película dramática, así como al mejor actor protagonista para George Clooney. Demasiadas expectativas para tan pocas pretensiones diría yo. Algunos pensarán que es una cuestión de prejuicios, por estar hablando de George Clooney, que no es santo de mi devoción, pero que sabe estar a la altura cuando es necesario. Tampoco es que no me haya gustado la película, pero tampoco me ha entusiasmado. Quizás sea cuestión de la manera en la que se elogia la película, para para que sea finalmente un filme poco más que entretenido y un tanto previsible. Trataré de explicarme.

Lo que me ha parecido más interesante de The Descendants es su guión. El punto concreto desde el que parte la historia conociendo el personaje de la madre a través de una anáfora, siempre a partir de los demás personajes. Cómo se desmorona el núcleo familiar a partir del accidente que deja a la madre en un coma y, sobre todo, la manera en la que se abren nuevos caminos entre padre e hijas que antes estaban distanciados por las convenciones típicas de esos padres que hacen todo por sus vástagos, aunque sólo sepan quienes son porque lo pone en el libro de familia. Pero lo más interesante es cómo a partir del mismo incidente se abre también una linea argumental que envuelve a toda la familia, así como, indirectamente a toda la sociedad en la que viven puesto que son propietarios de una basta zona que tienen planeado convertir en un lujoso complejo turístico.

Lo malo es que, si bien los personajes están perfectamente trazados y podemos encontrarnos con situaciones más o menos cómicas, interesantes y emotivas, resulta bastante lamentable que desde la segunda y tercera secuencia sepamos exactamente cómo va a terminar la película y sus dos líneas argumentales. La que se refiere directamente al personaje de George Clooney y sus hijas porque se lo dice claramente el médico que atiende a su esposa, y la que envuelve a toda la familia porque se deduce inmediatamente de la conversación (forzada) que mantiene Matt King cuando obliga a su hija a pedir perdón a otra compañera de clase, antes incluso de que nos hayan puesto en conocimiento de esa otra línea argumental.

Probablemente el fallo se deba a que, aparte de Alexander Payne, los otros dos guionistas responsables del texto, Nat Faxon y Jim Rash, son a su vez actores. Si por un lado no me cabe ninguna duda de que se han esforzado mucho en los personajes, a la visa está que todos y cada uno de los intérpretes de la película están más o menos estupendos, pero en lo que respecta a las acciones y cómo se desarrolla la trama todo resulta tan previsible como un telefilme de sobremesa cualquiera. Con el inconveniente de que resulta excesivamente largo y que contiene demasiadas canciones hawaianas insoportables -aquí no hay más o menos.

Si al menos Alexander Payne hubiera tenido la gentileza de hacer una aproximación visual, no digo llamativa, pero sí algo más elaborada, quizás me habría resultado algo más estimulante el visitando de The Descendants. Pero el director se limita a mostrar en plano a la persona que habla, para insertar a continuación el contraplano de la que responde. A esto le añadimos unas bonitas panorámicas del exuberante paisaje de Hawai, un par de planos subacuáticos y algún primer plano de un personaje soltando la lagrimita y ya tenemos un melodrama sencillo y exótico, a la par que facilito y digerible para todos los gustos y edades.

Si no fuera porque estoy hablando de Alexander Payne quizás me hubiera dado lo mismo, o hasta habría sido menos tolerante. Pero si ubicamos The Descendants dentro del contexto de su filmografía, detrás de Sideways, que estaba precedida por About Schmidt, sin duda estamos hablando de un director que pareciera que consigue más logros cuanto menos se esfuerza. De entrada, ni siquiera estuvo nominado como guionista o director de la película que protagonizara Jack Nicholson, aunque por lo menos tuvieran el detalle de nominarle a él y a la maravillosa Kathy Bates. Después no sólo estaría nominado por Sideways, que pareciéndome una película interesante, tampoco es el no va más y, sin duda, me parece inferior que la precedente, aunque encima se llevó el Oscar al mejor guión, que sí que me parecía lo más destacable de la película. Y ahora repite de nuevo la operación con The Descendants en lo que parece que va a tener un resultado todavía mejor -aunque todavía está por ver.

Con lo que respecta a las interpretaciones, qué puedo decir. George Clooney no está mal, pero, sinceramente, le he visto mejor en otras ocasiones. Que aquí aguanta el plano más tiempo y utiliza colirio en alguna de las secuencias, de acuerdo, pero no me parece una interpretación tan loable. Si acaso justito. Desde luego hay dos momentos que no entiendo: la carrerita a lo película de Charles Chaplin que se echa una vez se entera de que su esposa le ha sido infiel y la otra carrerita que se echa una vez que encuentra a la familia del pavo con el que le ha estado engañando. Auténticos momentos slapstick en un contexto que me saca de la película. Sin embargo, quien sí me merece todos los elogios, ni siquiera es su hija mayor, Shailene Woodley, que lleva tanto peso en la película como Clooney, sino la hija pequeña, Amara Miller, que transmite a la perfección la confusión característica de su edad y del resultado de no conocer toda la información de lo que sucede a su alrededor. Claramente 2011 fue un año tremendamente fecundo en interpretaciones infantiles.

También me parece que este personaje es uno de los que mejor construidos están, junto con el amigo de la hermana mayor, porque en el caso de esta última, me parece que está demasiado preparada para explicarle a su padre (y al espectador) aquello que ni guionistas y ni director supieron o pudieron explicar de una manera visual. ¿Y no es una contradicción que no sepan contar la historia con imágenes cuando son precisamente los espacios y los sentimientos lo más importante de The Descendants?

Como cada año después de Sundance y cuando la mayoría de las academias cinematográficas están todavía evaluando lo que fue el año anterior, comienza la primera gran cita del cine en Europa: el Festival Internacional de Cine de Berlín o, como se le conoce comúnmente, la Berlinale. A partir de hoy y durante los próximos diez días, el jurado internacional presidido por el cineasta británico Mike Leigh evaluará los diecinueve largometrajes que entran en competición en la que es la 62 edición del festival. Y no se pierdan el resto de los componentes del jurado:

• Anton Corbijn: fotógrafo, diseñador y cineasta holandés Anton Corbijn, de quien hablábamos ayer mismo a propósito de su próxima adaptación de la novela de John Le Carré A Most Wanted Man
• Asghar Farhadi: ganador del Oso de Plata en 2009 con Darbareye Elly (A propósito de Elly), y del Oso de Oro en la última edición de la Berlinale con la espléndida Jodaeiye Nader ez Simin (A Separation), con la que también ha obtenido un Globo de Oro y está nominado a dos Oscar de la Academia de Hollywood
• Charlotte Gainsbourg: actriz y cantante francesa que no sólo se ha atrevido dos ocasiones con Lars von Trier, sino que va camino de una tercera con The Nymphomaniac
• Jake Gyllenhaal: actor estadounidense conocido principalmente por filmes como Donnie Darko, Brokeback Montain, Zodiac o Source Code y a quien veremos próximamente en filmes como Nailed, dirigido por David O. Russell, y end of Watch, dirigido por David Ayer
• François Ozon: cineasta francés que estuviera en competición en la Berlinale con Angel, en 2007, y con Ricky, en 2009. Si Potiche fuera su última película estrenada, este mismo año se estrena Dans la maison
• Boualem Sansal: escritor algeriano
• Barbara Sukowa: actriz alemana conocida por sus colaboraciones con Rainer Werner Fassbinder, Lars von Trier o Margarathe von Trotta

A moi seule

Segunda película de ficción del cineasta francés Frédéric Videau que comienza con una joven sentada en una parada de autobús que contempla la fotografía de una niña desaparecida. Se trata de su propia fotografía ocho años atrás, cuando Gaëlle fue secuestrada y apartada del mundo. Ahora tiene que hacer frente a su traumática experiencia y un nuevo y extraño mundo en libertad.

Aujoud’hui

Tercera película del cineasta senegalés Alain Gomis, que protagoniza el actor y músico estadounidense Saül Williams, quien ínter`reta a Satché, que sabe y acepta que es el último día de su vida, aunque se siente fuerte y saludable. Caminando por las calles de su ciudad natal, en Senegal, vuelve a visitar los lugares que fueran importantes en su pasado para mirarlos por última vez: la casa de sus padres, su primer amor, los amigos de su juventud, su esposa y sus hijos. Un tiempo en el que otra vez vuelve a escuchar el mismo reproche: ¿porqué no se quedó en América donde tendría un futuro? Satché afronta sus momentos finales lleno de miedo, pero con un sentimiento de alegría.

Bai lu Yuan (White Deer Plain)

Desde China llega la sexta película de Quan’an Wang que adapta una novela histórica de Chen Zhongshi prohibida durante muchos años por contener sexo explícito. La historia nos sitúa en la China Imperial en la que se suceden dramáticos cambios sociales y políticos, especialmente en la localidad que da nombre a la película donde viven dos importantes familias: Bai y Lu, que han vivido siempre en paz. Hasta que entran en conflicto por unas tierras, en medio de las que se encuentra una joven recién llegada, que se encuentra atrapada entre unos y otros.

Barbara

Ganador del premio FIPRESCI por Wolfsburg, en la sección Panorama de la edición de la berlina de 2003, y tras competir posteriormente en la sección oficial con Gespenster y Yella, el cineasta alemán Christian Petzold vuelve por tercera vez al festival de Berlín. Su película nos lleva hasta el verano de 1980, cuando una médico, Barbara, presenta una solicitud para emigrar a occidente. Como castigo la envían a un hospital de una pequeña localidad alejada de la capital. Mientras tanto, su novio, en le lado Oeste, planea su huída por el mar báltico. En su situación de espera su nuevo apartamento, sus vecinos, el verano y el campo ya no tienen ningún encanto para Barbara. A pesar de que se muestra atenta con sus pacientes, es fría distante con sus colegas del departamento de cirugía de pediatría, especialmente con su nuevo jefe, André. Ella está convencida de que su vida empezará más adelante. Pero André le confunde. Primero está su fe inquebrantable en sus habilidades profesionales, después está la manera en la que se preocupa por ella, y por último su cautivadora sonrisa. ¿Qué hace que André le cubra cuando la sorprende ayudando a escapar a Stella? ¿Le está espiando? ¿Está enamorado? Barbara comienza a confundirse con respecto sí misma, sus planes y su corazón. Mientras tanto se acerca la fecha de su fuga.

Captive

Ganador del premio Caligari por Tirador, el filipino Brillante Mendoza vuelve a competir en la Berlinale con una película que protagoniza Isabelle Huppert. Un grupo de hombres armados y enmascarados que pertenecen al grupo musulmán Abu Savyaf entran en un hotel turístico y secuestran a doce turista extranjeros. El objetivo de los asaltantes era un grupo de empleados del Banco Mundial que ya habían abandonado el resort. Los secuestrados son turistas y misioneros cristianos que se ven forzados a marchar a pie a través de la jungla filipina. Juntos, rehenes y secuestradores tendrán que hacer frente juntos a las fuerzas de la naturaleza. Gradualmente el clima de miedo prejuicio y odio les lleva a todos a una extraña relación simbiótica. Los contornos comeinza a diluirse, las certezas se convierten en preguntas. Nada parece que vaya a ser lo mismo nunca más.

Cesare deve morire

Los hermanos Paolo y Vittorio Taviani ya se fueran con premio de Berlín en 1972 con San Michele aveva un gallo y en 1977 con Padre Padrone. Treinta y cinco años después vuelven al festival tras pasar seis meses ensayando una representación de Julio Cesar con los reclusos de una prisión de máxima seguridad de Roma. Su película demuestra cómo los ensayos de la obra de William Shakespeare les sirven para entender sus personajes y sumergirse en el juego de la amistad, la tradición, el poder, la deshonestidad y la violencia.

