¿Nunca se preguntaron por qué la mayor parte de las películas no los sorprende? ¿O por qué el cine contemporáneo nos produce una sensación de déjà vu constante? Una de las formas que se me ocurre para definir al cine convencional es la de “films cortados con las mismas tijeras”. Mediante esta expresión la referencia a los actuales cánones de edición es obvia, transparente. Hasta hoy este cine “cortado con las mismas tijeras” era sólo una sensación visceral después de ver película, tras película, tras película —claro que siempre aparece alguna producción que nos hace olvidar, al menos por momentos, aquellas malditas tijeras.

Hoy esa sensación ya no es solamente viscera y análisis personal de estructura de guión y storytelling: me acabo de enterar de que psicólogos de la Universidad de Cornell en Ithaca han descubierto un patrón en la factura final de más de 150 películas de Hollywood estrenadas desde la década del 30 hasta los primeros años del nuevo milenio.

¿En qué consiste el descubrimiento? El psicólogo James Cutting y su equipo de la Universidad de Cornell analizaron más de 150 muestras —150 películas que van desde el año 1935 al 2005— y demostraron la correlación existente entre la duración de las tomas en cada uno de los films —acción, comedia, drama y hasta cine negro— y el span de atención del ser humano. El resultado es un correlato interesante que se ajusta a la llamada Ley 1/f —fluctuación 1/f o ruido rosa. Cutting, como muchos otros, cree que el patrón 1/f, en un nivel mucho más amplio, determina la estructura del mundo y los procesos mentales—. Pero sin lugar a dudas, lo que más me llamó la atención fue el hecho de que Cutting demostró que cuanto más actuales son las películas, más propensas a respetar la Ley 1/f. Según cree el psicólogo, las producciones que se ajustan al patrón en su corte final resuenan mejor en el público, y éste queda prendado más fácilmente —¿oyeron el adjetivo “atrapante” para describir algún film?

Sin embargo, ante las proyecciones de un cine cortado con las mismas tijeras de siempre, Cutting se permite relativizar el alcance del estudio: “Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith” sigue a rajatablas la Ley 1/F y le pareció un embole. Genial conclusión con valor de ley, ¿no creen?

Si quieren bajarse el documento del estudio de Cutting y compañía completo pueden hacerlo desde aquí.

Vía | Foto: Physorg

“El Análisis de los espectáculos“ de Patrice Pavis es un recorrido a través de la representación teatral o fílmica; y de las formas de análisis que lo estudian consiste en devolver al espectador esa confianza en su propia mirada que no debía haber perdido nunca.

Se trata de un libro que propone un panorama de prácticas espectaculares estrechamente relacionadas entre sí -el teatro, la mímica, la danza, el cine y otros medios audiovisuales- y añade algunos ejemplos tomados de tradiciones orientales.

Tras una actualización del estado de la investigación y de los instrumentos descriptivos correspondientes, la obra escénica o fílmica queda sistemáticamente radiografiada en todas sus dimensiones, según técnicas que se adaptan a cada uno de sus componentes: el actor, la voz, la música, el espacio, el tiempo, el vestuario, la iluminación, etc.

Y el análisis se coloca decididamente del lado del receptor para reconstruir su lectura dramática y sus reacciones conscientes e inconscientes. El lector es conducido así de un análisis puramente formal a una semiología y una antropología del espectáculo en las que el objeto de investigación no es únicamente el actor, sino también el espectador.

Pavice da al lector diversas herramientas que permiten comprender la cuestión actoral en diversos medios. Comentaba en días anteriores que parte importante dentro de la comprensión de una imagen fílmica es también la comprensión de la relación actor – escenario, no sólo vista de la forma teatral, si no aplicable a un espectáculo cinematográfico.

