4:44 Last Day on Earth

Aunque nunca a conseguido el león de oro, Abel Ferrara es uno de los cineastas habituales en el festival con películas como “The Funeral”, “New Rose Hotel” o “Mary”, que de hecho todas ellas se fueran con algún premio o mención especial. Este año presenta “4:44 Last Day on Earth” en el que ubica a su protagonista, Willem Dafoe, en un futuro en el que se podrá predecir cual será el día del fin del mundo. un día muy importante para una pareja que se prepara lo mejor posible, aunque si él, un actor atormentado, cree que podría tener lugar un milagro de última hora, ella está convencida de que todo va a terminar, por lo que decide recibir el fin de la humanidad con aplomo y dignidad. El reparto se completa con Natasha Lyonne, Paul Hipp, Shanyn Leigh y Paz de la Huerta.

A Dangerous Method

Puede parecer curioso, pero lo cierto es que es la primera vez que el cineasta canadiense, David Cronenberg, compite en el festival de Venecia. Vigo Mortensen, Michael Fassbender y Keira Knightley protagonizan “A Dangerous Method”. Una historia tan intensa como erótica que se centra en cómo la relación entre Carl Jung y Sigmund Freud dio lugar a lo que conocemos como psicoanálisis.

Alpeis (Alps)

No podíamos esperar nada convencional de Giorgos Lanthimos en su primera película en competición por el León de Oro. Después de dejarnos petrificados con “Kynodontas”, ahora nos trae en “Alpeis (Alps)” la historia de una enfermera de un hospital que proporciona sus particulares servicios a las familias que han perdido a sus seres queridos. Se trata de un grupo denominado Alps, cuyos miembros ofrecen sus servicios para reemplazar a sus muertos en la vida diaria de estas familias. Tomen aire para el tráiler, es breve, pero fuertecito.

Carnage

Tampoco es que Roman Polanski se haya prodigado mucho por la Bienale. Si en 1962 se hacía con el premio FIPRESCI, para “Nóz w wodzie (Knife in the Water)”, y le concedían un premio honorífico en 1993, “Carnage” supone su segunda película en competición. Adaptación de Le Dieu du Carnage, la obra de Yasmina Reza que colabora con Polanski en su adaptación a la gran pantalla. Protagonizada por Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet y Chritopher Waltz cuenta cómo dos matrimonios tratan de arreglar de una manera civilizada un violento conflicto que ha enfrentado a sus respectivos hijos.

Dark Horse

Justin Bartha, Selma Blair, Mia farros, Jordan Gelber, Dona Murpy y Christopher Walken protagonizan la película que Todd Solondz presenta en Venecia. Presente en 2004 con “Palindromes”, consiguiera en 2009 la Osella de oro al Mejor Guión por “Life During Wartine”, siendo “Dark Horse” su tercera película en competición. La importancia que Solondz otorga al reto de cambiar de registro le ha llevado a realizar un relato en la que no hay violación, pedofilia ni masturbación, tan sólo un treintañero en crecimiento detenido, que se enamora de una treintañera sumergida en el mismo proceso de inmadurez.

Duo Mingjin (Dyut ming gam - Life Without Principle)

Tercera película en competición de Johnnie To, tras “Fono juk” y “San taam”. En “Duo Mingjin (Dyut ming gam - Life Without Principle)” nos cuenta la historia de tres personajes involucrados en el atraco a un banco por diez millones de dólares. Según su director su intención era reflejar el turbulento mundo en el que vivimos que, con el objetivo de sobrevivir lleva al individuo a romper las reglas del juego.

Faust

A pesar de su prestigio el cineasta ruso Aleksandr Sokurov, se presenta por primera vez en la Bienale con “Faust”, una adaptación inusual de la obra de Goethe, que trata de leer entre líneas. se trata de la última parte de una tetralogía histórica que se centraran en Adolf Hitler en “Molokh”, para continuar con Vladimir Lenin en “Telec” y seguir con el emperador Hirohito en “Solnzte”. La imagen simbólica de Fausto completa esta serie de grandes jugadores que perdieron en la apuesta más grande de sus vidas. El cineasta se pregunta qué es lo que hace que estas figuras ascendieran a este pináculo de poder, para llegar a la conclusión de la infelicidad puede llegar a constituir una patología en la vida diaria convirtiendo en peligrosas a las personas infelices.

Hahithalfut (The Exchange)

El cineasta israelí, Eran Kolirin, presenta en su primera comparecencia en el festival su segundo largometraje: “Hahithalfut (The Exchange)”. Una propuesta existencialista en la que un hombre con una familia normal y corriente e obsesiona con contemplar su existencia desde un punto de vista nuevo y diferente. Según su director no se trata de una película sobre muchas cosas, sino sobre las cosas mismas. Mesas, puertas, habitaciones, sillas, todos los objetos y espacios que constituyen el entorno de nuestra existencia.

Himizu

Cinta coreana dirigida por Sion Sono que se centra en la historia de un joven obsesionado con llevar una vida normal y corriente. Cuando el mundo a su alrededor comienza a desmoronarse intenta seguir adelante mirándolo de manera positiva, pero cuando las columnas que aguantan su “normalidad” acaban por derrumbarse, y los malos pensamientos comienzan a aflorar, se ve obligado a resistirse a las malas tentaciones. En el momento en que rodaba su película tuvo lugar el accidente nuclear el terremoto de Japón a causa del que tuvo lugar el accidente de la planta nuclear. Unos hechos que le hicieron modificar sus guión para capturar la realidad de lo que estaba sucediendo en esos momentos.

Killer Joe

El veterano cineasta William Friedkin, también compite por primera vez en la sección oficial de la Bienal con “Killer Joe”. Mathew McConaughey, Emile Hirsch, Thomas Haden Church, Gina Gershon y Juno Temple protagonizan el relato de un hermano y una hermana que planean acabar con la vida de su madre con el propósito de quedarse con el dinero del seguro. Para ello contratan los servicios de una asesino a sueldo conocido como “Killer Joe” Cooper.

L’ultimo terrestre

Gian Alfonso Pacinotti presenta su ópera prima, “L’ultimo terrestre”. Una insólita historia en la que las propias autoridades italianas anuncian, en un entorno de crisis, la llegada al planeta de vida extraterrestre. Luca Bertacci, un individuo con serios problemas para las relaciones personales considera que estas peculiares formas de vida han decidido venir a la Tierra como un regalo para él. A través de una historia fantástica, el cineasta italiano tiene como principal objetivo el de hablar, precisamente, de la realidad actual, ubicando su historia en un futuro muy cercano. Intuyo que no caben términos medios con esta película.

Poulet aux prunes

Mathieu Amalric, Maria De Medeiros, Golshiften Farahani, Isabella Rossellini y Chiara Mastroianni protagonizan “Poulet aun prense”, la película dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, que fueran responsables de “Persépolis”. Primerizos en el Lido, desarrollan su historia en 1958 en Teherán, en el momento en que Nasser ali Khan, el más celebrado intérprete de violín tiene su instrumento roto. Incapaz de encontrar otro que lo pueda reemplazar, la visa parece intolerable sin música. Por eso permanece en la cama y duerme más y más hasta perderse en sueños sobre su juventud y el futuro de sus propios hijos. A medida que las piezas de esta historia ocupen su lugar, entenderemos su conmovedor secreto y la profundidad de su decisión de renunciar a la vida por la música y el amor.

Quando la notte

Segunda vez que Cristina Comencini presenta película en Venecia, después de “La bestia nel cuore”, que se llevara tres premios en 2005. Claudia Pandolfi y Filipo Timi protagonizan la historia de una pareja que a pesar de proceder de ambientes muy diferentes, se conocen en las montañas, para iniciar una relación que les marcará para siempre.

Saideke balai (Seediq bale)

Con su tercera película como cineasta, “Seediq Bale”, y en la primera vez que opta al León de Oro en Venecia, Wei Te-Sheng relata un extraordinario episodio épico poco conocido en Taiwan, basado en el trasfondo del “Incidente en Wushe”, una sublevación a gran escala que llevaron a cabo los aborígenes de la tribu Seediq contra sus colonizadores japoneses y que tuvo lugar en la década de los 30. Más que reivindicar la crueldad de los colonizadores nipones, la postura del cineasta es la de la reconciliación entre los dos bandos.

Shame

El cineasta británico Steve McQueen presenta su segunda película, “Shame”, tras haber conseguido con “Hunger” el premio Gucci en este mismo festival. Protagonizada por Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge y Nicole Beharie, cuenta la historia de Brandon, un joven de trentaytantos que vive en Nueva York, pero es incapaz de controlar su vida sexual. Después de que su rebelde hermana menor se mude a su apartamento, todo su mundo entrará en una espiral fuera de control. Una historia enfocada a examinar la naturaleza de las necesidades del ser humano, de cómo vivimos nuestras vidas y de cómo reaccionamos a las experiencias que marcan nuestro camino.

Taojie (A Simple Life)

Primera vez que Ann Hui compite en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Basada en personajes y sucesos reales, “Taojie (A Simple Life)”, nos cuenta la conmovedora historia de una joven china que es adoptada por una familia, cuyo padre fallece durante la ocupación japonesa, para que su madre adoptiva se desprenda de ella enviándola a trabajar como sirvienta. Tras sesenta años trabajando para la familia Leung, sólo queda Roger, que la interna en un asilo a petición de ella misma tras sufrir un ataque. Sólo en esos momentos Roger se dará cuenta de lo importante que su sirvienta ha sido para su familia, sintiendo la necesidad de proporcionarle un hogar mejor en sus últimos días de vida. El director de la película se siente muy afortunado de haber podido contar esta historia tal y como la había concebido: desde una aproximación documental y con actores no profesionales.

Terraferma

En 2006 el cineasta siciliano Emanuele Crialese se alzara, gracias a “Nupovomondo”, con seis premios entre los que se encontraba el León de Plata como la revelación de esa edición. En esta ocasión se presenta con “Terraferma”, con la que promete volver a ofrecer un relato tan realista como poético, en esta ocasión de su tierra natal. Filippo Pucillo, Donatella Finocchiaro y Giuseppe Fiorello encabzan el reparto de su película.

Texas Killing Fields

Desde 1971, alrededor de exenta cuerpos han sido encontrados en los alrededores de Texas, por eso la gente de la zona ha bautizado el lugar como The Killing Fields. Con su segunda película como directora, Ami Canaan Mann, presenta en Venecia “Texas Killing Fields”. Se trata de una historia inspirada en unos hechos reales en los que se narra la investigación de dos policías enfrentados a unos misteriosos asesinatos sin resolver. Jeffrey Dean Morgan, Sam Worthington, Jessica Chastain y Chloe Moretz protagonizan esta película que la cineasta estadounidense ha tratado de realizar de la manera más elegante, a pesar de la sordidez de la historia. No esperaríamos menos de la hija de Michael Mann, que es otra de las primerizas que compiten este año en la sección oficial.

The Ides of March

Seleccionada para la gala de inauguración del festival, George Clooney presenta “The Ides of March”, su cuarto largometraje como director en la que es su segunda comparecencia en el festival en el que tan bien le fuera con “Good Night and Good Luck”, que cosechara cuatro premios en 2005. En esta ocasión Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei y el propio Geroge Clooney protagonizan esta adaptación de Farragut North la obra de Beau Willimon. El argumento gira en torno al responsable de una candidato a las elecciones primarias por el partido demócrata en su carrera hacia la presidencia de los Estados Unidos, que se ve envuelto en un escándalo político.

Tinker Tailor Soldier Spy

También es la primera vez que el cineasta sueco Tomas Alfredson comparece en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Tras su laureada “Lat den rätte komma in (Let the Right One In)”, ahora se acerca al universo literario de John Le Carré para ofrecer una historia de espionaje desarrollada en los años setenta. Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy y John Hurt encabezan el reparto de una película que, a petición de su autor, se aleja tanto de las adaptaciones cinematográficas previas como de las televisivas.

Un été brulant

Monica bellucci, Louis Garrel, Céline Sallette y Jérôme Robart protagonizan “Un été burlan”, la película con la que Philippe Garrel aspira a conseguir su primer León de Oro, tras conseguir en dos ocasiones el León de Plata, por “J’entends plus la guitarree” y “Les amante réguliers”, además de haber competido anteriormente con “Le ven de la nuit” y “Sauvage inocente”, que se alzara con el premio FIPRESCI. En esta ocasión nos sumerge en la intimidad de un atormentado pintor que es abandonado por su esposa. Con esta película el cineasta parisino tiene la intención de realizar un homenaje póstumo a un amigo fallecido.

Wuthering Heights

Innumerables veces llevada al cine y la televisión, la cineasta británica Andrea Arnold compite por primera vez por el León de Oro con “Wuthering Heights”. Volveremos a ver como Heathcliff es acogido por la familia Earshaw, en cuyo seno desarrolla una intensa relación con su joven hermana adoptiva, Cathy. Violencia, muerte y crueldad parece ser el núcleo de la adaptación de la que fuera directora de “Fish Tank” realiza sobre la inmortal novela de Emily Bronté. James Howson, Kaya Scodelario, Steve evites, Oliver Milburn y Nicola Burley protagonizan una versión de la novela que parece va a ofrecernos una visión más cercana al romanticismo literario que a ese tono romántico con el que se han abordado en ocasiones anteriores.

Si bien James Cameron siempre ha renegado de “Piranha Part Two: The Spawning”, debo decir que es un título que me divierte bastante. Me parece una película entretenida con mucho sentido del humor y bastante digna tanto para ser una ópera prima, como para ser una secuela. En su reparto ya encontraríamos a Lance Henriksen, que se convertiría en un habitual de las películas de Cameron. De hecho esta actitud de rechazo del que una vez se sintiera “king of the world”, por algo que no puede eliminar ni borrar ni negar, me parece que delata una gran ausencia de sentido del humor de su parte.

Muy superior me parece, evidentemente, “The Terminator”, la película que encumbraba definitivamente a Arnold Schwarzenegger al puesto de estrella y que con un presupuesto ajustado, conseguía resultados excepcionales. Escrita en colaboración con la que en aquel entonces era su mujer, Gale Anne Hurd, que produciría la película a través de su compañía, recién creada por aquel entonces, Pacific Western Productions. La película introdujo también a dos nombre siempre relacionados con Cameron: Linda Hamilton y Michael Biehn. Y tampoco creo que haga falta comentar nada más sobre un título en el que seguro que la mayoría de nosotros estaremos de acuerdo en casi todo.

Mira que lo tenía difícil con “Aliens”, la secuela de “Alien”. Sin embargo, su admiración por el trabajo de Ridley Scott le llevó a crear una secuela a la altura de su predecesora que no defraudó a nadie. ¿Alguien levanta la mano? Cuando la primera era una película de terror psicológico, Cameron realizó con la suya una película de acción en toda regla que sabía retomar el argumento de la anterior sin traicionarla en ningún momento. Además, en este caso la responsabilidad es enteramente suya al ser también el autor del guión. Aunque ninguno de sus dos trabajos se vio recompensado por la Academia, la película obtuvo siete nominaciones, incluyendo una para su flamante protagonista, Sigourney Weaver, llevándose sólo dos estatuillas correspondientes a los efectos visuales y los de sonido. ¡Pero cuantos momentos y frases para el recuerdo!

Con estos dos títulos recuerdo que James Cameron se había colado ya entre mis directores favoritos (cosas de la adolescencia), por eso esperaba con interés el estreno, en 1989, de “The Abyss”, que se vendía como su proyecto más personal al haber escrito el guión de la película cuando él mismo era un adolescente. Y eso fue lo que vi en su película, las elucubraciones y deseos frustrados de un adolescente que hubiera deseado tener un “Close Encounters of the Third Kind” subacuático. Para muchos puede ser un título entrañable, pero para mi supuso mi primer tropiezo con el cineasta. Y no me vendan la película, porque aunque se empeñara después en realizar uno de sus típicos (y falsos) montajes del director en el que se limitaba a añadir todas las secuencias que había deshechado en un principio, algo que había hecho anteriormente con “Aliens”, la película no fue precisamente un éxito en su momento. Curiosamente, a la vez que conocía por primera (y única) vez el fracaso, también se divorciaba de la que era su segunda esposa para casarse en el mismo año con Katheryn Bigelow.

En 1991 James Cameron retomaba los personajes que creara en “The Terminator” para, tras la masculinización de Linda Hamilton, ofrecer un interesante giro de tuerca en “Terminator 2: Judgment Day”, una secuela casi mejor que su predecesora. Aunque tampoco el director conseguiría nominación, lo cierto es que su película se alzó con cuatro Oscar de las seis nominaciones con las que partía. Y aunque es una película que disfruto siempre que la vuelvo a ver, lo cierto es que el discurso antinuclear que propone, pareciera heredado de su predecesora pues el tono general de la película es altamente probélico y beligerante, como lo serían posteriormente otras propuestas como “Avatar”. Por eso me parece que con este título comienzan a aflorar algunas de las contradicciones de su discurso, que en cualquier caso, no merman su capacidad para entretener a toda costa. La verdad es que lo de la madre diciendo que prefiere a su hijo sin padre, pero con una máquina de matar al lado, es como para llamar a los asistentes sociales y encerrarla en el lugar del que se ha escapado. No nos confundamos con el contexto de la historia, el mensaje es muy beligerante. Por cierto que el matrimonio con Bigelow le duró bien poco pues un año después de estrenar la película se divorciaban. Se ve que la directora se percataría de la química que surgiría con Linda Hamilton, con la que se casaría años después.

En el verano de 1994, James Cameron volvió a hacerlo de nuevo. Se juntó con Arnold Schwarzenegger y aprovechándose de una película francesa, “La totale!”, hicieron “True Lies”, un remake en el que aportaban comedia y acción a partes iguales. Jamie Lee Curtis estaba realmente espectacular como un ama de casa que está cansada de tener un gris y aburrido marido. No sólo ella le demuestra que puede ser tan letal y eficaz como él, sino que sus hijos pueden también. Vuelvo con lo mismo, si la película me parece perfectamente entretenida y divertida, tras la aparente superficialidad de un producto de acción encuentro un mensaje muy beligerante, a tono con las administraciones de otra beligerante familia, la de los Bush, y hasta digno del foro de la familia: la familia que mata unida permanece unida. De hecho, no debe ser casual que en la película aparezca también Charlton Heston, por aquellas fechas ya convertido en defensor del rifle a toda costa.

Y justamente en el mismo año en que se casa con Linda Hamilton, 1997, y poco después de que muriera Lady Di, estrena “Titanic”. Una película que esperaba con interés pues parecía marcar un cambio de registro del cineasta que, si volvía realizar una película cargada de efectos visuales y especiales y de sonido y de todo lo que quieran, se trataba de su primera (y única) película alejada del terreno de la ciencia ficción. A mitad de camino entre el drama de una heroína de las películas de James Ivory, obligada a casarse con un personaje infame interpretado por uno de los peores actores del mundo, Billy Zane, y un filme de catástrofes, no conseguí identificarme con ninguno de los personajes de “Titanic”. Si acaso con los músicos que tocaban mientras el barco se hundía y yo me aburría soberanamente. Y la canción, por Dios, qué horror, qué tortura la canción de Celine Dion.

Qué feliz fui en el momento en el que Jack Dawson (Leonardo DiCaprio) era arrastrado a la oscuridad de las profundidades del océano Atlántico. Tan sólo Kathy Bates y su interpretación de Molly Brown consiguieron hacer algo más ameno el visionado de una película cuyo mayor logro siempre será haber conseguido once premios Oscar, en un año que no pasará a la historia por su calidad cinematográfica. A pesar de que entre sus contrincantes se encuentran títulos interesantes como “As Good As it Gets” o “L.A. Confidential”, también estaban en la carrera títulos comerciales e inferiores como “Good Will Hunting” o “Full Monty” -desde mi punto de vista-, siendo en general bastante inferior a otros años. Aunque claro, para un servidor los premiso Oscar ni siquiera son significativos de calidad cinematográfica, tan sólo de recaudación en taquilla.

Posteriormente vería “A Night to Remember”, una película mucho más interesante y por la que, ciertamente, el paso del tiempo ha hecho menor huella que la que considero hará en el casco de “Titanic”. Para otro momento dejo “Avatar”, película que no sólo no consigue reconciliarme con el cineasta, sino que me aleja de él a la velocidad de la luz. Una película que de ecológica tiene más bien poco y es beligerante un rato grande, bien grande.

La prueba de que su propuesta trata de hacernos reflexionar es ese cupido materializado en taxista que utiliza el apóstrofe como método de comunicación con el espectador, dirigiéndose a nosotros para plantearnos los mismos conflictos por los que pasaran los protagonistas de cada una de las tres historias que si bien no se mezclan, sí se cruzan. Opción individual es ya entrar en la reflexión o no.