Csak a szél (Just the Wind)

También es la tercera vez que se presenta en el festival el cineasta húngaro Bence Fliegauf, premiado anteriormente por Dealer, en 2004, y por Rengeteg, en 2003. Basada en una serie de crímenes reales ocurridos en Hungría que comenzaran con una familia gitana. Los autores han escapado y nadie dice saber quien ha podido cometer los asesinatos. Para una familia romaní que vive cerca, los crímenes no sirven más que para confirmar sus reprimidos y latentes temores. Muy lejos de allí, el patriarca de una familia decide que si esposa, sus hijos y su abuelo deben unirse a él lo antes posible. Viviendo con el miedo al racismo que les rodea y sintiéndose abandonados por el silencio de la mayoría, la familia trata de superar el día posterior al ataque. Cuando llega la noche, sus camas están más justas de lo habitual. Aún así, sus esperanzas de escapar de esta locura parecen ilusorias.

Dictado

El director español Antonio Chavarrías compite por primera vez en el festival de Berlín con un película que incluye en su reparto a Juan Diego Botto y Nora Navas. Se trata de un surrealista thriller psicológico que comienza cuando un escritor, Mario, vuelve a la escuela en la que Daniel enseña. El profesor está convencido de que el escritor es un fantasma de su pasado reprimido, que había enterrado en su subconsciente. De niños, casi llegan a convertirse en hermanos, pero la boda entre la madre de Mario y el padre de Daniel nunca llegó a materializarse. Este inesperado reencuentro reúne a las familias de nuevo. Ante la muerte de Mario, que se abre las venas, Daniel y su esposa, Laura, se hacen cargo de su hija. Laura adora a la niña desde el momento en que la conoce, pero Daniel se encuentra cada vez más nervioso ante su presencia. Los demonios de la culpa del pasado siguen atormentándole… hasta que un día el pasado regresa repentinamente.

En Kongelig Affære (A Royal Affair)

El que fuera guionista de Män som hatear kvinnor (The Girl with the Dragon Tattoo), el danés Nikolaj Arcel, compite con su cuarto largometraje como director con un thriller político, romántico y trágico basado en hechos reales acontecidos en 1768. El físico y médico de los pobres de Altona, Johann Friedrich Struensee, acompaña a su rey en un viaje de un año para recorrer Europa. Durante el viaje se gana la confianza del psicológicamente inestable monarca, que le hace su médico personal. Pero este quiere más: junto con la reina Carolina Matilde, que se enamora de él, se hace cargo de asuntos de Estado. Comprometido con las grandes ideas de la Ilustración europea, concedde libertad de expresión a la prensa, elimina la tortura y la servidumbre, reforma el sistema educativo y limita los privilegios de la aristocracia. temiendo por su poder y riqueza, los aristócratas se niegan a asumir esta “actividad blasfema” y llevan sus reformas a juicio.

Gnade (Mercy)

Premiado en 2006 por Der freie Wille, el alemán Matthias Glasner vuelve a la Berlinale con un melodrama intimista que se desarrolla en Hammefest, una localidad noruega al borde del Océano Ártico en el que la noche dura seis meses, a los que siguen otros seis meses de día, que es ahora el hogar de una familia alemana. Niels es un ingeniero que trabaja en una planta de licuefacción de gas natural ubicada en una pequeña isla frente a Hammerfest. María es enfermera de un hospicio para enfermos mortales que ha decidido apoyar a su marido en esta aventura profesional. La pareja parece haberse adaptado a un lugar en permanente crepúsculo hasta que hundía, de regreso a casa, María se ve envuelta en un accidente en el que parece haber atropellado algo o a alguien. incapaz de hacer frente a la situación, huye presa del pánico. Los sucesos siguen su camino mientras la pareja se enfrenta a principios fundamentales: ¿es posible vivir sin piedad o sin tener la habilidad de perdonar?

Jayne Mansfield’s Car

Mucho más conocido por sus trabajos como actor, Billy Bob Thornton regresa a la dirección de cine con este drama familiar en cuyo reparto se integran Ray Stevenson, John Hurt, Kevin Bacon, Robert Duvall, Frances O’Connor, Robert Patrick, Tippi Heddren o el propio Billy Bob Thornton. reunidos por la muerte de una mujer que se casó primero con el sureño estadounidense Jim Caldwell, y después con el británico Kingsley Bedford, las dos familias de Naomi se reúnen por primera vez. El choque cultural, en los años sesenta, entre las dos familias sirve como telón de fondo para desatar rivalidades, secretos, recuerdos de guerra y cómo se formaron tres generaciones de padres e hijos.

Kebun binatang (Postcards form the Zoo)

Con su segundo largometraje compite el cineasta indonesio Edwin, que transcurre en un zoológico. Un lugar para la nostalgia en el que los animales anhelan la libertad, mientras que sus visitantes buscan aventuras y la llamada salvaje. Es en este entorno, donde es fácil imaginarse a no mismo en otro mundo, donde crece Lana. Cuando era pequeña, su padre le abandonó en el zoo de Jakarta, donde fue criada por los cuidadores del zoo. Cuales son los sueños y anhelos de una joven que ha vivido entre jirafas, elefantes e hipopótamos? ¿Es real un vaquero que aparece un día haciendo magia o es solamente un deseo materializado? Lanase convierte en su ayudante y dará sus primeros pasos fuera del que ha sido su mundo hasta entonces. Pero tal como aparece, el vaquero desaparece y Lana tendrá que comenzar a trabajar de masajista en un spa. Pero la memoria del vaquero y la nostalgia del zoológico no la dejarán sola.

L’enfant d’en haut

Gillian Anderson y Léa Seydoux protagonizan la segunda película como directora de la francesa Ursula Meier. En una estación de lujo de ski, en Suiza, un adolescente de 12 años, Simon, vive en un valle industrial, con su hermana desempleada, Louise. Cada día, toma la telesilla hasta un opulento mundo en el que roba el equipamiento de los turistas ricos para revenderlo a los chicos de su localidad. Asociado con un ratero británico que trabaja por temporada, Simon pierde los lazos familiares, que afectan la relación con su hermana.

Les adieux à la Reine

Nuevamente, Léa Seydoux, ahora junto a Diane Kruger, protagoniza esta película del francés Benoît Jacquot, basada en la novela de Chantal Thomasque retrata los primeros días de la revolución francesa a través de los ojos de los siervos de Versalles. Un drama histórico con tintes irónicos que tienen muchos paralelismo con el presente.

Metéora

Segunda película de Spiros Stathoulopoulos, que nos lleva hasta las cálidas llanuras del centro de Grecia, los monasterios ortodoxos de Metéora, suspendidos entre el cielo y la tierra en unos pilares de piedra arenisca. Abajo en el valle, los ciclos eternos de la vida agrícola: los nacimientos, ordeñar, la matanza, proporcionan un marcado contraste con su mundo ascético. El joven monje Theodoros y la monja Urania han entregado sus vidas a los estrictos rituales y prácticas de su comunidad. Un creciente afecto entre ambos pone su vida monástica en la picota. Enfrentados entre su devoción espiritual y sus deseos humanos, deben escoger el camino a seguir.

Rebelle

Película canadiense dirigida por Kim Nguyen que se centra en una guerra cicil en África. Después de que su pueblo sea quemado por rebeldes y sus padres asesinados, Komona se ve obligado a convertirse en una niña soldado en la selva. Su brilla comandante no sólo le entrena en el uso de las armas, sino que le ordena dormir con él. En la búsqueda del refugio en medio del horror, se acerca a un chico mayor con el pelo blanco al que llama “Mago” y del que se enamora. Después de que escapan juntos, Komona necesita volver a su pueblo. Quiere enterrar a sus padres para evitar que tengan que vagabundear eternamente por las tierras arrasadas como fantasmas.

Shadow Dancer

Protagonizado por Clive Owen, Gillian Anderson y Andrea Riseborough, el reconocido documentalista James Marsh presenta en competición su cuarto largometraje de ficción. Ya de niña, Collette experimentó de primera mano las consecuencias del conflicto de Irlanda del Norte cuando su hermano pequeño resultó muerto por las fuerzas de seguridad británicas. Años después, Collette se ha convertido en madre y, como el resto de la familia, sigue envuelta en la causa republicana. Cuando es detenida por su participación en un atentado con bomba abortado en Londres, un oficial del servicio británico le ofrece un trato: perderlo todo, incluyendo a su pequeño hijo, e ir a prisión por veinticinco años o volver a Belfast para espiar a su propia familia.

Tabu

Tercera película del portugués Miguel Gomes cuya película encierra un homenaje velado a la película homónima de Friedrich Wilhelm Murnau. Aurora es una anciana que, juntos su ama de llaves de Cabo Verde, vine al lado de Pilar. Esta ha convertido en su propósito de vida hacer el bien. No es que reciba ninguna gratitud por sus esfuerzos, y mucho menos por parte de la desconfiada Aurora, que prefiere gastar sus escasos ahorros en las mesas del casino de Estoril. Cuando la anciana muere, Pilar entrará en contacto con un antiguo amante.

Was bleibt (Home for the Weekend)

Veterano del festival, esta es la cuarta vez que Hans-Christian Schmid compite en la Berlinale, donde ya fuera premiado por filmes como Lichter, Réquiem o Storm. En sus treinta y tantos, Marko ha vivido en Berlín desde que terminara la Universidad, lo suficientemente lejos de sus padres, Gitte y Günte, cuya forma de vida de clase media no es exactamente lo suyo. El les paga una visita una o dos veces al año, más que nada para que puedan pasar unos días con su nieto de cinco años, Zowie. Paro ahora es Marko quien espera pasar un fin de semana de tranquilidad en el pueblo de sus padres y no espera que Gitte, que ha sido bipolar desde que Marko era un niño, anuncia que deja su medicación tras un tratamiento homeopático que le ha hecho sentirse como nunca. La recuperación inesperada de Gitte frustra los planes de Günter. El hermano pequeño de Marko, Jakob, y su novia, Ella, se encuentran en una encrucijada, mientras Jakob está preparado para vivir cerca de sus padres -especialmente juntos a su madre- Ella espera hacer carrera en el extranjero. Marko actúa como un catalizador y su presencia provoca una confrontación que desata verdades nunca dichas y desmorona la fachada de su armoniosa familia.

Seguimos con noticias sobre remakes, secuelas y demás, algo en lo que Hollywood ha encontrado todo un filón. Esta vez se trata del nuevo proyecto que se ha apuntado Brian de Palma, un remake de Heat. Sin embargo, no os echéis las manos a la cabeza puesto que no se trata de la película que vosotros creéis. No es la gran cinta dirigida por Michael Mann protagonizada por Al Pacino y Robert de Niro (en sus buenos tiempos), sino de una película casi diez años anterior dirigida por Dick Richards y protagonizada por el gran Burt Reynolds.

La producción apenas ha echado a andar, por lo que aún se están confirmando nombres y haciendo los primeros fichajes. Sin embargo, ya está hecho el más importante después del director: Jason Statham como protagonista. Últimamente no hay semana en la que no se confirme un nuevo trabajo en el que aparecerá el actor, seguro que intentará exprimir el momento dulce en el que se encuentra. Además este papel le viene como anillo al dedo: la historia trata de un ex adicto al juego que se gana la vida como guardaespaldas de otros jugadores. Tiene una peculiar filosofía de no utilizar armas de fuego, algo que le hará más difícil sobrevivir cuando se mete en problemas con una mafia local por defender a una amiga suya de una brutal paliza. Vamos, que si Statham no es el actor perfecto para este papel, no se me ocurre quién más podría ser.

