Andre Perkowski vuelve a la carga. Si ya pusimos por aquí su interesante proyecto Silent Shadow of the Bat-Man, vídeo montaje que recreaba el origen de Batman y su galería de villanos utilizando material de la época muda del cine, es ahora Arkham Asylum el protagonista de los dos siguientes cortos.

Como no podía ser de otra forma el expresionismo alemán aporta turbadoras imágenes desde clásicos como Nosferatu, Das Cabinet des Dr. Caligari o El Golem para retratar el famoso manicomio y a sus desquiciados inquilinos. También podemos apreciar algunos de los experimentos visuales del seminal Melies. Aquí tenéis Mark of the Mad Hatter y tras el salto la segunda parte, Riddle Me Deadly. Disfrutadlos.

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Me he encontrado con un curioso artículo en internet que hace referencia a hechos insólitos relacionados con el cine como que la cinta más larga jamás rodada dura más de 87 horas, que el abuelo de Drew Barrymore ostenta el récord de número de besos en una película por Don Juan (por cierto, el primer largo que incluía una banda sonora sincronizada, poniendo así las bases para el estreno del cine sonoro con El cantor de Jazz) o que André de Toth, habitual director de cintas en 3D, veía en dos dimensiones porque sólo tenía un ojo.

Échenle un vistazo al enlace que es la lectura entretenida que apetece meterse para el cuerpo en estas épocas estivales en las que cuesta hasta pestañear. Además les estoy dando una idea, porque en las reuniones sociales es del tipo de cosas que podrán contar, entre cóctel y cóctel, para sorprender al respetable. De nada.

Los 60 fueron una década convulsa. En EE.UU. la lucha por los derechos de gays y lesbianas se sumaba a las reivindicaciones de la maltratada comunidad negra y a la oposición a la guerra de Vietnam. Es en este marco donde un hecho fortuito da origen a lo que será conocido como día del Orgullo Gay.

El 28 de junio de 1969 en Nueva York, el bar Stonewall se empieza a abarrotar de gays que vuelven del entierro de su musa Judy Garland. Aparece la policía y la reinante sensación de tristeza se torna primero en indignación y después en rabia y frustración por años de persecución y discriminación social. Se dice que la canción que sonaba en el bar en aquel momento era Somewere Over the Rainbow, recordada melodía que Judy Garland interpreta en El mago de Oz. De repente se dejan atrás años de manifestaciones y lucha pacífica prolongándose los tumultos durante días. Desde entonces el 28 de junio se convierte en el día de referencia para la comunidad gay y el arcoiris en su símbolo y bandera. Cual Cid Campeador, Judy Garland consigue así su mayor logro social y personal después de muerta.

¿Cómo sería una película de Batman rodada en los años 20?. Esto es lo que propone el curioso e interesantísimo vídeo Silent Shadow of the Bat-Man. El creador del mismo se ha dedicado a recopilar material de la época muda para manipularlo y montarlo con carteles que cuenten la historia del hombre murciélago.

En la primera parte podemos ver el asesinato de los padres de Bruce Wayne y su primera encarnación como Batman. Su visionado resulta hipnótico y extraño para un amante del cine mudo y de los cómics como es un servidor. Disfrútenlo.

La segunda parte del vídeo resulta aún más satisfactoria pues muestra la galería de villanos del cómic utilizando para ello imágenes de clásicos del expresionismo alemán como Das Cabinet des Dr. Caligari. Especial mención para el Joker, que no tiene nada que envidiar a las encarnaciones modernas que hemos podido disfrutar en el cine. Continuar leyendo »

Se cumplen 25 años de la muerte del que para muchos es el más importante director español de la historia, si bien de los treinta y dos largometrajes que dirigió sólo cinco son netamente españoles, y la gran mayoría, una veintena, de nacionalidad mexicana, que fue su segunda patria, y en cuya cinematografía dejó una profunda huella (tan profunda como la que la cinematografía mexicana dejó en él).