Protagonizada por Riccardo Scamarcio -que algunos recordarán de un filme como “Romanzo criminale”-, Valeria Solarino y Laura Chiatti, las gentes y el pueblo de la primera historia bien pudieran parecer los de “Benvenutti al Sud”, pero mientras aquellos me parecían más un grupo de bufones, estos me resultan bastante más simpáticos, graciosos y humanos, en una historia que bien pudiera parecer una versión contemporánea del dicho que decía que a los hombres les gustan las rubias, pero se casan con las morenas. Quizás la historia más cómica de las tres que componen la película que vendría a plantear la fragilidad de la voluntad del individuo y esa insoportable levedad del ser, que diría Milan Kundera.

Divertida distorsión de “Fatal Atraction” podríamos considerar la segunda de las historias, protagonizada por Michele Placido y una graciosa Donatella Finocchiaro. Pareciera que los símbolos religiosos que atiborran la casa de la protagonista, le llevaran también a ese estado de enajenación e inestabilidad emocional, así como, por otro lado, el protagonista masculino no encuentra en su familia la deseada unión y estabilidad que, a priori, pregonan también no sólo los religiosos, sino los políticos con tendencias a la derecha.

Para el final quedan Robert de Niro y Monica Bellucci, que si el primero destaca por una sencillez que le permite interpretar a un hombre realmente humilde y sin ninguna pretensión, quizás encontramos en el personaje de ella una artificialidad estética que rompe en cierta medida la frescura de la película. En cualquier caso, tampoco le resta credibilidad a una historia en la que el conflicto no sólo viene de la diferencia de edad de sus protagonistas, sino del hecho de que ella sea la hija de tu amigo.

En definitiva, una propuesta sin mayores pretensiones, pero con la calidad suficiente para proporcionar una pequeña obra amena y entretenida, que no necesita del visitando de sus predecesoras para poder ser disfrutado de manera independiente.

Podrías pensar que la radical incursión de David Lynch en el terreno musical electrónico tan sólo era una excentricidad que se iba a quedar como una anécdota más para el amplio currículo artístico del cineasta de Missoula. Pues no. Con un título que no dudo que muchos calificarán como alusivo, Crazy Clown Time, los sellos Sunday Best Recordings, para el Reino Unido, y PIAS, para los Estados Unidos, publican, el ocho de noviembre, el que será primer álbum en solitario de David Lynch.

Con catorce canciones originales, entre las que se incluyen los dos singles que ya adelantara, el propio autor ha descrito el estilo del álbum como “blues moderno”. Jamás se me ocurriría asociar el adjetivo clásico a ninguna de las propuestas artísticas de David Lynch. Repasemos: pintor, escultor, fotógrafo, cineasta, escritor, ilustrador, historietista, diseñador de muebles, realizador de spots publicitarios, videocreador, actor ocasional, compositor, distribuidor de café… ¿Hay algo con lo que no se atreva este hombre?

Quizás algunos puedan pensar que esto de la música pueda ser un pasatiempo para el director de filmes como “The Elephant Man”, “Dune” y “The Straight Story”, pero lo cierto es que ya desde sus primeros cortometrajes, David Lynch se encarga personalmente de lo que en sus trabajos ha sido acreditado como diseño de sonido. Además de haber revitalizado carreras musicales como las de Roy Orbison o, incluso me atrevería a decir, la de Chris Isaak, tras haberles incluido algunos de sus temas en las bandas sonoras de sus películas, también ha sido el responsable directo de la carrera musical de Julee Cruise, no sólo componiendo y produciendo sus primeros álbumes, sino diseñando y moldeando su manera de cantar e interpretar sus canciones.

Como estas sólo han sido algunas de sus relaciones musicales extracinematográficas, y para que no te quede ninguna duda de su incursión en el ámbito musical, te proponemos un repaso por el fascinante universo sonoro de David Lynch. Es difícil seguir la pista de todo lo que realiza, así que si por favor, me dejo algo fuera, les pido que lo incluyan en sus comentarios. Se lo agradecería enormemente. Lo último que sé del incombustible David Lynch que lo relaciona con el universo musical es que Duran Duran le habían escogido para dirigir uno de sus conciertos, que formaría parte de la serie “Unstaged”, a través de la que diversos cineastas dirigen la grabación de un espectáculo en vivo. Para esta misma serie Terry Gilliam dirigiera una actuación de Arcade Fire, así como Spike Lee dirigiera un espectáculo de John Legend & The Roots.

En todas mis películas siempre me he involucrado con todo lo que se oye. La creación de este disco fue una extensión natural de mi amor por el sonido y la música.

Eraserhead

En 1976 David Lynch consigue acabar y estrenar su inquietante ópera prima en la que, aparte de un universo sonoro nunca escuchado hasta entonces, también podemos disfrutar de la primera de sus aportaciones musicales, en la que ponía la letra a una melodía compuesta por Peter Ivers. In Heaven era una hipnótica, sencilla y cautivadora melodía que la denominada Lady in the Radiator (Laurel Near) interpretaba en una dimensión desconocida de la atormentada mente de Henry Spencer (Jack Nance). Si todavía no había conocido al que después sería su compositor habitual, Angelo Badalamenti, está claro que su universo sonoro y visual ya estaba perfectamente identificado.

Blue Velvet

Diez años después, tras realizar “The Elephant Man”, con la que conseguiría su primera nominación al Oscar al Mejor Director, y sobrevivir a “Dune”, un proyecto de Dino de Laurentiis con el que Alejandro Jodorowsky casi le lleva a la ruina, el productor de esta última le concede la tan deseada libertad artística y derechos del montaje final para poder completar “Blue Velvet”.

En esta obra maestra del cine postmoderno se dan cita por primera vez David Lynch y Angelo Badalamenti, que inician una de las mejores y más interesantes relaciones profesionales entre cineasta y compositor. También aparece por primera vez Julee Cruise, que interpreta Mysteries Of Love, tema principal de la película que surgiría ante la imposibilidad de utilizar la versión de This Mortal Coil de la canción original de Tim buckley, This Mortal Coin, que después utilizaría en “Lost Highway”.

Si la música de Mysteries Of Love estaba compuesta por Badalementi, el autor de la letra no podía ser otro que el propio Lynch, quien además dirige a Cruise en su interpretación de la canción, instruyéndola para que la cante como una adolescente que ha perdido su primer amor. Registro que la cantante adoptaría para el resto de su carrera musical. Además de componer alguna música adicional para la película, Lynch también era el autor de la (sencilla y minimalista) letra de una de las breves piezas que Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) interpreta en la película: Blue Star. Para todos aquellos que duden de la calidad vocal de la que se convertiría en pareja del cineasta, deben saber que también recibió instrucciones muy especificas… para cantar mal.

Twin Peaks

En 1989 se publica Floating into the Night, primer álbum de Juliee Cruise, que no solo incluye Mysteries of Love, sino que además de incluir canciones de Angelo Badalamenti, también contiene las primeras composiciones de David Lynch, quien produce el álbum junto con Badalamenti. Muchos de los temas que se incluyen se podría escuchar posteriormente incluidos en la banda sonora de “Twin Peaks”. Uno de los temas más populares sería precisamente Falling, que en su versión instrumental acompañaría los títulos de cabecera de la mítica serie de televisión. Con este tema sería candidato a un premio Emmy, además de por el tema Into the Night, que se escucharía en le quinto episodio de la serie.

Si este álbum se convertiría en uno de los favoritos de artistas como Tim Booth, líder de la banda James, que posteriormente realizaría un álbum en colaboración con Angelo Badalamenti, Booth and the Bad Angel; también sería uno de los favoritos de Moby, que en su tema Go, incluiría un sampler de Falling que se bailaría en las discotecas de todo el mundo.

Wild at Heart

Está claro que Floating into the Night iba a dar mucho de sí pues en el mismo año que David Lynch realizaba algunos de los episodios de “Twin Peaks”, incluía otro de los temas que compusiera para Julee Cruise en la banda sonora de una película con la que se alzaría con la Palma de Oro en el festival de Cannes. Se trata del tema Up in Flames, al que sólo le ha puesto la letra y que en la película estaría interpretado por la reina del blues Koko Taylor. A lo largo de la película también se puede escuchar música adicional compuesta por David Lynch.

“Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted”

A petición del New Music American Festival David Lynch realiza la puesta en escena y grabación de un insólito espectáculo audiovisual para delicia de sus más fervientes admiradores. En un escenario postmoderno, postindustrial y postapocalíptico, Julee Cruise interpreta las canciones de su exitoso primer álbum. La puesta en escena le obligaba a hacerlo en las más inapropiadas condiciones, ya fuera en el maletero de un coche o suspendida en el aire como si fuera un ángel, no ya inspirado en aquella hada buena a la que Sheryl Lee diera vida en el final de “Wild at heart”, sino en el mismo tono del que Edward D. Wood Jr. imaginara en una de sus imposibles obras teatrales, que Tim Burton retrataba perfectamente en “Ed Wood”.

En el escenario se podía disfrutar de la presencia de Michael J. Anderson, conocido como el enano danzón de “Twin Peaks” entre cuyas tareas estaba serrar un leño. Y la versión editada del vídeo cuenta con la presentación de Laura Dern y Nicolas Cage, caracterizados como Lula y Sailor en “Wild at Heart”. Toda una delicia para un admirador sin complejos del universo artístico de David Lynch.

Twin Peaks: Fire Walk with Me

En 1992, David Lynch dirigía una incomprendida precuela que arrojaba tantas luces como sombras en la torturada vida de Laura Palmer. Como era de esperar la banda sonora estaba repleta de alusiones a la banda sonora de la serie original, así como al álbum de Julee Cruise, pero si Angleo Badalamenti aportaba nuevos temas, David Lynch no se quedaba atrás componiendo temas como A Real Indication y The Black Dog Runs at Night, además de incluir uno de los temas que aparecían en los últimos capítulos como Sycamore Trees. Aunque el más populares sería Questions in a World of Blue, que la propia Julee Cruise interpretaba en la película.

Until the End of the World

Lynch y Badalamenti producirían para Julee Cruise una versión de un tema de Elvis Presley, Summer Kisses, Winter Tears”, que sería incluido en la banda sonora de la película de Wim Wenders “Until the End of the World”. Este tema, junto con algunas canciones que habían parecido también en “Twin Peaks: Fire Walk with Me”, serían incluidos en el álbum *The Voice of Love. Segundo álbum de Julee Cruise en el que al igual que el primero, David Lynch no se limitara a componer temas y dirigir su manera de cantar, sino que también se encargaría de todo el aspecto gráfico de ambos álbumes.

Lost Highway

Tras otras incursiones televisivas, más o menos afortunadas como “On The Air” y “Hotel Room”, David Lynch retornaba al ruedo cinematográfico en 1997 con “Lost Highway”, para delicia de muchos y pesadilla de otros. Si la banda sonora de la película estaba producida por Trent Reznor, que componía el tema principal de la película The Perfect Drug, no incluido en la misma, sí que aparecían en ella temas de The Smashing Pumpkins, Marilyn Manson o Rammstein. Entre algunos otros temas, la banda sonora se completaba con composiciones de Barry Adamson y de Angelo Badalamenti, entre las que también se podía escuchar música adicional compuesta por David Lynch.

El tema que no aparecía en la banda sonora, pero sí en la película, sería la versión del tema compuesto por Tim Buckley, Song to the Sirens, aquí interpretado por Jocelyn Montgomery, quien también se vería sometida a las estrictas indicaciones del cineasta para interpretar el tema a su gusto, tal y como comprobaríamos en el documental “Pretty as a Picture”. Fruto de esa pequeña colaboración surgiría Lux Vivens, un álbum a mitad de camino entre el folk y el new ageen el que la cantante escocesa interpretaría canciones compuestas por David Lynch a partir de unos versos escritos en el siglo XII por Hildegard von Bingen.

Mulholland Drive

El siguiente paso de David Lynch sería componer en colaboración con John Neff tres de los temas de la fabulosa banda sonora de “Mulholland Drive”, Go Get Some, Pretty 50’s y Mountains Falling, que él mismo interpretaba. Con esta película se alzaría en 2001 con la Palma de Oro al Mejor Director en el Festival de Cannes, además de conseguir una nominación al Oscar en la misma categoría.

“The Company

No puedo arrojar mucha luz de la colaboración de David Lynch con Robert Altman en “The Company”, que sería la penúltima película dirigida por el cineasta de Missouri. Pero, parece ser que Lynch habría compuesto dos temas para la banda sonora de la película: White Widow y “The World Spins*. Por la música que se escucha en el trailer, no resulta raro que así fuera.

INLAND EMPIRE

En un salto triple y sin red, David Lynch prescinde de su colaborador por casi dos décadas, Angelo Badalamenti, para afrontar en solitario la banda sonora de su película de 2006, “INLAND EMPIRE”. Una banda sonora completamente postmoderna en la que es capaz de juntar a Nina Simone, Etta James y Little Eva con Beck y autroes de música clásica contemporánea como Krzystof Penderecki y Witold Lutoslawski, además de incluir cuatro temas: Ghost of Love, Polish Night Music No. 1, Walkin’ on the Sky y Polish Poem, que a excepción de este último también interpreta los otros tres.

Surveillance

La última incursión cinematográfica de David Lynch ha sido para su propia hija, la infame Jennifer Lynch, que tras torturarnos con “Boxing Helena”, volvía en 2008 al cine, para lo que le pedía a papá Lynch que le compusiera el tema Speed Roadster. Como podrán comprobar por el trailer, la chica no tiene ningún reparo, no sólo en tomar prestado el peculiar estilo de su padre, sino a la mayoría de actores y actrices que protagonizan sus películas.

Foto: 2 minutos e meio

De espejismo califico la secuencia del prólogo inicial en la que pareciera una declaración de intenciones para mantenerse en las mismas latitudes, entre el terror y la comedia, que su predecesora. Si en la siguiente secuencia comprobamos que la adaptación a la realidad social actual parece acertada a primera vista, al ubicar al protagonista en un impersonal complejo residencial en el que no hay sitio para la intimidad. Esa impersonalidad se extenderá a lo largo de toda la película para caer en uno de los mayores males del cine contemporáneo: las prisas.

Prisas porque desaparezcan vecinos, prisas porque no se cuestionen los vampiros, prisas porque desaparezcan sus propios amigos y que no lo cuestionen ¡ni sus propios padres!, prisas porque aparezca la acción, la sangre y, sobre todo, el fuego. Tantas prisas por todo, que al final no te da tiempo ni a que los personajes te caigan ni bien ni mal, no sólo perdiendo cualquier atisbo de sentido del humor, sino olvidándose del terror para terminar siendo una película más de acción.

Es lamentable comprobar como el director malgasta la mayor parte del reparto pues aunque Anton Yelchin o, incluso, Imogen Poots, defienden bastante bien sus personajes, da la sensación que Toni Collette está completamente desaprovechada y que Collin Farrell hubiera preferido coger su sueldo y que utilizaran efectos CGi para insertar su imagen al personaje. Si acaso, la única que me hace verdadera gracia es Sandra Vergara, protagonista de los únicos momentos de humor que tiene la película. La aportación de Christopher Mintz-Plasse no es que sea floja, es que su personaje es rotundamente patético y bastante alejado del estereotipo nerd que parecía querer representar.

Sí, hay guiños a la película original: diálogos prestados y descontextualizados, o la presencia de Chris Sarandon en una patética secuencia que la guionista no debía saber cómo concluir. ¿Como quien es la guionista? Marti Nixon. Responsable de no sé cuantas series de televisión, entre ellas “Buffy, the Vampire Slayer”. Acabáramos, es que ni siquiera era una película para adolescentes tipo “Twilight”, -a la que no sólo aluden de manera explícita, sino también implícitamente al pedir prestado al director de fotografía de dos de las entregas, Javier Aguirresarobe-, sino una película para público infantil, tipo “I Am Number Four”, guión escrito por la misma señora (o señorita). Lleven a sus sobrinos, porque en realidad, sexo, sexo, no hay. O por lo menos nada que no hayan visto ya en televisión.

No, si voy a tener que darle la razón a Gus Van Sant y al final va a resultar que o escogen aun director con verdadera y auténtica personalidad que no se limite a realizar el mismo producto adaptado a las nuevas generaciones, o lo mejor es hacer la misma película plano a plano con actores taquilleros, que en el fondo es el único objetivo de un remake: volver a hacer dinero con material rentable.

Estados Unidos / Argentina

• “Don’t Be Afraid of the Dark” (Estados Unidos, Australia, México, 2010) Género: Terror, Thriller. Director: Troy Nixey. Reparto: Katie Holmes, Guy Pearce, Bailee Madison. Argumento: Al ser descuidada por su madre, una introvertida niña de nombre Sally es enviada a vivir con su padre y su nueva novia. Su nuevo hogar, una mansión, guarda un secreto: unas criaturas que buscan reclamarla como una de los suyos. Sally deberá de convencer a su familia sobre la presencia de estos seres antes de que sea demasiado tarde. En Extracine: Tráiler | Tráiler | Blockbusters: Agosto 2011

Estados Unidos

• “Our Idiot Brother” (Estados Unidos, 2011) Género: Comedia. Director: Jesse Peretz. Reparto: Paul Rudd, Elizabeth Banks, Zooey Deschanel. Argumento: Ned es enviado a la cárcel por posesión de marihuana y, al ser liberado en corto por buen comportamiento, regresa a casa para descubrir que su novia le ha dejado (y se llevó su perro). Sin hogar y sin empleo, invade a cada una de sus hermanas, repartiendo caos en sus vidas. En Extracine: Tráiler

• “Colombiana” (Estados Unidos, Francia, 2011) Género: Acción, Aventura, Drama, Thriller. Director: Olivier Megaton. Reparto: Zoe Saldana, Michael Vartan, Callum Blue. Argumento: Una joven crece para ser una asesina a sangre fría después de presenciar el asesinato de sus padres, siendo tan sólo una niña en Bogotá. Ella trabaja para su tío como una sicaria, pero toma su tiempo como vigilante con la esperanza de que esto le lleve a su objetivo final: el gángster responsable de la muerte de sus padres. En Extracine: Tráiler

España

• “Final Destination 5” (Estados Unidos, 2011) Género: Terror, Thriller. Director: Steven Quale. Reparto: Nicholas D’Agosto, Miles Fisher, Arlen Escarpeta. Argumento: Un joven tiene una premonición sobre el colapso de un puente colgante, accidente el cual se convierte en una tragedia al cobrar la vida de varias personas. Cuando su premonición está apunto de convertirse en realidad, Sam y otros tantos evaden la muerte. Sin embargo, al poco tiempo, su novia y él descubren que la muerte persigue a todos los sobrevivientes del evento. En Extracine: Blockbusters: Agosto 2011 | Video: todas las muertes de la saga

México

• “Cowboys & Aliens” (Estados Unidos, 2011) Género: Acción, Ciencia Ficción, Thriller, Western. Director: Jon Favreau. Reparto: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde. Argumento: Un forastero aparece en un pueblo desértico, sin memoria alguna de su pasado. Su única pista para saber quién es un misterioso artefacto que lleva en su muñeca. La gente de Absolución no le da la bienvenida a extraños y nadie se mueve hasta que sea ordenado por el Coronel Dolarhyde. Pronto el pueblo experimentará el miedo, como nunca antes, cuando es atacado por seres que vienen del cielo, en naves que alcanzan una velocidad impresionante, equipadas con luces que se llevan a todo aquel que sea señalado. El extraño, que en su momento señalaron, es su única esperanza para la salvación; con ayuda de Ella forman un grupo que peleará en contra de un enemigo en común, en una batalla épica por la supervivencia. En Extracine: Crítica | Detrás de Cámaras | Tráiler | Blockbusters: Julio 2011

• “The Whistleblower” (Alemania, Canadá, 2010) Género: Drama. Directora: Larysa Kondracki. Reparto: Rachel Weisz, Vanessa Redgrave, Monica Bellucci. Argumento: Kathy es una oficial de policía estadounidense, quien toma un trabajo con las Fuerzas de Paz de las Naciones Unidas en la post guerra de Bosnia. Sus expectativas de ayudar a la reconstrucción de aquel devastado país se desvanecen cuando descubre la peligrosa realidad de la corrupción, el encubrimiento y la intriga en medio de un mundo de empresas privadas y diplomáticos con doble discurso. En Extracine: Tráiler | Tráiler Internacional

• “Rise of the Planet of the Apes” (Estados Unidos, 2011) Género: Acción, Ciencia Ficción, Drama, Thriller. Director: Rupert Wyatt. Reparto: James Franco, Freida Pinto, Andy Serkis. Argumento: Will Rodman es un cientifico, residente de la actual San Francisco, que trabaja en la búsqueda de una cura para el Alzheimer, esto realizando pruebas en simios. El primer sujeto a prueba es un chimpancé de nombre Caesar, cuyos padres fueron capturados en Africa. La cura de Rodman no sólo repara las células del cerebro, como lo esperado, también modifica genéticamente su forma de pensar, creando una nueva raza de simios con inteligencia similar a la de los seres humanos. Así nace una guerra entre monos y humanos por la supremacía. En Extracine: Crítica - Luis M. Álvarez | Crítica | Tráiler | Tráiler | Blockbusters: Agosto 2011 Estreno limitado.