El actor se convierte en un modelo. En un reproductor de la imaginación del director quien tranporta a partir de una serie de significados y significantes una historia, la cual nos impacta por lo que vemos, escuchamos y gozamos. Es interesante que busquen este libro para poder entender el arte del actor dentro del universo fílmico.

Patrice Pavis es un teatrólogo, autor de los libros Problemas de Semiología teatral (1976), Lenguajes de la escena (1982), Voces e imágenes de la escena , Hacia una semiología de la recepción (1985), Marivaux en la prueba de la escena (1986), El teatro en el cruce de las culturas (1990), así como el célebre Diccionario del teatro (1980), traducido a diversas lenguas. El teatro y su recepción (1994), El análisis del espectáculo (1996). Editor de la antología Confluencias y El diálogo de las culturas en los espectáculos contemporáneos. (1997).

• Título: El análisis de los espectáculos: teatro, mimo, danza, cine
• Autor: Patrice Pavis
• Edición: 4
• Editor: Paidós, 2000
• ISBN: 8449309786, 9788449309786
• N.º de páginas: 338 páginas

Vía: Librería Paidos | Foto: Las Horas Perdidas

Hay ciertas películas que cambiaron para bien o para mal la historia del cine. “Psicosis” es una de ellas y ahora cumple 50 años. La obra maestra de Hitchcock cambió el concepto de cine de terror y dio al mundo una de las secuencias más famosas de la historia del cine. El magistral asesinato de Marion Crane en la ducha se rodó desde 70 ángulos distintos, con una banda sonora completamente innovadora de manos de Bernard Herrmann. Repetida, plagiada y parodiada hasta la extenuación, la secuencia de la ducha aún hoy dia es un prefecto ejemplo del dominio de la puesta en escena y el montaje del genio inglés.

En su día fueron varias las innovaciones de “Psicosis”. La fundamental es 100% narrativa: Al final del primer acto moría la protagonista y la película daba un giro de 180 grados para contar la historia de Norman Bates. Una apuesta arriesgada que no se había realizado jamás en la historia del cine, pero que funcionó a la perfección. El giro final de la película, desvelando la auténtica identidad de la madre de Norman Bates, también supondría una revolución dentro de la narrativa cinematográfica, y se repetiría hasta la extenuación, con variantes, en films excelentes como “El club de la lucha” o patéticos como “El escondite.“

Hitchcock rodó “Psicosis” a contracorriente: En blanco y negro cuando el color ya se había impuesto, matando a la protagonista, toda una estrella del momento, empezando con una escena de dos amantes en ropa interior (algo impensable para la época), y con una protagonista inmoral y ladrona. Ahora 50 años después, Hollywood lo celebra con una proyección en el Alex Theatre de Los Ángeles con algunos de los supervivientes de aquel hito cinematográfico.

Nosotros no tenemos sala de proyección, pero siempre nos quedará YouTube, así que desde Extracine queremos hacerle nuestro particular homenaje a “Psicosis”. Os dejamos con la escena más famosa de la película: Rodada en siete días, con 70 posiciones de cámara, en la que no vemos ni una sola puñalada, ni una sola zona impúdica del cuerpo femenino. Osea, un claro ejemplo de lo que el montaje puede hacer en el cine.

Via: El Mundo | Foto:Legends of Horror

No vamos a ser demasiado ingenuos en este sentido porque las películas animadas de gran alcance tienen un departamento de marketing detrás que está pensando en cómo hacernos consumir lo más posible su producto, pero llama la atención como las últimas películas de Pixar, Disney, Columbia y Sony se han esmerado en concientizar a los chicos sobre lo malo que es el consumo desmedido y lo necesario que resulta tener una vida saludable.

A pesar de que después veamos los muñequitos de los personajes de estas películas en las cajitas de Mcdonalds, el mensaje parece ser importante. Y espero que sea bien interpretado por los niños, ya que se pueden rescatar muchos valores positivos.