Es Buñuel el prototipo de artista resbaladizo, huidizo, esquivo. Casi imposible de etiquetar o de enmarcar en una corriente estética. Vivió ocho décadas y pico del siglo XX, desde su mismo comienzo, y se marchó cuando España comenzaba a caminar hacia un futuro algo más prometedor que el que tuvimos hasta 1975. No cumplía, desde luego, el perfil de un intelectual, ni reunía las condiciones de un poeta atormentado. Sus ideas políticas eran todo menos previsibles, y su mirada escapaba al cliché aún cuando era tan famoso como los más grandes y respetados cineastas de su generación. En suma: era, y sigue siendo, un misterio. Continuar leyendo »

Como todos sabemos, la mayoría de los actores que ahora son grandes estrellas, muchas veces han tenido que aceptar casi cualquier cosa, o directamente cualquier estupidez de papel, con tal de que siguieran llamándoles y, quizá en un futuro, llegar a ser alguien. A fin de cuentas no todos hemos nacido con padrino, y hay gente que tiene padrino y tampoco llega a ningún lado durante mucho tiempo.

Que se lo digan a George Clooney, que ahora puede ser respetado (de hecho, es un buen actor dramático y un excelente actor de comedia), sobrino de la muy famosa (en U.S., aquí no tanto), Rosemary Clooney, ya fallecida, que durante una época fue la gran cantante americana pop, y es primo de Miguel Ferrer, al que hemos visto en unos cuantos papeles; pero lo cierto es que durante muchos años parecía que este hombre no se iba a comer un colín, ahí donde le veis ahora.

Fue ascendiendo muuuy lentamente en series de Tv de cuarta categoría, apareciendo en secuelas de películas nefastas, como la muy revisitada (ahora, claro) Return of the Killer Tomatoes!, y dejándose ver en series famosas, donde duraba pocos episodios, como Roseanne. En la década de los 90 no pudo empezar peor: perdió el papel que interpretaría Brad Pitt en Thelma & Louise y empezó a desesperarse. Sólo así se explica que después de tanto esfuerzo apareciera de esta pinta, aunque durante 10 seg, en la olvidada y archivada The Harvest…¡Sólo un año antes de la mitica E/R que le lanzaría a la fama!

Actores del mundo, no desesperéis.

En una de las primeras secuencias del capítulo número 10 de una de las series del momento, Mad Men, el personaje interpretado por la muy atractiva Christina Hendricks y el interpretado por el muy televisivo John Slattery hablan en torno a una película que está en esos momentos en cartelera en Nueva York en 1960: The Apartment.

No es un simple guiño, ni un capricho del guionista. Como no lo es establecer un puente entre esta serie fundamental para entender la televisión y el audiovisual de hoy, y aquel filme inolvidable tan importante para su época, auténtico puente entre el cine de los 50 y el de los 60 y 70. Ambas transcurren en la misma época, en Nueva York, y ambas nos hablan de las mismas cosas y los mismos motivos, aunque las personalidades de sus creadores (y esto se agradece) sean tan distintas. Continuar leyendo »

El artista Martjin Hendriks realizó un curioso experimento: eliminar a los pájaros de la película Los pájaros, el archifamoso título abstracto/apocalíptico del genio Alfred Hitchcock. En mi opinión resultan tres interesantísimas secuencias dignas de ver, pues provocan en el espectador una curiosa sensación.

La de poder acceder a la fascinante e inimitable puesta en escena de Hitchcock, a su misterio. La ausencia de los letales pájaros, más que revelar el artificio, desnudan el modo en que el orondo genial prepara su relato para inquietarnos.

Secuencia 1

Secuencia 2

Secuencia 3

Vía: Llámame Lola

Metrópolis, la gran obra maesta de Fritz Lang, ha aumentado en 25 minutos su metraje más de 80 años después de su estreno. El material inédito ha sido hallado en Argentina en el Museo del Cine de Buenos Aires. Su directora, Paula Félix-Didier encontró este tesoro entre el contenido que un particular había donado al museo.