Argentina

• “Horrible Bosses” (Estados Unidos, 2011) Género: Comedia. Director: Seth Gordon. Reparto: Jason Bateman, Kevin Spacey, Jennifer Aniston. Argumento: Tres amigos, Nick Hendricks, Dale Arbus y Kurt Buckman, odian a sus respectivos jefes profundamente. Cuando se dan cuenta que son un obstáculo para su felicidad, conspiran el asesinato de cada uno de ellos. «Aunque la película tiene sus grandes momentos, salvado el inconveniente de la verosimilitud, podría haber llegado a ser una curiosa comedia, si no fuera porque llegados a un punto ninguno de los tres guionistas de la película no sabían realmente por dónde seguir» — Luis M. Álvarez. En Extracine: Crítica | Carteles | Tráiler

• “Balada Triste de Trompeta” (España, Francia, 2010) Género: Comedia. Director: Álex de la Iglesia. Reparto: Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang. Argumento: Durante la guerra civil, unas tropas interrumpen la función de un circo, con el fin de reclutar a los empleados a unirse a la lucha. Tiempo después, dos payasos luchan por el amor de una trapecista. «» En Extracine: Crítica - Luis M. Álvarez | Crítica - Carlos Sanz | Teaser Tráiler | Goya 2011: nominada a mejor película

• “I Am Love” (Italia, 2009) Género: Drama, Romance. Director: Luca Guadagnino. Reparto: Tilda Swinton, Flavio Parenti. Argumento: Una trágica historia desarrollada en el cambio del milenio en Milán. La historia muestra la caída de la burguesía debido a la fuerza de la pasión y el amor incondicional. «Es una historia exquisita, deliciosa y sabrosa que, cocinada con mimo y esmero por Luca Guadagnino, ofrece una prodigiosa y maravillosa interpretación de Tilda Swinton.» — Luis M. Álvarez. En Extracine: Crítica | Tráiler

IMPORTANTE: Estos estrenos quedan sujetos a cambios.

Pedro Almodóvar presentó ayer en Madrid “La piel que habito”. Un pase de prensa inusual pues no había ningún periodista, sólo blogueros. En un detalle hacia los asistentes, el propio director acudió para presentar la película. Consciente de que su apuesta es muy arriesgada nos pidió que no escribiéramos inmediatamente lo que opinábamos de la película, sino que dejáramos que reposara, para escribir a la mañana siguiente. Sugerencia que he seguido, pero que mucho me temo, en mi caso, tan sólo ha servido para confirmar mi sentimiento al concluir la película. Y si acaso para aplacar el ataque de ansiedad que sufrí ante tamaña patraña.

A pesar de que tenía mis reservas sobre “La piel que habito”, particularmente por las similitudes que guardaba con “Les yeux sans visage”, la película de George Franju, y agradecido también por el detalle de Pedro, me decidí a disfrutar de la película asumiendo que iba a ver muchas referencias cinematográficas. Debo decir que en ese sentido la película me sorprendió pues habiendo referencias, consigue que sólo permanezcan en la tesitura del homenaje visual, pero no argumental. Quizás por eso me sorprende otro tipo de referencias más profundas, que Almodóvar se guarda muy bien de mencionar, pero que me parecen bastante más interesantes, como la fuerte influencia de “The Silence of the Lambs” y ese traje que Buffalo Bill (Ted Levine) pretendía hacerse con la piel de las jóvenes que secuestraba, para hacerse su propia traje de mujer en el que habitar.

Una de las características que también destacan de “La piel que habito” es que, en consonancia con su deseo de hacer una película cerrada y claustrofobia, el cineasta manchego consigue despojarse de todo rastro de su característico séquito de chicas Almodóvar, puliendo su discurso como nunca hasta ahora había conseguido, salvo cada vez que muestra imágenes en un televisor en donde aflora su regusto hortera y kitsch. De hecho, pareciera que en “La piel que habito” conviven visualmente esos dos polos que parecen atraer de siempre al cineasta consiguiendo un entorno tan clásico y castizo como moderno y contemporáneo, aunque acaban colándose elementos como el disfraz de tigre de Zeca (Roberto Álamo). Y es que, si hasta el momento en que irrumpe este personaje en acción, estaba realmente expectante al transcurso de los hechos, a partir de ahí todo se desmorona para un servidor.

En sus películas recientes, Pedro Almodóvar, retomaba el discurso de algunas de las películas de su primera etapa. En “La mala educación” volvía sobre “la ley del deseo”, en “Volver” regresaba al universo de “Qué he hecho yo para merecer esto”, en “Los abrazos rotos” se reencontraba con sus “Mujeres al borde de un ataque de nervios”. Aprovechando a Antonio Banderas, regresa sobre la premisa de “Átame”, sobre la que planeaba la alargada sombra de “The Collector”, la fabulosa película de William Wyler en la que un joven trastornado secuestra a una jovencita con la intención de que se enamore de él, tanto como él lo está de ella. No es mi intención desvelar los entresijos de “La piel que habito”, pero pareciera que en un retorcido e insólito giro de tuerca y adelantándose al “Carnage” de Roman Polanski, Almodóvar quisiera difuminar las fronteras entre delito y castigo, víctima y criminal. Equivocándose rotundamente en las formas pues al alterar el orden en el que suceden los hechos, no consigue más que hacer predecible un patético desenlace.

Eso sí, se agradece que el tono no sea grandilocuente y que ciertamente nos encontremos ante una película humilde y nada pretenciosa. Quizás sea que traspasa la pantalla el desmesurado esfuerzo del cineasta por lograr sus objetivos, aunque resulta batante lamentable notar que pretenda refugiarse en el manido discurso de que a un artista le está permitido todo en aras de su arte. Se empeña en mostrar referencias como autores, libros y artistas, como si la validez de estos fuera a extrapolarse a su propia obra. Incluso se refugia en los espléndidos graffitis de su personaje, que llega a escribir “Me refugio en el arte”. Cierto es que le exigimos demasiado, pero, es lo que tiene haberse convertido en el cineasta español más internacional del panorama contemporáneo -con Alejandro Amenábar no sería, desde luego, tan considerado.

A pesar de que Elena Anaya y Marisa Paredes se entregan, como cabía esperar, en cuerpo y alma, Almodóvar se equivoca en el reparto. Sólo en uno. Pero queda patente en la secuencia que comparten Antonio Banderas y Eduard Fernández que sus respectivos lugares en la mesa en la que se encuentran están cambiados. Un actor como Eduard Fernández está mucho más capacitado para transmitir la complejidad de un personaje como Robert Ledgard, a mi entender, marido descuidado, padre negligente y médico desquiciado. Las caras que pone Antonio Banderas no llega más que a dibujar una caricatura que no beneficia en nada a las pretensiones del cineasta. Se equivoca sobremanera, no con Roberto Álamo, que defiende bastante bien su patético personaje, Zeca, el brasileño salvaje disfrazado de tigre, sino al introducirle disfrazado de esa manera, evidenciando la artificialidad de la historia, y obligándole después a realizar todas esas inverosímiles acciones a las que le obliga.

Despistan pequeños detalles como la ubicación de la historia ¿es realmente importante que transcurra en Toledo? ¿Entonces por qué leen La Vanguardia? Si en el Círculo de Bellas Artes están celebrando el carnaval, entiendo que estamos en febrero, pero parece que Toledo se encuentra en el hemisferio Sur y es verano. Pero esto son menudencias comparado con las tremendas elipsis que sujetan con pinzas lagunas que, quizás, habrían ayudado a entender las decisiones de algunos personajes si las hubiera mostrado. No quiero ni voy a revelarlas, dejaré que las descubran ustedes.

La banda sonora compuesta por Alberto Iglesias me encanta, es molona y supercontemporánea. Pero no la entiendo dentro de la película. Al igual que ese empeño en mostrar acción y pistolas como si estuviéramos en el viejo oeste. También se equivoca con el director de fotografía, José Luis Alcaine, cuya luz no parece aportar lo que realmente necesita la película, más sombras que luz. Desde luego la supuesta influencia expresionista no la veo por ninguna parte. Aunque gran parte de la falta de conexión debe proceder de José Salcedo, montador de la película, que quizás alarga demasiado momentos expresivos, que acaban por caer por su propio peso.

Pareciera que Pedro Almodóvar quisiera mostrarnos lo más bajo a lo que puede llegar el ser humano, pero sólo consigue mostramos el peldaño más bajo de toda su filmografía. El final me da risa, mucha risa y vergüenza, mucha vergüenza. Intuyo que no nos llaman para la próxima.

Truman Capote era escritor y periodista. Homosexual y narcisista. Excesivo y depresivo. “Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio.”, frase en la que Capote se definió sin dobleces, ni miedos. Nacido en 1924 en Nueva Orleans falleció al otro lado del país, en Los Ángeles, hot hace 27 años. Se crió en el sur pero estudió en Nueva York y, con 17 años, ya trabajaba para The New Yorker. Su primera novela, Other Voices, Other Rooms, se publicó en 1948, cuando Capote contaba con 23 años. Está considerado como uno de los mejores escritores norteamericanos del pasado siglo.

Artículos, reportajes, novelas, relatos cortos o guiones. Capote abordó diferentes estilos. Además cultivó amistades entre la aristocracia neoyorquina y las estrellas de cine. Su relación con el mundo del celuloide es amplia y variada. Tal y como veremos a continuación.

Adaptaciones de sus novelas

“A Christmas Memory” (1966) recoge las experiencias infantiles de Capote. Fue adaptada para la televisión por él y también ejerció de narrador de la historia. Geraldine Page ganó un Emmy por su papel en esta película. En 1997 hubo un remake dirigido por Glenn Jordan y protagonizado por Patty Duke y Piper Laurie.

Existe una secuela de “A Christmas Memory” titulada “The Thanksgiving Visitor”, también narrada por Capote, y por la que Page volvió a ganar un Emmy.

La obra más conocida de Truman Capote es In Cold Blood (1966) donde aúna literatura y periodismo para contar el asesinato de la familia Clutter a manos de dos hombres. Como bien diría Capote con respecto a esta tragedia “no murieron cuatro personas en aquel crimen; fueron seis”. La investigación para dicha novela fue ardua, cinco largos años más otros dos para poder escribir una obra que abrió las puertas al llamado nuevo periodismo. La novela fue llevada al cine en 1967 por Richard Brooks. El reparto de “In Cold Blood” estaba formado por Robert (Bobby) Blake, Scott Wilson y John Forsythe. Brooks consiguió filmar en la casa de los Clutter y en otras zonas de Holcomb, Kansas.

En 1996 Anthony Edwards, Eric Roberts y Sam Neill encabezaron el reparto de una miniserie basada en la inmortal obra de Capote y que fue dirigida por Jonathan Kaplan.

“The Grass Harp” es una novela corta escrita en 1951, se convirtió en obra de teatro tres años más tarde y en 1995 fue llevada al cine. La cinta fue dirigida por Charles Matthau, hijo del gran Walter Matthau y contaba con un reparto espectacular: Sissy Spacek, Piper Laurie, Edward Furlong, Walter Matthau, Jack Lemmon, Mary Steenburgen, Roddy McDowall, Sean Patrick Flanery y Mia Kirshner. Todo ocurre en un pequeño pueblo de Alabama durante los años treinta. Collin (Furlong) llega para vivir con sus tías tras la muerte prematura de sus padres. Las dos excéntricas mujeres son muy diferentes entre sí. En ese idílico y único lugar, Collin descubre su vocación literaria y empieza a escribir. Una película pequeña, con un ritmo pausado y unos magníficos paisajes.

La novela Desayuno en Tiffany’s se publicó en 1958, tres años más tarde, en 1961, sería llevada al cine por Blake Edwards. La historia de Holly Golightly, interpretada por Audrey Hepburn, fue un rotundo éxito. Aunque el autor de la obra nunca aprobó los numerosos cambios que sufrió la historia. Pero ¿quién no recuerda a la encantador Holly cantando Moon River?

En 1972, Alan Alda protagonizó “The Glass House” , la historia de un brillante profesor universitario que termina en una prisión de máxima seguridad y debe aprender a vivir en ese mundo. La película se filmó en la prisión estatal de Utah y varios presos reales participaron en la cinta. Se trata de la adaptación de un cuento de Capote dirigida por Tom Gries.

La primera novela de Truman Capote fue adaptada en 1995. “Other Voices, Other Rooms” es un historia semiautobiográfica en la que niño busca a su padre. Una saga sureña que se inicia cuando la madre del chico muere y es enviado a vivir con su padre. Pero cuando llega al lugar no es recibido por su padre sino por unos extraños personajes que tratan de hacerle sentir a gusto en la casa.

“Children On Their Birthdays” (2002). Otra historia corta del autor situada en Medda, Alabama a finales de los años cuarenta. Fue dirigida por Mark Medoff. Trata sobre un chico de trece años, Billy Bob Murphy, que vive con su madre. Su mejor amigo y él empiezan a competir por la atención de una chica que ha llegado al pueblo recientemente. Además la madre de Billy empieza a salir con el mecánico del lugar, cosa que desconcierta al niño.

Guiones escritos por Capote

“Beat the Devil” es una película dirigida por John Huston en 1953. El guión fue escrito a dos manos por Huston y Capote, y parece que se inspira, aunque muy libremente, en la novela homónima de Claud Cockburn. Se trata de una parodia de las películas de cine negro. En ella un grupo de estafadores planea el golpe de su vida, hacerse con unos terrenos en África ricos en uranio. El reparto estaba encabezado por Humprey Bogart, Gina Lollobrigida y Peter Lorre.

Escribió el guión de la película “The Innocents” (1961) de Jack Clayton y en 1971 escribió un guión basado en El Gran Gatsby, la novela de F. Scott Fitzgerald. Sin embargo Paramount Pictures lo rechazó.

Actor

En 1976 participó como actor en “Murder By Death” (Robert Moore) divertida parodia del cine de detectives. En ella daba vida a un millonario llamado Lionel Twain que reune en su mandión a los detectives más brillantes del mundo:Jessica Marbles (Elsa Lanchester), Sidney Wang (Peter Sellers), monsieur Perrier (James Coco), Sam Diamond (Peter Falk) y Dick Charleston (David Niven). El mayordomo ciego, un personaje para el recuerdo, interpretado por Alec Guinnes les acomoda en la casa. En la cena, Twain les informa de que a las doce de la noche habrá un asesinato y que quien resuelva el caso ganará un sustancioso premio. El muerto es el anfitrión y todos son sospechosos pues mantenían algún tipo de relación con él.

En la inmortal “Annie Hall” (1977) hay una escena en la cual Alvy (Allen) y Annie (Diane Keaton) observan a la gente en el parque. En un momento Alvy dice: “Oh mira, ahí tienes al ganador de Quién se parece a Truman Capote”. El hombre al que señala es realmente Truman Capote.

Biopics

En menos de un año aparecieron en cartelera dos películas sobre Truman Capote. La primera, titulada “Capote” (2005) fue un rotundo éxito. Su protagonista, Philip Seymour Hoffman ganó el Oscar por su hipnotizante trabajo. La película se centra en la investigación del escritor para su libro A Sangre Fría. Capote a través de varias entrevistas desarrolla una relación bastante cercana con los asesinos, en especial con Perry Smith.

En 2006 apareció “Infamous”, donde Toby Jones también se mimetizaba con Capote y Sandra Bullock se ponía en la piel de la escritora Harper Lee. Desgraciadamente esta película no tuvo tanto éxito como la anterior y eso que aportaba un interesante punto de vista sobre el escritor. No sólo veíamos como investigaba el caso Clutter en Kansas sino también como se desenvolvía como pez en el agua entre la alta sociedad de Nueva York. La película es una adaptación de la novela Capote: In Which Various Friends, Enemies, Acquaintances and Detractors Recall His Turbulent Career (1997) de George Plimpton.

Documentales sobre Truman Capote

Existe un documental de casi media hora titulado “With Love from Truman” y que data de 1966. Fue realizado por David and Albert Maysles y Charlotte Zwerin. Se trata de una entrevista a Capote en su casa de Long Island. En ella el escritor habla sobre In Cold Blood, sobre su relación con los asesinos y su opinión sobre el caso. También se le ve con Alvin Dewey y su esposa durante su primera visita a Nueva York. Dewey fue el invesgidor principal en el caso Clutter.

En el 2004 se emitió un documental titulado “Truman Capote: The Tiny Terror” que forma parte de una serie de la cadena A&E dedicado a Biografías.

Foto: Las cosas de Boris

Ayer mismo hablaba en la sección de Confieso: no soporto sobre el estado actual de la industria cinematográfica estadounidense, concretamente de la intención de la mayoría de los estudios de Hollywood de vivir de viejas glorias, de reducir su repertorio de producciones a secuelas, precuelas, remakes y demás. Pero también hay que reconocer, aparte de que aún durará bastante tiempo, que hay otras películas que podríamos englobar dentro de este grupo que realmente están justificadas, que merecen la pena ser realizadas y que aportan algo más a la saga a la que pertenecen.

Por supuesto, suelen ser una mínima parte del total de estas producciones, pero las hay, y uno de los ejemplos más recientes que podemos encontrar es “Rise of the Planet of the Apes”. Ideada como una precuela donde se nos narran los hechos que acontecen antes de la cinta del 68 protagonizada por Charlton Heston, es decir, cómo los simios llegaron a dominar al ser humano y por lo tanto a hacerse dueños y señores de la Tierra, tenía la difícil tarea de encontrarse a la sombra de una cinta ya clásica como es la de Heston, algo que siempre supone un reto para cualquier espectador.

Las comparaciones iban a ser inevitables, aunque no de la misma manera que sucedió con el remake de Tim Burton de hace ya 10 años puesto que no se trataba de rehacer una película ya existente, sino de contar la historia previa. Sin embargo, mientras que la cinta de Burton suspende, la de Rupert Wyatt aprueba con nota. Y es que el realizador británico tiene mucho que dar con esta cinta, que podría existir perfectamente independiente al resto de la saga. Evidentemente se entiende mejor si se tiene en cuenta la obra del 68, pero también se puede entender como un ente en sí mismo, como una obra con principio y final sin necesidad de tener nada más.

Wyatt toca muchos temas de actualidad en su película: la investigación con células madre, la crueldad hacia los animales, las ansias económicas de las grandes multinacionales o la lucha contra la opresión de los, a priori, más débiles. Todo ello se reúne bajo un mismo discurso muy bien estructurado, con un objetivo claro que se va desarrollando poco a poco según lo va requiriendo la trama, y con un sentido del ritmo magistralmente dominado para que el discurso no decaiga en ningún momento, para que el espectador quede hipnotizado desde el primer minuto.

Sin embargo, si hay algo que achacar a la película, son los personajes. El guión está muy bien ideado en cuanto a la evolución que sufre el protagonismo que le da a sus personajes. Al principio son los humanos los que acaparan el protagonismo de la cinta, centrándose en sus inquietudes, sus metas y cómo pretenden llegar a ellas. Hacia la mitad del metraje ya nos encontramos con que los simios han tomado un protagonismo más relevante, que se hace abrumador al final de la cinta. Pese a esta buena distribución de los roles importantes, los personajes no están tan individualizados como nos pretenden dar a entender.

Tanto James Franco como Freida Pinto tampoco están demasiado acertados en sus interpretaciones, pero es que el guión no les permite hacer mucho más. El primero ya ha demostrado su potencial interpretativo, pero esta vez queda relegado a un segundo plano, donde demuestra que no se desenvuelve tan bien. Al actor le ha ocurrido casi siempre lo mismo cuando ha tenido un papel secundario en vez del protagonista. El caso de Pinto es ya demasiado: no queda sólo relegada a un segundo plano sino que más bien parece un mueble más de la sala, un ente que no interviene de ninguna manera en ninguna subtrama y que sólo está justificada como la chica del protagonista.

Un caso especial es el de Andy Serkis. ¿Cómo se puede conseguir una interpretación tan buena cuando estás rodeado de sensores de movimiento que luego dan lugar a una imagen digitalizada de un simio? Sin embargo ahí está y Cesar consigue acaparar la atención cada vez que está en pantalla, por sus movimientos y sus expresiones, convirtiéndose en el elemento más destacable de la cinta. A esto también debe mucho el gran trabajo de los efectos visuales, que hacen mucho más verosímil no sólo la apariencia de los simios sino también la sensación de que puedan transmitir sentimientos como si de un ser humano se tratase.

Si a esto le unimos unas escenas de acción sorprendentes, perfectamente ejecutadas y con unos movimientos de cámara complejos pero muy bien ejecutados, el resultado es una obra muy entretenida, que tiene mucho más de lo que parece y que consigue que el espectador se marche de la sala satisfecho con el resultado final. Es verdad que no decae en ningún momento gracias a su aspecto visual, pero también es de agradecer que cintas como esta contengan mensajes y una idea que van más allá de lo que vemos en pantalla.