Sin embargo, ahora viene la parte negativa. De Palma no deja de acumular proyectos, es uno de esos directores que siempre tienen alguna oferta para dirigir una película, sea más o menos interesante. Pese a ello, hay que recordar que desde el 2007, con Redacted, no estrena ninguna película, por lo que se toma su tiempo para rodar. Esto hace que sus proyectos se retrasen cada vez más, por lo que no se sabe cuándo podremos ver esta nueva entrega de Heat en la gran pantalla. Las primeras fechas que se han barajado para comenzar el rodaje de la película son finales de este año o principios de 2013, pero tal y como trabaja el director tampoco se puede asegurar nada. Sin embargo, si todo va según lo programado, la película no llegará a los cines antes del año que viene.

Joseph Gordon-Levitt está atravesando un momento profesional muy dulce. En los últimos años ha participado en una serie de películas que lo han puesto en el punto de mira del gran público a la vez que perfilaba una carrera sólida a base de buenas interpretaciones. El cambio llegó con 500 days of Summer, continuó con Inception y 50/50. El actor, de treinta años, es uno de esos intérpretes al que hemos visto crecer ante las cámaras. Debutó en el cine en 1992 de la mano de Robert Redford en A River Runs Through It, luego participó en la sitcom 3rd Rock from the Sun y la comedia juvenil 10 Things I Hate About You.

En breve debutará como director, un camino que varios actores han recorrido con éxito. El protagonista de Brick se siente preparado para dar este paso:

He estado haciendo cortos durante mucho tiempo. He dirigido una tonelada de ellos, y por eso me siento seguro lanzándome a este proyecto

La película será una comedia centrada en un moderno Don Juan que solo piensa en si mismo. Además de dirigir, Gordon-Levitt dará vida al protagonista, un conquistador nato. Scarlett Johansson será su compañera de reparto. Por ahora la sensual actriz es el único nombre confirmado del proyecto pero se sabe que están buscando a otra actriz de renombre. ¿Tendremos un triángulo amoroso? ¿Podría ser Zooey Deschanel, Nora Zehetner o Anna Kendrick? Digo estas tres porque me gustaría que volviese a trabajar con ellas.

Gordon-Levitt escribió el guión junto a Nicholas Chartier y Voltage Pictures es la productora dispuesta a financiar este proyecto. La película empezará a rodarse el próximo 16 de abril en Los Ángeles.

El actor tendrá un año muy ocupado, estrenará varias películas como Lincoln, The Dark Knight Rises, Looper y Premium Rush. Mientras que su participación en Django Unchained, lo nuevo de Quentin Tarantino, peligra ya que hay un problema con las fechas. Esperemos que se solucione y pueda rodar con otro de los grandes directores contemporáneos.

¿Te imaginas lo que hubiera sido si Anton Corbijn hubiera dirigido Tinker Tailor Soldier Spy? Bueno, quizás tampoco hace falta que vayas tan lejos porque lo mismo se convierte en realidad. No porque el cineasta de origen holandés tenga previsto hacer una nueva adaptación de la misma novela, sino porque como ya comentáramos en el momento en que el proyecto diera sus primeros pasos, el director de Control y The American, está preparando la adaptación de otra novela de John Le Carré: A Most Wanted Man.

Con un guión escrito por Andrew Bovell -Head On, Edge of Darkness-, la historia se desarrolla en nuestro presente en Hamburgo, donde un moribundo, mitad checheno mitad ruso, llega desesperado hasta una comunidad islámica con la intención de pedir ayuda en su búsqueda para la recuperación de la fortuna de su difunto padre. Mientras acaba enredado con una idealista abogada que decide luchar con todos sus medios para que no le deporten y un banquero británico al borde de la quiebra, una unidad de espías alemanes está encima de ellos creyendo que están detrás de la pista de un peligroso terrorista.

De lo que tenemos muchas pistas es sobre la identidad del reparto. Ni sobre quien interpretará al musulmán, ni a la abogada, ni al banquero. Pero sí que me encantaría ver a Philip Seymour Hoffman en la piel del cabecilla de este grupo de agentes secretos. El ganador del Oscar por Capote, que participara en filmes tan interesantes como Happiness, Red Dragon o Doubt está en negociaciones para participar en A Most Wanted Man y hasta el momento es el único actor ligado al proyecto.

Estamos completamente intrigados ante la perspectiva de que Philip Seymour Hoffman pueda interpretar a Bachmann en la brillante adaptación que Andrew Bovell ha realizado de este thriller moderno de John Le Carré. Comenzaremos a rodar en Hamburgo en septiembre y estamos encantados de trabajar con Anton Corbijn en esa película. Su única visión del complejo y estilizado universo de Le Carré es muy contemporánea, muy real, muy humana.

Pues si Glen Basner, director ejecutivo de FilmNation Entertainment, compañía que se encargará de la distribución de la película está encantado, nosotros no vamos a ser menos, por lo menos un servidor, pues si soy un ferviente admirador del trabajo de Hoffman, me encantan las dos películas de Corbijn, además que nunca me ha dejado indiferente una película basada en una novela de John Le Carré.

Robert Rodriguez ha terminado, por fin, de darle forma a Machete Kills, la secuela de Machete, que fuera uno de los más fulgurantes éxitos del verano de 2010. En esta nueva aventura el héroe mexicano es contratado por el Gobierno de los Estados unidos para una misión que sería imposible de cumplir para cualquier otro hombre mortal. Machete debe encontrar el camino, a través de México, hasta alcanzar al excéntrico líder de un traficante de armas que ha ideado un plan para extender la guerra a todo el planeta con una arma en el espacio. Machete tendrá que hacerse con un ejército para desmantelar este plan de crear la anarquía global.

La respuesta de los seguidores de Machete ha sido fanática desde el principio (…). Machete es un verdadero superhéroe y Machete Kills será mucho más gande y ambiciosa que la primera.

Consciente de la fabulosa respuesta que su personaje tuviera en la primera película, el director de Texas no sólo amenazara con esta secuela y con que veríamos a Machete en el espacio, sino con que habría una segunda secuela con el título de Machete Kills Again. Para sacar adelante su proyecto Robert Rodriguez ha hecho equipo con el productor europeo Alexander Rodnyansky, natural de Kiev, que ha desarrollado la mayor parte de su labor profesional entre Ucrania y Alemania. Reconocido por su labor documentalista, también ha desarrollado una gran labor tanto en la televisión rusa como en los Estados Unidos.

Las previsiones indican que el rodaje comienza en abril y que no sólo se está negociando que Danny Trejo repita su personaje, sino que lo hagan también todos aquellos que no sucumbieran a la primera aventura de Machete. Lo que no está del todo claro es que vaya a ser dirigida por Robert Rodriguez, quien sí ha supervisado el guión junto con Marcel Rodriguez, aunque quien reza como su autor es en realidad Kyle Ward. Si no estoy equivocado, es el responsable de los textos de Kane & Lynch, el próximo estreno de F. Gary Gray; y Arabian Nights, una aventura exótica que dirige Chuck Russell -A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, The Mask, Eraser, Bless the Child, The Scorpion King- con fecha de estreno prevista para 2014.

¿Conseguirán repetir el éxito de Machete? Protagonizada por Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Jeff Fahey y Robert De Niro y con un presupuesto de diez millones y medio de dólares, Machete engrosó la nada despreciable cifra de cuarenta y cuatro millones de dólares en su distribución internacional.

Después de vender millones de copias en todo el mundo, de que algún amigo o conocido te haya contado la historia (si no la has leído tu), y de tener ya una adaptación cinematográfica sueca de las novelas, bastante decente, parece que poco más queda por contar de la trilogía de Stieg Larsson que no se sepa ya. ¿Entonces por qué un cineasta como David Fincher, con la cantidad de proyectos que debe tener en cartera, a cada cuál más interesante, ha decidido retomar una historia tan conocida por todo el mundo? Además, hay que tener en cuenta que la trilogía sueca es de hace apenas tres años, ¿tan insatisfecho quedó Fincher con ella, que tenía la necesidad de hacer la suya propia?

Por ahora sólo podemos comparar la adaptación de la primera novela, puesto que a saber cuándo nos llegarán la segunda y la tercera entregas hollywoodienses. Pero hay que reconocer que Fincher consigue sacar mucha más chicha de la historia que Niels Arden Oplev: es lo mínimo que se le podía exigir a un director como él.

Película más larga, más oscura, mucho más visceral, más consciente de su propia historia y explotando sus puntos fuertes. Eso es The Girl With the Dragon Tattoo. ¿Y cómo lo consigue Fincher? Unificando cada uno de los elementos de la historia, de la propia producción, para ponerlos a las órdenes del conjunto y conseguir extraer de cada uno de ellos lo mejor que pueden dar. Por eso cabe destacar la música, el montaje, la fotografía, el guión o los intérpretes, pero a la vez nada de ello destaca en un conjunto en el que el nivel está muy alto.

Sin embargo, sí hay algo que destaca por encima de los demás, que demuestra la calidad que atesora en esta película, desde el principio hasta el final. Y ese elemento tiene nombre y apellido: Rooney Mara. Muchos estaban expectantes de si la actriz conseguía superar la interpretación de su compañera Noomi Rapace en las cintas suecas (sin duda, lo mejor que tenían). La respuesta es un rotundo sí: no sólo es un perfecto retrato de Lisbeth Salander sino que va más allá, también es un retrato de una generación de jóvenes apáticos, rebeldes e inconformistas que ven cómo el mundo se desmorona a su alrededor y ellos se debaten entre hacer algo o simplemente dejarse llevar. En el caso de Salander, su trauma infantil vivido por los continuos abusos de su padre la sirven para aceptar la petición de ayuda de Mikael Blomkvist (un correcto Daniel Craig) para investigar una misteriosa desaparición.

Ahí es donde hace especial hincapié David Fincher. Desde sus primeros trabajos, siempre se ha desmarcado por mostrar unos personajes muy peculiares, especialmente inestables, con unos demonios interiores que no se los desearíamos a nadie. Su peculiar manera de retratar estos personajes, con entornos oscuros, y sobre todo su efectiva manera de plasmarlos en pantalla, es lo que le han llevado a convertirse en lo que es actualmente. Sus personajes son los pilares de la historia, alrededor de los cuales gira toda la trama, y esta película no es una excepción. Le da una importancia capital a retratarlos correctamente, a definirlos y a pulirlos por igual. Desgraciadamente las interpretaciones de los dos protagonistas no están muy igualadas, y eso se nota en la alternancia de las subtramas.

Pero, como comentaba antes, Fincher cuida mucho otros detalles de su película para que todo el conjunto luzca más y mejor. Un apartado especialmente recalcable es la banda sonora, de nuevo realizada por Trent Reznor. El año pasado ya fue galardonado con el Oscar por este mismo trabajo por The Social Network, aunque este año no haya entrado en las nominaciones. Sin embargo mucho mérito tiene lo que ha hecho con la música en la película, aunque ya sabemos que Fincher para ese tema es muy perfeccionista, pero igualmente cada momento musical encaja a la perfección en la película. Salvo uno, donde estoy de acuerdo con mi compañero Luis: eso de meter a Enya en una escena tan tensa y dura, no tiene ni pies ni cabeza. Encajaba más el rock que usó Sofia Coppola en Marie Antoinette que esto.