La película del director alemán, estrenada en 1927, sufrió durante años la mutilación de su metraje, que pasó con el tiempo de las más de tres horas a algo más de dos (además yo juraría que aquel despropósito de Giorgio Moroder de reestrenar la película en los 80 con música AOR no pasaba de la hora y media). En el 2001 la copia original fue restaurada por la Fundación Murnau utilizando diverso material encontrado en diversas filmotecas europeas, alcanzando así los 147 minutos que conocíamos hasta ahora (en el excelente doble DVD editado en España).

Metrópolis es todo un monumento del cine mudo que aglutina las enseñanzas del expresionismo alemán, la lucha de clases, el mito de prometeo y una visión de las clases altas que maravilló a Hitler. El fuhrer le propuso así a Lang el más importante cargo como cineasta en el nuevo régimen, papel que rechazó y lo empujó a EE.UU. (gracias a aquella decisión tenemos obras maestras como Los sobornados, rodada por Lang en tierras norteamericanas). Por cierto, su mujer se quedó en Alemania fascinada por el brillante futuro que le esparaba a su país.

Star Wars, Blade Runner, Ghost in the Shell o El quinto elemento le deben mucho a esta maravillosa e imperfecta obra maestra. Esperamos ansiosos la futura restauración, será todo un placer redescrubrirla de nuevo, ¿se apuntan?.

Vías: Redescubriendo ‘Metrópolis’

Enlace: El País

En Japón, las películas de animación, o sea, ese fenómeno de masas que llaman ANIME, es mucho más importante que las películas de imagen real. Y eso que cuentan con una magnífica tradición en la historia del cine en imagen real, con grandes cineastas que han influenciado el cine mundial. Pero nada comparado con la animación, que para ellos es lo más natural en narrativa.

De todos los directores de animación, el más prestigioso y venerado es alguien que para ellos es más grande que Walt Disney, el insigne artista Hayao Miyazaki. Quizá su mejor obra, dentro de una filmografía como director en la que abundan películas maravillosas, sea La princesa Mononoke: la más violenta, dramática, desesperanzada, terrible y emocionante. Continuar leyendo »

La tecnología en la pantalla se ha convertido en un fin en sí misma que prima sobre el contenido, mientras desprecia otros valores

No se trata de negar los adelantos tecnológicos pues muchos de ellos han proporcionado progresos notables pero estas técnicas no tienen que llegar a ser el fin, acapararlo todo en detrimento de los contenidos, de lo que se quiere contar, de la propia historia.

Son palabras del veterano director francés Bertrand Tavernier analizando de forma contundente la actual situación del cine espectáculo en el foro que imparte esta semana en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo.

Y es que el cambio de siglo ha supuesto un cambio radical en la concepción visual del cine. No me refiero a que automáticamente todo el mundo se volviera loco con el cambio de milenio sino que existe un claro antes y después del estreno de Matrix en 1999. Continuar leyendo »

Todavía resuenan los ecos de la huelga de guionistas, con más de 2000 millones de dólares de pérdidas para la industria, cuando empieza a verse en el horizonte la cada vez más inevitable huelga de actores.

Hollywood empieza a acelerar los rodajes en curso y a retrasar los rodajes pendientes, mientras, los actores se hallan divididos. Por un lado pesos pesados como Hanks, Clooney y DeNiro se posicionan en contra, por otro, Nicholson, Stiller, Mortensen o Nolte apoyan la huelga.

Pensarán ustedes que con el caché que suelen tener los arriba mencionados a qué viene una huelga. La respuesta está en que los nombres citados pertenecen a una élite del 6% de afiliados que trabaja de forma regular.

En los años 40 el sistema de los estudios tenía fuertemente atadas a sus estrellas. Cada uno disponía de su plantilla y hacía y deshacía como le venía en gana. Es con la integración en la industria de los sindicatos cuando empiezan a surgir las tiranteces y la exigencia de mejoras y derechos. Cuando más tarde aparece la figura del representante es cuando florecen los contratos millonarios que todavía hoy conocemos.