Fotos: BlogDeCine, NewYorkGossipGal & TheChairOfFame

¿Y todo esto por qué? Es normal que para la industria más potente de Occidente sea muy difícil mantener el listón que se ha creado durante todos estos años de producciones y demás, y sobre todo que tenga que mantener el ritmo no sólo en cantidad sino también en calidad de películas que tienen que hacer llegar a los ávidos espectadores de todo el mundo. Sin embargo creo que se están sobrepasando un poco ante la falta de ideas que muestran la mayoría de los estudios, sobre todo de ideas originales, que aún puedan sorprender al público sin la necesidad de utilizar efectos visuales y demás material para conseguirlo.

Esto no tenía por qué ser un elemento negativo de la industria si sólo se produjera en algunas producciones puntuales. Sin embargo lo que podemos comprobar en las carteleras es que hay una saturación de este tipo de obras que sobrepasa cualquier límite. Actualmente, y durante los próximos años, nos vamos a encontrar con una sobreexplotación de las cintas de superhéroes de la que los mayores beneficiados van a ser los ejecutivos de la Marvel, que comprobarán como la gran mayoría de sus personajes tendrán su propia versión cinematográfica (ya ser en solitario o en conjunto), y que además de eso dejará sus muy jugosos ingresos en taquilla.

Este es otro punto, porque si las productoras siguen haciendo estas películas es porque producen los beneficios suficientes en taquilla como para luego seguir con las secuelas necesarias. Entonces podríamos decir que son los espectadores los que han generado esta situación de salas saturadas de superhéroes y grandes producciones. ¿O han sido los propios estudios los que han obligado al público a elegir estas películas porque no dejan más opciones dentro del circuito comercial? Este es sin duda un debate con difícil solución puesto que ambas opciones lleva la una a la otra, sin embargo la clave está en adivinar cuál se dio primero.

En cuanto al por qué Hollywood actúa de esta manera, la razón es evidente: el dinero. Cualquier persona con un poco de sentido común sabe que la industria cinematográfica norteamericana se rige por los beneficios de taquilla, porque al fin y al cabo se ve como un negocio más que como el arte que es, así que lo que principalmente interesa son los beneficios de taquilla. Sin embargo ¿por qué desde Hollywood creyeron que con estas adaptaciones conseguirían sobrellevar mejor la crisis económica? Como ya comenté en mi artículo al respecto, la CBS realizó un estudio preguntándose lo mismo y un analista al que cuestionaban nos dejaba algunas perlas que nos servían para entender mejor esta situación.

Sin embargo, de todas las cosas que decía había una que encaja muy bien con lo que quiero comentar en este artículo, y es que Hollywood utilizaba iconos de otras disciplinas, personajes e historias ya asentados en medios distintos al cine, por lo que ya tenían esa parte ganada con los espectadores cuando se realizan las adaptaciones. Es decir, que el público ya conoce esos personajes y sus historias y por lo tanto acudirá masivamente para ver la adaptación de su superhéroe a la gran pantalla, pese a que no tengan esperanzas de encontrarse con una gran obra. Por eso justificaba el analista a los espectadores que se pasaban horas esperando para comprar entradas para, por ejemplo, la última cinta de “Harry Potter”.

Por supuesto, no todas las cintas que entran dentro de este grupo son completamente innecesarias, o incluso prescindibles. Si no existieran reboots de cintas antiguas nunca habíamos podido saborear la maravillosa trilogía de Christopher Nolan sobre Batman (mientras esperamos a la última entrega). Pero este es sólo uno de los pocos casos salvables.

Igualmente es comprensible que desde Hollywood prefieran coger el camino fácil y simplemente realizar adaptaciones de cómics, secuelas o remakes, pero también creo que todo tiene un límite y no pueden dedicar la mayor parte de su producción a este tipo de obras. Aunque mientras la gente siga acudiendo a las salas a verlas…

Fotos: Cinedor, io9 & HistoryGuy

Entonces ¿dónde está el problema? Pues dónde va a ser, en el guión que ha escrito en colaboración con Nia Vardalos. Empezando por lo larga que es la presentación de la película, pues está claro que no estamos ante una película social sobre la manera de enfrentarse a la crisis económica, ni sobre el drama del primo lejano de “Forrest Gump” que debe volver a la escuela para medrar en la vida. No, estamos ante una comedia romántica cuyo argumento no arranca del todo hasta que no aparece en escena su antagonista femenina.

Además pareciera que Nia Vardalos estuviera anclada en el pasado haciendo que la película se vuelva en un trasnochado “Grease 2” para cincuentones en el que Larry Crowne no sólo vuelve a la escuela, sino que debe ser una especie de retarded que necesita involucrarse con un grupo de pandilleros ¿¡especialistas en feng shui!?, que no sólo le cambian la decoración de su casa, sino que le renuevan el vestuario. Luego en lugar de matricularse en la Universidad le hubiera bastado con irse a cualquier barrio marginal… Estoy hecho un lío, ¿qué película es esta? ¿Tendría Tom Hanks ilusión por salir conduciendo una moto?

Salvando el hecho de que la clase que imparte la señora Tainot (Julia Roberts) es más propia de un taller para la tercera edad que de un curso universitario, y que la premisa de la película es totalmente errónea porque si comienza perdiendo su trabajo a causa de su bajo nivel cultural, posteriormente veremos que un colega perderá también el trabajo a pesar de reunir las condiciones necesarias para su puesto. Además, él consigue un trabajo a mitad de la película, con lo cual, el mensaje de la película no era estudia para asegurarte un futuro. ¿Será que el mensaje era si no tienes pareja matricúlate en la Universidad que si no te gusta tu compañera de clase igual te ligas a la profesora? Y lo peor de todo es que al final, los dos personajes principales no me caen mal. Estoy confundo, ¿debería pedir cita con el médico?

No cabe duda que a pesar de las innegables lagunas del guión de la película, la responsabilidad del desastre final recae en el propio Tom Hanks, protagonista, director, co-guionista y co-productor de la película, que debería aplicarse aquello de que “quien mucho abarca poco aprieta”. Quizás se dejó llevar por las previsiones realizadas por algún productor ejecutivo que viendo los resultados económicos de algunas de las películas de Nia Narvados, sumadas a los de las protagonizadas por Tom Hanks y multiplicadas por las de Julia Roberts, consideraba que la película iba a ser un éxito seguro. Pero lo cierto es que la película sólo sería soportable en una de esas cadenas de televisión en las que intercalan publicidad cada quince minutos, en bloques de diez, de manera que cada vez que volvieses sobre la película te hubieses olvidado de lo que estabas viendo.

Tras una interesante carrera como guionista, en filmes como “Adorable”, para William Dieterle, “One Exciting Adventure”, para Ernst L. Frank, o “Music in the Air”, para Joe May; realizaría su debut en a dirección cinematográfica con “Mauvaise Graine”, en 1934, aunque antes de continuar con su carrera como cineasta con “The Major and the Minor”, todavía tendría que escribir grandes guiones para Raoul Walsh (“Under Pressure”), Howard Hawks (“Ball of Fire”), Mitchell Leisen, para quien se prodigaría en tres películas como “Midnight”, “Hold Back the Dawn” y “Arise, My Love”, así como para Ernst Lubitsch con los guiones de “Bluebeard’s Eight Wife” o “Ninotchka”, motivo por el que se le conocería después como el sucesor de Lubitsch, dado que continuaría con su famosa tradición cómica y, sobre todo, satírica.

Si la década de los cuarenta le daría la posibilidad de hacer “Five Graves to Cairo” en un ambiente anti-nazi y algo propagandístico, en seguida marcaría su distancia con cineastas patrióticos y derechones para comenzar un ciclo en el que haría una profunda y crítica reflexión sobre los géneros establecidos a principios de la década de los treinta por Hollywood, gracias a un filme tan extraordinarios como “Double Indemnity”, que haría que se le incluyese en lo que se dio en la llamar los cineastas de la “generación perdida”, junto a Elia Kazan, Fred Zinnemann o John Huston. Una nueva generación de cineastas que no les bastaba con ese retrato de la realidad estereotipado por los géneros tradicionales de Hollywood, sino que necesitaban mostrar que ni los malos eran tan malos, ni los buenos tan buenos, a través de unos personajes muchos más complejos psicológicamente.

Fruto de esa corriente crítica, y tras filmes no menos excepcionales como “The Lost weekend” o “A Foreign Affair”, Billy Wilder estrena en 1950 “Sunset Boulevard”. Una de sus inmortales obras maestras en la que arrojaba una jarro de agua fría sobre la autocomplaciente sociedad dedicada al cine en Hollywood a la que responsabilizaba de sus propios monstruos. Una película que continúa influyendo en cineastas contemporáneos, como David Lynch, que no sólo le hacía un homenaje en “Mulholland Drive”, sino que utilizaba su mismo precepto como base de su película, al estar igualmente narrada desde el punto de vista de un personaje muerto, que en le caso de la película de Wilder, vendría a confirmar que el modelo clásico de Hollywood estaba igualmente muerto, como se comprobaría poco después con las transformaciones en el cine estadounidense y la irrupción de la generación de la televisión, el resurgimiento del cine independiente y lo que se daría en llamar en New American Cinema.

Protagonizada por Gloria Swanson, como Norma Desmond, trasunto de la propia actriz en un principio, pues igual que su personaje también fuera estrella de la época del cine mudo, no siendo capaz (el personaje que no la actriz) de sobreponerse a la llegada del sonoro, encerrándose en su mundo de recuerdos y en sí misma, para perder la cabeza y el contacto con la realidad progresivamente; William Holden, como el ambicioso guionista Joe Gillis, que representaba el lado ambicioso y oportunista de Hollywood capaz de aprovecharse de las desgracias ajenas con tal de conseguir sus objetivos; Nancy Olson, como Betty Schaefer, ejemplo de las nuevas generaciones que ya no tenían una mirada mitificada sobre Hollywood, sino que lo veían como un conglomerado de cartón piedra en el que sólo la profesionalidad era sinónimo de trabajo seguro; y Erich von Stroheim, terrorífica distorsión de lo que Hollywood era capaz de hacer con quien había sido el más grande director del cine mudo, como demuestran obras como “Foolish Wives”, “Greed”, “The Merry Widow”, “The Wedding March” o “Queen Kelly” —protagonizada por la propia Gloria Swanson, cuyas imágenes aparecen en la propia película a sugerencia del propio Stroheim—, quien vería truncada su carrera como cineasta por obra y gracia de la estupidez e incomprensión de Irving G. Thalberg, que sabría mucho de economía, pero poco de cine y mucho menos de humanidad, pero al que Hollywood, con su habitual ausencia de memoria histórica, reconociera sus (discutibles) logros dando su nombre a uno de sus premios honoríficos.

En un competitivo año en el que se presentaban filmes como “All About Eve”, “Harvey”, “The Asphalt Jungle”, “The Third Man”, “Born Yesterday”, “Panic in the Streets”, “Adam’s Rib” o “The Men” y partiendo con once nominaciones a los premios Oscar, “Sunset Boulevard” tan sólo se llevó tres correspondientes a la Mejor Dirección Artística y Decorados, Mejor Banda Sonora para Franz Waxman y Mejor Guión Original que compartieron Charles Brackett, D. M. Marshman Jr. y el propio Billy Wilder.

Muchos son los escalofriantes momentos para recordar de “Sunset Boulevard”, desde la primera aparición de Norma Desmond, después de haber confundido a su intruso con el enterrador al que había llamado para proporcionar un ataúd digno a su mono; las sesiones cinematográficas en las que obliga a su forzado novio y guionista a presenciar sus propias películas mudas; o hasta su última aparición con la impresionante bajada por las escaleras, totalmente arrebatada en un delirio que le ha sacado permanentemente de la realidad, con un final en el que apela directamente al espectador sentado en su butaca y cuyo recuerdo me hace emocionarme mientras escribo estas líneas.

Pero mi secuencia favorita de “Sunset Boulevard” (localizada a partir del minuto 4:54, del vídeo insertado a continuación), que siempre, siempre me conmueve cada vez que vuelvo a ver la película, es aquella en la que Billy Wilder nos hace entender que Norma Desmond, a pesar de ser una caricatura de lo que un día fuera una de las más grandes actrices del cine mudo, no es una tirana. No es mala. No siempre fue una persona trastornada. Sino que en su tiempo, cuando fuera aquella aclamada estrella, no debió haber sido una de esas actrices oportunistas como lo sería su compañero Joe Gillis, caprichoso y consentido, sino que era una persona cercana, cariñosa y humilde, como se desprende por el dedicado cariño y afecto que le dedican todos y cada uno de los técnicos y figurantes que habían trabajado con ella, de los que ella recuerda sus nombres y ocupaciones, y que al irrumpir en el rodaje de la película dirigida por Cecil B. DeMille, le devuelven, por un instante, aquel esplendor perdido, cuyo olvido y desprecio del Hollywood contemporáneo le había desterrado a los confines del más despiadado crepúsculo.

La realidad y Hollywood castigarían de nuevo a Gloria Swanson pues, ante el éxito de la película y su interpretación, la actriz iniciaría trámites para convertir “Sunset Boulevard” en un musical en el que la relación entre los dos guionistas llegaría a buen puerto, con la bendición de la propia Norma Desmond. La actriz contrataría a Dickson Hughes y Richard Stapley para que realizaran la partitura, llegando en 1957 a interpretar uno de los números musicales en un programa de televisión. Sin embargo, los despiadados responsables de Paramount Pictures, en una jugarreta digna de “Sunset Boulevard”, habían permitido a la actriz albergar esperanzas para denegar finalmente el permiso de la adaptación. Habría otros intentos de convertir la película en musical, pero sólo el musical de Andrew Lloyd Webber, según libreto y letras de Don Black y Christopher Hampton, llegaría a estrenarse a principios de los años noventa con Patti LuPone en los escenarios de Londres y Glenn Close en los de Broadway, consiguiendo esta última un premio Tony por su interpretación de Norma Desmond.

Ya como curiosidad, algunos recordarán que la llamada por la que Norma Desmond se presenta en Paramount Pictures, inmortalizando la famosa puerta de hierro de los estudios, estaba en realidad efectuada por un tal Gordon Cole, que necesitaba un coche de las características del de la actriz para un película de época. Precisamente Gordon Cole sería el nombre que el personaje sordo que David Lynch interpretaba en su famosa serie de televisión, “Twin Peaks”, y que tomara prestado de “Sunset Boulevard”.

Si vas a ver “Conan the Barbarian” esperando un producto de entretenimiento, durante algo más de hora y media, es posible que esta sea tu película. No te digo que no. Pero debo advertirte que es un producto efímero que sólo podrás saborear mientras las luces del cine estén apagadas y que se te olvidará una vez abandones la sala de proyección. Si por el contrario buscas una película que además de servirte de evasión te cuente una historia interesante a través de unos personajes bien construidos, te has equivocado de sala al comprar tu entrada.

Más que una película, Marcus Nispel parece ofrecernos el primer episodio de lo que, no cabe ni la menor duda, piensa convertir en una franquicia (esta palabra va camino de convertirse en sinónimo de baja calidad). No es que la psicología de sus personajes esté mal trazada ni que las acciones que van a ir ensamblando la trama de la película sean más o menos interesantes, es que da la impresión de que tiene demasiada prisa por contarlo todo. Lo que no se traduce en una película frenética, con un ritmo trepidante, sino en un batiburrillo de secuencias de acción que, apoyadas en un infantil estereotipo del bien y del mal, impiden la crear el mínimo vínculo con unos personajes que al final, te da lo mismo si viven o mueren.

Si las aptitudes de Jason Momoa (sean cuales sean), le han debido servir para prosperar en series de televisión como “Baywatch”, “Stargate: Atlantis” o “Game of Thrones”, está claro que no funcionan de la misma manera en un largometraje cinematográfico, aunque sea “Conan the Barbarian”. Quizás la única presencia relevante sea la breve aparición de Ron Perlman como Corin, el padre de Conan, que es el único personaje de toda la película por el que, al menos un servidor, llega a sentir alguna emoción. De la banda sonora, mejor ni comento.

Y todo esto hablando por sí misma, porque no os cuento si encima la comparamos con su predecesora, de la que para habernos vendido que se alejaba, guarda demasiadas similitudes visuales aunque ninguna narrativa. Si el guión que escribieran John Milius junto a Oliver Stone era capaz de transmitir la evolución de la personalidad de Conan a través de sencillas elipsis, así como de transportarnos a un mundo mágico y fascinante, el que escribe el trío formado por Thomas Dean Donnelly, Joshua Oppenheimer y Sean Hood, tan sólo consigue enlazar una secuencia con otra para que la narración tenga sentido, no viendo en ningún momento cómo Conan asimila las enseñanzas de su padre —lo que me lleva a deducir que los guionistas tienen la misma prisa en desarrollar sus personajes como su director en contar la historia—, y más que con magia, lo hacen con trucos de prestidigitadores de medio pelo.

Y de la banda sonora, mejor ni comento.

10. “Poltergeist” (1982)

En un tranquilo suburbio, donde todas las casas son iguales — cual “sueño americano” — viven los Freeling, una familia de cinco: Steven, el padre agente inmobiliario, Diane, la madre quien cuida a sus tres hijos, Dana, Robbie y la pequeña Carol Anne. Una noche, mientras todos están dormidos, la niña se levanta, se dirige a la televisión y habla con una presencia; la gente de la televisión que le llama. ¿Qué es esta presencia?, ¿por qué quieren a la niña? Una historia de terror que ha causado controversia, no sólo por la supuesta maldición que gira en su entorno, sino por su proceso creativo.

“Poltergeist” llegó a cartelera en el verano de 1982, mejor conocido como el verano de Spielberg. Para ese año el cineasta se encontraba comprometido con Universal — estudio que una semana después estrenó “E.T.: The Extra-Terrestrial”. Por esta limitante, MGM confió la dirección a Tobe Hooper, aunque todo el desarrollo de la historia y los storyboards en general corrió a cargo de Spielberg. Hasta se ha llegado a cuestionar el trabajo de Hooper y su crédito como director, pues Spielberg estuvo involucrado en cada paso del proceso — asistió al rodaje todos los días, con excepción de seis —. Es uno de esos casos donde el productor gana peso sobre las decisiones de la película y, aquí se nota: la historia gira entorno a una familia, la hija más pequeña es el catalizador, los miedos básicos salen a relucir.

9. “Who Framed Roger Rabbit” (1988)

La fantasía, la comedia y la animación van de la mando de manera natural. Agreguen live action y elementos del film noir, tendrán como resultado una de las películas más emblemáticas de los ochenta. El protagonista de la historia es Roger Rabbit, una ascendente estrella de Maroon Cartoons, quien es implicado en la muerte de Marvin Acme, dueño de la compañía Acme y la ciudad de los dibujos animados. El único que puede ayudar al conejo es Eddie Valiant — interpretado por Bob Hoskins —, un detective alcohólico que odia las caricaturas. Así debe limpiar el nombre de Roger, antes de que sea llevado a la justicia.

“Who Framed Roger Rabbit” fue realizada en colaboración con distintos estudios, cineastas y animadores. Dirigida por Robert Zemeckis, recibió financiamiento de Walt Disney Pictures, quienes se acercaron a Amblin Entertainment y Steven Spielberg para fortalecer la producción. Gracias a Spielberg, Warner accedió a prestar a sus personajes para aparecer en la película, donde vemos a Donald y Daffy, Mickey y Bugs, compartiendo escenas; también aparecen Dumbo, Betty Boop, Droopy, Minnie Mouse, Woody Woodprecker, entre otros. Para la animación se contó con la colaboración del británico Richard Williams y, para los efectos especiales, Industrial Light & Magic de George Lucas.

8. “Gremlins” (1984)

Oh, los mogwai… Fascinantes criaturas. En especial este pequeño, tierno y valiente Gizmo. “Gremlins” es una comedia oscura, con tintes de terror. Todo inicia en una Navidad, cuando Billy (Zach Galligan) recibe como regalo esta misteriosa “mascota”, que su madre compró en una tienda de antigüedades en Chinatown. Para tener un mogwai se debe considerar tres reglas básicas: nunca exponerlo a la luz, en especial al sol porque lo mataría; nunca mojarlo y nunca darle de comer después de media noche. Pero un pequeño accidente, comienza un caos que se sale de control.

En 1984 “Gremlins” fue todo un éxito comercial, además de ser bien recibida por la crítica. Steven Spielberg hace posible que está película ocurra; Chris Columbus enseñó la historia a Spielberg, quien se interesó en el proyecto desde ese momento. Compró los derechos sobre la historia y buscó al director ideal para ponerlo a cargo — en un momento consideró a Tim Burton, pero quedó descartado porque en ese momento no había realizado largometrajes —. Su elección fue Joe Dante, pues admiraba su trabajo en “The Howling”. Warner Bros y Amblin Entertainment financiaron el filme. “Gremlins”, a lado de “Indiana Jones and the Temple of Doom”, influyeron en el sistema de clasificación de las películas en Estados Unidos; gracias a esto nació el PG-13.