Pero si algo es especialmente desconcertante de la película, son los créditos iniciales. En ellos Fincher demuestra su pasado de director de videoclips, al igual que en la famosa secuencia de The Social Network. Utiliza una versión del Immigrant Song de Led Zeppelin, al igual que en el primer tráiler que apareció. La música la cubre todo, las imágenes se ponen a su servicio y todo el conjunto consigue hipnotizar al espectador de una manera aterradora. Además es toda una declaración de intenciones: sabemos que lo que vamos a ver va a ser una historia pura y dura de los peores instintos del ser humano, una bajada a los infiernos de hasta dónde es capaz de llegar el hombre para cumplir sus deseos más íntimos y rocambolescos: eso es precisamente lo que quiere y consigue Fincher con esta película.

Dios los cría y ellos se juntan. No sé quien me da más miedo, si el guionista o el director. Y no lo digo porque tenga dudas de su capacidad en cada uno de sus terrenos, sino porque si a Mel Gibson le acusaran de antisemita -no ya por The Passion of the Christ, sino por aquellas jugosas declaraciones acerca de la responsabilidad de los judíos en todas las guerras cuando se le detuviera por conducir en estado de embriaguez-, a Joe Eszterhas siempre le ha tildado de machista. El caso es que el guionista de filmes como Flashdance, Basic Instinct o Showgirls, nunca nominado a un premio Oscar y cuatro veces a los premios Razzie -lo ganó en dos ocasiones-, afirma estar a punto de terminar un guión sobre un héroe judío: Judah Maccabee (Judas Macabeo). Y está convencido que Mel Gibson es el director ideal para dirigir la película.

No estoy seguro de si la intención de Eszterhas es sincera o irónica pues si por un lado considera que la visión épica que Gibson proporcionara a una película como Braveheart es la idónea para el guión que está terminando, por otro secunda las palabras de la ex compañera sentimental del actor-director cuando dice que “necesita medicación”. El guionista no sólo se confiesa admirador de The Passion of the Christ, que no considera una película antisemita, es que además está encantado con la peculiar visión católica de su colega, de la que afirma es producto de su imaginación. Con amigos como estos, ¿para qué vas a querer enemigos? Preocupado por aquellas polémicas declaraciones del cineasta, Eszterhas esperará a ver cual es la reacción de Gibson cuando lea su guión. Igual espera que se redima de sus palabras de la misma manera que el propio guionista rechazó sus años de excesos en Hollywood para convertirse en un hombre religioso.

He sido un chico malo toda mi vida. Era el rey del sexo y la violencia, el pelo salvaje, el elefante pícaro, el tío más bebedor, drogata, salvaje, un cowboy de la coca

Algo más de un lustro ha pasado desde que Gibson no se pone detrás de las cámaras. Puede que Apocalypto pasara con más pena que gloria, pero muchos todavía recuerdan el festival gore que nos regalara de la mano de The Passion of the Christ. Aunque muchos todavía siguen prendados de su segunda película, Braveheart, ganadora de cinco Oscar de la Academia, aunque criticada por su peculiar visión de la historia de William Wallace, contada sin poco o ningún rigor histórico. Un pequeño empujón no le vendría nada mal a su carrera, ya no como director, sino también como actor pues finiquitadas la franquicia iniciada con Lethal Weapon, pocos o casi ningún éxito a cosechado en la última década. Si en estos últimos años estrenaba películas discretas como Edge of Darkness y The Beaver, tendríamos que remontarnos a 2002 para recordar su último gran éxito de público, Signs, que tampoco es que gustara mucho realmente.

Por otro lado, parece que el proyecto sobre vikingos que lleva años tratando de sacar adelante con su productora, Icon Label, va camino del segundo guión, aunque según un acuerdo con 20th Century Fox se estrenaría directamente en la televisión de pago. Algo un poco descabellado si tenemos en cuenta que, en la linea de sus películas previas, quiere rodarla en el antiguo idioma vikingo. ¿Como no se le ocurriría rodar Braveheart en gaélico? Seguramente porque tendría que habérselo aprendido él mismo.

Tras pasar con gran éxito por secciones de festivales como Canes, Toronto y San Sebastián, Miss Bala tiene la oportunidad de conseguir un Goya a la mejor película hispanoamericana. Se trata de la cuarta película del cineasta mexicano Gerardo Naranjo, que fuera nominado a los premios Ariel por Voy a explotar y que viene avalada por la producción de Diego Luna y Gael García Bernal.

Una interesante propuesta que si se ha promocionado como si fuera una especie de Nikita a la mexicana, dista mucho de parecerse tanto a la película que dirigiera Luc Besson -que era más un producto de género repleto de secuencias de acción espectaculares-, como al reciente bodrio que produjera también el cineasta francés, Colombiana -de similares características aunque con infinitamente peores resultados.

Lo que comienza teniendo una apariencia de crítica social, acaba convertida en una sorprendente sátira de terror que te mantiene en vilo durante toda la proyección. Lo que comienza siendo una inocente aventura de dos amigas que quieren participar en un concurso de belleza, acaba revelándose como una despiadada lucha por permanecer viva en una sociedad completamente corrupta y deshumanizada en la que la única oportunidad para seguir viviendo es permanecer invisible a los demás.

De la mano de Stephanie Sigman, que brinda una trepidante, soberbia y entregada interpretación de Laura Guerrero, el espectador tiene la oportunidad de echar un vistazo a la trastienda de una sociedad en la que todavía impera la ley del más fuerte, como si aún estuvieran en los tiempos del salvaje oeste. La identificación del cineasta con su personaje comienza desde la primera secuencia de la película en la que no se nos muestra su rostro, de la misma manera que ella no querrá mirar a sus secuestradores.

Gerardo Naranjo no muestra nunca un cuadro amplio de lo que sucede, sino aquello que alcanza a percibir su personaje. Una sencilla manera de representar la dureza en la que viven los ciudadanos de Baja California, a merced de las bandas organizadas y completamente desamparados por la justicia y el gobierno. Señalar la presencia del actor neoyorkino James Ruso que si bien no ha dejado de trabajar desde que se diera a conocer en los años noventa con títulos como My Own Private Idaho, Snake Eyes o Donnie Brasco, parece haber pasado desapercibido para el gran público, aunque todo podría dar un giro tras su participación de Django Unchained.

Si en muchas ocasiones nos hemos mofado de las respuestas de las concursantes en los certámenes de belleza, pocos podrán respirar ante la reacción de Laura Guerrero ante las clásicas preguntas que se hacen cuando le dan la corona con la que le proclaman Miss. Nunca un certamen de estas características volverá a ser lo mismo para este espectador. Nunca hubo que pagar tanto por una corona de reina de la belleza. Nunca una Miss se ganó con tanto esfuerzo su merecida banda.

Aunque sólo cuenta con tres largometrajes como director, Spike Jonze no es precisamente un director muy ocioso. La mayoría de sus trabajos se restringen al terreno de los cortos, muchos de ellos documentales, y a los videoclips, una auténtica mina de directores que acaban encontrando trabajo en Hollywood. Pues bien, si desde 2009 Jonze no estrena una película no es porque le faltan proyectos, ya que actualmente está trabajando con dos guiones a cada cual más interesante.

El primero de ellos está escrito por el siempre interesante Charlie Kaufman, con el que ya colaboró en sus dos primeras películas. Lo mejor de todo es el argumento de esta satírica comedia: tratará de una reunión secreta de los líderes mundiales donde se hablará de temas que actualmente dominan el mundo (el precio del petróleo, terrorismo, guerras… pero desde un punto de vista muy cómico). A mi personalmente me recuerda mucho a la trama de la película de Kubrick Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb.

Por otra parte también tiene otro proyecto, esta vez a partir de un guión del propio Jonze, que parece tener prioridad. Se trata de una comedia romántica, pero nada usual. No se han conocido muchos datos de la trama pero de lo poco que sabemos es que tratará de un hombre normal y corriente que se enamora de la voz virtual tipo sistema Siri del iPhone. Es decir, que no puede ser un tema más de actualidad y por eso quizá el estudio prefiera que comience la producción cuanto antes, no vaya a ser que se les adelante otra productora.

Lo mejor de todo, aparte de lo interesante y prometedor del planteamiento inicial, es el reparto con el que contará. Por ahora se han confirmado cuatro nombres: Joaquin Phoenix, Carey Mulligan, Samantha Morton y Amy Adams. Estoy seguro de que cualquier director daría lo que fuera por poder contar con ellos cuatro en su película, y Jonze los va a tener disponibles. Pero no sólo eso, porque tanto Phoenix como Mulligan también han firmado para participar en la sátira política escrita por Charlie Kaufman, aunque no se sabe cuándo podrá comenzar a rodarse.

Lamentablemente, aunque el proyecto tenga luz verde, guión, director y reparto confirmados, no se han dado a conocer posibles fechas de rodaje ni mucho menos de estreno. Posiblemente no sea muy tarde, ya que prácticamente todos los flecos están cerrados, así que con un poco de suerte podría llegar a los cines para finales de año.

Jason Reitman lo ha vuelto hacer. En su cuarto largometraje, Young Adult, vuelve a hacer gala de un fabuloso sentido del humor tomando como base una historia tan patética como real, cercana y auténtica. Desde luego no se puede dejar fuera de la responsabilidad del éxito de su película tanto a su protagonista, Charlize Theron, como a su guionista, Diablo Cody, quien sin duda conoce a la perfección la psicología de los treintañeros y cuarentones contemporáneos y los problemas y traumas a los que se enfrentan. Ambas comparten, además, créditos como productoras, al igual que el director de la cinta.

Como es habitual Jason Reitman nos regala una secuencia de créditos absolutamente deliciosa que, si por un lado sirve para introducirnos en la película, también cumplé una función de identificación con aquella generación que todavía utilizara las cintas de cassette. Esa misma secuencia, complementada con el prólogo que la precede, es suficiente para presentarnos a Mavis Gary (Charlize Theron) una mujer impulsiva, inestable y alocada. Un retrato en el que lo peor de Marvis es igualmente lo mejor de Marvis. Y esta es una máxima que sirve para toda la película porque una de las virtudes del relato es que lo más divertido es también lo más patético, con toda la dureza que tal afirmación conlleva.

Si el estilo visual de toda la película, y al igual que en sus títulos anteriores, es sencillo, no por ello es simple, pues sabe perfectamente cuándo y dónde fijar la atención, deteniéndose en un detalle o abriendo el plano sólo cuando Marvis abre también su propio objetivo psicológico. Porque Marvis es inteligente, y se da cuenta de lo que sucede, salvo que muchas veces, prefiere no verlo o mirar hacia otro lado. Preciso y casi matemático, Reitman no se prodiga demasiado en movimientos de cámara, salvo cuando quiere resaltar alguna emoción de los personajes. Nunca me había reído tanto como con un zoom como el que hace sobre Marvis cuando escucha The Concept, el tema de Teenage Funclub, pero no cuando conduce, sino más adelante, en el concierto de la esposa de Buddy (Patrick Wilson).

Pareciera que todo el discurso estuviera apoyado precisamente, no en esa secuencia, sino en la subjetividad que se desprende de lo que siente Marvis escuchando esa canción que, salta a la vista, no es lo mismo que sienten Buddy o su esposa. La conclusión que plantea Diablo Cody en su texto es, precisamente, que tan sólo depende de la óptica con la que veamos las cosas podremos superar los traumas y problemas que nos hayan puesto en el camino. Porque da lo mismo que vivas en un entorno rural o en la gran ciudad, la frustración y el éxito siempre serán relativos en función de cómo sea tu visión sobre ellos, o tu aceptación del mundo en el que te ha tocado vivir.