Fueron dos de estas películas las que más me llamaron la atención: Wall-E y Cloudy with a Chance of Meatballs (Lluvia de Hamburguesas). -Atención a los que no vieron las películas porque contaré parte de su trama- La primera muestra a los humanos viviendo en una nave espacial con todas las comodidades mientras los robots se encargan de limpiar el planeta tierra que quedó totalmente devastado y lleno de chatarra por el uso de los hombres. Una película que critica el modo de vida sedentario y la visión egoísta del hombre que ve al ambiente en el que vive como una herramienta, y además hace hincapié en la falta de comunicación “cara a cara” reemplazada por la comunicación virtual. La parte más impresionante es cuando muestra cómo las máquinas pueden dominar al hombre en muchos sentidos y llamarlos a consumir a través de simples carteles luminosos.

En Cloudy with a Chance of Meatballs vemos a un científico ignorado por la sociedad que retoma la popularidad buscada luego de que un experimento posibilite hacer llover cualquier tipo de comida. Muestra a los humanos comiendo sin medidas y siendo totalmente caprichosos en este sentido, a pesar de que se pone en riesgo su propia vida. ¡Hamburguesas para todos!

Fotos: conceptrobots y cinemarama

El cine está lleno de reglas y convenciones que, aunque no todo el mundo conozca, siempre están ahí. Una de las básicas es el llamado “eje cinematográfico”, que viene a ser esa línea imaginaria que une los ojos de los protagonistas y que sirve para marcar el espacio por el que ha de moverse la cámara. Ayuda a situar la acción y a que si de un plano general pasamos a un primer plano, el espectador no pierda el sentido del espacio.

¿Se puede saltar? Sí, claro que sí. Pero conviene hacerlo con intención, es decir, sabiendo lo que se hace y lo que provoca su salto. De lo contrario, el espectador puede perderse y no saber muy bien cuál es la situación de los personajes y de la acción. Una forma de entender qué es el eje y lo que significa en el cine es visualizando un magnífico corto titulado: “¡Tía, no te saltes el eje!”. En sólo unos minutos se capta la idea. Este corto recibió en 2007 el premio Ex Aequo del Jurado a la Mejor Película de Ficción del Notodofilmfest. Una joya.

foto: Allmoviephoto

Que si la asistencia a los cines cayó o subió más o menos en los últimos tiempos solo lo sabrán realmente los dueños de las compañías que manejan las butacas y las carteleras, pero que hay una pérdida de ese hábito de “ir al cine” es cierto, más allá de los números concretos. O al menos en el lugar donde vivo no es una actividad muy frecuenta la de ir al cine a pesar de que no hay muchas cosas más por hacer.

En Corrientes (Argentina) identifico algunas posibles razones por las cuales las personas deciden muchas veces ver una película en casa antes de ir al cine, y de modo resumido creo que las más frecuentes son: la diferencias de precios entre el fin de semana y el resto de los días que nos hace pensar en una “TOMADA DE PELO”, el precio de los snacks que venden en el cine valen tres veces más de lo que vale en cualquier confitería, como se trata de una ciudad chica con tres cines en total cuando uno va al cine el fin de semana se encuentra con “todo el mundo”, las primeras cinco filas del cine están muy cerca de la pantalla y siempre hay una gran posibilidad de no tener otro lugar disponible, las películas llegan siempre un mes después que a Buenos Aires, como hay pocos cines las películas que llegan son siempre de yankilandia y por último: con todas las pestes que hay en invierno ir al cine es una forma de contagiarse (ahora los cines están cerrados por la Gripe A). Pero supongo que esto no es común a todos los cines del mundo…

¿Ustedes qué prefieren? ¿Quedarse en casa o ir al cine? ¿Creen que debería haber un cambio en la administración de los cines en el lugar donde viven?