7. “The Color Purple” (1985)

Nominada en once categorías de los premios Oscar — incluido Mejor Director —, “The Color Purple” es una adaptación de la novela homónima escrita por Alice Walker, con la cual gana el premio Pulitzer. Sigue la vida de Celie Harris (Whoopi Goldberg), durante tres décadas; desde inicios de 1900 hasta los treinta. Celie es una mujer pobre, que es abusada por su propio padre. Siendo todavía una adolescente, es obligada a casarse con un viudo, conocido como Mister (Danny Glover). A lo largo de su vida, a lado de este hombre que la maltrata y la trata como esclava, conoce a personas que cambian su vida, mientras sufre el distanciamiento de su hermana.

Este es el primer drama que dirige Spielberg después de su racha de blockbusters; me refiero a títulos como “Jaws” (1975), “Raiders of the Lost Ark” (1981) y “E-T.: The Extra-Terrestrial” (1982). Además de sus nominaciones al Oscar, fue reconocido el trabajo de Whoopi Goldberg con un Globo de Oro. Una película que dio de qué hablar, ya sea por la adaptación o por tratarse de una visión de los afroamericanos en aquella época, bajo la visión de un cineasta ajeno a dicho entorno. Lo cierto es que Spielberg logra contar una historia que cuenta con personajes bien trazados y estupendas actuaciones.

6. “Back to the Future” (1985)

La colaboración más significativa entre Robert Zemeckis y Steven Spielberg es la franquicia “Back to the Future”; en específico, la primera entrega. La historia es por todos conocida. Seguimos a Marty McFly en una aventura única que envuelve a un DeLorean modificado, un científico excéntrico Doc Emmett Brown y un viaje por el tiempo. De manera accidental, Marty McFly llega a 1955, donde sus padres son jóvenes. Su presencia modifica la historia de sus padres, poniendo en peligro su existencia y la de sus hermanos. Con ayuda de un Doc más jóven, Marty debe hacer que sus padres se enamoren antes de que sea demasiado tarde. Una película icónica entre los filmes de ciencia ficción.

“Back to the Future” fue escrita por Robert Zemeckis Bob Gale en 1980. Por falta de apoyo por parte de distintos estudios — incluyendo Columbia y Disney —, el proyecto se detuvo por cuatro años. Zemeckis tenía pensado acudir con Steven Spielberg a buscar apoyo, sin embargo, sus anteriores películas juntos habían sido un total fracaso; no sentía que era el momento adecuado para tener un acercamiento. Después vino “Romancing the Stone” y, animado por el éxito de este título, contactó a Spielberg para presentarle el libreto de “Back to the Future”. Tuvieron una reunión con Universal, firmaron y el resto es historia. La banda sonora tan reconocida es de Alan Silvestri, mientras que el tema principal The Power of Love, corrió a cargo de Huey Lewis & The News.

5. “E.T.: The Extra-Terrestrial” (1982)

Steven Spielberg maravilló a chicos y grandes con un filme muy personal, un viaje a su niñez, recordando a un amigo imaginario que se convertiría en el extraterrestre más querido en el mundo del cine. “E.T.: The Extra-Terrestrial” nos presenta una aventura desde el punto de vista de un niño, quien crea un lazo especial con este «hombre del espacio». ET es el secreto de Elliot y sus hermanos, Michael y la pequeña Gertie (el debut de Drew Barrymore). Entre los tres cuidan a ET, le enseñan a comunicarse, crean un plan para que este regrese a casa. La película tiene una de las secuencias más conocidas para quienes la hayan visto o no: el vuelo de ET y Elliot en bicicleta. También recordamos la escena en clase de ciencias, en paralelo con ET tomando cerveza.

“E.T.: The Extra-Terrestrial” destaca también a nivel técnico. La película fue rodada en orden, para que el reparto infantil creara esta conexión emocional con el títere. Además, la mayoría de las tomas son al nivel de los niños, quienes llevan la carga emocional. A lo largo de la película sólo vemos el rostro de dos adultos: la madre y Keys, interpretado por Peter Coyote. Además de ser otro blockbuster representativo del director, este se distingue por ser uno de los ejemplos más exitosos de product placement o publicidad por emplazamiento. La compañía Hershey accedió a que su dulce Reese’s Pieces apareciera en la película — son los dulces con los cuales Elliot atrae a ET —; gracias a esto las ganancias de Hershey aumentaron en un 65 por ciento. Otro gran ejemplo es, de hecho, “Back to the Future” y, posteriormente, “Jurassic Park”.

4. “Close Encounters of the Third Kind” (1977)

Antes de hacer “Jaws”, Spielberg tenía considerado hacer una película sobre el fenómeno ovni, sin embargo, el guión requirió varias revisiones, distintos tratamientos. “Close Encounters of the Third Kid” muestra la experiencia de diferentes personas, bajo diferentes circunstancias: Roy, empleado de una compañía eléctrica, tiene un encuentro durante un apagón; Jillian, sufre la abdución de su hijo, Barry; y, Lacombe, un científico obseosinado con el tema. Pero sus experiencias les llevaría a un espectacular encuentro que cambiará sus vidas para siempre. Agreguen, de nuevo, una visión infantil, un leif motiv de cinco notas del magnífico John Williams y listo.

“Close Encounters…” fue realizada gracias al éxito de “Jaws”, pues Universal dio libertad creativa a Spielberg. Originalmente fue concebida como un blockbuster para el verano de 1977 pero, por retrasos en la producción, se movió su fecha de estreno a noviembre. Recibió nueve nominaciones al premio Oscar, de los cuales sólo obtuvo la estatuilla a Mejor Cinematografía. Curiosamente, en misma edición de los premios de la Academia, John Williams estuvo nominado dos veces en la misma categoría, por esta colaboración con Spielberg y por su magnifico trabajo en “Star Wars”; se llevó el Oscar por esta última. “Close Encounters…” es una de esas películas que mejoran con el tiempo. Otro clásico de Spielberg.

3. “Raiders of the Lost Ark” (1981)

Acción. Aventura. Comedia. Y un personaje emblemático, con toda la actitud que sólo Harrison Ford pudo darle ¿o se imaginan a alguien más como Indiana Jones? El concepto de la película fue desarrollado por George Lucas, quien quería contar una aventura ubicada entre la década de los treinta y cuarenta, con una visión moderna. Este arqueólogo experto se enfrenta distintos peligros, entre la selva y el desierto, serpientes, nazis, en su carrera por encontrar el Arca de la Alianza antes de que caiga en manos equivocadas. A lo largo de la película hay secuencias de acción inolvidables, demostrando una gran narrativa en el género de aventura, a pesar de las dificultades que se enfrentaron en el camino.

“Raiders of the Lost Ark” comenzó su desarrollo en 1973, cuando Lucas y Philip Kaufman hicieron el primer tratamiento de guión. El proyecto quedó pendiente para darle prioridad a “Star Wars”, cuya primera parte se estrenó en 1977. Después, en un retiro/vacaciones, acompañado por Steven Spielberg, le planteó el proyecto; en ese entonces Spielberg quería dirigir una película de James Bond, pero se interesó más por la historia del arqueólogo. Por la magnitud de la historia y las locaciones, ningún estudio se vio interesado… hasta que Paramount llegó a un acuerdo con los creadores, con un respectivo ajuste de presupuesto. La producción fue estructurada desde el storyboard, con sus distintas versiones. Sobre la marcha se tomaron decisiones creativas al instante. La película obtuvo ocho nominaciones al Oscar, de las cuales ganó Mejor Dirección de Arte, Mejores Efectos Visuales, Mejor Edición y Mejor Sonido.

2. “Indiana Jones and the Last Crusade (1989)

Después de la oscura “Indiana Jones and the Temple of Doom”, Spielberg quiso compensar su fallo con la tercera entrega de la saga. En esta nueva aventura, se explora un tema recurrente en el director, la relación entre Indiana Jones y su distanciado padre, con un gran fichaje que redondearía el reparto: Sean Connery — James Bond en una película inspirada en James Bond —. Indiana Jones enfrenta de nuevo a los nazis, que ahora buscan el Santo Grial. Para ello debe salvar a su padre, que ha sido secuestrado por sus anotaciones sobre la localización de la reliquia. La historia rescata ese toque de humor visto en la primera entrega, ahora con el sello de Connery.

Los primeros borradores de “Indiana Jones and the Last Crusade” fueron encargados a Chris Columbus — con quien había trabajado en “Gremlins”… pero, al final, sus ideas fueron desechadas. Entonces la tarea quedó a cargo de Jeffrey Boam, Originalmente, George Lucas quería una aventura relacionada con una casa embrujada; pero Spielberg rechazó la idea. Después surgió la idea del Grial, que el director tampoco aceptaba, sin embargo, lo reconsideró al integrar la temática entre padre e hijo con el personaje de Henry Jones; resulta ser un tema recurrente en la filmografía de Spielberg.

1. “Jaws” (1975)

El padre de los blockbusters, una película que combina elementos cinematográficos, desde las tomas innovadoras hasta la banda sonora. Con sólo dos notas como base, John Williams y Steven Spielberg crean a uno de los villanos más recordados del cine. La historia nos lleva a un tranquilo destino turístico, que se ve amenazado por la presencia de tiburón. Después de fallidos intentos por eliminarlo, el jefe de policía Martin Brody (Roy Scheider), recluta a un cazador de tiburones (Robert Shaw) y al biólogo marino Matt Hooper (Richard Dreyfuss) para buscar y eliminar al gran tiburón blanco.

Basada en el best seller homónimo escrito por Peter Benchley, el proyecto quedó en manos de Spielberg después de considerar a John Sturges y Dick Richards. “Jaws” implicó un reto para el director por las dificultades técnicas de filmar en playa. El tiburón mecánico — al cual apodaron afectuosamente Bruce — presentó averías significativas, como desprendimientos, corrosiones, mal funcionamiento. Además, la producción comenzó la fotografía principal sin tener el guión final. El proyecto tuvo que duplicar su presupuesto, Spielberg tuvo que ser creativo al mostrar sólo parte del tiburón — como la aleta dorsal —, además de complementar con tomas y montaje para mantener el suspenso. Al final, “Jaws” resultó todo un éxito.

El concepto de cultura pop es bastante complejo. Está ahí, existe. Nosotros no podemos decir si algo es culturalmente popular o si de verdad no debería ser catalogado como tal. La vida lo hace. El conjunto crea la leyenda. Por eso cintas como “Back to the Future”, “Pulp Fiction” o “An American Werewolf in London”, de la cual les voy a hablar ahora, forman parte de ella. Se requiere tiempo, se requieren diferentes puntos de vista y crecer con una aprobación o rechazo generalizado. Hay que entender que, a veces, grandes obras de cine pop son, más bien, cintas de no muy buena calidad, pero que marcaron una época. En eso radica la magia de la cultura pop. Pero bueno, ¿a qué va todo esto? A que precisamente hoy se cumplen 30 años del estreno oficial del hombre lobo americano.

Por ahí por 1981, John Landis, quien años más tarde dirigiría esa maravilla llamada “Coming to America”, estrenó la cinta que hoy nos convoca y que, con el paso de los años, se ha convertido en una película de culto para muchos aficionados al cine de terror. La trama cuenta la historia de un par de amigos que están vacacionando con sus mochilas al hombro. Una noche, llegan a una extraña taberna, donde son advertidos que deben tener cuidado con las lunas llenas y nunca alejarse del camino. Pasado un instante, se sienten extraños ruidos y empieza la acción. Uno de los chicos es asesinado por una criatura. Una extraña criatura.

Los detalles, prefiero dejarlos en el tintero. Creo que todavía hay mucha gente que no ha visto esta cinta. Hay que respetar eso y dejarlos maravillarse. Lo que hay que dejar claro es que, a pesar de todo lo terrorífica que pueda resultar la cinta, el tema del hombre lobo, la historia del amigo muerto que revive y todas esas cosas; la cinta tiene un muy bien sentido del humor, el cual le entrega al relato mucha más credibilidad y cercanía con la audiencia. De hecho, en muchas ocasiones ha sido calificado como una cinta de culto, como se los mencioné anteriormente y eso, señores, no es algo que se otorgue solo o tenga que ver con la opinión de un crítico; tiene que ver con las opinión popular, la cual, en este caso, jugó bastante a favor.

Aquí las temáticas son variadas y ése es otro punto interesante a tratar. La pérdida de la amistad, las encrucijadas de no saber qué hacer, la loca juventud y muchas otras cosas. Parecen temas sencillos, pero, en una cinta como ésta, se convierten en armas de doble filo, donde hay que saber qué decisiones tomar para que las situaciones no se salgan de control. Todos queremos conseguir algo, pero, al parecer, hay que sacrificar algo para tenerlo.

Entre las cosas más destacables, está el hecho de que, según muchos medios, incluida la gran Entertainment Weekly, “An American Werewolf in London” cambió la forma en que el maquillaje de películas de horror debía funcionar. Los premios llegaron y el público estuvo contento. Aquí hubo revolución, tanto de relato, como de técnica. Esto va mucho más allá de una simple apreciación de obra de arte; acá hay técnica, cultura, innovación y revolución. Algo que no muchas películas de la época pueden jactarse de tener.

Como dato pop, es bueno destacar que incluso artistas como el fallecido Michael Jackson han dado buenas críticas acerca de la cinta, de hecho, la estrella de la canción dijo que, gracias esta película se animó a trabajar con Landis para futuros videos promocionales, tales como Thriller o Black or White.

Sin duda, ésta es una cinta que seguirá pasando de generación en generación. De hecho, hace un par de años se encuentra en carpeta la idea de un remake, cosa que no se ha llevado a cabo, pero sólo por temas de agenda. Hay que decirlo, es mucho mejor que no se haga y que las cosas queden así. Generalmente, no es muy bueno intervenir con lo que ya es un éxito. La cultura pop no se debe profanar, mucho menos este tipo de cosas. Lamentablemente, se hace y nos deja un malísimo sabor de boca.

Después de todo esto, salta una duda. ¿Qué fue de la gente tras esta cinta? Lamentablemente, ni David Naughton ni Griffin Dunne tuvieron carreras muy productivas tras la cinta. Sólo fueron parte de algunas series, pero en papeles no muy importantes, parece que, al menos en esta vereda, el éxito no fue tanto como se esperaba.

¿Qué dicen ustedes? ¿La vieron? ¿Les gustó? ¿Es parte de su colección personal de imperdibles del cine?

Internacional: EE.UU. | España

• “Conan, the Barbarian” (EE.UU., 2011) Género: fantástico, aventuras, acción Dirección: Marcus Nispel Reparto: Jason Momoa, Rachel Nichols, Stephen Lang, Rose McGowan, Ron Perlman, Bob Sapp, Leo Howard, Saïd Taghmaoui, Steve O’Donnell, Raad Rawi, Nonso Anozie, Milton Welsh, Mickey Rourke Argumento: Un niño que habita en una aldea bárbara graba en su memoria los rostros de los guerreros que matan a su familia y le entregan como esclavo a unos mercaderes. Años después, el joven se convierte en un forzudo y valiente guerrero que clama venganza. En Extracine: Póster | Teaser-tráiler | Tráiler | La original

EE.UU.

• “Night Fright” (EE.UU., 2011) Género: terror, comedia Dirección: Craig Gillespie Reparto: Anton Yelchin, Colin Farrell, Sandra Vergara, David Tennant, Emily Montague, Toni Colette, Imogen Poots, Christopher Mintz-Plasse, Dave Franco, Grace Phipps Argumento: En su último año de la escuela secundaria, Charlie Brewster parece finalmente haber alcanzado todos sus objetivos: es uno de los estudiantes más populares y sale con la chica más deseada de todo el colegio. De hecho, se siente tan reconocido que ha comenzado a dejar de lado a su mejor amigo. Pero las cosas se complican cuando Jerry se muda al lado de su casa. Al principio, su nuevo vecino parece genial, pero según pasan los días, algo en su comportamiento resulta raro. Desafortunadamente, nadie, ni siquiera la madre de Charlie, percibe nada. Después de observar que en la casa de al lado pasan cosas extrañas, Charlie llega a una ineludible conclusión: Jerry es un vampiro que se sirve del vecindario para cazar sus presas. Ante la incredulidad de los demás, el protagonista deberá ingeniárselas para deshacerse del monstruo por sí mismo. En Extracine: Tráiler | Clip y segundo tráiler | La original

• “Spy Kids 4: All the Time in the World” (EE.UU., 2011) Género: comedia, ciencia-ficción, aventuras Dirección: Robert Rodriguez Reparto: Jessica Alba, Danny Trejo, Jeremy Piven, Daryl Sabara, Melissa Cordero, Alexa Vega, Antonio Banderas, Joel McHale, Tiger Darrow, Rowan Blanchard Argumento: Marissa Cortez Wilson lo tiene todo: se casó con una perodista de televisión, tiene un bebé y unos niños muy inteligentes… Pero en realidad, tratando de ser madre de Rebeca y Cecil, que claramente no la quieren cerca, tendrá que emplearse a fondo. Además de ello su esposo Wilbur no conoce todos sus secretos. EN Extracine: En 4D

• “One Day” (EE.UU., 2011) Género: comedia, romántico Dirección: Lone Scherfing Reparto: Anne Hathaway, Jim Sturgess, Rafe Spall, Jodie Whittaker, Matthew Beard, Patricia Clarkson, Romola Garai, Georgia King, Jamie Sives, Filippo Delaunay Argumento: Emma y Dexter se conocen durante su fiesta de graduación en la universidad. Tienen 20 años, acaban de licenciarse y el futuro parece ofrecerles todas las posibilidades que brinda el mundo a una pareja joven. Su entendimiento es inmediato y sin embargo las diferencias entre ellos son numerosas. Dexter es de familia acomodada, despreocupado y aficionado a las fiestas y a las relaciones de una sola noche. Pero se siente atraído por el idealismo de Emma, una chica de clase trabajadora, amante de la literatura y de sutil inteligencia. Sin embargo, ese mismo verano, Dexter se marcha a recorrer Europa durante un año, mientras Emma debe quedarse en Edimburgo. A lo largo de veinte años, veremos cómo evoluciona esta historia de amor, sus separaciones y altibajos, pero también sus reencuentros y alegrías. En Extracine: Cartel | Tráiler | Segudno tráiler

México

• “Crazy, Stupid, Love” (EE.UU., 2011) Género: comedia, romántico Dirección: John Requa & Glenn Ficarra Reparto: Ryan Gosling, Kevin Bacon, Julianne Moore, Emma Stone, Steve Carrell Argumento: Cal y Emily tienen una vida perfecta, viviendo juntos el sueño americano… hasta que Emily pide el divorcio. Ahora Cal, el señor marido, tiene que navegar por el escenario de la soltería con una pequeña ayuda profesional de su amigo, soltero por excelencia, Jacob Palmer. Bueno, en realidad necesitará mucha ayuda. En Extracine: tráiler

Argentina

• “Rise the Planet of the Apes” (EE.UU., 2011) Género: ciencia-ficción Dirección: Rupert Wyatt Reparto: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis, Tom Felton Argumento: Will Rodman es un cientifico que trabaja en la búsqueda de una cura para el Alzheimer, para lo que realiza pruebas en simios. El segundo sujeto a prueba es un chimpancé de nombre Caesar, parido en sus instalaciones por su madre que fue capturada en Africa y acabó siendo el primer sujeto con resultados óptimos de los experimentos, mientras estaba embarazada. La cura de Rodman no sólo repara las células del cerebro, como lo esperado, también modifica genéticamente su forma de pensar, creando una nueva raza de simios con inteligencia similar a la de los seres humanos. En Extracine: Tráiler | Segundo tráiler | Clip | Crítica

• “Cowboys & Aliens” (EE.UU., 2011) Género: ciencia-ficci-on, western Dirección: Jon Favreau Reparto: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Adam Beach, Sam Rockwell Argumento: Nuevo México, en 1873. Un forastero aparece en un pueblo desértico, sin memoria alguna de su pasado. Su única pista para saber quién es un misterioso artefacto que lleva en su muñeca. La gente de Absolución no le da la bienvenida a extraños y nadie se mueve hasta que sea ordenado por el Coronel Dolarhyde. Pronto el pueblo experimentará el miedo, como nunca antes, cuando es atacado por seres que vienen del cielo, en naves que alcanzan una velocidad impresionante, equipadas con luces que se llevan a todo aquel que sea señalado. El extraño, que en su momento señalaron, es su única esperanza para la salvación; con ayuda de Ella forman un grupo que peleará en contra de un enemigo en común, en una batalla épica por la supervivencia. En Extracine: Tráiler | Nuevo tráiler | Detrás de las cámaras | tráiler interactivo | crítica

España

• “Super 8” (EE.UU., 2010) Género: ciencia-ficción Dirección: J.J. Abrams Reparto: Elle Fanning, Amanda Michalka, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Gabriel Basso, Katie Lowes, Zach Mills, Marco Sanchez Argumento: En 1979, las Fuerzas Aéreas deciden cerrar el Área 51. Todo el material almacenado se transporta hasta Ohio en un tren que sufre un accidente: un camión se salta las barreras y choca contra el tren, que descarrila y sufre una gran explosión. Pero el material almacenado oculta un secreto, que ha sido grabado por unos adolescentes mientras rodaban una película en super 8. En Extracine: Teaser-tráiler | Sinopsis oficial | Tráiler | Tráiler interactivo | Clips | Crítica 1 | Crítica 2 | Top 5 junio | Top 5 julio

• “Manuale d’amore 3” (Italia, 2010) Género: comedia, drama, romántico Dirección: Giovanni Veronesi Reparto: Robert De Niro, Monica Belucci, Riccardo Scamario, Michele Placido, Danielle Pecci, Laura Chiatti, Carlo Verdone, Valeria Solarino, Donatella Finocchiaro, Vincenzo Alfieri, Emanuele Propizio, Marino Rocco, Guido Genovesi Argumento: Tres historias sobre las distintas etapas del amor: en la primera (“Juventud”), Roberto, un joven y ambicioso abogado que está a punto de casarse con Sara, conoce a Micol, una mujer guapísima, provocadora y misteriosa. En la segunda (Madurez”), Fabio, un famoso presentador de TV, fiel a su esposa desde hace 25 años, conoce a la intrigante Eliana. En la tercera (“Adelante”), Adrian, un profesor americano de historia del arte, tras su divorcio se establece en Roma, la ciudad que siempre ha amado. Reservado y solitario, frecuenta a pocas personas, entre ellas, Augusto, el portero de su edificio. Quizá sólo a él le ha revelado su secreto: hace siete años se sometió a un delicado trasplante de corazón. El encuentro con Viola, la fascinante hija del portero, perturba su tranquila existencia y le hace vivir sensaciones reprimidas desde hace tiempo, pero también nuevas emociones.