Patrick Wilson está justito en su personaje, pero todos los demás componentes del reparto están excepcionales en su interpretaciones. Quizás Patton Oswalt merezca una mención especial pues habría sido fácil que su personaje hubiera sido una caricatura con cualquier otro actor. Una buena dosis de sentido del humor se percibe en los propios artífices de la película al haber recurrido a Elizabeth Reaser para el papel de Beth, la madre y esposa que a Marvis le hubiera gustado ser. La broma viene a propósito de la participación de la actriz en The Twilight Saga, objeto de una sutil broma en la película. Pero quien desde luego se merece todos los honores y el Oscar de este año es Charlize Theron, muy superior a Meryl Streep o Rooney Mara. ¿Cómo? ¿Que no está nominada? Sinceramente no lo entiendo por que está absolutamente patética cuando se miente a sí misma y radiante y resplandeciente cuando tiene que engañar a los demás. Nota a favor del diseñador de vestuario por los tres fabulosos estilismos de la actriz en cada una de las citas con Buddy. Irresistible, como la propia película.

No cabe duda de que esta ha sido un año más que estupendo para Jessica Chastain, nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por The Help, también protagoniza The Tree of Life, una de las películas del año (para bien o para mal) y que se ha dejado ver en algunos de los proyectos más interesantes de este pasado año, como The Debt, Take Shelter, Coriolanus, Wilde Salome o Texas Killing Field. Y no vayan a pensar que esta actriz californiana tiene planeado poner el freno porque está involucrada en unos cuantos proyectos cinematográficos como Mama, Wettest County, la película que dirige Terrenca Malick en a que comparte cartel con Rachel McAdams, Rachel Weisz y Ben Affleck, o el thriller internacional que dirige Kathryn Bigelow y que protagoniza junto a Joel Edgerton.

Precisamente, el actor australiano también ha disfrutado de uno de sus mejores años. A pesar de que ya participara en filmes de alcance internacional como Star Wars: Episode II - Attack of the Clones, Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, se hiciera notorio entre el gran público el año pasado con Animal Kingdom, aterrizando en el cine estadounidense a través de propuestas como The Thing y Warrior, y que también tiene un porrón de proyectos en preparación, como Wish You Were Here, The Odd Life of Timothy Green o The Great Gatsby. Y ya es seguro que la película de la directora de The Hurt Locker no será la única que protagonice junto a la actriz pelirroja porque ambos acaban de firmar para participar en un interesante proyecto doble para Myriad Pictures al que podría unirse William Hurt.

Se trata de un drama romántico sobre una pareja que vive en Nueva York, propietario de un restaurante él y de vuelta a la Universidad ella, que pasan por un mal momento en su matrimonio. La peculiaridad del proyecto es que conoceremos la historia desde el punto de vista de ambos, pero no por el uso del montaje alterno, sino porque se presentará por partida doble en las películas The Disappearance of Eleanor Rigby: His y The Disappearance of Eleanor Rigby: Hers.

Ambos guiones están escritos por Ned Benson, quien también escribiera el guión de In Defiance of Gravity, dirigida por Cassandra Kulukundis, quien también dirige este doble proyecto. Kirk D’amico, responsable de Myriad Pictures se ha apresurado a recalcar que no se trata de un película y su secuela, de hecho, no importa el orden en el que se vean las películas. La propuesta no pretende pues repetir aquel experimento de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, que bautizaran con el nombre conjunto de Grindhouse, sino que parece estar más cercano al espíritu de la propuesta de Clint Eastwood con Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima, salvo que con una historia que probablemente tenga muchos más puntos en común. Lo que parece bastante probable es que en la banda sonora de la película podamos escuchar la famosa canción de The Beatles, que también nos dará una pista sobre los problemas de esa pareja.

- Soy un dios.
- ¿Eres Dios?
- Soy un dios. No “el” Dios. Creo.
- ¿Por qué has sobrevivido a un atropello?
- ¿Van a pedir ya?
- No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal

La historia de Groundhog Day nos traslada al pequeño y nevado Punxstawnwey, donde cada dos de febrero se celebra el Día de la Marmota. La tradición dice que la marmota puede determinar cuánto tiempo queda de invierno. Phil Connors (Bill Murray), es el hombre del tiempo de una cadena de televisión que se desplaza hasta Punxstawnwey para cubrir la noticia. Una tormenta de nieve le obliga a pasar la noche en la localidad junto a su cámara y su productora (Andie MacDowell). Al despertar descubre que sigue siendo el Día de la Marmota. Todo se repite menos él, la única persona que parece ser consciente de lo que pasa. El tiempo pasa pero Phil vive siempre el mismo día.

La película se estrenó en 1993 y se convirtió en un clásico instantáneo. Dirigida por Harold Ramis, con guión del propio Ramis y Danny Rubin; cuenta con un reparto solvente y armónico encabezado por Bill Murray y Andie MacDowell, que se ven acompañados por Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray y Marita Geraghty.

Podría estar horas hablando sobre esta película, pero vamos a resumir los puntos básicos que la convirtieron en un éxito y en una obra de culto. Groundhog Day es recordada y venerada por muchos que año tras año celebramos el Día de la Marmota con una sonrisa en el rostro.

Bill Murray

En 1993 ya era un actor de sobra conocido para el gran público gracias a su participación en Ghostbusters (1984), su secuela, y un puñado de comedias de cierto éxito. Harold Ramis consideró a Steve Martin, Tom Hanks y Chavy Chase para el papel protagonista pero hizo una apuesta personal por Bill porque le parecía que tenía el punto de cinismo y sarcasmo que necesitaba el personaje de Phil Connors. El director recuerda que cuando trataba de explicarle una escena, Bill lo interrumpía y preguntaba:

Solo dime: ¿Phil bueno o Phil malo?

Una vez vista la película es imposible imaginar a otro actor para encarnar a Phil. Hay que reconocer que Bill Murray está genial, transmite toda la incredulidad, desesperación y frustración de su personaje maravillosamente. Y no se queda ahí, porque la evolución emocional de Phil es lenta y sutil. El actor con maestría y sin caer en la sobreactuación nos regala la que tal vez sea la mejor interpretación de su carrera.

Murray es un actor al que por desgracia se ha menospreciado, pero es un hombre versátil capaz de expresar y transmitir emociones y estados de ánimo sin apenas esfuerzo. No todos los actores logran ese nivel de simplicidad interpretativa.

Los temas

Puede parecer una película menor pero lo cierto es que encierra un discurso filosófico de lo más sugestivo donde confluyen temas tan relevantes como la esencia del tiempo, el sentido de la vida, el suicidio, la existencia de Dios o el destino.

Al principio Phil se aprovecha de su situación, abusa de los demás, roba, busca su bienestar. Cuando se cansa, porque ese estilo de vida y esa conducta, a la larga no le hacen feliz, decide suicidarse. Sin embargo tampoco puede morir, le vemos acabar con su vida de múltiples maneras. El sueño del ser humano de ser inmortal para él es una terrible maldición, no hay escapatoria.

Durante todo el tiempo que permanece en Punxstawnwey su libre albedrío permanece intacto, actúa con libertad y solo cuando hace lo correcto, cuando deja de mirarse el ombligo y se preocupa por los demás; entonces Dios, el destino o el universo accionan el normal flujo del tiempo.

El amor, Phil aprende a amar, ya no sólo a Rita sino que también a los demás. Sin embargo sería imposible que se diese ese sentimiento hacia los otros si no empezara por amarse a si mismo. Cuando conocemos a Phil es un hombre gris, huraño, resentido y cínico. Las experiencias que va acumulando en ese interminable Día de la Marmota lo transforman, aprende a valorar las cosas buenas de la vida, a valorar la compañía de la gente y los lazos que nos acercan los unos a los otros. Phil se descubre a si mismo como un ser humano completo, capaz de dar y de recibir amor.

Ned Ryerson

Stephen Tobolowsky es el inolvidable secundario cómico que esta película necesitaba. Ned es un antiguo compañero del colegio de Phil, es un vendedor de seguros todo sonrisas y buen humor. Un pesado que Phil desea evitar. Todos tenemos algún Ned en nuestras vidas y en algún momento desearíamos poder darles un puñetazo y escapar corriendo. Bing.

Si de mi dependiera, ya estaría enviando al FBI a las oficinas de Millenium Films, Nu Image FIlms y Winkler Films, principales responsables de producir Trespass. De la misma manera que detuvieron a los trabajadores de Megaupload, entiendo que deberían detener también a Joel Schumacher, director del bodrio, y Karl Gajdusek, principal responsable de haber robado idea, planteamiento, escenarios, personajes y hasta diálogos de la película española Secuestrados, que dirigiera Miguel Ángel Vivas según guión propio escrito junto a Javier García. Y aquí debería concluir la crítica de Trespass porque no hay nada más que decir, salvo que si la película española provocaba una tremenda sensación de angustia y terror en el espectador al evidenciarse la facilidad y rapidez con la que un grupo de desalmados eludían cualquier sistema de seguridad, queda claro que los estadounidenses saben perfectamente como encajar ese tipo de situaciones. ¡Ja!

Precisamente la primera sensación terrorífica que se experimenta en Trespass se produce en el momento en que ves el coche y la casa del protagonista, que provoca el efecto contrario que en Secuestrados pues estás deseando que les destrocen la cara. Pero, no. La cara ya la tienen destrozada porque la película está protagonizada por las dos momias peor restauradas de Hollywood: Nicol & Nicol (¿no se les habrá ocurrido formar un dúo musical?). Perdón por la broma, quería decir Nicolas Cage y Nicole Kidman. Sin duda los directores de casting de la película eran unos auténticos cachondos. Pero si los protagonistas con los que se supone que nos tenemos que identificar son un cuadro físico, no esperen mucho más del retrato psicológico de los chicos malos de la película. Auténticas caricaturas de camellos, drogadictos y enfermos mentales que con su torpeza todo les sale absolutamente mal.

Trespass brilla por su total ausencia de verosimilitud y lo peor de todo, por su empeño en explicar cosas innecesarias, que encima resuelve fatal. Todos y cada uno de los flashbacks con los que se nos tortura no sólo no aportan nada, sino que dejan clara la incapacidad de los artífices de la película para convencernos de nada. Lo pero de todo es que pretenden justificar sus motivos para convertirse en criminales de ultra pacotilla y que utilizan un discurso inconcebiblemente manipulador al recurrir a falsos flashbacks ¿debería denominar este recurso como una influencia nefasta de C.S.I.?

¿Y quien se va a creer que con esa cara ella solita iba a haber diseñado la casa? ¡Por favor! Si salta a la vista que no ha sabido diseñar su cara. ¿Cuando dicen que salen las nominaciones a los premios Razzie? Trespass tiene todos los boletos para arrasar en todas y cada una de las categorías, incluso hasta en la de copiar y pegar, porque no han sabido mantener las virtudes de una propuesta como Secuestrados. ¿Habrá nominación para el maquillaje y peluquería? ¡Que incluyan a los cirujanos, por favor! ¿Cuantos bodrios consecutivos tiene que hacer un director como Joel Schumacher para que dejen de contratarle?

Te propongo un juego. Yo te digo nombres de actores y títulos de películas y tú tienes que tratar de unirlos. Sin duda para muchas proyectos es muy importante el nombre del actor con el que se asociará su película, sobre todo cuando tienen el rodaje a la vuelta de la esquina, como aquel que dice. Tampoco deben tomar muy a la ligera una tarea que después les servirá para una mejor promoción de la película, por eso es vital conseguir nombres como los de Gary Oldman, Al Pacino, Colin Firth, Christopher Walken, Ed harris, Alan Arkin o John Hawkes para encabezar los repartos de títulos en preparación como Stand Up Guys, The Devil’s Knot, Motor City, Pain and Gain o Switch. Quizás con tan pocos datos sea un juego algo difícil, así que os daré algunas pistas.