Será presumiblemente en julio el momento en el que todo estalle o se quede en agua de borrajas. A lo mejor la escasez de cine norteamericano hace descubrir a más de uno un cine más rico y diferente fuera de la hegemonía dictatorial que ejercen en las salas de todo el mundo las producciones de Hollywood.

Vía: Hollywood entra en crisis ante el temor a una huelga de actores

Enlace: El País

Cuando esta película se estrenó en 1982, tanto la crítica como el público fueron unánimes: era un filme confuso, oscuro pero vacío, lento, autocomplaciente y aburrido. A finales de esa década, y principios de la siguiente, una resurrección tuvo lugar debido a las sucesivas versiones (según Scott, sólo hace pocos meses hemos podido ver la versión que él imaginó), a un halo de misterio conferido por la sospecha de que la verdadera película no se había visto aún, y por la promesa de sus creadores, en una campaña de marketing más brillante que la de LOTR, de que algún día se vería en todo su esplendor.

Esto, unido a la ciertamente muy notable e ifluyente Alien y a la apariencia siempre arrogante y gélida de su director, han bastado para elevar desde la sima hasta lo más alto a éste brillante filme de Sci-Fi. Tanto es así que hoy día, por muchos, está considerada la mejor película de éste género sin ninguna duda, y basta cuestionarla para que se le echen encima, en cualquier conversación y sin ser invitados, varias docenas de fanáticos que no pueden oír una sola palabra negativa sobre ella.

Faltaba nuestra crítica en EXTRACINE sobre ésta película, una aventura que funde con elegancia el Film Noir y el Sci-Fi, pero que bajo mi punto de vista se recuerda mejor que se visiona. Esto es: es mejor película recordándola que viéndola. Continuar leyendo »

Todos los amantes del buen cine estamos de luto. Cyd Charisse murió de un paro cardíaco ayer en Los Ángeles a la edad de 86 años.

Bailarina de piernas largas y perfectas, Cyd Charisse nos deleitó con su belleza y su arte en la época dorada del musical americano. Aunque permanece en el recuerdo su participación en clásicos como Brigadoon o Melodías de Broadway, personalmente prefiero unas escenas que guardo como oro en paño en mi memoria: Ese prodigio de corto carísimo que metieron con calzador en la maravillosa Cantando bajo la lluvia. Su papel de femme fatale le rompió el corazón a Gene Kelly… y a un servidor. Por siempre y para siempre, Cyd Charisse.

Vía: Europa Press

Eddie Felson (barroco Paul Newman) es un pringado, un tirado, un vividor. Un ‘hustler’, o buscavidas. Sólo tiene un don, un don extraordinario para el billar. Es la única cosa que sabe hacer bien. Más que bien, es un genio. En los bajos fondos, en los combates de billar donde se juegan decenas de miles de dólares en una noche, puede que sea el aspirante a campeón mundial de billar.

Pero tiene que demostrarlo. Y para conseguirlo el último escollo es el que todos consideran el mejor, uno al que nadie ha vencido: ‘Minnesota Fats’. Un tipo enorme, interpretado por el gran Jackie Gleason, que puede estar gordo y parecer no muy ágil, pero que alrededor de una mesa de billar despliega unos movimientos que envidiaría un bailarín de ballet.

El combate entre ambos será épico. Al principio estará en juego sólo dinero. Luego la supremacía. Y luego la fuerza de voluntad, la dignidad, la resistencia, la desesperación…Terminarán jugándoselo todo, y poco importa que el cansancio no acabe con ellos, aunque el perdedor salga vivo dejará allí su alma (‘las mesas parecen losas donde enterrar a los jugadores’). Continuar leyendo »

La primera vez que vi À bout de souffle, hace ya una eternidad, me pareció una señora chapuza, para que nos vamos a engañar. Ese montaje entrecortado, esos diálogos de andar por casa,…Pensé que estaba mal rodada.