• “Le cuatro volte” (Italia., 2010) Género: drama Dirección: Michelangelo Frammartino Reparto: Giuseppe Fuda, Bruno Timpoano, Nazareno Timpano Argumento: Una visión poética de los ciclos de la vida y de la naturaleza, de las tradiciones olvidadas de un lugar fuera del tiempo. Una película de ciencia ficción sin efectos especiales, que acompaña al espectador a un mundo desconocido y mágico, para descubrir el secreto de cuatro vidas misteriosamente entrelazadas entre sí.

Basada en una novela que recoge un episodio de espionaje que sucediera en la realidad y que, si se disfruta plenamente como un espléndido thriller de espionaje, acaba siendo mucho más. Ciertamente es difícil encontrar una línea que separe realidad de ficción en “L’affair Farewell”, más que nada porque aunque algunas secuencias y representaciones de personajes reales puedan estar distorsionadas deliberadamente, el mensaje final es claro, directo y escalofriante.

Y se intuye tan real y hasta terrorífico porque en este mundo tan alienado en el que vivimos, lo más probable es que si unos ni siquiera querrían saber cual es la auténtica verdad que se esconde detrás de “L’affair Farewell”, otros terminarán pensando aquello de tanto ruido para tan pocas nueces, al encontrarse con algo que ya sabían, pero no les importaba. Y es que si en un principio podemos pensar, por el transcurso de las primeras secuencias, que estamos ante una historia más de espías rusos, lo cierto es que se trata del primer truco de manipulación de Christian Carion, pues su relato se desarrollará a partir de una estructura inductiva, por lo que no sabremos lo que realmente nos quiere contar hasta la última secuencia de la película.

Mientras tanto, si por un lado se centra en humanizar a los dos personajes protagonistas, Pierre Froment (Guillaume Canet) y Sergei Gregoriev (Emir Kusturica), para que podamos entender sus decisiones y apoyar su causa, por otro lado retrata con ironía y hasta traza una caricatura de dos personajes que ya conocíamos de antemano, como son Ronald Reagan (Fred Ward) y François Mitterrand (Philippe Magnan). Debo decir que la imagen de Ronald Reagan que ofrece puede que no sea cierta, pero desde luego es la que todos albergamos en nuestro fuero interno.

Sorprende encontrarnos con una pequeña colección de actores como Willem Dafoe, Diane Kruger o un resucitado David Soul, en minúsculos papeles que aportan esa falsa confianza que el relato quiere transmitir pues, al sonarnos familiares, tendemos a confiar en ellos, para bien o para mal, revelándose después la dura realidad. Pero entre el reparto de secundarios destaca el magnífico trabajo de Ingeborga Dapkunaite como la esposa de Sergei, una actriz que hemos podido ver en títulos tan dispares como “Utomlyonnye solntsem (Quemado por el sol)”, “Mission: Impossible”, “Seven Years in Tibet” o “Hannibal Rising”.

El estilo visual de Christian Carions es sencillo, pero simpático, quizás al no querer que nos perdamos en los entresijos políticos de la trama. Probablemente por ello se centra más en la reconstrucción de la vida, en Rusia, durante los últimos años de la Guerra Fría. Así nos podemos encontrar momentos deliciosos como el hijo de Sergei escuchando a Queen en un walkman. Asimismo, la reconstrucción histórica, a través de decorados y vestuarios, busca la naturalidad y el realismo, evitando toques estrafalarios y llamativos.

Espero sinceramente haberles hecho atractiva una propuesta como “L’affair Farewell” que, por cierto, vuelve a sumarse a ese cine con aspiraciones naturalistas en la que se habla en ruso, en francés o en inglés, dependiendo del momento y del lugar en el que se encuentren sus protagonistas. De la misma manera que la película te resultará más o menos acertada en función de tu nivel de exigencia para con un mundo siempre injusto en el que creemos que existe el libre albedrío, pero en el que todo se decide en despachos sin ventanas.

De entre todas las figuras retóricas que podemos descubrir soterradas en un relato, es curioso que muchas veces pase desapercibida la prosopopeya, también denominada personificación. Ubicada dentro de las denominadas figuras patéticas, que precisamente pretenden incidir de una manera afectiva en el espectador, nos presentan animales, plantas o incluso seres inanimados como si fueran personas, atribuyéndoles sentimientos y emociones propias del ser humano. Obviamente es uno de tantos recursos que el cine hereda de la literatura, pero lo cierto es que la mayoría de las veces ni siquiera llegamos a plantearnos que es un recurso que se utiliza para que el mensaje nos llegue con más fuerza.

En estos últimos días me he encontrado no con uno, sino con tres casos de prosopopeya en el cine. Si en el caso de “The Tree”, Julie Bertuccelli consigue realmente que veamos a la majestuosa higuera que cobija la casa en la que viven sus protagonistas como un personaje más de la película, Jodie Foster no alcanza a dotar de algo de sensibilidad al muñeco de trapo que su protagonista se encuentra en la basura en “The Beaver”. Quizás mucho más fácil lo ha tenido Mike Mills en “Beginners”, dado que tiene a su disposición a un encantador Jack Russell que con una mirada y un leve ladeo de cabeza consigue sin necesidad de nada más hacernos la ilusión de que se puede comunicar (cualquiera que haya tenido perros te dirá que sí se puede comunicar, afirmación con la que estoy absolutamente de acuerdo).

Tradicionalmente el cine de animación ha convertido este recurso en base de su discurso, de manera que nos podemos encontrar películas como “Bambi”, en la que los animales hablan y se comunican entre sí, aunque no con los seres humanos que aparecen en la película. En el caso de esta magnífica película el recurso sirve para que llegue con más fuerza el mensaje ecológico, haciéndonos ver la importancia de preservar la naturaleza y el medio en el que habitan los animales, así como sus propias vidas pues, igual que nosotros, ellos también tienen una madre. Un recurso que volvía a ser utilizado de la misma manera en “Babe”, aquí en imagen real, pero de nuevo con la barrera de comunicación entre animales y humanos.

Más discutible sería el caso de una película como “L’ours”, la película de Jean-Jacques Annaud cuya trama tiene muchos puntos en común con la película Disney de 1942, pero en la que si bien los animales no se comunican oralmente —o no a través de nuestro lenguaje—, sí transmiten sentimientos y emociones humanas… que con toda probabilidad también se dan en el mundo animal, no estando seguro de si en este caso nos encontramos en un nuevo ejemplo de personificación o si, por el contrario, estamos ante un ejemplo de cine ecológico y naturalista que se limita a mostrar lo que sucede cuando se encuentran el mundo salvaje con el racional.

Si obviamente, la personificación ha sido utilizada en las fábulas y cuentos con la intención de inculcar moral y ética en el individuo, Walt Disney la utilizaría de la misma manera a lo largo de toda su filmografía, desde “Pinocchio” hasta “Beauty and the Beast”, filmes en los que ya no sólo recurre a los animales, sino que aquí son los propios objetos inanimados, por obra y gracia de hadas o encantamientos, los que están dotados de vida y pueden hablar y expresarse de la misma manera que los seres humanos, llegando a interactuar y comunicarse con ellos. Esto mismo sucede con “Toy Story”, en la que los juguetes protagonistas tienen las mismas características y capacidad de comunicación que los seres humanos, si bien sólo lo utilizan para interactuar con ellos cuando lo consideran conveniente (y qué bien lo hacen).

Mención aparte merecen las películas de Hayao Miyazaki, como “Tonari no Totoro” o “Mononoke-hime”, en las que desde mi punto de vista no estaríamos hablando de prosopopeya, sino de metáforas. Una manera mucho más clara de hacer uso de la prosopopeya se produce en aquellas películas que deliberadamente mezclan animación con imagen real, diferenciando visualmente el mundo humano del que no lo es, aunque se puedan comunicar e interactuar entre ellos. Me estoy refiriendo a películas como “Bedknobs and Broomsticks”, “Who Framed Roger Rabbit” o “Tron”.

Pero en el cine de imagen real también podemos encontrar muy buenos ejemplos en los que se hace de la prosopopeya la base de su discurso. Retomando esa rebelión de los animales hacia el ser humano nos encontramos con un magnífico ejemplo de prospera en la mítica película de Alfred Hitchcock, “The Birds”. Puede que en este caso no se muestre cómo se comunican las aves entre sí, pero lo cierto es que, aparte de la metáfora sexual que subyace en el relato, a medida que este avanza, pareciera que las aves sí tienen la capacidad de coordinar sus ataques, como ocurre cuando esperan a los niños a la salida del colegio.

Lo cierto es que Steven Spielberg fue mucho más allá en “Jaws”, en donde el enfrentamiento entre hombre y naturaleza llevaba a algunos personajes humanos a tomarse su relación con el enorme escualo como algo personal. Esta personificación se incrementaba a medida que se propagan las secuelas, llegando a hablarse de la venganza del tiburón en continuaciones como “Jaws 2” o “Jaws: The Revenge”, cuyo lema llegaba a afirmar que esa vez se trataba de algo personal, pero refiriéndose al tiburón, no a los humanos.

Aquí podríamos encontrar también una interesante variante de especies, no animales: los extraterrestres, pues lo cierto es que si la idea de “Alien”, como película, es en principio bastante similar a la de “Jaws”, es evidente que estaríamos hablando de una especie de personificación ligeramente diferente a la de los casos animales. Para ser más claro, quizás sería mejor utilizar un ejemplo como “E.T.: The Extra-Terrestrial”, en la que la forma de vida alienígena tienen la capacidad de aprender el sistema de comunicación de los seres humanos, así como comprender la manera en la que funcionan sus emociones y sentimientos, desarrollándolos también el propio E.T.

La ciencia-ficción, tan cerca de la filosofía en la mayoría de los casos, utilizaría la prosopopeya con los extraterrestres para especular con la posibilidad de vida inteligente fuera de nuestro planeta, o más concretamente de una forma de vida con códigos de comunicación similares a los nuestros. En clave igualmente ecológica e incluso crítica contra el ser humano, Franklin J. Schaffner realizaba una magnífica adaptación de la novela de Pierre Boulle en “Planet of the Apes”, donde no sólo mostraba la evolución de unos simios que se comportaban como seres humanos, sino que les diferenciaba en diferentes especies, dependiendo del grado de su evolución intelectual, un recurso que utilizamos en nuestra vida cotidiana a la inversa, para referirnos a aquellos miembros de nuestra especie que no parecen haber alcanzado la evolución completa, como ciertas tendencias políticas extremistas y radicales.

Pero en todos estos ejemplos, y siguiendo el ejemplo del perro, casi podríamos entender y hasta afirmar que los animales (y los extraterrestres) son capaces de experimentar y transmitir emociones parecidas a las de los seres humanos, lo que no sucede de la misma manera cuando hablamos de vida artificial, como en “2001: A Space Odyssey”, en la que una computadora era capaz de hacernos experimentar el terror de una manera que nunca hubiéramos pensado. Me refiero a HAL 9000, el ordenador de la nave en la que viajan los doctores Bowman (Keir Dullea) y Poole (Gary Lockwood), que llega a asesinar a los miembros de la tripulación que permanecen en estado de hibernación, así como se deshace posteriormente del doctor Poole en una acción totalmente premeditada. Lo cierto es que si en un momento el terror se apodera de nuestros corazones con la sola idea de que una máquina creada para nuestro bienestar sea capaz de volverse en contra nuestra, uno de los momentos más impactantes de la película de Stanley Kubrick era el momento en que el doctor Bowman procede a la desconexión de HAL, que en un intento por agarrarse a la vida, no puede dejar de cantar una canción que su programador le instalara, llegando a despertar la compasión en el espectador. Y todo esto sin hablar del monolito, claro.

Un caso entrañable sería, sin duda, el que plantea Geroge Lucas en “Star Wars” en la que C-3PO y RS-D2 no sólo llevan el hilo conductor de tres de las películas de la saga, sino que además desarrollan lo que comúnmente se llama una relación de colegas, de buddies, que hace las delicias de cualquiera. Tremendamente inquietante sería la propuesta de Philip K. Dick en aquella novela adaptada al cine por Ridley Scott en “Blade Runner”, en la que incluso algunos replicantes —palabra utilizada para referirse a formas de vida artificiales, pero de aspecto humano—, ni siqueran eran conscientes de que no eran seres humanos.

Posteriormente hemos tenido otros tipos de cyborgs que ha llegado para aniquilarnos o salvarnos, como sucedía en “Terminator” y sus secuelas, o títulos que integraban la vida artificial con la alienígena, como sucedía en “Artificial Intelligence: AI”, pero prefiero terminar mi breve recorrido por el uso de la prosopopeya en el cine con mi ejemplo favorito, también de índole ecológica y en le que además somos testigos de la toma de conciencia de una vida artificial: “Wall-E”. Anímate y cuéntanos cual es tu ejemplo favorito de prosopopeya.

Si aparentemente el discurso de “Beginners” puede parecer desmoralizador, comenzando con la muerte de un padre, Hal (Christopher Plummer), que deja a su hijo sumido en la depresión, más desconcertado por el hecho de que su padre haya vivido sus últimos años en una experiencia de plena felicidad, que por el hecho de que hubiera vivido cuarenta y cinco años dentro del armario por respeto a su madre. Finalmente se muestra como un relato optimista y vital que empuja al espectador a entusiasmarse con cada nuevo comienzo. Nunca es tarde. Siempre se puede comenzar de nuevo.

Dado el bagaje artístico de Mike Mills, que comenzara como artista gráfico diseñando carátulas para álbumes de Sonic Youth, The Beasty Boys o Buffalo Daughter, para pasar después a realizar videoclips para bandas como Air, Moby , Pulp, Everything but the Girl o Les Rythmes Digitales, así como campañas de publicidad para firmas como Levi’s, Nike, Adidas o Volkswagen, permiten incluirle en el grupo de esos ladrones de orquídeas, como Spike Jonze, Mark Romanek y Michel Gondry, que confieren a su estilo visual de una espontánea agilidad que, apoyada en un discurso madurado y perfectamente trazado, permiten que salte de atrás hacia adelante sin que el espectador pierda en ningún momento la orientación. De hecho, pareciera que la estructura de la película respondiera a una configuración femenina que en lugar de contar la sucesión de los hechos tal y como sucedieran, los hilvana en función de los sentimientos, llevándole desde su presente hasta su pasado siguiendo un vínculo emocional.

Huelga decir que si Ewan McGregor y Mélanie Laurent dibujan a la perfección a sus inestables personajes, el que se lleva el gato al agua no es otro que Christopher Plummer que se mete perfectamente en la piel de un homosexual, sin pluma, pero con esa característica sensibilidad y delicadeza que si no fuera porque le hemos visto en muchas otras películas, hubiéramos pensado que eran de su propia personalidad. También podemos reconocer en la película una ligera influencia alleniana, particular y concretamente de “Annie Hall”, no sólo por esa anhedonia que parece padecer Oliver, sino por los saltos temporales al desarrollar el relato o incluso por el peculiar estilo con que se presenta Anna en un principio, que aparte de que su primer encuentro sea en una fiesta de disfraces, lo cierto es que recuerda mucho al estrafalario vestuario que se convirtiera en seña de identidad del personaje interpretado por Diane Keaton. Y cómo dejar fuera la fabulosa intervención de ese maravilloso Jack Russell, capaz de comunicar mucho más que la mayoría de los actores que desarrollan su carera única y exclusivamente en el seno de la industria de Hollywood. Las conversaciones que mantiene con su Oliver no tienen desperdicio alguno.

No deja de resultar curioso que a través de una historia de amor heterosexual, “Beginners” haga una furiosa defensa por el amor homosexual, demostrando que un hijo tan sólo necesita el cariño y afecto de sus progenitores, independientemente de cual sea su opción sexual.

Tal día como hoy hace treinta y cuatro años, a causa de un excesivo consumo de medicamentos prescritos por su médico y a sus cuarenta y dos años de edad, abandonaba definitivamente el edificio Elvis Presley, uno de los más populares iconos del siglo XX, junto a James Dean y Marilyn Monroe. Conocido popularmente como el rey del rock o simplemente el rey, Elvis, protagonizaría a finales de la década de los cincuenta y lo largo de los años sesenta casi treinta películas, que aunque ninguna de ellas pasaría a la historia del cine, casi todas ellas fueron en su momento rotundos éxitos de taquilla.

Considerado el solista con mayores ventas de la historia de la música popular, creador del rockabilly, además de la estética que va asociada al estilo musical que fusiona country con rhythm and blues, la música de Elvis estaría ligada indivisiblemente a la historia de su país, siendo las canciones que popularizó incluidas en innumerables bandas sonoras como entre las que destaco siete de ellas, ya sea por el tema o por el uso que del mismo se hace en la película.

Jailhouse Rock (1957)

De entre las películas que Elvis Presley protagonizara, quizás una de las más valoradas sea “Jailhouse Rock”, la película dirigida por Richard Thorpe en 1957 en la que el tema estrella era el que daba título a la película. En ella interpreta a Vince Everett, que cumple condena por homicidio involuntario. En la cárcel, sus aptitudes vocales llevarán a su compañero de celda, un ex cantante de música country, a introducirle en el negocio musical. Más que la propia influencia de la película, sería el estilo y estética de Elvis la que se vería homenajeada en películas posteriores, como “Grease”, aunque curiosamente no incluye ningún tema del rey en su banda sonora.

The Outsiders (1983)

Si en la década de los sesenta la mayor parte de sus canciones se escucharan solamente en las películas que protagonizaba, en los años setenta serían producciones europeas las que incluirían algún tema interpretado por Elvis en filmes como “Faustrecht der Freiheit”, dirigida por Rainer Werner Fassbinder, o “Asignatura pendiente”, la película dirigida por José Luis Garci. Pero en 1983, de la mano de Francis Ford Coppola, llegaba la adaptación de una de las novelas de Susan E. Hinton en su película “The Outsiders”, en la que encajaba perfectamente el tema Mystery Train, que se puede escuchar al final del siguiente fragmento.

Mystery Train (1989)

Jim Jarmusch realizaba en 1989 este magnífico tributo, no sólo al artista, sino a su ciudad y todo su legado en “Mystery Train”. El cineasta demostraba que la influencia del cantante había traspasado fronteras al comenzar su triple relato con la llegada de una pareja de japoneses que querían conocer por sí mismos la ciudad de su ídolo. Además de la canción que da nombre a la película, también se podía escuchar a Elvis Presley interpretando una versión de Blue Moon, el popular tema compuesto por Richard Rogers y Lorenz Hart.

Wild at Heart (1990)

No debe extrañar que un cineasta tan peculiar como David Lynch hiciera su personal homenaje a un cantante que emergiera en la década de los cincuenta. En su película de 1990, “Wild at Heart”, el propio Nicolas Cage interpreta las canciones de Elvis, a través del proscrito Sailor, que no sólo haría derretirse a unas jovencitas al ritmo de temas que hiciera famoso el rey, sino que conseguía un apoteósico final interpretando una de sus composiciones más populares: Love Me Tender

Forrest Gump (1994)

Un recorrido por la historia de la segunda mitad del siglo XX en los Estados Unidos de América no estaría completo sin aludir a Elvis Presley. Por eso Robert Zemeckis se toma la licencia de homenajear la figura del cantante en “Forrest Gamp”, a quien no sólo hospeda en la casa de la madre de Forrest (Tom Hanks), sino que se gasta una broma a costa de la enfermedad que padece Forrest, cuyas prótesis profieren a sus pasos de baile una singularidad que el cantante hará suya.