Fotos: anarama

Cada película encierra en si misma un mensaje cargado de subjetividades producido y transmitido tanto por los creadores del guión, como por el director, los actores y los encargados de los efectos especiales y la musicalización. De eso no muchos tienen duda, aunque las teorías acerca de la verdadera influencia de ese mensaje en los espectadores varían de acuerdo a la mayor o menor gravedad que le dan al asunto.

Podemos analizar una película y notar tendencias ideológicas bien marcadas o mensajes de fondo que llegan a irritarnos, incluso evaluar la calidad de los filmes midiendo la profundidad con la que abordan la temática o el género, pero hay ciertas producciones que son extremadamente alevosas y que ya atentan contra uno. Ya sea porque atacan directamente a una creencia, una clase de gente, un país, o una costumbre, no podemos evitar sorprendernos y querer hacer algo para mostrar nuestro desencanto con ello.

Por lo menos a mí me paso eso con tres películas en especial que recuerdo, que entre si son bien distintas pero que apuntan a lo mismo; atacar mediante el humor sutil o unos proyectiles de indirectas (más directas que otra cosa) sobre alguna cuestión.

Les hablo de You, Me and Dupree, Bend It Like Beckham y Collateral Damage, y ahora les explico por qué en cada caso. En una parte de You, Me and Dupree uno de los personajes que hacía de zángano y molesto menciona algo así como que su sueño era “vivir como en Argentina donde nadie hace nada” y a pesar de que se nota el toque de humor, llegó realmente a molestarme. Podría parecer inocente, pero como quien no quiere la cosa esas palabras no se me van de la cabeza. Incluso sé que en otras películas se hace mención hacia otros países, y es ahí donde quiero llegar. ¿Cómo podría resumirse en una frase a todo un país? ¡Me parece una barbaridad!

En cuanto a Bend It Like Beckham me resultó muy agresivo como tratan las cuestiones culturales. Es decir, me pareció una falta de respeto en la forma en que se remarcaban los “avances” de una cultura sobre la otra, sobre todo basando la película en un dramón de cuarta categoría. Como si para la chica india le fuera una especie de “liberación” amoldarse a la cultura de los ingleses. Al menos a mí no me caben esas concepciones sobre la cultura, me parece una postura muy elitista y poco respetuosa. ¿Vieron esta película?

Y finalmente la peor de todas es la de Collateral Damage donde vemos a Arnold Schwarzenegger interpretando el papel de un “pobre hombre norteamericano” que lucha contra todos los “malvados guerrilleros colombianos” hasta liquidar a su líder. Sé que exagero, pero realmente me parece un intento malísimo por mezclar las cosas. En estas cuestiones se debe tener sumo cuidado y no fomentar al sensacionalismo porque estamos hablando de cuestiones delicadas, y a los encargados del filme parece que les importó muy poco esto y prefirieron apostar a una mirada superficial de una cuestión de fondo muy importante. ¡De última hubieran elegido otro tema!

Seguramente habrán muchas más de este estilo que ahora no recuerdo, pero me interesa saber si ustedes han tenido estas experiencias tan desagradables o si han visto las mismas que yo y opinan diferente. ¿Qué me dicen?

Foto: IMDB

¿Nunca les pasó eso de ponerse a ver una película y sentir que le están tomando el pelo? Llega el punto donde uno no sabe realmente si buscar la cámara oculta por ahí o se cree poco apto para interpretar el arte audiovisual… la situación es intrigante, después molesta y por último asesina y nos genera tal punto de confusión que comenzamos a buscar otras opiniones con respecto al film.

¿Algún ejemplo? El día después de mañana fue una de esas películas, yo realmente ¡no lo podía creer! que había dejado de hacer otras cosas para mirar una historia tan absurda y a la vez festejada por otros. Mi conclusión fue ¿todo ese lío por un taladro?