Pasan los años y uno se va dando cuenta de que encuentra reminiscencias a esa película en la publicidad tanto impresa como televisiva, en el recién consolidado cine independiente y en las supuestas películas modernas europeas de principios de los 90. Empiezo a empaparme de enciclopedias sobre la historia del cine y me enfrento a otras películas de Jean Luc Godard. Cuando en el 94 veo el numerito del baile y las conversaciones dando la espalda a cámara de Pulp Fiction esbozo una sonrisa. Cuando observo que la productora de Tarantino se llama A Band Apart, asiento complacido. Continuar leyendo »

Es curioso, el festival de música avanzada Sónar, siempre adalid de las vanguardias y las últimas tendencias, indaga en esta ocasión en los orígenes del cine para vertebrar su 15ª edición. El Cine más allá del Cine, como se llama la experiencia, aglutina multitud de eventos que nos sumergen en la fascinación por la luz y por las imágenes en movimiento que causaban furor a finales del siglo XIX. Zootropos, Linternas Mágicas, Panoramas, cajas ópticas,… Toda una serie de inventos que simulaban las 3D o sacaban partido a la persistencia retiniana, base de la imagen en movimiento.

El Sónar 2008 llama la atención de los cinéfilos ya desde sus carteles promocionales, que hacen honor a todo un clásico de culto como Freaks de Tod Browning. Veremos así, con nuevos ojos, imágenes antiguas recicladas por los nuevos creadores multimedia. Todo esto, entre los días 19 y 21 de junio en Barcelona.

Vía: Terra Actualidad - EFE

El 30 de abril, exactamente, debería estrenarse la segunda parte de la película más taquillera del año. Así funcionan las cosas en Hollywood, todavía sin guión y con el director Jon Favreau pidiendo calma, lo cierto es que el éxito de la cinta asegura el contrato de los principales protagonistas para dos secuelas más.

Aunque Iron Man se encuadra más al lado de Xmen 2 y Spiderman 2 que de bodrios infumables como Los 4 Fantásticos, Daredevil o The Punisher (El Hulk de Ang Lee vive en un limbo fuera de ambas tendencias) no dejo de pensar en cómo se mueve el engranaje de la industria americana. Continuar leyendo »

Seguimos con la lista que hizo el programa Días de Cine con los mejores directores de la historia. Tras el increíble vídeo sobre Bergman vamos a prestar atención al también brillante reportaje dedicado al ruso Sergei Eisenstein. Si el del director sueco se basaba en la fuerza de las palabras éste se apoya en la fuerza de las imágenes, en el montaje, veamos porque. Tras la revolución rusa Lenin se da cuenta de la importancia del cine como medio propagandístico. Este arte adquiere así mayor importancia que los demás a la hora de ser apoyado por el estado. Se crea La Escuela Estatal de Moscu con una serie de restricciones económicas que devendrá en revolución cinematográfica. La falta de material virgen para rodar empuja a los directores rusos a jugar con material ya existente. Se experimenta con películas como The birth of a nation de D.W. Griffith cortando y pegando una y otra vez. Para cuando el mundo del cine se da cuenta los rusos han marcado el camino a seguir en cuestiones de montaje.

Eisenstein, con sus estudios centrados en esta disciplina, profundiza en ella y desarrolla el llamado montaje dialéctico, donde la unión de dos imágenes pueden inspirar una tercera en la mente del espectador (por ejemplo, ojo y agua hacen pensar en tristeza, en llanto). Dicho esto ya estáis imbuidos por el contexto histórico, prestad ahora atención al vídeo, estoy seguro de que os sorprenderá. Continuar leyendo »

‘Cada quien en su propio palco’, así rezaba el eslogan del primer Drive-in en 1933 tal día como hoy. Creados como una forma económica de ir al cine (25 centavos por persona), los Drive-in eran cines al aire libre donde uno veía la película desde su propio coche. La invención de Richard Milton alcanzó gran popularidad en los años 50 en los Estados Unidos, donde los jóvenes desde sus vehículos se abrían al amor prestando atención a todo menos a la película. Continuar leyendo »

En la página Tccandler encontramos una selección de los 100 mejores carteles de la Historia del Cine. La lista es repasada cada pocos meses y los internautas pueden sugerir nuevas aportaciones. Podéis echar un vistazo y hacernos saber cual os gusta más o si echáis alguno en falta.