Lilo & Stitch (2001)

Varias son las películas de animación que incluyen temas de Elvis Presley en sus bandas sonoras, desde “Shark Tale” hasta “Megamind”, pasando por “Happy Feet”, pero en la película Disney de 2001, “Lilo & Stitch”, se incluyera también una secuencia en la que se aludía directamente a Elvis Presley, haciendo sus canciones accesibles a las nuevas generaciones.

Nowhere Boy (2009)

Y si tradicionalmente parece que hay que escoger entre Elvis o The Beatles para dejar claras tus influencias musicales, de lo que no hay ninguna duda es sobre la influencia de Elvis Presley en las primeras actuaciones de la banda de Liverpool, así como en sus primeros álbumes. Algo de lo que dejan constancia filmes como “Backbeat” o “Nowhere Boy”, que reconstruyen los años de gestación de una banda que sería tan influyente como el propio Elvis Presley.

Y es que la película es una mina en cuanto a este tipo de secuencias, puesto que encontramos muchas y de todo tipo. El director supo desenvolverse muy bien en el subgénero porque es un perfecto conocedor de sus películas clave, de cuáles son los elementos que hacen que una película de zombies sea realmente buena. Pero aparte de esto no quiso hacer una nueva cinta sobre muertos vivientes, puesto que se trata de una temática tremendamente prolífica en la que llega un momento que los autores se repiten. Así que Wright quiso aportar un toque personal a todo ello, siempre utilizando las ideas básicas de las películas clásicas de zombies, pero añadiéndole ese toque de humor que siempre encontramos en sus obras.

Esta vez nos encontramos con una de las escenas más graciosas de toda la película. Para el que no la haya visto le pongo en situación. El grupo protagonista, capitaneado por los inseparables Simon Pegg y Nick Frost, se encuentra buscando un lugar seguro donde refugiarse de las hordas de zombies que asolan toda la ciudad. Su plan es llegar hasta el pub donde se pasan casi todo el día tomando cerveza donde construirán un fuerte y esperarán a que les rescaten. Sin embargo, no todo sale como planeaban, sino no tendría gracia, así que justo antes de llegar al pub hay una explanada llena de zombies hambrientos de carne fresca.

¿Cómo pasar entre todos esos grupos de muertos vivientes y conseguir entrar en el pub vivos? La única manera que se les ocurre es imitarlos, hacerse pasar por zombies ellos también y esperar a que eso funcione. Aquí os dejo la escena:

Como veis, se toman muy en serio la preparación ya que cuentan con un zombie que está clavado en un árbol para conseguir una buena imitación. Además una de las compañeras del grupo es actriz, que toma el mando para intentar que el resto consigan una interpretación creíble. Así que se ponen manos a la obra y, siempre tomándoselo a la ligera, pasan entre los zombies aunque despertando algunas sospechas. El culmen es cuando el teléfono de Nick Frost comienza a sonar y él, tan tranquilamente, comienza a hablar olvidándose completamente de la crítica situación en la que se encuentra.

¿Qué hubiera ocurrido si esta misma escena, con su planteamiento y la idea de los protagonista de pasar a través de los zombies, se hubiera dado en una película distinta? Estoy seguro que si hubiera dependido de George A. Romero, el grupo protagonista no habría salido vivo de la situación, no habrían conseguido dar dos pasos antes de que todos los muertos vivientes se les echaran encima. Sin embargo ahí reside la gracia de la escena de Wright: toma a los enemigos como seres estúpidos que se dejan engañar por los buenos, rompiendo completamente esa clásica idea de la astucia del malvado, de la gran inteligencia que siempre tienen los villanos de las películas.

Si a todo ello, además, le añadimos el tinte cómico que aportan todos los actores, el resultado es una escena muy refrescante y sobre todo muy divertida, especialmente al comprobar cómo se desenvuelven cada uno de los personajes, perfectamente identificados, en esa situación tan crítica.

Desde luego es una de las mejores escenas de la cinta, por no decir la que más, aunque durante todo su metraje tiene tantas y tan divertidas que casi habrían que hacer un especial de todas ellas. Para todo aquel que aún no la haya visto, se la vuelvo a recomendar encarecidamente, sobre todo si disfruta con el dúo Pegg-Frost.

Fotos: ThatFilmGuy & Twynkle

Y es que ya desde la primera secuencia, a un servidor, se le atraganta la película por causa de un pleonasmo consistente en explicar a través de una voice over lo que unas imágenes muestran exacta y milimétricamente, no dejando lugar al espectador a sacar sus propias conclusiones y tratando de manipular lo que debe sentir por unos y otros personajes. También se muestra muy artificial en el transcurso de sus primeros pasos, pues más que obvio que en el momento en que Walter Black (Mel Gibson) se encuentra con la marioneta en la basura va a volver a cogerla.

Asimismo, una secuencia como el predecible y fallido intento de suicidio pone de manifiesto la falsedad y sobreactuación del actor que cuando quiere ser gracioso, no es otra cosa que patético. Pareciera realmente que el único motivo por el que Jodie Foster le hubiera reclutado para su película sea aquel recuerdo que guardaba de sus besos, de cuando rodaran juntos “Maverick”. ¿Sería aquel el momento en el que la actriz decidiera hacerse lesbiana? A lo mejor esa crisis de la familia, que tanto ha aireado que trataba su película, ocultaba en realidad la suya propia y tan sólo quería volver a besar al actor para comprobar si su condición sexual seguía siendo la misma.

Bromas aparte, lo cierto es que da la impresión de que Jodie Foster, en su rol de directora, no llega a creerse realmente que el castor esté vivo, que sea real. No transmitiéndolo así tampoco al espectador que, como ella y su personaje, sólo verá un pedazo de trapo que (casi) nunca disocia visualmente de su interlocutor. De esta manera el espectador nunca llega a asimilar al castor como un personaje más, independiente. Igual Jodie Foster no es consciente de un recurso como la prosopopeya, que le permite atribuir sentimientos y emociones humanos a objetos inanimados, exactamente igual que hace el protagonista con su compañero.

Es una verdadera pena que haya quedado en un segundo plano la relación que mantiene la otra pareja de la película, la que forman Porter Black (Anton Yelchin), junto a su compañera de clase Norah (Jennifer Lawrence). Mucho más interesantes psicológicamente, así como mejor definidos sus conflictos internos y, por supuesto, bastante mejor interpretados que la pareja protagonista, ellos serán los encargados de transmitir la tesis que esconde realmente la película, a través de una estructura inductiva que hará que conozcamos el objetivo real que la directora nos quería transmitir, sólo al final de la película, cuando casi todo nuestro interés se ha perdido por el camino.

Producida por Dino de Laurentiis, pocos sabrán hoy en día que aunque estaba previsto que el rodaje se realizara en Yugoslavia, finalmente la mayor parte de la película fue rodada en España. Las secuencias invernales en Segovia, también en la sierra de Madrid y en la Ciudad Encantada de Cuenca, siendo la mayor parte de los pasajes desérticos rodados en Almería. Esto permitió que, sobre todo en el equipo técnico de la película, participara un buen número de profesionales españoles que, posteriormente, conseguirían participar en otros proyectos de gran envergadura hasta consolidar su trayectoria profesional.

Es el caso de Benjamín Fernández, que tras haber formado del departamento de arte de producciones internacionales como “King of Kings”, “Doctor Zhivago”, “Travels with My Aunt”, “The Golden Voyage of Simbad” o “Alien”, participaría después en otras como “Dune” o “Rambo III”, para imponerse como uno de los más reconocidos diseñadores de producción españoles con dos premios Goya por su trabajo para “The Others” y “Alatriste”. Pero demos a paso a los que fueron principales artífices de “Conan the Barbarian”, ¿qué fue de ellos?

John Milius

Admirador de cineastas como John Ford y Akira Kurosawa y estando Sam Peckinpah, Sergio Leone, David Lean y John Huston como sus influencias confesas, John Milius sería uno de los cineastas incluidos en el denominado grupo de los Nuevos Cineastas de Hollywood, que emergiera con fuerza en la década de los setenta. Destacando antes como guionista que como director, participaría, en la sombra, en algunas de las primeras producciones de colegas como Francis Ford Coppola, George Lucas o Steven Spielberg. Entre sus logros estaría su aportación a la creación del mítico personaje interpretado por Clint Eastwood, Harry Callahan, que si en la primera de las películas de la serie, “Dirty Harry”, no aparecería acreditado, sí lo estaría en la segunda, “Magnum Force”, además de escribir los guiones de filmes como “Jeremiah Johnson” o “The Life and Times of Judge Roy Bean”, antes de escribir y dirigir la que sería su ópera prima como director: “Dillinger”.

Si “The Winter and the Lion” sería una película muy bien recibida por la crítica, John Milius se sentiría más identificado con “The Big Wednesday”, una película en la que aprovecharía sus propias experiencias de juventud y que sería muy alabada por sus compañeros de generación, quizás no igualmente por el público. Pero un año después y antes de embarcarse en “Conan the Barbarian”, participaría en uno de los proyectos más interesantes de la década, al ser uno de los guionistas que participarían en la adaptación de Heart of Darkness (El corazón de las tinieblas), la novela de Joseph Conrad que serviría de inspiración para “Apocalypse Now”.

A pesar de que “Conan the Barbarian” sería un rotundo éxito a todos los niveles y a pesar de que dos años después estrenaría, “Red Dawn”, que reuniría en su reparto a algunas de los más populares actores y actrices de la década de los ochenta, progresivamente espaciaría trabajos cinematográficos, como “Farewell th the King” y “Flight of the Intruder”, para volcarse en la televisión donde entre otros trabajos, sería el creador y productor de la serie “Roma”.

Como curiosidad, mencionar que si por un lado Milius es un gran coleccionista de armas, de hecho es uno de los asociados de esa antipática asociación que liberara Charlton Heston en defensa del rifle, por otro también serviría como inspiración para Walter Sobchak, uno de los personajes de la popular película de Ethan y Joel Coen, “The Big Lebowski”. Actualmente se encuentra escribiendo el guión de “Journey of Death”, un western moderno que también planea dirigir teniendo como protagonistas a Paul Levesque y Clive Owen.

Arnold Schwarzenegger

Apodado como el “roble austriaco” o el “roble de Estiria” en sus tiempos de culturista, Arnold Swarzenegger crecería en una estricta familia católica que le obligaría a asistir a misa todos los domingos. Quizás por eso volcaría toda su adrenalina en su adolescencia practicando todo tipo de deportes como fútbol, boxeo o atletismo, camino por el que acabaría en la halterofilia, y por el que llegaría a ser uno de los más reconocidos culturistas internacionales. Admirador de figuras como Steve Reeves, Reg Park o Johnny Weissmuller, el futuro actor se trasladaría en 1968 a los Estados Unidos, cuando contaba veintiún añitos, para convertirse en el mejor culturista del mundo, que sería Mr. Olympia en siete ocasiones.

Tras abandonar la competición profesional y participar en pequeños papeles en filmes como “The Long Goodbye” o “Cactus Jack”, su carrera como actor no despuntaría definitivamente hasta que protagonizara “Conan the Barbarian”. Por cierto que si por un lado la espada que portaba pesaba 20 kilos para que se marcaran de manera natural sus biceps, el actor tuvo que rebajar el volumen de su musculatura para poder manejar la espada con soltura. A pesar de que la lista de largometrajes que protagonizaría después no sea excesivamente larga, sin duda participaría en algunos de los filmes más populares de las décadas de los ochenta y los noventa, teniendo la capacidad de evolucionar desde el cine de acción hacia la comedia, o realizar filmes en los que ironiza con su condición de héroe de acción, cosa que otros actores del mismo estilo han intentado, sin éxito.

Curiosamente, parecen haber muchos puntos en común entre él y su personaje en la película de John Milius, pues ambos pasan su infancia en remotos pueblos, para esculpir sus cuerpos en su adolescencia, uno como esclavo el otro como culturista —otra manera de ser esclavo. Si tanto el personaje de ficción como el real pasarían una etapa de juventud perdidos en el hedonismo, llegado el momento ambos abandonarían esa forma de vida, para encaminarse por el camino de la lucha y el trabajo hasta que Conan se convierte en rey y Arnold en Gobernador de California.

Tras su cameo en “The Expendables”, abandonar la política y divorciarse de su mujer debido a un escándalo relacionado con un hijo ilegítimo, Arnold Schwarzenegger prepara su vuelta al ruedo cinematográfico, para el que si ha estado barajando múltiples proyectos, parece confirmada su participación en “The Expendable 2” y “Last Stand”.

Sandahl Bergman

Tras su longeva participación como corista en un programa de televisión, “The Dean Martin Show”, a lo largo de la década de los setenta, la danza marcaría también el primer contacto de Sandahl Bergman con el cine, al captar la atención del público en el conocido número musical Airotica, incluido en la película “All that Jazz”, filme dirigido pro Bob Fosse, con el que, de hecho, se habría iniciado en los escenarios de Broadway participando en le musical Dancing.

Si después participaría en otra película musical como “Xanadu”, antes de convertirse en Valeria para “Conan the Barbarian”, en la que tanto ella como Arnold Schwarzenegger realizarían las secuencias de acción, habría protagonizado otro proyecto ubicado en el mundo fantástico medieval, como “She”, para destacar después en otro proyecto basado en un relato de Robert E. Howard, “Red Sonja”, en la que volvería a reunirse con Arnold Schwarzenegger, pero que no cosecharía el mismo éxito que su anterior encuentro. Su participación en “Airplane II: The Sequel” sería la única aportación interesante en una carrera cinematográfica que aunque se prolongó en muchos otros títulos, ninguno sería realmente interesante.

Aparte de haber lanzado su propia línea de vídeos de gimnasia, la actriz y bailarina se refugia en la televisión, participando en episodios esporádicos de series como “Hart to Hart”, “Moonlighting”, “Cheers”, “Freddy’s Nightmares” o “Murder, She Wrote”, entre otras.

James Earl Jones

Antes de interpretar al inquietante y escurridizo Thulsa Doom, objeto de venganza de Conan, James Earl Jones ya habría conseguido una nominación al Oscar por su intepretación en “End of the Road”, aparte de haber iniciado su carrera en el cine de la mano de Stanley Kubrick en “Dr. Strangelove or How a Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”.

Si este actor originario de Arkabutla en el estado de Mississippi, ha participado en muchos proyectos tanto en cine como en televisión, sin duda es más reconocido por su poderosa voz que le ha llevado a ser la voz de Darth Vader en todas las películas de la saga “Star Wars”. Precisamente, a comienzos de mes se hacía público que este año sería uno de los galardonados por la Academia de las Artes y las Cinenias de Hollywood con un Oscar Honorífico.

Jorge Sanz

No me cabe ni la menor duda de que, así como en España, nadie desconoce el pequeño dato que relaciona a Jorge Sanz con “Conan the Barbarian”, fuera de las fronteras españolas pocos sabrán que el joven actor que posteriormente sería protagonista de la oscarizada “Belle Epoque”, habría interpretado en la película de John Milius a Conan de niño. Ese que es testigo de la aniquilación de su pueblo por Thulsa Doom, y que entre otras atrocidades, es testigo de la decapitación de su madre, interpretada por otra mítica actriz española: Nadiuska.

La película ciertamente marcara el inicio de la trayectoria del actor —no sería exactamente su primera película, pero sí la más relevante—, que todavía como actor infantil protagonizaría filmes como “Valentina” para desarrollar posteriormente una sólida carrera vinculada a la obra de cineastas como Vicente Aranda, en filmes como “El Lute II: mañana seré libre”, “Si te dicen que caí”, “Amantes” o “Libertarias”, y a la de Fernando Trueba con quien realizaría “El año de las luces”, “La niña de sus ojos” o “El embrujo de Shanghai”, además de la mencionada “Belle Epoque”.

Por el contrario, “Conan the Barbarian” marcaría el ocaso de la actriz de origen alemán —no ruso como se cree popularmente, siendo el ruso el padre y polaca su madre. Con su deslumbrante belleza, Nadiuska habría desarrollado una intensa carrera en el cine español de los años setenta, pero tan sólo participaría posteriormente a su intervención como madre de Conan en algunos filmes innombrables, para caer en el ostracismo. Tras graves problemas económicos, desarrollaría serios trastornos psíquicos que le llevarían a ser diagnosticada de esquizofrenia, siendo internada en un hospital psiquiátrico. Tras recuperarse y haber cumplido su tratamiento, es dada de alta, para acabar después vagando por las calles de Madrid. Tras recibir la ayuda de colegas de profesión, como Concha Velasco, fue ingresada en el Hospital General universitario para pasar después a ser paciente del Centro asistencial Benito Menin, dirigido por las Hermanas Hospitalarias del sagrado Corazón de Jesús, lugar en el que reside actualmente.

Basil Poledouris

Sin duda una de las señas de identidad más reconocibles de “Conan the Barbarian” es su banda sonora. Nacido americano de ascendencia griega, Basil Poledouris ha sido el creador de bandas sonoras tan populares como las de “The Blue Lagoon”, “Flesh & Blood”, “RoboCop”, “The Hunt for Red October”, “Serial Mom”, “Starship Troopers” o “Cecil B. DeMented”, aunque su más aclamada composición ha seguido siendo la que hiciera para la película de John Millius, con quien trabajaría en algunas de sus siguientes películas.

Indudablemente podemos encontrar en su partitura la influencia de su compositor favorito, Miklós Rózsa, además de la herencia cultural de su ascendencia ortodoxa griega que le llevó a incluir los conocidos coros de una banda sonora que ha sido utilizada en muchas otras películas y programas de televisión. Tras una fructífera carrera y haber ganado un Emmy por la su trabajo para la serie de televisión, “Lonesome Dove”, el compositor fallecía a los 61 años de edad, en el año 2006, a causa de un cáncer.

Fotos: Varadero Tadforo

En un día como hoy, 13 de agosto, nace Alfred Hitchcock, uno de los directores más importantes en la historia del cine. Sus aportaciones técnicas, así como su estilo y temáticas, le hicieron merecedor del título maestro del suspenso. Para celebrarlo como se merece, Extracine ha hecho una selección con nuestras diez películas favoritas del director. Repasamos sus miedos, sus fantasías, sus obsesiones, esa invitación a ser parte de los hechos, testigos visuales de misterios y asesinatos. Un director que merece ser recordado y estudiado, por ser parte de la evolución en el lenguaje cinematográfico y la puesta en escena.

Alfred Joseph Hitchcock nace en Londres, siendo el mejor de tres hijos de William y Emma Jane, quienes se dedicaban a la venta de frutas y verduras. El niño Alfred creció bajo la creencia católica, donde aprendió sobre la culpa y el temor; el niño Hitchcock temía en ser relacionado con lo malo. Fue un niño solitario. Su familia era estricta en cuanto a las normas y al comportamiento. Según cuenta a François Truffat, en una de sus tantas entrevistas, el niño Alfred fue enviado a la estación de policía con una nota por mal comportamiento; ahí fue retenido por un tiempo. Estas experiencias formarían parte de sus historias, al mostrar ese temor a las autoridades, en la representación de la policía y, en ocasiones, en la figura de la iglesia. Decide estudiar Ingeniería en el London Council School of Engineering and Navigation, formación que le sirve posteriormente en el lado técnico de sus producciones.

Al graduarse trabaja como artista gráfico y diseñador de publicidad. También publicó algunos artículos, coleccionaba relatos y asistía al cine y al teatro; al poco tiempo comenzó a hacer ejercicios personales de adaptación. Su primera experiencia en cine fue como artista gráfico; se dedicó a ilustrar los títulos, intertítulos y diálogos de las películas. En 1922 tuvo su primera oportunidad como director, con “Number 13”, película que se canceló por problemas de presupuesto. Su siguiente intento sería en 1925 con “The Pleassure Garden”. A estas alturas, gracias al cine, había conocido a la que fue su compañera y colaboradora para toda la vida, Alma Reville. En su etapa en Gran Bretaña, realizó “Blackmail”, “The Man Who Knew Too Much”, “The 39 Steps”; en este último filme fue a primera ocasión en donde utilizó el macguffin; ese elemento que sirve como excusa en el desarrollo de la historia pero, que al final, carece de relevancia. Después de “The Lady Vanishes” (1939) y “Jamaican Inn” (1939), Hitchcock se muda a Hollywood. Después regresaría para filmar “Frenzy” en 1972.

Su primera película en Estados Unidos, para Selznick International Pictures, fue “Rebecca”, ganadora del Oscar a Mejor Película en 1940. Obtiene más libertad creativa con “Suspicion” (1941), su primer título como productor; esta sería la primera ocasión que trabajaría con Cary Grant. En su siguiente filme, “Saboteur” (1942), por insistencia del estudio, Universal, debe trabajar con Robert Cummings y Priscilla Lane. Después vendría “Shadow of a Doubt”, uno de los filmes favoritos del director, también con Universal. Hasta ahora todas sus películas requerían exteriores, hasta que llegó “Lifeboat” (1994), donde la acción ocurre en un bote. Y así llegamos a grandes títulos como “Spellbound” (1945), “Rope” (1948), “Strangers on a Train” (1951), “Dial M for Murder” (1954) y muchos más que repasaremos en nuestra lista de favoritos a continuación.