Lo mismo me pasó con Soy Leyenda y con Hamaca Paraguaya aunque de última esta película tiene una onda alternativa y se entiende que viene por ahí la mano. La cuestión es que habría que hacer algún tipo de lista donde se incluyan cuales son los clichés más usados y las historias con menos sentido del mundo porque seguramente hay más de diez. Entonces la idea es que comenten alguna película con la que hayan tenido esa sensación de burla, para ayudar a otros a no caer en la trampa. ¿Se prenden?

Foto: Wiltonlibrary

No voy a negar que me encanta comerme el coco. Siempre me ha gustado cuestionarme el porqué de las cosas, por carencia o defecto, eso da igual. Dudar es de sabios. Pues bien, ¿os habéis cuestionado alguna vez lo dependientes que nos hemos vuelto del séptimo arte?. Me explico.

El cine es la forma artística más completa que existe, aunque básicamente es imagen y sonido. El juego que dan estos dos elementos es tal, que lo resultante está realmente cercano a la vida misma. El cine es la forma expresiva, que de manera más genuina, habla del mundo y de las batallitas de la gente que lo habita.

La vida es en sí misma un juego de espejos, nos vemos reflejados unos con otros, y a todo ello, el celuloide es el espejo que todo lo refleja. Cualquier vida, cualquier situación, cualquier experiencia. Todos hemos sido protagonistas en la gran pantalla alguna vez. El cine tiene la cualidad de reflejar nuestros temores, anhelos, esperanzas, inquietudes, etc.

En el fondo es algo tremendamente subjetivo, pues muchas veces, la historia que nos están contando, de alguna manera, se sale de nuestro campo de acción habitual. El mensaje que captamos -la mayoría de las veces de un modo completamente inconsciente- siempre se encuentra entre líneas, entre escena y escena, tras la pantalla. Pocas veces podemos expresar claramente el porqué de nuestro entusiasmo con una determinada obra. Al menos esa es la manera en que yo lo vivo, a través de la intuición.

Aspectos técnicos o más formales sobran. Donde haya una buena historia -acompañada de una buena intención- que nos haga vibrar, que se quite todo lo demás.

Existe esa clase de gente que juzga a las personas de acuerdo a la clase de películas o series de programas que ve habitualmente, e incluso existen profesionales del área de la comunicación o la psicología que afirman no mirar televisión o películas de producción hollywoodense porque conocen acerca de las consecuencias, el lavado de cerebro y los preconceptos instalados que ello ocasiona. El asunto es ¿hasta dónde puede llegar a influir la producción visual en nuestras personalidades? ¿O es que nosotros somos quienes establecemos ese límite?

Dentro de la industria del cine existen aplicaciones del marketing al medio audiovisual donde se establecen clasificaciones de público de acuerdo a su edad, sexo, nivel social (y muchas otras referencias) que ayudan a las productoras cinematográficas a enfocar comercialmente su filme. Lo que no indica que la gente que termine mirando ese filme se ajuste al perfil determinado previamente. Es decir, que los creadores piensan su producto para determinado público, pero el público no es necesariamente el mismo que fue previamente determinado.

Por eso es que luego de haber visto varios comentarios dentro del blog haciendo referencia a que “cómo alguien podría perder el tiempo viendo tal o cual película” me pareció copado dedicarle un post a este tema que es bastante discutido y que merece que cada uno se tome el tiempo de indicar su punto de vista.

Para mí alguien que mira comedias románticas superficiales y típicas no es necesariamente una adolescente enamoradiza. Tranquilamente puede ser un hombre con ganas de despejarse o una mujer que quiere tener un poco de cosas irreales en su vida. Igual pasa con las películas de humor chato, o las de humor negro, y también con otros géneros. Y es que las personas no siempre miran o tienen curiosidad por algún contenido similar a su forma de pensar, muchas veces se da todo al contrario.

¿Ustedes concuerdan? ¿Suelen mirar cosas que encajarían con su perfil? ¿Conocen alguna película que ustedes crean que lava el cerebro? ¿Qué buscan del cine?

Foto: Historieteca