Como no aparece ningún ejemplo español o latinoamericano creo que sería interesante buscar buenos carteles dentro de nuestra cinematografía. Por mi parte, recomiendo una de las muchas obras que realizó como cartelista el gran director maldito Iván Zulueta: Furtivos de José Luís Borau. También me gustan mucho los de películas como Los Amantes del Círculo Polar y Lucía y el sexo de Julio Medem, o Hable con ella y Volver de Pedro Almodovar. ¿Cuáles serían vuestros favoritos?.

A finales de 1999 todo el mundo se puso a hacer listas sobre lo mejor y lo peor que nos había dejado el siglo XX. Para el que escribe, una de las más apreciadas fue la que nos regaló el excelente programa Días de Cine de La 2 de Televisión Española sobre los 10 mejores directores del séptimo arte. Más allá de los gustos personales de cada uno, la calidad que atesora el reportaje hace que sea de obligado visionado para toda persona que ame este medio.

Vamos a quedarnos hoy con el apartado dedicado en aquella lista al gran Ingmar Bergman. Veo sin duda en el dramaturgo, guionista, escritor y director sueco una de las mentes más brillantes, intelectualmente hablando, del pasado siglo. Su obra debería ser estudiada, además de en las Escuelas de Cine, en las Facultades de Psicología y Filosofía, al lado de la de ilustres personalidades como Freud o Nietzsche. Aquí tienen la mejor muestra de ello.

La ex-mujer de Cameron no entró en la lista de ayer como la mejor directora de cine de acción, porque ya estaba su ex-marido en la lista, y porque es un trono muy disputado. Pero desde luego se merece quedar muy cerca de la corona, a pesar de que en los últimos tiempos su carrera ha declinado.

Su fama, su prestigio y su talento se han visto confirmados por cuatro títulos. Si bien ninguno es una obra maestra como The terminator, son cuatro películas formidables y consecutivas: Near Dark, Blue Steel, Point Break y Strange Days. El estrepitoso fracaso de ésta última y su condición de mujer directora - que, no nos engañemos, la relegaría de proyectos interesantes en favor de directores masculinos - finalmente pesaron en decisiones posteriores que la han devaluado: The Weight of Water y K-19. Continuar leyendo »

A estas alturas es de todos sabido que la industria del cine se enfrenta a una de las mayores crisis de su historia, sino la mayor. El enorme dinosaurio está empezando a reaccionar lentamente ante el descenso de ingresos, veamos que propone para evitar su extinción.

En los años 50 el cine sufrió en Estados Unidos una recesión en número de espectadores que iba pareja al aumento del número de televisores en las casas. La bonanza económica tras la gran guerra había desplazado a las familias hacia zonas residenciales alejadas del centro de las ciudades, donde se encontraban los cines. Por otro lado el boom de natalidad tras la llegada de los soldados ató aun más a las familias a sus hogares. La Televisión, ese nuevo y atractivo invento, se convirtió en la mejor opción de ocio. La industria del cine reaccionó entonces dando a los espectadores cosas que no podía ofrecer el pequeño tubo catódico. Se establecieron pues en esos años el Cinemascope, el uso del Tecnicolor, las proyecciones en 3D,… Volvemos al siglo XXI ¿Tiene actualmente la industria ases en la manga de aquella magnitud?. Continuar leyendo »

En Hecklerspray han publicado recientemente una lista con las 10 mejores escenas de lucha de todos los tiempos. Por supuesto, se trata de una lista muy personal, pero como creo que es bastante acertada en algunos aspectos, me parece oportuno recomendárosla.