Stand Up Guys

No uno sino tres de los anteriores nombres encabezan el reparto de esta película que planea dirigir Fisher Stevens, conocido actor televisivo quien se hiciera con un Oscar por sus labores como productor del documental The Cove. En este caso se trata aborda una comedia de acción cuyo rodaje comenzará en abril en Los Angeles.

Según un guión escrito por el primerizo Noah Haidle, conocido anteriormente como Old Timers, el argumento trata de dos viejos amigos dedicados a turbios negocios, de los que uno ha sido contratado para matar al otro. Decididos a disfrutar de una última noche de locura juntos, aprovechan esos momentos para reflexionar sobre sus propias vidas. No vas nada desencaminado si has pensado en Christopher Walken como uno de los amigos y en Al Pacino como el otro. Has acertado de pleno y a ellos se uniría Alan Arkin en el papel del policía que va detrás de ambos. Aunque lo cierto es que no importaría si el policía fuera Al Pacino o Christopher Walken y los otros dos se repartieran los criminales. Funcionaría igual de bien.

The Devil’s Knot

De corte menos comercial, pero con actores perfectamente conocidos, arranca el nuevo proyecto del cineasta canadiense Atom Egoyam, que gira en torno a una historia real sobre tres adolescentes que fueron llevados a juicio en 1993 por el asesinato de un muchacho de ocho años, condenados y encarcelados a pesar de no haberse encontrado pruebas físicas de su implicación. Una polémica historia que se diera a conocer en el documental Paradise Lost, al que continuaran dos secuelas, Paradise Lost: Revelations y Paradise Lost 3: Purgatory, y a los que hay que sumar un documental alternativo dirigido por Amy Berg: West of Memphis.

Qué duda cabe que el que fuera director de filmes tan complejos como The Adjuster, The Sweet Hereafter o Felicia’s Journey está altamente cualificado para abordar un proyecto de estas características. Por eso se encuentra ya trabajando en el guión que escribieran originalmente Scott Derrickson y Paul Boardman -Love in the Ruins, Urban Legends: Final Cut, Hellraiser: Inferno, The Exorcism of Emily Rose- con la idea de comenzar a rodar este verano en Louisiana.

Reese Witherspoon interpreta a la madre de la víctima que si en un principio estaba convencida de la culpabilidad del trío sospechosos, finalmente acabó persuadida de que les habían acusado injustamente. ¿Se te ocurre algún actor indicado para este proyecto? Si has pensado en el que fuera ganador del Oscar al mejor actor el año pasado has acertado porque el británico Colin Firth será el investigador privado que se pusiera a favor de la inocencia de los tres acusados.

Motor City

Dominic Cooper -An Education,Tamara Drewe, Captain America: The First Avenger, My Week with Marilyn- y Amber Heard -Zombieland, The Ward, Drive Angry, The Rum Diary- ya integran el reparto de esta película sobre un ratero de tres al cuarto al que engañan y envían a prisión. Cuando es liberado decide vengarse de los que le engañaron. Cooper es el pardillo con sed venganza y Heard será su novia.

Si añado que dirige Albert Hughes no te constará demasiado escoger entre los nombres citados el de Gary Oldman, nominado este año por Tinker Tailor Soldier Spy, y que ya fuera antagonista de Denzel Washington en Book of Eli, la apocalíptica película dirigida por Hughes. Oldman se encuentra actualmetne en negociaciones para interpretar al papel del capo que maneja los hilos.

Pain and Gain

Varios culturistas de Miami conspiran para secuestrar, robar y asesinar a un rico empresario. Pero como a mayor testosterona menor capacidad intelectual, la banda abandona el cuerpo del empresario dándole por muerto, solo que no lo está. Tras recuperarse en secreto, decide contratar los servicios de un detective privado para localizar a sus raptores y vengarse de ellos. En este caso basta con decir que dirige Michael Bay y que, a pesar de que Paramount y Hasbro querrían hacer una nueva entrega de Transformers, el director de Armageddon y Pearl Harbor prefiere volver a trabajar con un actor con el que coincidiera en The Rock.

No estando Nicolas Cage ni Sean Connery en la lista previa, estaba claro que en este caso será Ed Harris quien le plante cara a Dwayne “The Rock” Johnson, que también está ligado al proyecto. Con un guión escrito por Christopher Makus y Stephen McFeely -The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe y sus secuelas, Captain America: The First Avenger-, todo está previsto para comenzar a rodar en primavera.

Switch

¿Cómo te quedas si te cuento que están preparando la precuela de Jackie Brown? Desarrollada quince años antes que la película protagonizada por Pam Grier, la idea es seguir la carrera criminal de Ordell y Louis cuando hacen equipo para secuestrar a Mickey Dawson, la esposa de un constructor corrupto de Detroit. Cuando el marido de la secuestrada se niega a pagar el rescate por su mujer los ex-convictos están obligados a reconsiderar su plan, y la esposa enfurecida les utiliza para conseguir su venganza.

Se trata de la adaptación de otra novela de Elmore Leonard, Switch, que a estaba protagonizada por Ordell y Louis, interpretados por Robert De Niro y Samuel L. Jackson en la película de Quentin Tarantino. Dan Schechter adapta el guión y dirige la película, cuyo rodaje está previsto para mayo. Si uno de los dos secuestradores será Yasiin Bey (aka Mos Def), poco te costará adivinar que el otro será John Hawkes, que acaba de estrenar con éxito The Surrogate en Sundance y que estuviera nominado al Oscar al mejor actor secundario por Winter Bones. Si participaba en Martha Marcy May Marlene y en Contaggion, también podremos verle en Lincoln, por lo que ni deberíamos ni vamos a perderle de pista.

No dudo que muchos se sorprenderán de que escoja la película con la que se diera a conocer Jennifer Beals en 1983 como uno de mis placeres culpables. Segunda película dirigida por Adrian Lyne, la película fue todo un éxito de público que no sólo sirvió para impulsar la carrera de su protagonista, sino también la de su director que todavía cosecharía un mayor éxito con Nine ½ Weeks. Si quizás esta me gustaría más desde un punto de vista cinematográfico, encuentro un auténtico placer inexplicable cuando alguna vez he revisado Flashdance. Ningún problema con que sea una película pop o que tenga esa onda romántica. Tampoco tiene nada que ver con que sea un musical, que por cierto se llevara el Oscar a la mejor canción, Flashdance… What a feeling, con música de Giorgio Moroder e interpretada por Irene Cara. Entonces, ¿por qué me siento culpable?

El problema lo tengo, sin ninguna duda con su director: Adrian Lyne. Si se a lo largo de su breve trayectoria -ocho largometrajes en treinta años no es demasiado- acabaría revelándose como un retrógrado conservador que pretendiera erigirse como el defensor de la moral correcta y verdadera en todos y cada uno de sus títulos posteriores, por lo que me cuesta reconocer que me la metiera doblada con Flashdance. Echaré la culpa a que la vi cuando era adolescente. Básicamente, lo que quiero decir es que en su momento me pareció muy simpática la historia de una soldadora cuyo sueño es convertirse en bailarina, para lo que se entrena en un club de pseudo streap-tease con una clientela de dudosa moralidad y conoce a un atractivo joven que se quiere “sacarle de la calle”. Es como si estuviéramos hablando de un precedente de Pretty Woman, pero mezclado con Fame, que era anterior. Salvo que aquí ella no está dispuesta a que él interceda en su favor, sino que quiere alcanzar su sueño por sí misma.

Visionados posteriores me han permitido percibir que por mucho que ese planteamiento inicial de mujer emancipada, con un trabajo tan masculino como soldadora, no es más que un falso envoltorio que esconde la típica historia de chica-conoce-chico y lo deja todo por él. Que es lo que finalmente acaba siendo la película porque, por mucho que la prueba final sea estupenda y ella consiga emocionar al tribunal y al público, la película termina con la chica en los brazos del chico, que es lo que se puede esperar de una mujer conservadora, católica y decente. ¿Creéis que después de pasar por el conservatorio hizo realmente carrera o se casó con su hombre y le dio unos hijos estupendos a los que les enseño solfeo?

Pero no me sorprende nada encontrar esta actitud de machismo soterrado en el argumento de Flashdance, cuando me entero de que su guionista no es otro que el inefable Joe Eszterhas, quien posteriormente se convertiría en guionista estrella de Hollywood gracias a su trabajo para Basic Instintc, otra película estupenda que esconde tanto machismo como lesbianas. Aunque lo mejor es descubrir que su productor no es otro que Jerry Brukheimer, uno de los productores detrás de las películas (y series de televisión) más machistas, conservadoras y retrógradas que ha dado el cine (y la televisión) en los últimos años. Luego no resulta nada extraño que con un par de esta guise acabe asociado un director como Adrian Lyne, quien a través de su propia trayectoria profesional se embarcaría en impartir lecciones de ética y moral. A saber:

• Nine ½ Weeks demostraba que si conoces a alguien y liberas una pasión desenfrenada no esperes que la relación dure más allá de dos meses,
• Fatal Attraction advertía terroríficamente sobre los peligros del adulterio,
• Jacob’s Ladder le quitaba hierro al asunto a los experimentos sobre drogas que se habían realizado con soldados en la guerra de Vietnam -poco más recuerdo de la película, salvo que esta ya me molestó mucho-,
• Indecent Proposal reincidía sobre la fidelidad en la pareja y lo malo que era un señor que pretendía acostarse con la mujer del prójimo quien acababan irremediablemente sólido por mucha pasta que tuviera y por muy bien que fornicara,
• Lolita ni me molesté en ir a verla, con la novela de Vladimir Nabokov y la película de Stanley Kubrick tengo más que suficiente, no necesito que un mojigato me diga que está mal quedarse colgado de una adolescente,
• Unfaithful, de esta ya ni te cuento, con un título tan explícito no puedo ni imaginarme lo que pretendía de contar, a pesar de que fuera una adaptación de un filme de Claude Chabrol.

Siempre me he preguntado ¿cómo es que a nadie se le ha ocurrido nunca abrir un club con un escenario como ese? Claramente el diseñador de producción, Charles Rosen, tan sólo respondía a unas necesidades prácticas para que no se viera la cara de la bailarina mientras hacía su número musical, por eso colocaba un gran panel iluminado desde atrás que favorecía el contraluz que impedía que el espectador se diera cuenta de que la que bailara no era realmente Jennifer Beals. Si el resultado era elegante y efectivo a la vez que novedoso y rompedor, en realidad también respondía a una tendencia de la época, de la que se aprovechaba igualmente su director de fotografía, Donald Peterman, que llenaba toda la película de fuertes claro-oscuros, aun cuando estaban en penumbra, como sucede en la secuencia del baile final. Y es que si la Flashdance pierde la batalla en moralidad, lo cierto en que la gana en estética, sobre todo cuando de cine de los años ochenta estamos hablando pues es absolutamente representativa de esa época.

No puedo remediar disfrutar con todos y cada uno de los números musicales de Flashdance, incluyendo el momento en que van al gimnasio y se escucha el mítico tema I Love Rock and Roll, interpretado por Joan Jett & The Blackhearts, y aunque la canción de la banda sonora que más me gusta sigue siendo el que interpreta Michael Sembello, Maniac, como casi la mayoría de los mortales una de las coreografías que más me gusta es la del tema He’s a Dream. Verdaderamente quizás lo que más me gusta de Flashdance sea su banda sonora, o sus números musicales, pero en cualquier caso, tampoco me importa.