10. “Dial M for Murder (1954)

Abrimos la lista con “Dial M for Murder”, una adaptación de la obra de teatro escrita por Frederick Knott, responsable también de realizar el guión para cine. Protagonizada por Ray Millard, Grace Kelly y Robert Cummings, la película se centra en un tenista profesional retirado quien busca deshacerse de su adinerada esposa tras descubrir que tiene un amorío con un escritor. Motivado por el resentimiento y la avaricia, planea el asesinato, pero las cosas no salen conforme lo planeado.

“Dial M for Murder” es considerada por el American Film Institute como un clásico entre los thrillers, obteniendo el noveno lugar en su top ten en 2008. Para Alfred Hitchcock fue tan sólo una película por encargo, que realizó debido a su contrato con Warner Bros. Aunque no se dedicó tanto tiempo a este filme, el cual fue filmado en 36 días, se nota el sello Hitchcock en gracias a elementos de la puesta en escena; por ejemplo, tuvo especial cuidado para que la vestimenta de Kelly fuera oscureciendo conforme avanzaba la trama. Esta sería la primera ocasión que Hitch trabajara con Grace Kelly, una de sus actrices más recordadas.

9. “The Man Who Knew Too Much” (1956)

«Que sera, sera, Whatever will be, will be; The future’s not ours to see. Que sera, sera, What will be, will be.» En el noveno lugar entre nuestros favoritos de Hitchcock, tenemos “The Man Who Knew Too Much”, el remake de una película propia realizada en 1934. La película fue presentada en el Festival de Cannes, en su novena edición; además ganó un Oscar a Mejor Canción por Qué será, será, escrita por Jay Livinston y Ray Evans. Un gran ejemplo de que un remake propio es un gran ejercicio de mejora.

Protagonizada por James Stewart y Doris Day, sigue a Ben, Jo y su pequeño Hank, una familia que se encuentra de vacaciones en Marruecos y, accidentalmente, se ven envueltos en un complot. En camino hacia Marrakech, la familia conoce a un tal Louis Bernard (Daniel Gelin), a quien posteriormente se encontrarían, en el momento que es apuñalado. Al borde de la muerte, Louis dice a Ben que alguien está en peligro y que debe contactar a las autoridades de Londres. Pero antes de hacer algo, los autores del complot secuestran a Hank. Así acompañamos a Ben y Jo en la búsqueda de su hijo, mientras siguen la pista de quienes lo llevaron.

8. “Rebecca” (1940)

Primera película que Alfred Hitchcock realizó en Estados Unidos, de la mano del productor David O. Selznick, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine. Basada en una novela de Daphne du Maurier, cuenta la historia de una joven mujer que se casa con Maxim de White (Olivier), un hombre viudo y adinerado. Al mudarse a su gigantesca mansión, la segunda esposa de Winter descubre que la presencia de Rebecca todavía está presente en Manderley.

Con “Rebecca”, Hitchcock comenzó con el pie derecho su etapa americana. Además de ser la película que inauguró el Festival Internacional de Cine de Berlín, en su primera edición, “Rebeca” obtuvo 11 nominaciones al Oscar, de las cuales logró Mejor Película y Mejor Cinematografía. Según su entrevista con François Truffaut, Hitchcock no la consideraba una película de su autoría, pues era una película oscura a la cual le faltaba un poco de humor. Aún así, el suspenso se encuentra presente en el conflicto de los personajes.

7. “The Birds” (1963)

Sólo Alfred Hitchcock haría una película sobre pájaros, pájaros comunes y corrientes atacando a las personas. El mismo director la describía como la película más terrorífica realizada por él hasta el momento. Hitch adapta un relato de Daphne du Maurier, sólo que, al contrario que en “Rebecca”, en está ocasión se toma libertades creativas; aquí también figura como productor. De la novela toma el título y la idea del ataque de los pájaros a las personas. “The Birds” es protagonizada por Tippi Hedren y Rob Taylor.

Cuenta la historia de Melanie, una socialite de San Francisco quien conoce a Mitch Brenner, en una tienda de mascotas. Melanie ir a Bodega Bay con el par de pajaritos que él buscaba para regalar a su hermana. En el lugar, poco a poco se observa un comportamiento extraño en los pájaros, en general, de todas las clases. De repente comienzan a atacar a las personas. «Suspenso y shock más allá que cualquier cosa que hayas visto o imaginado.» Con esta película, Hitchcock reta al espectador, con un relato fantástico que queda a interpretación de quien la lee. ¿Por qué atacaron las aves? Cada quien forma su respuesta. Debutó en Festival de Cannes y recibió una nominación al Oscar por sus efectos visuales; el premio fue para “Cleopatra”.

6. “North by Northwest” (1959)

Una historia sobre la confusión de identidades, protagonizada por Cary Grant, en la cuarta y última película que realizaría con Hitchcock. “North by Nortwest” se considera una de las mejores películas del director. Cuenta la historia de Roger Thornhill (Grant), un ejecutivo, quien es confundido por George Kaplan, un agente secreto. Thornhill debe escapar de quienes le siguen y, en su fuga, conoce a Eve Kendall (Eva Marie Saint), quien le ayuda a esconderse de quienes le siguen la pista. Así Thornhill recorre el país buscando la manera de sobrevivir. Esta fue la única película que Hitchcock realizó para MGM, siendo que originalmente se trataba de la adaptación de otra novela.

La idea de “North by Northwest” vino cuando Hitch y Lehman comenzaron a poner varias ideas juntas, a partir de una idea: una persecución en el Monte Rushmore, lo que termina siendo el clímax de la película. En esta película, además de manipular el tiempo cinematográfico como él solo lo hace, el director aprovecha también el espacio en favor a la historia; un ejemplo de esto es la escena donde el personaje de Cary Grant se encuentra en el desierto. “North by Northwest” debutó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Estuvo nominada a tres premios Oscar, incluyendo las categorías de Mejor Edición, Mejor Diseño de Arte y Mejor Guión Original; pero llegó “Ben-Hur” y el resto es historia.

5. “Notorious” (1946)

Una historia de amor entre dos espías, que son asignados a una misión en Río de Janeiro para investigar a un grupo nazi. Nació como eso, un romance, pero necesitaba un elemento más. Alfred Hitchcock y Ben Hecht, guionistas, pensaron en un elemento que dirigiera la trama, lo cual causaría que el director fuera investigado durante meses por el FBI. En el imaginario de Hitchcock entraba la posibilidad de una bomba atómica y, después de realizar una consulta con expertos, se decidió que el macguffin de la película fuera uranio, uranio en una botella de vino.

Esto ocurrió un año antes de Hiroshima, “Notorius” se estrenaría al año siguiente, con Cary Grant e Ingrid Bergman como protagonistas. Alice Huberman (Bergman) es requerida por el agente especial T.R. Devlin (Grant) para infiltrarse en una organización nazi establecida en Brasil. En Rio de Janeiro, se le ordena a Alicia seducir a Alex Sebastian (Claude Rains), un amigo de su padre y líder del grupo. ¿Qué tan lejos llegará por la misión? “Notorious” es uno de los títulos con mejor estilo visual en la filmografía del director, con tomas efectivas y un montaje bien logrado.

4. “Psycho” (1960)

El título clásico y, tal vez, el más representativo del director. Este thriller psicológico es protagonizado por Janet Leigh y Anthony Perkins, como Norman Bates. Con guión de John Stefano, “Psycho” presenta a una secretaria, Marion Crane, quien toma una dinero en efectivo de su trabajo y se dirige con su amante. Después de pasar una noche en la carretera, razón por la cual un oficial le llama la atención, Marion decide detenerse en un motel, donde conoce a Norman Bates. Después de este encuentro nos acercamos más al personaje, a sus obsesiones, a su fascinación con la taxidermia, así como la serie de eventos vinculados con la desaparición de Marion.

Se considera el primer thriller que emplea el psicoanálisis como base para el personaje de Norman Bates, dando así una explicación sobre el predominio de la Madre.”Psycho” tiene la escena más emblemática del director, conocida hasta por quienes no han visto la película: la clásica escena de la regadera. Para realizar esta película, Hitchcock tuvo que reducir costos al máximo y, así, obtener el apoyo del estudio para su distribución — para ello contrató al equipo que trabajaba como base en su programa de televisión —. De nuevo, los créditos iniciales son de Saul Bass y la música, por supuesto, de Bernard Herrmann; ambos redujeron su cuota para participar en el film.

3. “Rope” (1948)

Regresamos a 1948, con una brillante película, controversial en su momento. “Rope” se basa en la obra de teatro escrita por Patrick Hamilton que, a su vez, fue inspirada en el caso de Leopold y Loeb (dos jóvenes que secuestraron y asesinaron a un chico de 14 años). En la película, dos brillantes estudiantes universitarios, Brandon Shaw y Phillip Morgan, quienes buscan demostrar superioridad cometiendo el crimen perfecto. Una tarde asesinan en su departamento a un compañero y lo esconden en un baúl. Ese mismo día, más tarde, Brandon y Phillip ofrecen una cena donde invitan al padre de la víctima, su tía, su prometida, su mejor amigo y, también, a su profesor, Rupert Cadell (James Stewart), quien les habló sobre los conceptos de Nietzche, el superhombre y el arte del asesinato.

Para esta película Hitchcock quiso filmar en un sólo plano, pero, por limitaciones de la época, era imposible. En aquel entonces los rollos de película duraban sólo 10 minutos, por lo cual planeó toda la película para que fuera filmada por diez segmentos, cuidando la transición de uno a otro con el fin de dar esa sensación de continuidad. La película fue controversial pues, aunque no se menciona en la película, queda claro que Brandon y Phillips son homosexuales. Esta fue la primera película que Hitch realizó a color.

2. “Rear Window” (1954)

Como un gran ejemplo del voyerismo característico de Hitchcock, esa invitación que le hace al espectador de observar la vida de los demás, se encuentra este filme protagonizado por James Stewart y Grace Kelly; para ambos, su segunda experiencia con el director; después de “Rope” en el caso de Stewart y la también mencionada “Dial M for Murder”, en el caso de Kelly.

“Rear Window” se centra en Jeff (Stewart), un fotógrafo profesional quien, durante una peligrosa misión, se rompe la pierna. Postrado en una silla de ruedas, sin poder salir de su apartamento, se la pasa todo el día observando el patio y a sus vecinos, a través de su ventana con a ayuda de su lente. Por medio de la observación, va asignando sobrenombres, armando historias de vida. Un día le llama la atención la ausencia de la esposa de un vecino, mientras ve a Thorwald (Raymon Burr) limpiando un cuchillo, sacando un bulto. Jeff comenta los sucedido a Lisa (Kelly) y a su enfermera Stella (Thelma Ritter), con las sospechas de un posible homicidio.

A lo largo de la película acompañamos a Jeff y Lisa observando, uniendo pistas, para conocer la verdad que oculta el vecino. Con “Rear Window”, Hitchcock tuvo especial cuidado en mostrar, en lugar de decir, lo cual resulta un ejercicio cinematográfico interesante. También da un peso especial a la puesta en escena, dando importancia debida a los elementos que se encuentran en la toma. La película recibió cuatro nominaciones al Oscar: Mejor Dirección, Mejor Guión para John Michael Hayes, Mejor Cinematografía en Color para Robert Burks y Mejor Sonido.

1. “Vertigo” (1958)

Y llegamos a la número uno, la favorita por los editores de Extracine: “Vertigo”. Si “Rear Window” era un ejemplo del voyeurismo, “Vertigo” ilustra la obsesión. Esta sería la cuarta película y última película que James Stewart protagoniza para Hitchcock, acompañado en esta ocasión por Kim Novak, otra de sus rubias. La película se centra en John Scottie Ferguson, un detective retirado de la policía de San Francisco, quien sufre de acrofobia, temor a las alturas, resultado de un episodio traumático vivido durante una investigación.

Scottie trata de superar sus miedos, pero le resulta imposible. Sin nada mejor que hacer, acepta una propuesta de trabajo de Gavin Elster (Tom Helmore), quien le contrata como investigador privado para seguir a su esposa, Madeleine Elster, asegurando se encuentra poseída. Mientras la sigue Scottie descubre que Madeleine intenta suicidarse y, poco a poco, crece una conexión entre ellos. Aún en su intento por ayudarle, Madeleine comete suicidio al arrojarse de una torre. Scottie no puede hacer nada a consecuencia de su fobia y cae en una fuerte depresión. Tiempo después ve a una mujer en la calle, que le recuerda mucho a Madeleine y la sigue con el fin de conocerla. Su obsesión con aquella chica es tal que la obliga a Judy a transformarse, poco a poco, en aquel recuerdo.

De nuevo, Hitchcock hace uso de cada elemento a cuadro para contar esta historia. En este caso tomó especial cuidado en el personaje interpretado por Novak, detallando vestimenta y peinados desde antes de comenzar a rodar la película. El ritmo también es un rasgo importante, que va llevando el personaje de Stewart alo largo de la película. “Vertigo” es otra muestra más de la impecable colaboración de Saul Bass en los créditos de entrada, así como el póster, además de la banda sonora escrita por Bernard Herrmann.

Foto: Film noir

El 13 de agosto de 1946 el genial escritor Herbert George Wells, más conocido como H.G Wells, fallecía en Londres. Nacido a finales del siglo XIX (1866), Wells publicó su primera novela, La Máquina del Tiempo a los 29 años y en seguida conoció el éxito. A partir de ahí inició una fructifera carrera literaria que lo llevó a convertirse en uno de los más grandes escritores de la ciencia ficción.

Su bibliografía es amplia y a lo largo de los años ha influenciado a un buen número de directores y creadores. Por lo tanto, no es extraño, que sus obras hayan sido adaptadas en repetidas ocasiones a la gran pantalla. Desde Extracine hacemos hoy un pequeño homenaje a este insigne literato y a su magna obra.

Adaptaciones

“Island of Lost Souls” (1932). Se trata de una adaptación basada en el libro La Isla del Dr. Moreau (1896). La película fue diriga por Erle Kenton y en su reparto destacan dos grandes de la interpretación como son Charles Laughton y Bela Lugosi. Tal fue la conmoción social que provocó esta película debido a la crudeza que mostraba que se prohibió durante más de 20 años.

El Doctor Moreau (Laughton) es un científico loco que vive en una remota isla y vive obsesionado con su gran proyecto; crear hombres a partir de animales salvajes. Cuando Edward Parker (Richard Arlen) naufraga en la isla, Moreau querrá que se apareé con Lota, la mujer-pantera.

Existen otras dos adaptaciones de La Isla del Dr. Moreau. Una del año 1977 con Burt Lancaster y dirigida por Don Taylor. Resulta una película un tanto decepcionante pero merece la pena verla sólo por el trabajo de Lancaster en la piel del desquiciado científico. En la adaptación de 1996 , Marlon Brando daba vida a Moreau. La película fue dirigida por John Frankenheimer y en el reparto también aparecían Val Kilmer, David Thewlis y Fairuza Balk. Una terrible película que provoca vergüenza ajena. “Terror Is a Man” (1959) versión filipina de la inmortal obra de Wells.

“The Invisible Man” (1933) basada en la novela homónima de 1897. Dirigida por James Whale. Estamos ante un clásico del cine protagonizado por Claude Rains y Gloria Stuart. Jack Griffin un científico (Rains) descubre la fórmula de la invisibilidad y la usa en si mismo. Lentamente caerá en una espiral que le llevará a la locura. Rains hace un trabajo impresionante con su voz.

En 1944 apareció la película “The Invisible Man’s Revenge” dirigida por Ford Beebe y protagonizada por Jon Hall y John Carradine. También existe una adaptación mejicana que fecha de 1958 titulada “The New Invisible Man” (El Nuevo Hombre invisible). La película del 2000 titulada “Hollow Man” y protagonizada por Kevin Bacon y Elizabeth Shue también se basa en la obra de Wells.

“Things to Come” (1936) El guión fue escrito por el mismo Wells , es una película de ciencia ficción difícil de comprender, con una dinámica narrativa diferente a la del cine tradicional y que se caracteriza por mostrar una perspectiva pesimista sobre la evolución de la raza humana. Fue dirigida por William Cameron Menzies y contaba en el reparto con Raymond Massey, Cedric Hardwicke y Ralph Richardson. La película está basada en una historia escrita por Wells en 1933 titulada Things to Come.

“The Man Who Could Work Miracles” (1937) El ayudante de un comerciante de telas recibe inesperadamente poderes sobrenaturales con los que puede hacer lo que quiera. Se trata de la adaptación de una breve comedia que Wells publicó en 1898 en The Illustrated London News. El guión de la película fue escrito a cuatro manos entre Wells y Lajos Biró.

“Kipss” (1941) Dirigida por Carol Reed, el reparto está formado por Michael Redgrave, Phyllis Calvert y Michael Wilding. Está basada en la obra satírica del mismo nombre que el autor publicó en 1905. Un joven hereda una fortuna y trata de unirse a la alta sociedad pero descuida a su novia de la clase obrera. Esta película sirvió de base para el musical “Half a Sixpence” de 1976. Este musical fue dirigido por George Sidney y la historia es básicamente la misma. El reparto estaba formado por Tommy Steele, Julia Foster y Cyril Ritchard.

“Dead of Night” (1945) varios directores para una película única en su género, ya que se trata de varios cuentos que fueron filmados por separado y montados más tarde como si se tratase de una película. Cinco episodios unidos por una historia base y donde cada episodio tiene sus propios personajes. y su propio director. The Golfing Story es el cuento de Wells que se adaptó en esta película.

“The War of the Worlds” (1953). Puede que sea la obra más conocida de H.G. Wells. Para la época la película contaba con unos espectaculares efectos especiales, aunque esta versión no es muy fiel al libro es una excelente película. Protagonizada por Gene Barry y dirigida por Byron Haskin, nadie puede poner en tela de juicio el enorme impacto y valor de esta pieza clásica del cine de ciencia ficción.

En 2005 el rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, llevó a cabo una nueva versión protagonizada por Tom Cruise. Efectos especiales de última generación, secundarios de lujo como Tim Robbins y Morgan Freeman narrando la invasión alienígena.

“First Men in the Moon” (1964) Divertida y original película dirigida por Nathan Juran, los efectos especiales corrieron a cargo de Ray Harryhausen y el reparto estaba integrado por Edward Judd, Martha Hyer y Lionel Jeffreys. Está basada en la novela The First Men in the Moon de 1901. En ella la primera expedición a la luna de los años sesenta se encuentra con un hombre en el satélite que afirma llevar unos sesenta años viviendo allí.

“Village of the Giants” (1965) dirigida por Bert I. Gordon en el reparto encontramos nombres como los de Beau Bridges o Ron Howard. Se basa parcialmente en el libro The Food of the Gods de 1904. Un joven inventor descubre casualmente la manera de aumentar de tamaño las cosas. Un grupo de delincuentes decide aprovecharse y roba la fórmula. Al principio se dedican a venderla a la gente pero después probaran la fórmula sobre si mismos, de rusultas se vuelven gigantes. En vez de intentar volver a su estado normal se aprovechan de su tamaño y someten a la ciudad.

“The Food of the Goods” (1976) de nuevo tenemos a Bert I. Gordon como director. Pamela Franklin, Marjoe Gotner, Ralph Meeker y Ida Lupino en los papeles principales de esta película donde unos animales gigantes siembran el terror. Existe una segunda parte filmada en 1988.

“Empire of the Ants” (1977) basada en la historia corta del mismo título publicada en 1905. La historia nos traslada a Sudamérica donde un explorador investiga a una hormigas inteligentes que han destruído un asentamiento. Bret I. Gordon ataca de nuevo como director de este producto de serie B protagonizado por Joan Collins.

La novela La Máquina del Tiempo escrita en 1895 ha sido adaptada hasta tres veces. “The Time Machine” (1960) es sin duda la mejor de las tres. Protagonizada por Rod Taylor, Yvette Mimieux, Alan Young y Sebastian Cabot; y dirigida por George Pal, ganó un Oscar a los mejores efectos especiales. En ella un científico de finales del siglo XIX crea una máquina del tiempo que usará para desplazarse al futuro. Cuando llega allí se percata de que el mundo aparentemente idílico que se muestra ante sus ojos no es lo que aparenta y que un mal se esconde bajo la superficie.

“The Time Machine” (1978) esta segunda adaptación fue dirigida por Henning Schellerup pero carece de la fuerza de la primera. La adaptación del 2002 fue dirigida por el nieto del famoso escritor, Simon Wells. Una película bastante mediocre en la que nada es destacable, ni siquiera un reparto que contaba con Guy Pierce, Mark Addy y Jeremy Irons.

Y hasta aquí el repaso por la obra de H.G. Wells. Solo por curiosidad ¿cuál es vuestra adaptacion favorita? La mía es “Things to Come”.

Foto: Impawards / Ioffer