Está claro que para gustos los colores, pelis como Desde Rusia con amor, Kill Bill: Vol. 1, la última King Kong o incluso El diario de Bridget Jones, tienen su hueco en esta lista. Pero me ha llamado la atención, gratamente, el número 1, la mejor escena de lucha del cine. Según los autores, se corresponde a una escena de Están vivos (They Live de John Carpenter). Continuar leyendo »

Hay directores que dan lo mejor de sí mismos cuando están bajo presión (véase Francis Ford Coppola, que cuando hace lo que le da la gana y sin presiones parece como si le faltara algo), otros que necesitan sentirse confiados y libres para poder desarrollar plenamente su talento. No sé cuáles son mejores directores, y a lo mejor nadie lo sabe. Billy Wilder pertenece sin duda al segundo grupo, como le pasó a Alfred Hitchcock.

Esto puede trasladarse a todos los trabajos creativos. Cuando a un intelectual o un artista sensible le rompen la seguridad en sí mismo, puede ser difícil recuperarla. Wilder no supo recuperarse del tremendo fracaso de una de sus más hermosas películas, quizá la más exquisita y arriesgada, The private life of Sherlock Holmes. Continuar leyendo »

Tercera versión de la genial comedia escrita por Ben Hetch y Charles McArthur, que primero dirigió Lewis Milestone en 1931, con Adolphe Menjou y Pat O’Brien, que conoció una segunda versión (una obra maestra esta vez) dirigida por Howard Hawks en 1940, ésta vez titulada His girl friday, con Cary Grant y Rosalind Russell, una gozada insuperable, que Wilder intentó superar (sin conseguirlo, pero quedando cerca), en 1974. Aún conocería otra versión en 1988, dirigida por Ted Kotcheff, bastante digna, la verdad; con Kathleen Turner, el malogrado Christopher Reeve y el siempre infravalorado Burt Reynolds. Continuar leyendo »

Muy pocos realizadores llegan a filmar más de 20 películas. De los pocos que lo hacen, la gran mayoría superan esa cifra luchando toda su vida, soportando severos reveses a su libertad y a su confianza en sí mismos. Ni siquiera conocer un enorme (incluso grandioso, como en el caso de Billy Wilder) éxito en un pasado, le salva a uno de una recta final llena de baches y dificultades.

Ahora, Billy Wilder, creador de algunas obras imperecederas, apenas es conocido por los nuevos espectadores, sólo por los cinéfilos ‘pata negra’ (y no son pocos). Otros prefieren un póster de la versión para cine de Dragon Ball Z, o un vídeo de la absurda Speed Racer, a una retrospectiva sobre su cine. Él era consciente de ésto, de que no sólo su declive era imparable, sino de que algún día sería apenas recordado. Continuar leyendo »

Para recuperarse del brutal batacazo que supuso la estupenda y nada valorada Kiss me, stupid, Wilder, según sus propias palabras, necesitaba sentir que volvía a estar en forma. Tanto él como Diamond se pusieron manos a la obra con uno de los guiones más furiosos que escribirían juntos, que daría lugar a la magnífica The fortune cookie.

Hay mucho en ésta tragicomedia que recuerda a The apartment, sobre todo en esa mezcla de tonos que tan bien le quedó en su obra cumbre, con el añadido de la presencia arrolladora de Matthau, quien por cierto sufrió un ataque al corazón en mitad del rodaje, lo que se percibe en su aspecto más debilitado de las últimas escenas… Continuar leyendo »

El filme número 20 del director austríaco significó el principio del ocaso de su carrera. Así de sencillo. Un año después del taquillazo que significó Irma la dulce, cosecha un fracaso estrepitoso con Kiss me, stupid, por la que la crítica poco menos que le crucificó y el público le dio la espalda.

Sería muy interesante que alguien (yo no creo que tenga tiempo) escribiese un libro sobre lo que significaron los años 60 para directores como Billy Wilder, Alfred Hitchcock y John Ford. Sobre todo en el caso de los dos primeros, los años 60, plenos de cambios industriales y de convulsiones ideológicas, fueron muy duros, viendo cómo sufrían severos fracasos económicos, cómo su confianza en sí mismos se veía puesta tremendamente a prueba y cómo de la noche a la mañana la industria les tachaba de cineastas prematuramente desfasados. Continuar leyendo »