Algunas veces nos quejamos de la falta de originalidad de muchos cineastas a la hora de abordar nuevos proyectos. En los últimos tiempos las pantallas se han ido llenando de clones de aquellas películas que resultan ser rentables en taquilla. Unas veces zombies, otras vampiros, de repente todo son superhéroes y otras veces son invasiones extraterrestres. Sí. Pero de vez en cuando surge un cineasta con la capacidad de darle la vuelta a una fórmula manida y consigue cautivarnos con su visión personal de algo que ya habíamos visto.

Hace poco más de una década, cuando tan de moda se pusiera el terror japonés por obra y gracia de la fascinante Rindu, apareciera Takashi Shimizu con Ju-On, que grabara primero en vídeo para hacer después su secuela, con tal éxito que repetiría la misma pareja en formato cinematográfico, volviendo a adaptar su propuesta para el cine estadounidense con The Grudge y su secuela -como ellos ni saben japonés ni leer inglés.

El caso es que, quizás, yo mismo no prestara demasiada atención cuando, el otro día, Ana Belén nos presentaba una imagen de 7500. Se trata de un thriller paranormal que, a partir de un guión de Craig Rosenberg -After the Sunset, Half Light, The Uninvited-, vuelve a reincidir sobre lo que parece un encuentro con unas fuerzas sobrenaturales. En este caso la diferencia o particularidad de la propuesta se incrementa debido a que los sucesos extraños se producen en un avión con 273 pasajeros, en tránsito desde Los Angeles hasta Tokyo.

¿No decían que volar era el medio más seguro de viajar? Cualquiera lo diría después de echar un vistazo al teaser tráiler de 7500 en el que todo parece indicar que Takashi Shimizu va a saber utilizar todos los recursos a su disposición para hacernos pasar un rato estupendo pasando miedo.

7500 está protagonizada por Leslie Bibb -Iron Man, Law Abiding Citizen, Iron Man 2, Zookepper-, Ryan Kwanten -conocido por True Blood-, Amy Smart -Dead Awake, House of the Rising Sun, The Reunion, Columbus Circle-, Jerry Ferrara -Brooklyn Rules, Seven Days in Utopia- y Jamie Chung -Sorority Row, Grown Ups, Sucker Punch, The hangover Part II- y tiene como fecha de estreno el próximo 31 de agosto, por lo que todavía tienes tiempo de sobra para hacer tu reserva.

Justin Timberlake no fue el primer caso de cantante que se pasa al mundo del cine. De hecho, la mayoría de estos ejemplos acaban realizando un par de películas de más o menos éxito y o bien abandonando el cine completamente o quedando reducidos a películas de bajo presupuesto que aprovechan el tirón del cantante. Sin embargo, el caso de Timberlake parece ser especial, puesto que no deja de sumarse a proyectos, y cada uno de ellos más interesante que el anterior.

Desde luego haber trabajado con David Fincher en The Social Network ya era todo un paso adelante en su carrera cinematográfica, aunque aún quiere más. De hecho se ha sumado a dos nuevos proyectos, a cada cual más interesante. El primero de ellos es Inside Llewyn Davis, la próxima película de los hermanos Coen, donde compartirá reparto con intérpretes de la talla de Oscar Isaac, Carey Mulligan o John Goodman. Tampoco se conocen muchos detalles de la misma hasta el momento, pero que se hayan fijado en Timberlake para darle un papel es porque han visto algo interesante en él.

El segundo proyecto personalmente me parece más atractivo. Se trata de Trouble With the Curve, el regreso de Clint Eastwood ante las cámaras. Cuando todo apuntaba a que sólo se dedicaría a dirigir, llegó este proyecto donde interpretará a un veterano ojeador de béisbol que sus problemas de vista amenazan con retirarle. El papel de Timberlake será el del ojeador de los New York Yankees, rival de Eastwood. Parece ser que la relación entre los dos no quedará ahí ya que también vivirá un idilio con la hija de Eastwood, a la que dará vida Amy Adams.

La película no estará dirigida por el veterano actor, sino por Robert Lorenz, ayudante de cámara en muchos títulos suyos como The Bridges of Madison County, Mystic River o Million Dollar Baby. No se por qué me da que igualmente Eastwood también se encargará de parte de la dirección, aunque sólo sea como consejero.

Lo que está claro es que la carrera de Timberlake está en ascenso, y que cada vez se le toma más en serio en Hollywood. Lo malo es que tendremos que esperar para comprobar si realmente tiene ese talento que algunos directores ven en él o si quedará en un nuevo ejemplos de cantante/actor fracasado.

Ya con su ópera prima Andres Wood se diera a conocer internacionalmente consiguiendo una Mención Especial al Mejor Director Debutante en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por Historias de fútbol. Ganador de un Goya a la mejor película Hispanoamericana por La buena vida, y nominado también por Machuca, el cineasta chileno parte como favorito para recoger el mismo galardón, en este mismo año en el que su película, Violeta se fue a los cielos, ha recibido el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película Dramática Internacional en Sundance.

Violeta se fue a los cielos es un bopic sobre la polifacética artista chilena Violeta Parra. No te preocupes si no te gusta su música o el folklore chileno. Ni siquiera necesitas haber oído hablar de Violeta, saber lo que hizo o lo que dejó de hacer. El guión de la película se encarga de fijar la atención sobre momentos muy puntuales de la vida de Violeta. Los mejores y los peores. Andrés Wood amplifica con elegancia y eficacia el relato elaborado por Eliseo Altunaga -colaborador habitual en los guiones de otras de sus películas. Ni juzga sus actos, ni toma partido por sus opiniones, permite que sea el espectador quien se forme su propia opinión sobre el polémico y controvertido personaje.

A través de un relato no lineal en el que pasado y presente se intercalan sin orden aparente, conoceremos a Violeta tanto por sus actos, como por sus obras y las explicaciones que se le pidieran tanto sobre sus logros artísticos, como sobre sí misma. Uno llega a pensar que debió ser muy difícil convivir con Violeta, pero para todos los que tuvieron la suerte o desgracia de sentir tal experiencia, indiscutiblemente mereció la pena.

Es innegable la fabulosa aportación de Francisca Gavilán en su portentosa interpretación de Violeta. La entrega a su personaje es de tal magnitud que logra trascender el tiempo y, no utilizando ningún tipo de maquillaje, logra que el espectador no llegue ni a plantearse la edad de Violeta en ningún momento, trasmitiendo perfectamente su edad emocional a través de la intensidad de su interpretación.

Otro de las grandes virtudes de la película es que a pesar del tono visual árido y realista con el que se muestran algunas de las secuencias, Andrés Wood consigue transformar un relato que pareciera construido en una dura prosa en una obra absolutamente poética y deliciosa. Una obra cargada de sentimientos y emociones que perduran y aumentan con el paso del tiempo. Porque la capacidad emocional de Violeta se fue a los cielos convierte la película en una experiencia tan tierna y entrañable como desgarradamente salvaje, que cautiva nuestros sentidos y se agarra irremediablemente y con fuerza a nuestros corazones.

Cada vez más las producciones independientes van colocándose en una mejor posición, no sólo de cara al público, sino también echándole el pulso al cine comercial que se hace en Hollywood. Si el otro día avisábamos sobre nuevos proyectos que comienzan su andadura hasta convertirse en película, hoy echamos un vistazo a algunas de las alianzas que se establecen en proyectos como Serena, Low Life y Only Lovers Left Alive, los nuevos proyectos de cineastas tan interesantes como Susanne Bier, James Gray y Jim Jarmusch

Serena

A algunos nos parecía improbable que Darren Aronofsky fuera a dirigir a Angelina Jolie en Serena, la adaptación de la novela de Ron Rash que nos sitúa en el Norte de Carolina en 1929, donde una pareja de recién casados se embarca en un proyecto para construir un imperio dedicado al sector maderero. Pero la ambición de la pareja es peligrosa y devoradora. No teniendo miedo a destruir o matar a los que se interpongan en su camino, tendrán que enfrentarse el uno contra el otro cuando Serena descubra que no puede tener hijos, lanzando una venganza mortal contra el hijo ilegítimo de su marido.

Si tanto Aranofsky declinaba finalmente dirigir la película, Jolie tampoco se embarcaba en el proyecto, surgiendo ahora nuevos nombres que les sustituyan. Susanne Bier, ganadora del Oscar a la mejor película extranjera y el premio a la mejor directora europea por Heavnen (In a Better World), reemplaza al director de Black Swan. Y todo pinta a que ganaremos con el intercambio de Angelina Jolie pues veremos a Jennifer Lawrence en la piel de Serna, quien se diera a conocer en un título de ambiente muy parecido, Winter Bones, con el que consiguiera una nominación al Oscar. Su antagonista será Bradley Cooper que tras el ascenso conseguido por The Hanover y sus secuelas ha disfrutado de un espectacular año, profesionalmente hablando, que le ha colocado entre los actores más rentables de 2011.

Low Life

Si eres de los que se quedaron turbados con Two Lovers, el drama romántico dirigido en 2008 por James Gray, sin duda estaréis encantados de saber que el cineasta neoyorquino ya está rodando de nuevo. Low Life será su quinta película, en la que será su cuarta colaboración con Joaquin Phoenix, quien tendrá como compañera de reparto a la cautivadora Marion Cotillard.

El director de Litle Odessa, The Yards y We Own the Light se enfrenta por primera vez al rodaje de una película de época cuyo argumento se centra en torno a una inmigrante polaca que viaja con su hermana a la isla de Ellis. Al enfermar esta última, la primera se ve obligada a hacer unos favores sexuales con el objetivo de conseguir medicinas y mantener viva a su hermana. Una vez en tierra, es coaccionada para guardar silencio sobre lo sucedido y aunque así lo hace, se le proporcionan unos papeles como inmigrante en los que se advierte que es una mujer de malas costumbres. Sin lugar donde ir, cae presa de un ratero que le persuade para trabajar juntos en Nueva York. Si la pareja formada por Phoenix y Cotillard resulta lo suficientemente interesante para encabezar el reparto de Low Life, a ellos se une también el estupendo Jeremy Renner.

Only Lovers Left Alive

Y si eres de los que se casaron con ganas de ver más de la unión profesional entre Jim Jarmusch y Tilda Swinton en The Limits of Control, estás de enhorabuena pues se ha confirmado que la protagonista de Io sonó l’amore se suma al reparto de Only Loves Left Alive. Se trata de un filme que sigue a dos vampiros que han sido amantes durante siglos. Con un presupuesto de casi un millón y medio de dólares y financiación europea y estadounidense, el reparto se completa con las estimulantes presencias de John Hurt, Mia Wasikowska y Tom Hiddleston.

Resulta irónico que un director de Ohio tenga que buscar productores en Europa, mientras que la danesa Susanne Bier se vaya ahora a hacer las Américas para realizar su próxima película. Pero es que los cineastas, como los demás mortales, tendrán que trabajar allá donde puedan.

Cuando una película nos habla del mundo del cine, de todo lo que no podemos ver tras las cámaras, de las producciones y entresijos del negocio, ciertamente tiene mucho terreno ganado. Es siempre curioso poder comprobar como una obra utiliza sus propios medios artísticos para hablar o bien de su arte o bien de su industria. Y eso siempre es algo que atrae a los espectadores desde el principio. Es como ver un documental cuando la historia, los intérpretes y la dirección son puramente ficcionales. Además existen numerosos ejemplos de este tipo de obras, y The Artist se ha convertido en uno de los más recientes.

Pero Michel Hazanavicius no ha querido introducirse en el mundo del séptimo arte desde una perspectiva actual. No pretende en ningún momento que el espectador sea capaz de conocer cómo se realizan esas grandes superproducciones que pueblan las carteleras, ni analizar cómo se crean esos efectos visuales que tanto nos asombran. El director vuelve a los orígenes, al cine mudo (en sus últimos años), a los grandes clásicos, a la esencia misma del cine que nos dejó tantísimas obras maestras que aún hoy se veneran. ¿Para qué? Personalmente opino que hay numerosos motivos: puede que nos quiera demostrar que el verdadero arte no está en avasallar al espectador con grandes efectos, sino en algo mucho más profundo, en la historia y en saber transmitirla de la forma más eficaz posible. Creo que nos quiere abrir los ojos, especialmente a los nuevos espectadores, sobre de dónde viene todo el cine que vemos hoy, que no crean que siempre ha sido así, sino que las bases que asentaron genios como Griffith, Chaplin o Murnau no se deben perder.

Lamentablemente, cada vez nos alejamos más de esa esencia propia del séptimo arte, de transportar al espectador a otros mundos inimaginables con los mínimos medios. Eso es lo que pretendían los grandes maestros del mudo, que en ningún momento sintieron que les faltara algo al no disponer de sonido sincronizado. Puede que lo que vivimos ahora sea una evolución lógica del arte, pero ¿realmente tiene que ser así? Un buen ARTISTA debería saber lo que es prescindible y lo que debe tener una obra para pasar a la historia, y creo que Hazanavicius lo sabe bien.

Lo malo es que lo sabe demasiado bien. Tiene tan claras sus influencias que no se molesta en aportar algo más trascendente a lo que ya había. Superar a los maestros es realmente difícil, pero es el punto negro que acompañará a la cinta. Pese a esto, es realmente fiel a sus ideas, a la concepción que tiene de la historia y sobre todo a cómo llevarla a la gran pantalla, y tiene algunos detalles que nos hacen trasladarnos automáticamente a finales de los años 20 como el plano de apertura o el meditado uso de los carteles para los diálogos.

Es probable que haya espectadores que, desgraciadamente, se echen atrás ante la idea de ver una película muda de más de hora y media. Sin embargo, desde aquí animo a todos ellos a disfrutarla, puesto que transcurre de una manera muy fluida, con una historia interesante (aunque tampoco revolucionaria) donde encontramos todo tipo de sentimientos y con una gran banda sonora firmada por Ludovic Bource que hará las delicias de los más nostálgicos.

Inevitablemente, si hablamos del compositor, también hay que nombrar a dos pilares que sustentan el conjunto y que demuestran estar a la altura del reto: Bérénice Bejo y Jean Dujardin. Típicos personajes que se mueven en ambientes distintos pero unidos por el amor, tampoco son unas concepciones demasiado novedosas. Lo difícil es conseguir transmitir todas esas emociones sin articular ni una palabra: cuando creíamos que nadie sería capaz de conseguirlo, ellos consiguen sorprendernos. Todos los premios que les otorguen son completamente merecidos, y también debería haber una mención especial para el perro del protagonista, centro de prácticamente todos los momentos cómicos.

Pero si algo destaca por encima del resto en The Artist, es por el trabajo que realiza con el espectador. Además de narrarnos una historia muda, que nos llegue y nos interese, también nos hace sentir como esos espectadores a los que iban dirigidas las películas de finales de los 20. Y no sólo eso, sino que es capaz de transmitir la sensación que vivió el público de entonces cuando oía por primera vez a sus grandes estrellas en una película (Garbo talks!). Esa impresión quedan perfectamente plasmados en el final de la cinta, que sirve como nexo de unión entre todo lo que nos ha contado antes sobre el mudo y todo lo que tenía que venir después, ya con el sonoro.

Pero la película tiene muchísimo más: el análisis que hace del star-system, la absoluta verosimilitud que esconde en la historia, puesto que lo que acontece también sucedía en la vida real de los actores, el sospechoso parecido que tiene Jean Dujardin con Gene Kelly, tanto físicamente como en el epílogo. Para descubrirlas todas sólo hay que verla, disfrutarla sin prejuicios, dispuesto a ser trasladado a finales de los 20, cuando los grandes artistas explotaban todo el arte que tiene el cine.

Ni premios en festivales, ni buenas críticas. No ha nada como conseguir un exitazo en taquilla para que tu teléfono no pare de sonar. O algo parecido es lo que debe estar pensando Joe Carnahan que tras el estreno de su última película como director, The Grey, acaban de ofrecerle dirigir el remake de Death Wish, aquella película que hiciera de Charles Bronson todo un héroe de acción. Un proyecto que interesara tanto para dirigirlo como para protagonizarlo a Sylvester Stallone, pero que, finalmente, acabo abandonando. De salir adelante el proyecto, podemos deducir que MGM no se conformaría sólo con el remake, sino que probablemente estaría dispuesta a planificar toda una serie de secuelas.

Estrenada en 1974, Death Wish estaba dirigida por Michael Winner, un cineasta británico con una dilatada carrera -que convendría revisar- en la que predominaban no sólo filmes de tono violento, sino de alto contenido sexual, pero pocas veces utilizados de una manera sensacionalista. Levemente basada en una novela de Brian Garfield, adaptada para la gran pantalla por Wendell Mayes -responsable de guiones tan espléndidos como los de From Hell to Texas, Anatomy of a Murder, Advice & Consent, In Harm’s Way o The Poseidon Adventure-, el argumento de la película se centraba en torno a la brutal agresión que sufrían la esposa, la hija y la criada de Paul Kersey, un ciudadano anónimo de Nueva York que se convierte en un justiciero determinado a exterminar la escoria de su ciudad.

En el reparto de la película coincidían con Bronson nombres tan estimulantes como Vincent Gardenia, William Redfield, Hope Lange, Stuart Margolin, Jack Palance o Jeff Goldblum. No es de extrañar que con los fabulosos talentos que participaran en la película, no sólo fuera un todo un éxito de público, sino que se alargara en cuatro secuelas más, de las que el propio Winner dirigía las dos primeras, pero que todas estarían protagonizadas por Charles Bronson. Otra de las peculiaridades de la película es que no sólo estaba planteada como una película de acción, sino que combinaba características del cine de terror con tintes fuertemente dramáticos (casi traumáticos). Aparte del remake propiamente dicho, podríamos decir que Death Wish sirviera de inspiración a títulos recientes como The Brave One o Law Abiding Citizen.

Igual que Death Wish no era la primera colaboración entre actor y cineasta, este tampoco sería el primer remake de una de sus películas juntos pues el año pasado volvíamos a ver The Mechanic, la película protagonizada y dirigida por el mismo tándem en 1972, que sería dirigida por Simon West y protagonizada por Jason Statham en su revisión. Tampoco sería la primera vez que Joe Carnahan aborda un remake, o al menos la adaptación de material previo pues hace un par de años estrenaba The A-Team, adaptación para el cine de la popular serie de televisión creada por Stephen J. Cannell y Frank Lupo. En el caso de que Carnahan acepte la oferta, este proyecto siempre estaría en su agenda después de Killing Pablo, el biopic sobre Pablo Escobar que lleva mucho tiempo queriendo poner en marcha.

Poco a poco se van conociendo más premios que dan distintos grupos de artistas estadounidenses y también de otros países, como los Goya, los Cesar o los Bafta. Todos ellos con la vista puesta en los siempre glamurosos y simbólicamente valiosos Oscar. Este año parece que todos los focos apuntan a una misma película, The Artist, que premios a los que nominan premios que se lleva.

Algunos de los últimos galardones que han otorgado a la cinta han ido directamente a las manos de su director, Michel Hazanavicius, como la mejor realización del año. El premio tiene doble valor ya que ha sido concedido por sus compañeros de oficio: el gremio de directores de Hollywood. Hazanavicius recibió el galardón de manos de Tom Hooper, ganador el año pasado por The King´s Speech, superando en las votaciones a los otros cuatro nominados: Woody Allen (Midnight in Paris), Martin Scorsese (Hugo), Alexandre Payne (The Descendants) y David Fincher (The Girl With the Dragon Tattoo). En los Oscar están los mismos, salvo que Fincher ha sido sustituido por Terrence Malick (The Tree of Life).

Ahora bien, ¿qué representan estos premios en la carrera hacia los Oscar? Sólo un dato: los directores que han ganado este premio en los últimos años, también se han llevado el Oscar a Mejor Director. Sólo en seis ocasiones, desde que en 1948 se comenzaron a entregar estos premios por el gremio de directores, no ha coincidido con el ganador del Oscar. Sin embargo, recordemos que en los pasados Globos de Oro el ganador en este apartado fue Martin Scorsese, por lo que al menos tendremos cierta incertidumbre.

Pero estos no han sido los únicos premios que se han entregado recientemente. El gremio de actores de Hollywood también ha entregado los suyos, donde la clara ganadora ha sido The Help. Lo mejor de todo ha sido el bombazo que se ha producido en la categoría de Mejor Actriz Protagonista donde, contra todo pronóstico, Viola Davis se ha hecho con el premio por encima de la gran favorita: Meryl Streep. Estoy seguro de que se lo merece, pero no creo que Streep se quede este año sin su tercer Oscar.

The Help se ha llevado dos premios más: el de Mejor Actriz Secundaria para Octavia Spencer y el de Mejor Reparto, donde entran todos los actores y actrices que han intervenido en la película. El apartado de intérpretes masculinos ha estado más repartido, puesto que Jean Dujardin ha cosechado un nuevo galardón (ya se llevó el premio a Mejor Actor en Cannes) por The Artist, que suma y sigue, mientras que el de Mejor Actor Secundario ha recaído en Christopher Plummer por su papel en Beginners.

Personalmente, veo estos premios mucho más valiosos que los que otorgarán el 26 de febrero los Oscar, sobre todo porque los ganadores han sido seleccionados por sus compañeros de oficio, que tienen una mayor conciencia del trabajo que han realizado en la película y que realmente valoran el premio. Sin embargo, los Oscar son los Oscar, y tendremos que esperar hasta entonces para ver si se cumplen las quinielas.

Hoy nos encontramos con un tráiler bastante extraño, y sobre todo nada convencional para los cánones en los que nos movemos dentro de las películas que nos llegan de Hollywood. Esta vez tampoco es que sea una cinta desconocida, puesto que de God Bless America ya habíamos tenido algunos datos previos como su cartel y también su paso por el pasado Festival de Toronto, donde se quedó a las puertas de hacerse con el Premio Madness (dicho galardón recayó en The Raid, dirigida por Gareth Evans).

Pues bien, hechas las presentaciones y entrando un poco en materia, esta vez ha aparecido en internet el red band tráiler de la cinta (ningún otro avance hasta ahora se había merecido más estar calificado para adultos). Y es que la cinta es bastante peculiar. Trata de Frank, un hombre de mediana edad que ve cómo el mundo se desmorona a su alrededor sin que pueda (o quiera) hacer nada. Todo eso cambia cuando le diagnostican un tumor inoperable, que le cambia completamente y le hace plantearse no sólo su vida, si no la de todos los que le rodean. Así, de la forma más bizarra y violenta posibles, empieza a impartir su justicia acompañado de una jovencita de 16 años que comparte esa filosofía de la vida de arreglarlo todo a tiros.

Si la historia os parece completamente surrealista, el tráiler no se queda atrás:

Desde luego la propuesto no va a dejar indiferente a nadie, en el caso de que finalmente llegue a entrar en el circuito comercial. Parece bastante difícil que alguna distribuidora se atreva a hacerse con sus derechos cuando muy probablemente la califiquen como Restricted. Sin embargo, cosas peores se han visto en el cine y, aunque aún no se ha fijado una fecha de estreno posible, puede que tarde o temprano llegue a algunas salas (o que simplemente se vea reducida al mercado de los festivales). Tendremos que mantener las esperanzas.